MÓDULO 1 // EL COMISARIO DE ARTE

FUNCIONES PRINCIPALES //
COMISARIO Y ARTISTA // EXPOSICIONES
TIPOLOGÍA DE LAS EXPOSICIONES
1. EL COMISARIO DE ARTE

El comisario de arte representa una figura muy importante para los museos y las salas de
exposiciones. Podemos considerarlo como un “narrador de historias” a través de las formas e
ideas que desarrolla.

También podemos denominar al comisario bajo el término “curator”, que se traduce de

forma literal como cuidador. Si recurrimos al diccionario de la Real Academia Española, el término
comisario no ofrece ninguna definición relacionada con la creación, concepción y organización
de exposiciones. Sin embargo, la palabra curador se acerca al significado artístico que buscamos:
“persona que cura algo, como lienzos, pescados o carnes”, la palabra curar hace referencia a “secar
o preparar algo de forma conveniente para su conservación” o como mencionamos anterior-
mente “cuidar algo, poner cuidado”. Estos términos estarían mas bien destinados al trabajo de un
conservador de arte, que es el responsable de la preservación de los bienes artísticos de una
institución o museo.

Hablaremos de dos tipos de comisarios:

1.El comisario que trabaja por su cuenta (freelance), se ocupará de vender sus proyec-
tos tanto a organismos públicos (centros culturales, museos), como privados (patrocinadores,
galerías de arte).

2.El comisario que desarrolla su trabajo dentro de una institución, forma parte del
organigrama del museo o institución. Estos no necesitan buscar espacios para comisariar, pues
utilizan las salas de la institución o museo que los contrata.

La figura del comisario se centra en varias funciones importantes:

MEDIADOR // EXHIBIDOR // SELECCIONADOR DE ARTE

RESPONSABLE DE QUE LAS PIEZAS DEL COMISARIADO NO SUFRAN

DAÑO O DETERIORO

Es mediador porque sirve de enlace entre los artistas, sus piezas de arte y el especta-
dor, público o visitantes y por consiguiente la sociedad.

Encargado de la selección de piezas, escoge unas y deja fuera otras. La selección no es

neutral, sino que introduce un elemento subjetivo. Es crucial explicar a los espectadores por qué
se han elegido unas piezas de arte y no otras, el por qué se encuentran seleccionados esos
artistas y no otros.
 2. PRINCIPALES FUNCIONES DEL COMISARIO

El comisario no se limita solo a la selección de las obras que formarán parte de una
exposición, una de sus labores primordiales es crear un discurso narrativo coherente y atractivo
con las piezas escogidas. Además el curador no solamente se valdrá de las obras, deberá jugar
también con el espacio expositivo y utilizar otros recursos, que tengan como objetivo transmitir
el mensaje que encierra el discurso expositivo.

Las principales funciones del comisario de arte son:

- Selección de piezas // trabajo mano a mano con los artistas

- Elaboración del discurso narrativo

- Supervisa los contenidos de los textos de la exposición y controla que se ajusten en todo
momento al discurso narrativo

- Elaboración del proyecto de comisariado

- Presentación del proyecto a diferentes organismos e instituciones

- Obtener las piezas, directamente del artista, de colecciones o de galerías

- Confecciona el índice de las piezas, obras o bienes culturales que se exhibirán

- Diseño expositivo

- Participa en la elaboración del guión expositivo, definiendo los recursos expositivos, el

ritmo de la exposición, los recursos estéticos, etc.

