Thelonious Monk

Nacido en Rocky Mount (Carolina del Norte).

Comenzó a tocar el piano a la edad de seis años y, aunque recibió alguna educación
musical, fue esencialmente un autodidacta; sus primeras influencias fueron dos de los
grandes pianistas de corte stride, James P. Johnson y Willie "The Lion" Smith.
Durante su adolescencia comenzó a trabajar en algunos rent parties tocando el órgano y
el piano en la iglesia bautista. Estudió en el instituto Stuyvesant, aunque nunca llegó a
graduarse.
En 1935, decidió irse de viaje a recorrer el mundo acompañando con el piano a un
predicador evangelista.
Después de dos años, regresó a su ciudad y formó su propio cuarteto, actuando en
diversos clubes hasta que en 1941 el baterista Kenny Clarke lo eligió como pianista de la
casa para tocar en el Minton's Playhouse, el legendario club de Harlem en el que se
engendraría el bebop. Su estilo en la época es descrito como "hard-swinging", con
marcadas influencias de Art Tatum, Duke Ellington, James P. Johnson y otros pianistas.
Durante su estancia en Minton's, Monk fue perfeccionando su estilo único, participando en
sesiones llamadas "cutting competitions", con los más renombrados solistas de la época.
Durante esos años, Monk entró en contacto con músicos como Dizzy Gillespie, Charlie
Parker, Miles Davis, Sonny Rollins, Milt Jackson y John Coltrane, que estaban sentando
las bases del bebop. En 1944 realizó sus primeras grabaciones con el Coleman
Hawkins Quartet. En 1947 grabó por primera vez como líder de su propia banda, y publicó
su LP de debut, Genius of Modern Music, Vol. 1, que mostraba su talento tanto para la
composición como para la improvisación. Ese mismo año se casó con Nellie Smith, y en
1949 el matrimonio tuvo un hijo, T.S. Monk, que sería baterista de jazz. Su hija Barbara
nació en 1953.
Tras grabar varios discos para Blue Note entre 1947 y 1952, firmó un contrato
con Prestige, para la que grabó entre 1952 y 1954 algunos de sus discos más importantes,
incluyendo colaboraciones con el saxofonista Sonny Rollins y con el baterista Art Blakey.
El productor Orrin Keepnews, de Riverside Records, le persuadió de que grabase un disco
con temas de Duke Ellington y otro con estándares, para que su música se hiciese más
accesible al público medio de jazz. En 1956 grabó el clásico Brilliant Corners y a partir del
año siguiente los cambios en su vida se sucedieron.
Monk fue contratado por el Five Spot y allí formaría parte de un cuarteto que contaría con
el saxofonista John Coltrane. Como consecuencia de estas actuaciones, la crítica y el
público de jazz lo reconocerían por fin como un maestro.
El hasta entonces carácter único de su música, que tan difícil era de asumir por una
audiencia que tenía como modelo a Bud Powell, se convirtió en 1957 en un motivo de
admiración. De repente, Monk se convirtió en una celebridad y su estatus no cambiaría
hasta el final de su carrera.
En 1959, su cuarteto contó con la participación del saxofonista tenor Johnny Griffin en
1959 apareció con una orquesta en el Town Hall; en 1962 firmó con Columbia y dos años
después fue portada de la revista Time. Un segundo concierto con orquesta fue celebrado
en 1962, resultando mejor que el primero, por lo que Monk estaría constantemente de gira
durante los años sesenta con su cuarteto, ahora con el tenor Charlie Rouse.
Tocó con los Giants of Jazz durante 1971-1972, y en 1973, repentinamente, se retiró.
Monk padecía de una enfermedad mental y, aparte de unas apariciones especiales a
mediados de los setenta, vivió recluido el resto de su vida.

Discografía

 After Hours at Minton's (1943)

 Genius Of Modern Music: Volume 1 (1947-1948)
 Genius Of Modern Music: Volume 2 (1947-1952)
 Thelonious Monk Trio (1952)
 Monk (1953)
 Thelonious Monk and Sonny Rollins (1953)
 Thelonious Monk plays the Music of Duke Ellington (Riverside Records) (1955)
 The Unique Thelonious Monk (1956)
 Brilliant Corners (1957)
 Thelonious Himself (1957)
 Thelonious Monk with John Coltrane (1957)
 Art Blakey's Jazz Messengers with Thelonious Monk (1957)
 Monk's Music (1957)
 Mulligan Meets Monk (1957, with Gerry Mulligan)
 Blues dfugft (1958)
 Thelonious in Action (1958)
 Misterioso (1958)
 Complete Live at The Five Spot ("Thelonious Monk Qtttiuyy]]) (1958)
 The Thelonious Monk Orchestra at Town Hall (1959)
 5 by Monk by 5 (1958)
 Thelonious Alone in San Francisco (1958)
 Thelonious Monk at the Blackhawk (1960)
 Mance (1961)
 Monk's Dream (1962)
 Criss Cross (1962)
 Monk in Tokyo (1963)
 Mil Monk at Newport (1963, con Miles Davis, no acreditado)
 Big Band and Quartet in Concert (1963)
 It's Monk's Time (1964)
 Monk. (1964)
 Solo Monk (1964)
 Live at the It Club (64)
 Live at the Jazz Workshop (
 Straight, No Chaser
 Underground
 Monk's Blues
 The London Collection
 sddsdsd ("The (1993).
 jidfll (2005)

Algunas de sus Composiciones

 Ask Me Now
 Ba-lue Bolivar Ba-lues-are
 Bemsha Swing (con Denzil Best)
 Blue Hawk
 Blue Monk
 Blue Sphere
 Blues Five Spot
 Boo Boo's Birthday
 Brake´s Sake
 Bright Mississippi
 Brilliant Corners
 Bye-Ya
 Children´s Song
 Coming On The Hudson
 Crepuscule With Nellie
 Criss Cross
 Epistrophy (con Kenny Clarke)
 Eronel (con Idrees Sulieman, Sadik Hakim)
 Evidence
 52nd Street Theme
 Four in One
 Friday the 13th
 Functional
 Gallop´s Gallop
 Green Chimneys
 Hackensack
 Hornin´ In
 Humph
 I Mean You (con Coleman Hawkins)
 In Walked Bud
 Introspection
 Jackie-ing
 Let´s Call This
 Let's Cool One
 Light Blue
 Little Rootie Tootie
 Locomotive
 A Merrier Christmas
 Misterioso
 Monk's Dream
 Monk's Mood
 Monk´s Point
 North of the Sunset
 Nutty
 Off Minor
 Oska T.
 Pannonica
 Played Twice
 Raise Four
 Reflections
 Rhythm-A-Ning
 ´Round Midnight (con Cootie Williams. letras: Bernie Hanighen)
 Ruby, My Dear
 San Francisco Holiday
 Shuffle Boil
 Sixteen
 Skippy
 Something In Blue
 Straight, No Chaser
 Stuffy Turkey
 Teo
 Thelonious
 Think of One
 Trinkle-Tinkle
 Two Timer
 Ugly Beauty
 We See
 Well You Needn't (letras: Mike Ferro)
 Who Knows?
 Work
 Bill Evans (pianista)
Nació y creció en Nueva Jersey.
Evans fue a la Southeastern Louisiana University con una beca de flauta.
Allí recibió clases teóricas, tocó en la banda de música y jugó al fútbol americano. Se
graduó en piano en 1950, comenzó una gira con la Herbie Fields band, pero fue llamado
pronto a filas y terminó tocando en la Fifth Army Band cerca de Chicago. Tras tres años
de servicio, llegó en 1954 a Nueva York, tocando en el cuarteto de Tony Scott y con el
guitarrista Mundell Lowe. En esta época comenzó estudios de posgrado en el Mannes
College, donde se encontró con el compositor George Russell y sus teorías sobre jazz
modal.
Hacia 1956, había grabado ya su primer álbum como líder para la compañía Riverside,
New Jazz Conceptions, todavía dominado por el estilo bebop del maestro de pianistas
Bud Powell, pero presentando ya la que iba a ser su composición más conocida, «Waltz
for Debby», que había escrito durante su estancia en el ejército.
Su primer disco como líder y el primer trabajo en el formato de trío que se iba a asociar
a su nombre: piano, contrabajo y batería. Sale al mercado en enero de 1957 y pese a las
buenas críticas solo vendió ochocientas copias durante el primer año.

En poco tiempo tocó con Charles Mingus, Art Farmer, Lee Konitz y Oliver Nelson y
más tarde, en el año 1958, recibió el «Premio al pianista revelación». De todas sus
colaboraciones, las más significativas fueron con George Russell (arreglista), Art
Farmer y Hal McKusick en Concerto for Billy The Kid.

En la primavera de 1958, Evans comenzó una colaboración de ocho meses con el Miles
Davis Sextet, ejerciendo una poderosa influencia sobre Davis. Aunque abandonó al
trompetista en el otoño, exhausto por las presiones y ansioso de formar su propio grupo,
estuvo profundamente involucrado en la planificación y ejecución del disco Kind of
Blue (editado en 1959), contribuyendo con ideas sobre el estilo, la estructura y la
improvisación de tipo modal, y colaborando en varias de las composiciones. Kind of
Blue —el mayor éxito de ventas nunca obtenido por un disco de jazz acústico—
contiene las que quizá son las más conmovedoras interpretaciones de la carrera de
Evans. Miles Davis dijo que el trabajo entero se había organizado alrededor del piano de
Bill Evans.

A Bill Evans se le reconoce también haber equilibrado el formato del trío de piano de
jazz, dotándolo de una nueva alineación revolucionaria en la que todos los componentes
comparten el protagonismo sonoro en el conjunto de la ejecución. En este período
 también graba dos álbumes con Cannonball Adderley, también miembro de la banda de
Davis en esta época.

Evans volvió a la escena como líder en diciembre de 1958 con el álbum Everybody
Digs Bill Evans, que incluye el famoso tema "Peace Piece". Su imagen quedó
completamente definida cuando trabajó junto con Paul Motian (batería) y Scott La Faro
(contrabajista). Este trío reinventó el concepto de interpares dando tanto protagonismo
al contrabajo como al piano, rompiendo los conceptos de instrumento solista y
acompañantes. Con este grupo, Evans se convirtió en una estrella. El 25 de junio de
1961, Evans, junto a Motian y La Faro grabó en el Village Vanguard su primer disco en
directo, Sunday at the Village Vanguard que se convirtió en un referente del trío de jazz
moderno y una fuente de inspiración para los pianistas de jazz.3

Por desgracia, La Faro murió prematuramente a los 25 años. Diez días después de
grabar Sunday at the Village Vanguard, el coche que conducía La Faro se salió de la
carretera y falleció en el acto. Evans dejó de tocar durante un año. Algunos afirmaron
haberle visto por las calles de Nueva York con la ropa de La Faro.

Regresó la primavera siguiente con Chuck Israels como bajista; tocó en dúo con el
guitarrista Jim Hall y en una sesión de swing en quinteto, Interplay, con Hall y el
trompetista Freddie Hubbard.

Tras grabar con Verve en 1962, Evans fue animado por el productor Creed Taylor a
continuar grabando en los más variados formatos: con la big band de Gary McFarland,
con una orquesta con arreglos de Claus Ogerman, con Stan Getz, etc. En 1975 y 1976
grabó un par de discos a dúo con Tony Bennett, por los que ganó un Grammy. El
experimento más destacable fue Conversations With Myself, una sesión en la que Evans
tocó un segundo y un tercer piano sobre el primero. Su única concesión al emergente
jazz-rock fue tocar eventualmente el piano eléctrico Fender Rhodes durante la década de
1970. Luego, su carrera está vinculada a numerosos tríos. Tras pasar por Verve, Evans
grabaría para Columbia (1971-1972), Fantasy (1973-1977) y Warner Bros (1977-1980).
Su último trío con Marc Johnson y Joe La Barbera ha sido considerado el mejor desde el
que formó con Scott La Faro y Paul Motian.

Murió debido a una insuficiencia hepática y a una hemorragia interna provocadas por la
adicción a la heroína y a la cocaína.

Según atestiguan sus biógrafos, al final de su vida, hundido por el suicido de su

hermano, el pianista quiso dedicarse exclusivamente a la música, aceptando todas las
invitaciones que le llegaban para tocar en clubs, teatros o festivales (en una gira europea
de 24 días, su trío con Johnson y La Barbera tuvo 21 actuaciones).