- Interviene en la elaboración del catálogo de la exposición

- Plan de comunicación

RESPONSABLE DE ELABORAR EL DISCURSO NARRATIVO // DEL CONCEPTO DE LA

EXPOSICIÓN

ESPECIALISTA EN EL TEMA DEL QUE TRATARÁ LA EXPOSICION // CONOCIMIENTO PLENO DE

LAS OBRAS QUE SE EXHIBIRÁN // DOTAR EL DIRCURSO NARRATIVO DE UN CONTENIDO
ENTENDIBLE A TODOS LOS PÚBLICOS
Otras funciones del comisario de arte son:

Acudir a las inauguraciones de exposiciones y crear vínculos con las personas que nos resulten
interesantes para nuestro proyecto, tomar los contactos de los artistas, comisarios y críticos.
Permanecer atentos a profesionales del medio que aún no conocemos, pues se nos pueden abrir
nuevas posibilidades.

Nuestra mente siempre ha de estar dispuesta a generar ideas y llevarlas a cabo de una manera
creativa y eficiente. Estudiar los temas que están de actualidad y son relevantes en un momento
determinado para la sociedad. Indagar qué artistas son relevantes en este momento.

Seremos conscientes hacia qué público queremos dirigir nuestro proyecto; de nuestra
destreza a la hora de adaptar la información, dependerá que sea comprensible para el espectador
o no.

Los dotes de comunicación es fundamental en esta profesión. Poseer una gran capacidad de
trabajo. Siempre pendientes a todo lo que acontece en nuestro sector. Dinamismo y capacidad de
adaptación. Evitaremos saturarnos, marcando horarios de descanso.

Debemos tener en cuenta que no todos los proyectos saldrán a la luz. La admisión de trabajos en
algunas instituciones será compleja y recibiremos rechazos injustos hacia proyectos que creíamos
de gran interés. Debemos ser constantes y dominar los episodios de frustración.

La publicidad es primordial, tanto el comisario como el proyecto deben estar muy visibles en
redes sociales, generando empatía con otros comisarios y colegas del sector; intentaremos
localizar y vincularnos con los directores de instituciones con el objetivo que nos distingan rápi-
damente y nos tengan ubicados para futuros proyectos.

Capacidad de organización y de dirigir. Es vital saber transmitir a un equipo de trabajo hacia

dónde nos queremos dirigir. No debemos alejarnos de la idea ni del lenguaje artístico, por no
tener los medios de trabajo o el equipo necesario.

Conocimiento en imagen (ojo educado). Aunque tengamos un equipo de diseño gráfico que se
encargue de la ejecución del proyecto final, debemos ser nosotros como comisarios los que
hagamos una maqueta visual de nuestra idea, dominando los conceptos del diseño. Una vez que
la institución nos apruebe el proyecto, contaremos con un equipo de diseño profesional que se
encargue de la cartelería, diseño web, dosier, …en este punto siempre debemos intervenir para
dar el visto bueno, nos verán como la imagen que proyectemos.

Como comisarios, conoceremos las normas de protocolo de cada institución cultural. Pondre-
mos sobre la mesa nuestro proyecto, siendo flexibles con las decisiones que marque la institución
y su sistema de actuación. Registraremos todos los actos con instituciones para esa forma,
aparecer en sus memorias anuales y en artículos de prensa.
 3. COMISARIO Y ARTISTA

El comisario no tiene como objetivo la venta de las piezas de los artistas (de eso ya se
encargan los galeristas), el fin del comisario es la exhibición de la obra.

GALERISTA COMISARIO
VS (EXHIBICIÓN)
(EXHIBICIÓN+VENTA)

El compromiso del comisaro con el artista se desarrolla mientras dure el proceso de

organización de la exposición, y una vez finalizada, se devuelven las piezas al artista y se
termina la relación laboral. Dejaremos claro de nuevo que el comisario no representa ni
tiene la exclusividad de los artistas como puede tenerlo una galería, y tampoco posee una
relación comercial. El comisario se limita a la exhibición de su obra.

Nuestra labor es establecer un mano a mano con el artista. Estaremos en continua colabo-
ración. En las exposiciones individuales buscaremos la complicidad con el artista y un interés
global de su obra.

Comenta Rosa Olivares: “El comisario es un intermediario que ayuda al artista a tener distancia
sobre su propia obra y que puede ver lo que en la producción del creador conecta con las líneas de
pensamiento de su tiempo. El curator conecta con su sensibilidad y ayuda a que el artista crezca”.

Para Aurora García: “El comisario debe ser cómplice absoluto del proyecto, debe relacionarse con
los artistas y entender lo que quiere hacer con sus obras”.

En muchos casos, es el propio artista el que participa en la selección de las obras e incluso en
el montaje, la figura del comisario que en entredicho. Existen casos en los que el artista puede
realizar su propia exposición sin la figura del comisario, simplemente con un coordinador o
ayudante.
4. LAS EXPOSICIONES

Según Philip Hughes (2010), exponer es una tendencia innata del ser humano. En
nuestra propia casa mostramos de una manera informal, los objetos que vamos recopilando
dependiendo de nuestros gustos personales, así damos una visión de quiénes somos a los
demás.

A finales del siglo XVI se construye la Tribuna de los Uffizi en Florencia donde se
expondrán las mejores obras de su colección y el modelo fue imitado en la posteridad.

En el Siglo XVII las familias pudientes organizaban sus obras de arte y curiosidades
para enseñarlas a otras familias; aparecen entonces los “Gabinetes de curiosidades”. Las
primeras colecciones que se exhiben en galerías y museos proceden de estas familias de ricos
propietarios.

En el siglo XVIII las colecciones comienzan a tomar interés y se empiezan a organizar

para ser mostradas al gran público, lo que se hace es concentrarlas en algún palacio para su
exposición. En un principio se colocaban sin orden museográfico, mezclando todo tipo de
cuadros y objetos.

Cuando las colecciones eran importadas, como era el caso de Estados Unidos,
adquirían un valor añadido, pues se dejaba mostrar la cultura foránea. Estas exposiciones
también servían para proporcionar unos valores educativos a la población que paulatina-
mente se estaba volviendo más culta e instruida.

cuarto de maravillas o Gabinete de curiosidades

 Las técnicas de exposición han evolucionado en los últimos 100 años, a mediados del
siglo XIX existían solo las exposiciones estáticas en grandes edificios monumentales. El
modelo actual es mucho más versátil, más rentable, las presentaciones son más comple-
jas, elaboradas, dentro de un marco profesional.

El principal problema que surgía en la instalación y montaje de las obras dentro del
espacio museístico siempre ha sido el de la ordenación. Como hemos dicho antes durante los
siglos XVI al XVIII las antigüedades se colocaban sin ningún orden museográfico. Este sistema
de exposición estuvo vigente hasta mediados del siglo XIX.

La primera galería de arte en el Reino Unido es la Dulwich Picture Gallery. Fue un

momento memorable porque, por vez primera, se introduce desde arriba la luz natural, sin
duda un ejemplo de innovación, ya que todos los edificios cuadrados donde se exponían
piezas, recibían luz de las ventanas

Las instituciones poco a poco comienzan adquirir obras de arte, ahora la gente
acude de forma masiva a sus presentaciones. La sociedad tiene ganas de conocer nuevas
piezas de arte y otras culturas que no puede visitar debido a las dificultades para viajar.

Entre 1948 y 1951, el Museo del Louvre introduce una importante novedad, la
adecuación ex profeso de un espacio (Salón Cuadrado) para una exposición utilizando
elementos decorativos, se exponen las piezas de grandes maestros italianos y españoles.
Comienza a mantenerse el orden de exposición, respetando la composición simétrica, los
grandes lienzos arriaba y los pequeños abajo en sentido decreciente, mejorando así la visibili-
dad el espectador. La escenografía fue respetada también, ya no solo eran importantes las
piezas, sino el ambiente que se generaba alrededor de ellas.

Durante los años 60 y 70 del siglo XX, fue evolucionando depende cada región, en los
países mediterráneos (Francia, Italia y España), primaba la representación estética, en los
países socialistas del Este de Europa una presentación documental, en los anglosajones un
tipo de exposición más técnica y didáctica. En todos los casos se empieza a tener más en
cuenta el público.