Discografía

Como líder
Año Álbum Músicos Sello
1956 New Jazz Conceptions Trio with Teddy Kotick (bass), Paul Motian (drums) Riverside
1956-57 Tenderly: An Informal Session Practice tape with Don Elliott (vibraphone and Milestone
Año Álbum Músicos Sello
vocal percussion)
1958 Everybody Digs Bill Evans Trio with Sam Jones (b), Philly Joe Jones (d) Riverside
1959 On Green Dolphin Street Trio with Paul Chambers (b), Philly Joe Jones (d) Milestone
Quartet with Bob Brookmeyer (piano), Percy Heath United
1959 The Ivory Hunters
(b), Connie Kay (d) Artists
1959 Portrait in Jazz Trio with Scott LaFaro (b), Paul Motian (d) Riverside
1961 Explorations Trio with Scott LaFaro (b), Paul Motian (d) Riverside
1961 Sunday at the Village Vanguard Live - Trio with Scott LaFaro (b), Paul Motian (d) Riverside
1961 Waltz for Debby Live - Trio with Scott LaFaro (b), Paul Motian (d) Riverside
Herbie Mann (flute) and Bill Evans Trio with Chuck
1961-62 Nirvana Atlantic
Israels (b), Paul Motian (d)
United
1962 Undercurrent Duo with Jim Hall (guitar)
Artists
1962 Moon Beams Trio with Chuck Israels (b), Paul Motian (d) Riverside
1962 How My Heart Sings! Trio with Chuck Israels (b), Paul Motian (d) Riverside
Quintet with Freddie Hubbard (trumpet), Jim Hall
1962 Interplay Riverside
(g), Percy Heath (b), Philly Joe Jones (d)
1962 Empathy Trio with Monty Budwig (b), Shelly Manne (d) Verve
Quintet with Zoot Sims (tenor sax), Jim Hall (g),
1962 Loose Blues Milestone
Ron Carter (b), Philly Joe Jones (d)
1963 The Solo Sessions, Vol. 1 Solo Milestone
1963 The Solo Sessions, Vol. 2 Solo Milestone
1963 The Gary McFarland Orchestra Orchestra with Special Guest Soloist: Bill Evans Verve
1963 Conversations with Myself Solo - Grammy Award winner Verve
Plays the Theme from The
1963 with orchestra conducted by Claus Ogerman MGM
V.I.P.s and Other Great Songs
1963 Time Remembered Live - Trio with Chuck Israels (b), Larry Bunker (d) Milestone
1963 At Shelly's Manne-Hole Live - Trio with Chuck Israels (b), Larry Bunker (d) Riverside
1964 Trio '64 Trio with Gary Peacock (b), Paul Motian (d) Verve
Quartet with Stan Getz (tenor sax), Richard
1964 Stan Getz & Bill Evans Verve
Davis/Ron Carter (b), Elvin Jones (d)
1964 The Bill Evans Trio "Live" Live - Trio with Chuck Israels (b), Larry Bunker (d) Verve
Singer Monica Zetterlund & trio with Chuck Israels
1964 Waltz for Debby Philips
(b), Larry Bunker (d)
1965 Trio '65 Trio with Chuck Israels (b), Larry Bunker (d) Verve
Bill Evans Trio with Symphony Trio with Chuck Israels (b), Larry Bunker/Grady
1965 Verve
Orchestra Tate (d). Orchestra conducted by Claus Ogerman
1966 Bill Evans at Town Hall Live- Trio with Chuck Israels (b), Arnold Wise (d) Verve
1966 Intermodulation Duo with Jim Hall (g) Verve
1966 A Simple Matter of Conviction Trio with Eddie Gómez (b), Shelly Manne (d) Verve
Further Conversations with
1967 Solo Verve
Myself
1967 California Here I Come Live - Trio with Eddie Gomez (b), Philly Joe Jones Verve
Año Álbum Músicos Sello
(d)
Bill Evans at the Montreux Jazz Live - Trio with Eddie Gomez (b), Jack DeJohnette
1968 Verve
Festival (d) - Grammy Award winner
1968 Bill Evans Alone Solo - Grammy Award winner Verve
Live at Art D'Lugoff's Top of the
1968 Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Resonance
Gate
Quartet with Jeremy Steig (flute), Eddie Gomez (b),
1969 What's New Verve
Marty Morell (d)
1969 Autumn Leaves Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Lotus
1969 Jazzhouse Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Milestone
1969 You're Gonna Hear From Me Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Milestone
1970 From Left to Right with orchestra conducted by Michael Leonard MGM
1969 Quiet Now Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Charly
1970 Montreux II Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) CTI
Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) -
1971 The Bill Evans Album Columbia
Grammy Award winner
1972 Living Time with George Russell Orchestra Columbia
1972 Momentum Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Limetree
1973 The Tokyo Concert Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Fantasy
Live and studio - Solo, and duo with Eddie Gomez
1973-5 Eloquence Fantasy
(b)
1973 Half Moon Bay Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Milestone
1974 Since We Met Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Fantasy
1974 Re: Person I Knew Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Fantasy
Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d), and
1974 Symbiosis MPS
orchestra conducted by Claus Ogerman
Live - Stan Getz (tenor sax) and Bill Evans Trio
1974 But Beautiful Milestone
with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d)
Blue in Green: The Concert in
1974 Live - Trio with Eddie Gomez (b), Marty Morell (d) Milestone
Canada
1974 Intuition Duo with Eddie Gomez (b) Fantasy
The Tony Bennett / Bill Evans
1975 with singer Tony Bennett Fantasy
Album
1975 Montreux III Live - Duo with Eddie Gomez (b) Fantasy
1975 Alone Again Solo Fantasy
Quintet with Harold Land (tenor sax), Kenny Burrell
1976 Quintessence Fantasy
(g), Ray Brown (b), Philly Joe Jones (d)
1976 Together Again with singer Tony Bennett Improv
Quintet with Lee Konitz (alto sax), Warne Marsh
1977 Crosscurrents Fantasy
(tenor sax), Eddie Gomez (b), Eliot Zigmund (d)
Trio with Eddie Gomez (b), Eliot Zigmund (d) -
1977 I Will Say Goodbye Fantasy
Grammy Award winner
Warner
1977 You Must Believe in Spring Trio with Eddie Gomez (b), Eliot Zigmund (d)
Bros.
Año Álbum Músicos Sello
Live - Trio with Michael Moore (b), Philly Joe Jones
1978 Getting Sentimental Milestone
(d)
Warner
1978 New Conversations Solo
Bros.
Quintet with Toots Thielemans (harmonica), Larry
Warner
1979 Affinity Schneider (flute; alto & tenor sax), Marc Johnson
Bros.
(b), Eliot Zigmund (d)
1979 Marian McPartland's Piano Jazz Radio Broadcast: Special guest Bill Evans Fantasy
Quintet with Tom Harrell (trumpet), Larry Schneider
Warner
1979 We Will Meet Again (soprano & tenor sax), Marc Johnson (b), Joe
Bros.
LaBarbera (d) - Grammy Award winner
Live - Trio with Marc Johnson (b), Joe LaBarbera
1979 Homecoming Milestone
(d)
Live - Trio with Marc Johnson (b), Joe LaBarbera Elektra
1979 The Paris Concert: Edition One
(d) Musician
Live - Trio with Marc Johnson (b), Joe LaBarbera Elektra
1979 The Paris Concert: Edition Two
(d) Musician
Turn Out the Stars: The Final Live - Trio with Marc Johnson (b), Joe LaBarbera
1980 Nonesuch
Village Vanguard Recordings (d)
Live - Trio with Marc Johnson (b), Joe LaBarbera
1980 Letter to Evan Dreyfus
(d)
Live - Trio with Marc Johnson (b), Joe LaBarbera
1980 Turn Out the Stars Dreyfus
(d)
The Last Waltz: The Final Live - Trio with Marc Johnson (b), Joe LaBarbera
1980 Milestone
Recordings (d)
Consecration: The Final Live - Trio with Marc Johnson (b), Joe LaBarbera
1980 Milestone
Recordings Part 2 (d)

Recopilaciones
Año Álbum Notas Sello
197 2-LP reissue of 1962 Riverside releases Moon
The Second Trio Milestone
7 Beams, How My Heart Sings!
2-LP reissue of 1956 Riverside release New Jazz
198 Conceptions, with 6 bonus tracks, 5 of them solo
Conception Milestone
1 sessions (1958, 1962), 4 of them (1962) and the final
track trio recording (1958) previously unreleased
198 The "Interplay"
Milestone
2 Sessions
The Complete
199
Riverside 12-CD box set Riverside
1
Recordings
199
The Best of Verve Verve
5
The Complete
199
Fantasy 9-CD box set Fantasy
6
Recordings
199 The Secret Recorded at the Village Vanguard 1966-1975 - 8-CD
Milestone
6 Sessions box set
199 The Complete Bill
18-CD box set Verve
7 Evans on Verve
From various sessions with various musicians
199
Piano Player recorded 1956-1971 Columbia
8
Includes 6 duos with Eddie Gomez (b)
200 Bill Evans' Finest
Verve
1 Hour
200 The Best of Bill
Various sessions and sources Riverside
4 Evans
200 Bill Evans for
Various sessions and sources Verve
4 Lovers
The Complete
200
Village Vanguard 3-CD box set Riverside
5
Recordings, 1961
We Will Meet
200 Warner
Again - The Bill 2-CD box set
5 Bros.
Evans Anthology
The Complete
200
Tony Bennett/Bill 2-CD box set Fantasy
9
Evans Recordings
Essential
201
Conception Reissue of 1981 Milestone release Conception Jazz
4
Classics

Como sideman
Con Jerry Wald

 Jerry Wald and his Orchestra (1953)

 Listen to the Music of Jerry Wald (1955)
Con Lucy Reed

 The Singing Reed (1955)

Con Dick Garcia

 A Message from Garcia (1955)

Con George Russell

 The Jazz Workshop (1956)

 Brandeis Jazz Festival (1957)
 New York, N.Y. (1959)
 Jazz in the Space Age (1960)
Con Tony Scott

 The Touch of Tony Scott (1956)

 The Complete Tony Scott (1956)
 The Modern Art of Jazz (1957)
 Free Blown Jazz (1957)
 My Kind of Jazz (1957)
 Golden Moments (1959)
 I'll Remember (1959)
 Sung Heroes (1959)
Con Don Elliot

 Tenderly: An Informal Session (Milestone, 1956-7 [2001])

 Eddie Costa, Mat Mathews & Don Elliott at Newport (Verve, 1957)
 The Mello Sound of Don Elliot (Decca, 1958)
Con Joe Puma

 Joe Puma Trio and Quartet (1957)

Con Charles Mingus

 East Coasting (1957)

Con Jimmy Knepper

 A Swinging Introduction to Jimmy Knepper (1957)

Con Sahib Shihab

 Jazz Sahib (Savoy, 1957)

Con Idrees Sulieman

 Roots (New Jazz, 1957) with the Prestige All Stars

Con Pepper Adams

 The Soul of Jazz Percussion (1960) incluye 3 temas con el Donald Byrd-Pepper
Adams Sextet con Evans, Paul Chambers, Philly Joe Jones y Earl Zindars
Con Eddie Costa

 Guys and Dolls Like Vibes (1958)

Con Helen Merrill

 The Nearness of You (1958)

Con Hal McKusick

 Cross Section Saxes (1958)

Con Miles Davis

 1958 Miles (1958)

 Kind of Blue (1959)
Con Michel Legrand

 Legrand Jazz (1958)

Con Cannonball Adderley

 Portrait of Cannonball (1958)

 Jump for Joy (1958)
 Know What I Mean? (1961)
Con Art Farmer

 Modern Art (United Artists, 1958)

Con Chet Baker

 Chet Baker Introduces Johnny Pace (Riverside, 1958) [not credited]

 Chet (Riverside, 1959)
 Chet Baker Plays the Best of Lerner and Loewe (Riverside, 1959)
Con Bill Potts

 The Jazz Soul of Porgy and Bess (1959)

Con Lee Konitz

 Live at the Half Note (Verve, 1959)

 Lee Konitz Meets Jimmy Giuffre (Verve, 1959) con Jimmy Giuffre
 You and Lee (Verve, 1959)
Con Manny Albam/Teo Macero

 Something New, Something Blue (1959)

Con Warne Marsh

 The Art of Improvising (1959)

Con John Lewis

 Odds Against Tomorrow (1959)

 Jazz Abstractions (1960) con Gunther Schuller & Jim Hall
Con Frank Minion

 The Soft Land of Make Believe (1960)

Con Kai Winding

 The Great Kai & J. J. (1960) con J. J. Johnson

 The Incredible Kai Winding Trombones (1960)
Con Oliver Nelson

 The Blues and the Abstract Truth (Impulse! 1961)

Con Mark Murphy

 Rah! (1961)
Con Dave Pike

 Pike's Peak (Epic, 1962)

Con Tadd Dameron

 The Magic Touch (Tadd Dameron album) (Riverside, 1961)

Con Benny Golson

 Pop + Jazz = Swing (Audio Fidelity, 1961) - también publicado como Just Jazz!
 McCoy Tyner
Tyner nació en Filadelfia, siendo el mayor de tres hermanos. Su madre lo animó a
estudiar piano. Finalmente, comenzó a estudiar piano a la edad de 13 años y, dos años
más tarde, la música se había convertido en el centro de su vida. Sus primeras
influencias incluyen a Bud Powell, uno de los principales pianistas del bebop y vecino
de McCoy en Filadelfia.