En los años 80, con la construcción del Centro Pompidou en París, se intenta
acercar las exposiciones al público, evitar en cierto modo ese carácter elitista, convertir el
lugar en un sitio de paseo y recreación; un entorno claro, luminosos y acogedor para las
instalaciones, que comienzan a generar un público fresco y joven. Sus grandes y diáfanas salas
(sin paredes ni divisiones), lo hacen un espacio versátil para las diferentes exhibiciones. La
discusión en trono a las nuevas propuestas de museología están en plena ebullición.

En la actualidad las exposiciones son cada vez más interactivas, destacando la

utilización de recursos técnicos de última generación. Las exposiciones pugnan por ver cual es
la que tiene mayor repercusión mediática y atrae a más público; el arte hoy día está abierto a
todas las clases sociales.
CENTRE POMPIDOU
Rue Beaubourg, côté Saint-Merri
París

El Centre Pompidou, fue diseñado por los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers
como un “diagrama espacial evolutivo”. Sus características técnicas lo convierten en un
museo ejemplar y único en el mundo.

La liberación del espacio de los grandes planos interiores, plenamente dedicados a las
obras y exhibiciones es uno de sus puntos importantes. Cada uno consta de una
superficie de 7500 m2 libres, sin estructuras importantes, lo que da una versatilidad
increíble a la hora de cambiar su distribución y acondicionamiento
5. TIPOLOGÍA DE LAS EXPOSICIONES

5.1 TIPOLOGÍA ESPACIO – TEMPORAL

Se dividen en:

Exposición permanente: son las “propias” de cada museo, expresa la continuidad en el

trabajo de dicha institución; se encuentra ordenada de forma cronológica en diferentes salas.
En nuestros días, es un concepto de exposición obsoleto. Las nuevas tendencias proponen
mostrar diferentes partes de la colección elaborando un comisariado diferente en cada
ocasión, también se suelen complementar las exposiciones permanentes con las temporales.

Exposición temporal: de duración determinada, es un proyecto más circunstancial y

concreto.

Exposiciones itinerantes: proyectos que se van moviendo durante un tiempo determinado

en diferentes espacios expositivos o instituciones con un esquema de recorrido pactado
previamente.

Exposiciones portátiles: suelen ser de pequeño formato, gran facilidad para el transporte y
montaje.

5.2 TIPOLOGÍA PARTICIPACIÓN DEL PÚBLICO

Pueden ser:

Exposiciones interactivas: el espectador se relaciona con el entorno de la exposición. Por

ejemplo: los muesos de ciencias, instalaciones y salas donde podemos interactuar con las
piezas.

Exposiciones pasivas: son las más comunes, el visitante actúa como un mero espectador.
5.3 TIPOLOGÍA ATENDIENDO AL PÚBLICO RECEPTOR

En 1991 el autor Michael Belcher las resume en tres categorías: emotivas, didácticas y de
entretenimiento.

Exposiciones emotivas: diseñadas y producidas con la intención de provocar una reacción

emotiva en el espectador. Esta categoría la podemos subdividir en :

Exposición estética: la finalidad es que el público aprecie la belleza de las piezas, con una
mínima información y ayuda didáctica, el espectador no debe sentirse “guiado”. Es la más
habitual entre las instituciones públicas y los museos.

Exposición evocativa: tratan de estimular las emociones de los espectadores, creando una
atmósfera teatral y haciéndolos partícipes de la escenografía.

Exposiciones didácticas: dirigidas a la transmisión de información, trata de instruir y educar.

Fomentan en el espectador un proceso de aprendizaje o de reflexión, donde el estímulo
intelectual es muy importante.

Exposiciones de entretenimiento: su objetivo es ofrecer diversión y entretenimiento al

visitante por medio de elementos interactivos, juegos… Son habituales en exposiciones
dedicadas al público infantil.