Tyner apareció en público por primera vez con Benny Golson, siendo el primer pianista
en el legendario Jazztet de Golson y Art Farmer. Tras dejar el Jazztet, Tyner se unió al
grupo de John Coltrane (hacía tiempo que Coltrane conocía a Tyner, y había incluido
una de las composiciones del pianista, “The Believer” en una grabación de 1958).
Tyner tocó en la popular grabación del saxofonista de “My Favourite Things” para
Atlantic Records. El cuarteto de Coltrane, que consistía en Coltrane en el saxo tenor,
Tyner, Jimmy Garrison en el bajo y Elvin Jones en la batería, realizó conciertos casi sin
descanso entre 1961 y 1965, y grabó una serie de álbumes clásicos, incluyendo Live at
the Village Vanguard, Ballads, Live at Birdland, Crescent, A Love Supreme, y The John
Coltrane Quartet Plays ..., todos ellos en el sello Impulse!

Tyner grabó un conjunto de álbumes muy influyentes. Mientras estaba en el grupo de

Coltrane, grabó una serie de importantes álbumes (principalmente en la forma de trío de
piano) para el sello Impulse!, comenzando con Inceptión (1962), que muestra la
habilidad de Tyner como compositor. En esa misma época apareció como acompañante
en muchos álbumes editados por el sello Blue Note Records.[cita requerida]

Tras dejar el grupo de Coltrane, Tyner comenzó una serie de álbumes post-bop editados
en el sello Blue Note Records, en el período 1967-1970 (The Real McCoy, 1967;
Tender Moments, 1967; Expansions, 1968; Extensions, 1970). Poco después, se pasó al
sello Milestone y grabó muchos álbumes influyentes, incluyendo Sahara (1972),
Enligthenment (1973), y Fly With The Wind (1976), que incluía al flautista Hubert
Laws, el batería Billy Cobham, y una orquesta de cuerda.

Su música para Blue Note y Milestone a menudo tomaba como punto de partida la
música del cuarteto de Coltrane, a la vez que incorporaba elementos de la música
africana y oriental. En Sahara, por ejemplo, Tyner toca un koto, además del piano,
flauta, y la percusión. Estos álbumes se citan a menudo como ejemplos de jazz
novedoso y vital, que no son ni fusión, ni free jazz. Trident (1975) es notorio por el
hecho de que Tyner toca el clave (raramente oído en jazz) y la celesta, además del
piano.
Citado a menudo como una influencia en músicos de jazz más jóvenes, Tyner todavía
graba y da conciertos regularmente. Desde los años 80 y durante los 90 toco con un trío
que incluía a Avery Sharpe en el bajo y Aaron Scott en la batería. Grabó tres discos
maduros pero vibrantes para Blue Note, comenzando con Revelations (1988) y
terminando con Soliloquy (1991).

Entre otras cosas, la forma de tocar de Tyner se puede distinguir por el uso del bajo con
la mano izquierda, ya que tiende a levantar el brazo relativamente alto por encima del
teclado para un ataque enfático. La forma de interpretar solos con la mano derecha de
Tyner es reconocida por una cualidad de staccato y arpeggios descendentes, tanto de
una forma triádica como en otros patrones. Su enfoque de la forma de tocar los acordes
(característicamente en cuartas), ha ejercido influencia en una enorme cantidad de
pianistas de jazz.

Tyner fue un musulmán sunní por un tiempo, comenzando a los 18 años. Su nombre
musulmán era Sulaimon Saud.3 Estuvo casado, y tuvo tres hijos. Su hermano, Jarvis
Tyner, ocupa un puesto de liderazgo en el Partido Comunista Estadounidense.

Falleció en Nueva Jersey a los 81 años, el 6 de marzo de 2020. La noticia se difundió a

través de las redes sociales.

Discografía

 Inception - 1962 - Impulse!

 Great Moments with Mccoy Tyner - 1962 - Impulse!
 Nights of Ballads and Blues - 1963 - Impulse!
 Today and Tomorrow - 1963 - Impulse!
 Live at Newport - 1963 - Impulse!
 Reaching Fourth - 1963 - Impulse!
 McCoy Tyner Plays Ellington - 1964 - Impulse!
 The Real McCoy - 1967 - Blue Note
 Tender Moments - 1967 - Blue Note
 Time for Tyner - 1968 - Blue Note
 Expansions - 1968 - Blue Note
 Cosmos - 1969 - Blue Note
 Extensions - 1970 - Blue Note
 Asante - 1970 - Blue Note
 Sahara - 1972 - Milestone/OJC
 Song for My Lady - 1972 - Milestone/OJC
 Echoes of a Friend - 1972 - Milestone/OJC
 Song of the New World - 1973 - Milestone/OJC
 Enlightenment - 1973 - Milestone/OJC
 Sama Layuca - 1974 - Milestone/OJC
 Atlantis - 1974 - Milestone/OJC
 Trident - 1975 - Milestone/OJC
 Fly with the Wind - 1976 - Milestone/OJC
 Focal Point - 1976 - Milestone
 Four Times Four - 1976 - Milestone
 Supertrios - 1977 - Milestone
 Inner Voices - 1977 - Milestone
 The Greeting - 1978 - Milestone
 Passion Dance - 1978 - Milestone
 Together - 1978 - Milestone
 Horizon - 1979 - Milestone
 4 X 4 - 1980 - Milestone
 13th House - 1981 - Milestone
 La Leyenda de La Hora - 1982 - Columbia
 Looking Out - 1982 - Columbia
 Dimensions - 1984 - Elektra
 It's About Time - 1985 - Blue Note
 Double Trios - 1986 - Denon
 Bon Voyage - 1987 - Timeless
 Tribute to John Coltrane - 1987 - Impulse!
 Live at the Musicians Exchange Cafe - 1987 - Who's Who In Jazz
 What's New? - 1987 - WestWind
 Revelations - 1988 - Blue Note
 Uptown/Downtown - 1988 - Milestone
 Live at Sweet Basil, Vol. 1 - 1989 - KING Records
 Live at Sweet Basil, Vol. 2 - 1989 - KING Records
 Things Ain't What They Used to Be - 1989 - Blue Note
 Soliloquy - 1991 - Blue Note
 Remembering John - 1991 - Enja
 New York Reunion - 1991 - Chesky
 44th Street Suite - 1991 - Red Baron
 Key of Soul - 1991 - Sweet Basil
 The Turning Point - 1991 - Verve
 Just Feelin' - 1991 - Palo Alto
 Hot Licks: Giant Steps - 1993 - Sound Solutions
 Journey - 1993 - Verve
 Manhattan Moods - 1993 - Blue Note
 Solar: McCoy Tyner Trio Live at Sweet Basil - 1993 - Compose
 Prelude and Sonata - 1994 - Milestone
 Infinity - 1995 - Impulse!
 Live in Warsaw - 1995 - Who's Who In Jazz
 Autumn Mood - 1997 - Delta
 What the World Needs Now: The Music of Burt Bacharach - 1997 - GRP
 McCoy Tyner & the Latin All-Stars - 1999 - Telarc
 McCoy Tyner with Stanley Clarke & Al Foster - 2000 - Telarc
 Immortal Concerts: Beautiful Love - 2000 - Giants of Jazz
 At the Warsaw Jamboree - 2000 - Starburst
 Jazz Roots: McCoy Tyner Honors Jazz Piano Legends of the 20th Century - 2000 - Telarc
 McCoy Tyner Plays John Coltrane: Live at the Village Vanguard - 2001 - Impulse!
 Live in Warsaw: Lady From Caracas - 2001 - TIM
 Port au Blues - 2002 - Past Perfect
 Suddenly - 2002 - Past Perfect
 Land of Giants - 2003 - Telarc
 Hip Toe: Live at the Musicians Exchange Cafe 1987 - 2004 - Universe
 Modern Jazz Archive [live] - 2004 - Membran International
 Illuminations - 2004 - Telarc
 Counterpoints: Live in Tokyo - 2004 - Milestone
 Warsaw Concert 1991 - 2004 - Fresh Sounds
 McCoy TYNER Quartet - 2007 - Half Note Records
 Guitars - 2008 - Ryko
 Solo, Live From San Francisco - 2009 - Half Note Records

Como sideman
Con Curtis Fuller

 Imagination (Savoy, 1959)

 Images of Curtis Fuller (Savoy, 1960)
Con Art Farmer y Benny Golson

 Meet the Jazztet (Argo, 1960)

Con Freddie Hubbard

 Open Sesame (1960)

 Goin' Up (1960)
 Ready for Freddie (1961)
 Blue Spirits (1964)
Con Julian Priester

 Spiritsville (Jazzland, 1960)

Con John Coltrane

 Like Sonny (Tracks with Tyner rec. 1960)

 Coltrane's Sound (1960, released 1964)
 Coltrane Jazz (only on “Village Blues”) (1961)
 My Favorite Things (1961)
 Olé Coltrane (1962)
 Coltrane Plays the Blues (1962)
 The Coltrane Legacy (Atlantic compilation of outtakes, 1970)
 Africa/Brass (1961)
 Live! at the Village Vanguard (1961)
 Coltrane (1962)
 Ballads (1963)
 John Coltrane and Johnny Hartman (1963)
 Impressions (1963)
 Live at Birdland (1963)
 Crescent (1964)
 A Love Supreme (1964)
 To the Beat of a Different Drum (1965)
 The John Coltrane Quartet Plays (1965)
 Ascension (1965)
 New Thing at Newport (1965)
 Kulu Sé Mama (1965)
 Meditations (1965)
 Om (1965)
 Gleanings (1965)
 Transition (1970)
 Sun Ship (1971)
 First Meditations (1977)
 Living Space (1998)
Con Joe Henderson

 Page One (1963)

 In 'N Out (1964)
 Inner Urge (1964)
Con Art Blakey

 A Jazz Message (1964)

Con Wayne Shorter

 Night Dreamer (1964)

 Juju (1964)
 The Soothsayer (1965)
Con Grant Green

 Matador (1964)
 Solid (1964)
Con J. J. Johnson

 Proof Positive (1964) (appears on only 1 track)

Con Lee Morgan

 Tom Cat (1964)

 Delightfulee (1966)
Con Stanley Turrentine

 Mr. Natural (1964)

 Rough 'n' Tumble (1966)
 Easy Walker (1966)
 The Spoiler (1966)
 A Bluish Bag (1967)
 The Return of the Prodigal Son (1967)
Con Milt Jackson

 In a New Setting (Limelight, 1964)

 Spanish Fly (1964)
Con Hank Mobley

 A Caddy for Daddy (1965)

 A Slice of the Top (1966)
 Straight No Filter (1966)
Con Sonny Stitt

 Loose Walk (1966)

Con Donald Byrd

 Mustang! (1966)
Con Bobby Hutcherson
 Stick-Up! (1966)
 Solo / Quartet (1982)
Con Lou Donaldson

 Lush Life (1967)

Con Blue Mitchell

 Heads Up! (1968)

Con Sonny Rollins, Ron Carter y Al Foster

 Milestone Jazzstars in Concert (1978)

Con John Blake, Jr.

 Maiden Dance (1983)

Con Woody Shaw, Jackie McLean, Cecil McBee y Jack DeJohnette

 One Night with Blue Note|One Night with Blue Note Preserved Volume Two (1985)
Con George Benson

 Tenderly (1989)
Con Avery Sharpe

 Unspoken Words (1989)

Con David Murray

 Special Quartet (1990)

 Bill Evans: A Tribute, 1982, Palo Alto
 Chick Corea
Armando Anthony Corea (Chelsea, Massachusetts, EE.UU., 12 de junio de 1941),
conocido como Chick Corea, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz,
ganador de 20 premios Grammy.
Corea es muy conocido por su trabajo durante la década de 1970 en el género de jazz
fusión. En los años 1960, participó en el nacimiento de esta corriente como miembro de la
banda de Miles Davis, y posteriormente creó el grupo Return to Forever, formando equipo
con otros virtuosos instrumentistas.
A lo largo de los años 1980 y 90 prosiguió con sus colaboraciones con otros músicos,
como Gary Burton. Junto a Herbie Hancock y Keith Jarrett, Corea es considerado
generalmente como uno de los más influyentes pianistas posteriores a Bill Evans y McCoy
Tyner. Su manera de tocar en ciertos aspectos recuerda a la de Herbie Hancock, aunque
Corea mantiene un estilo peculiar. Además, es compositor de varios estándares del
jazz: Spain, 500 miles high, Armando's rhumba, La Fiesta y Windows.
También es conocido por ser un importante miembro de la iglesia de la Cienciología.
Corea empezó a tocar el piano a la edad de cuatro años; sus primeras influencias en el
jazz fueron Horace Silver y Bud Powell.
Fue adquiriendo experiencia tocando en las bandas de Mongo Santamaría y Willie
Bobo (1962-1963), Blue Mitchell (1964-1966), Herbie Mann, y Stan Getz. Su primera
grabación como líder fue en 1966, Tones for Joan's Bones, y su álbum en trío en 1968
(con Miroslav Vitous y Roy Haynes) Now He Sings, Now He Sobs se considera ya un
clásico.
Después de un breve intervalo de tiempo con Sarah Vaughan, Corea formó parte del grupo
de Miles Davis para reemplazar gradualmente a Herbie Hancock, y permaneció con Davis
durante un periodo muy importante de la banda (1968-1970).
Persuadido por Davis, comenzó a tocar el piano eléctrico, y podría oírse en álbumes
como Filles de Kilimanjaro, In a Silent Way, Bitches Brew y Miles Davis at the Fillmore.
Cuando dejó a Davis, Corea comenzó a tocar jazz de vanguardia con su grupo Circle,
cuarteto con Anthony Braxton, Dave Holland y Barry Altschul.
Lo hizo hasta finales de 1971, cuando de nuevo cambio su estilo eléctrico: al dejar Circle,
Corea tocó brevemente con Stan Getz y luego formó Return to Forever, un grupo de jazz
fusión, con Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira y Flora Purim.
En un año, Corea (con Clarke, Bill Connors, y Lenny White) convirtió Return to Forever en
un grupo que practicaba una fusión enérgica. Tras una breve estancia de Earl Klugh para
las actuaciones, el guitarrista Al Di Meola sustituyó a Connors en 1974.
Aunque la música del grupo tenía una fuerte inspiración roquera, sus improvisaciones eran
marcadamente jazzísticas, y el estilo de Corea podía reconocerse incluso entre toda la
electrónica.
Cuando RTF desaparece a finales de los 70s, Corea mantuvo el nombre para algunas
actuaciones de big band al lado de Clarke. Durante los años siguientes, profundizó en el
piano clásico con una gran variedad de planteamientos: giras a dúo con
el vibrafonista Gary Burton y con Herbie Hancock, un cuarteto con Michael Brecker, tríos
con Miroslav Vitous y Roy Haynes, homenajes a Thelonious Monk, e incluso algo de
música clásica.
En 1985, Chick Corea formó un nuevo grupo, The Elektric Band, integrado por el
bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson (en el primer disco de la banda, luego
reemplazado definitivamente por Frank Gambale), el saxofonista Eric Marienthal y el
baterista Dave Weckl.
Para equilibrar su música, años más tarde formó su Akoustic Band con Patitucci y Weckl.
A principios de los 90, Patitucci formó su propio grupo y el personal cambió, pero Corea
continuó liderando interesantes grupos (incluido un cuarteto con Patitucci y Bob Berg).
Durante 1996-1997, Corea formó parte de un quinteto estelar en el que estaban Kenny
Garrett y Wallace Roney y que tocaba versiones actualizadas de composiciones de Bud
Powell y Thelonious Monk, a la vez que mantenía un sexteto llamado "Origin", que incluía
al contrabajista Avishai Cohen.Ha colaborado con Paco De Lucía.

Discografía

Solo y colaboraciones
 Tones for Joan's Bones (1966).
 Inner Space (1966).
 Now He Sings, Now He Sobs (1968).
 Is (1969).
 Sundance (1969).
 Filles De Kilimanjaro, por Miles Davis (1969).
 The Song of Singing (1970).
 Piano Improvisations Vol. 1 (1971).
 Piano Improvisations Vol. 2 (1971).
 The Leprechaun (1976).
 My Spanish Heart (1976).
 Land of the Midnight Sun, por Al Di Meola (1976).
 The Mad Hatter (1978).
 An Evening With Herbie Hancock & Chick Corea: In Concert (1978).
 Secret Agent (1978).
 Friends (1978).
 Electric Guitarist, por John McLaughlin (1978).
 Delphi I (1979).
 CoreaHancock (1978).
 Tap Step (1980).
 Live in Montreux (1981).
 Three Quartets (1981).
 Touchstone (1982).
 Trio Music (1982).
 Again & Again (1983).
 On two pianos (1983, con Nicolas Economou).
 The Meeting (1983, con Friedrich Gulda).
 Children's Songs (1984).
 Fantasy for Two Pianos with Friedrich Gulda (1984).
 Voyage - with Steve Kujala (1984).
 Septet (1985).
 Trio Music Live in Europe (1987).
 Chick Corea Featuring Lionel Hampton (1988).
 Play (1992, con Bobby McFerrin).
 Seabreeze (1993).
 Expressions (1993).
 The Best of Chick Corea (1993).
 Time Warp (1995).
 The Mozart Sessions (1996, con Bobby McFerrin).
 Remembering Bud Powell (1997).
 Like Minds (1998, Gary Burton, Chick Corea, Pat Metheny, Roy Hanes, Dave Holland).
 Solo Piano - Originals (2000).
 Solo Piano - Standards (2000).
 New Trio: Past, Present & Futures (2001).
 Selected Recordings Chick Corea: rarum III (2002).
 Rendezvous In New York (2003).
 The Ultimate Adventure (2006).
 The Enchantment (2007, con Béla Fleck).
 Duet (2009, con Hiromi Uehara).
 Orvieto (ECM, 2011) con Stefano Bollani
 Forever (2011).
 Further Explorations (2012) con Eddie Gomez y Paul Motian
 Hot House (2012) con Gary Burton
 The Vigil (2013) con Hadrien Feraud, Marcus Gilmore, Tim Garland y Charles Altura
 Trilogy (2013) (Universal, 3CD en vivo).
Con Gary Burton
 Crystal Silence (1972).
 Duet (1979).
 In Concert, Zürich (1980).
 Lyric Suite for Sextet (1982).
 Native Sense - The New Duets (1997).
Con Circle
 Circulus (1970).
 Early Circle (1970).
 Circle Gathering (1970).
 Circle Live in Germany (1970).
 ARC (1970).
 Circle - Paris Concert (1971).
Con Return to Forever
 Return to Forever (1972).
 Light as a Feather (1972).
 Hymn of the Seventh Galaxy (1973).
 Where Have I Known You Before (1974).
 No Mystery (1975).
 Romantic Warrior (1976).
 MusicMagic (1977).
 RTF Live (1978).
Chick Corea Elektric Band
 Chick Corea Elektric Band (1986).
 Light Years (1987).
 Eye of the Beholder (1988).
 Inside Out (1990).
 Beneath the Mask (1991).
 Elektric Band II: Paint the World (1993).
 To the Stars (2004).
Chick Corea & Origin
 Live at The Blue Note (1998).
 A Week at The Blue Note (1998).
 Change (1999).
 Crea Concerto (1999).
Chick Corea's Akoustic Band
 Chick Corea Akoustic Band (1989).
 Alive (1991).
 Live from Blue Note Tokyo (2000).
 Summer Night - live (1^
 Summer CACA
Con Five Peace Band
 Five Peace Band Live (2009). John McLaughlin, Christian McBride, Kenny Garrett y
Brian Blade.

 Álbum "Filles De Kilimanjaro", por Miles Davis, "Columbia Records", 1969.

 Álbum "Land of the Midnight Sun", por Al Di Meola, "Columbia Records", 1976.
 Álbum "Electric Guitarist", por John McLaughlin, "Columbia Records", 1978.
 Álbum "The Best of Chick Corea", por Chick Corea, "EMI"/"Blue Note", 1993.
 Joey Calderazzo
Joseph Dominick Calderazzo (nacido el 27 de febrero de 1965) es un pianista de jazz
y hermano del músico Gene Calderazzo . Tocó extensamente en bandas lideradas
por Michael Brecker y Branford Marsalis , y también ha dirigido sus propias bandas.

Calderazzo nació en New Rochelle, Nueva York . Comenzó a estudiar piano clásico a
los ocho años. Su hermano, Gene, hizo que se interesara por el jazz. Estudió
con Richard Beirach y en la década de 1980 continuó sus estudios en Berklee College of
Music y Manhattan School of Music . Al mismo tiempo, jugaba profesionalmente
con David Liebman y Frank Foster . [1]

En una clínica de música conoció al saxofonista Michael Brecker y se convirtió en parte

de su quinteto a partir de 1987.
En 1990, firmó con Blue Note Records.
Bracker producjo el primer álbum de Calderazzo, In the Door, que incluía a Jerry
Bergonzi y Branford Marsalis, el compañero de cuarto de su hermano en Boston.
Tocaron en su segundo álbum, To Know One, que incluía a Dave Holland y Jack
Dejohnette.
Calderazzo apareció en los álbumes de Brecker Tales from the Hudson y Two Blocks
from the Edge como pianista y compositor. Tocó el teclado en Buckshot LeFonque
deMarsalis y contribuyó a su álbum Music Evolution . Cuando el pianista Kenny
Kirkland murió en 1998, Calderazzo asumió su lugar en el Branford Marsalis
Quartet . [2] En 1999 grabó a Joey Calderazzo con John Patitucci y Jeff 'Tain'
Watts . [4] Tocó en los álbumes de Marsalis Contemporary Jazz , Footsteps of Our
Fathers ,Romare Bearden Revealed , Eternal y en el DVD Coltrane's 'A Love Supreme'
Live in Amsterdam . La composición de Calderazzo "Hope" aparece en Braggtown .
Fue uno de los primeros músicos en firmar con Marsalis Music , propiedad de Branford
Marsalis. Haiku , su primer álbum en solitario, apareció en 2002. Su
álbum Amanacer contó con la cantante Claudia Acuña y el guitarrista Romero
Lubambo . En 2011, él y Marsalis formaron un dúo y grabaron Songs of Mirth y
Melancholy .
Calderazzo desarrolló el síndrome del túnel cubital en 2017, lo que provocó
entumecimiento en dos dedos de la mano derecha. [5]Después de la cirugía y el
descanso, pudo volver a jugar como antes.
Discografía

Como líder / colíder

Año
registrado Título Etiqueta Notas

Con Branford Marsalis (saxo soprano,

saxo tenor), Jerry Bergonzi y Michael
Brecker(saxo tenor), Jay
1990 En la puerta Nota azul
Anderson (bajo), Peter Erskine y Adam
Nussbaum (batería), Don
Alias (percusión) [6]
Con Branford Marsalis (saxo soprano,
saxo tenor), Jerry Bergonzi (saxo
1991 Para conocer uno Nota azul
tenor), Dave Holland (bajo), Jack
DeJohnette (batería) [6]
Trio, con John Patitucci y Jay
Anderson (bajo; por separado); Peter
1993? El viajero Nota azul
Erskine y Jeff Hirshfield (batería; por
separado)
1995? Misterios AudioQuest Con varios, de trío a octeto
1996? Nuestras Normas Gowi
Trio, con Sylvain Gagnon (bajo), Jeff
1997? Simplemente Música Gráfico perdido
"Tain" Watts (batería)
Columbia / Sony Trio, con John Patitucci (bajo), Jeff
1999 Joey Calderazzo
Music "Tain" Watts (batería)
2002 Haiku Música de Marsalis Piano solo
La mayoría de las pistas solo de
piano; dúo de una pista con Romero
2006 Amanecer Música de Marsalis Lubambo(guitarra); dúo de una pista
con Claudia Acuña (voz); trio de dos
pistas, con Lubambo y Acuña
Canciones de alegría y Música Dúo, codirigido con Branford
2011?
melancolía de EmArcy / Marsalis Marsalis (saxofones)
Trio, con Orlando le Fleming (bajo),
2011 En Vivo Lado soleado
Donald Edwards (batería); en concierto
Solo de piano de una pista; el trío de la
mayoría de las pistas, con Orlando le
2015? Ir a casa Lado soleado Fleming(bajo), Adam Cruz (batería); un
cuarteto de pistas, con Branford
Marsalis (saxo tenor) añadido
2017 En vivo desde The Tiempo de puntos Trio, con Orlando le Fleming (bajo),
 Cotton Club, Tokio,
Donald Edwards (batería); en concierto
Volumen I

Como sideman

Año registrado Líder Título Etiqueta

1990? Michael Brecker Ahora lo ves ... (Ahora no lo ves) GRP

1996 Jerry Bergonzi Empresa rápida Jackel azul

1996 Michael Brecker Cuentos del Hudson ¡Impulso!
1998 Michael Brecker Dos cuadras del borde ¡Impulso!
1999 Branford Marsalis Jazz Contemporáneo Sony Music
2001 Branford Marsalis Huellas de nuestros padres Música de Marsalis
2001-2002 Jeff "Tain" Watts Charla de bar Columbia
2003 Branford Marsalis Romare Bearden revelado Música de Marsalis
2003? Branford Marsalis A Love Supreme: Live in Amsterdam Música de Marsalis
2003 Branford Marsalis Eterno Música de Marsalis
2010? Håkan Broström Refracción El arte de la vida
2011 Branford Marsalis Cuatro MF tocando melodías Música de Marsalis
2016? Branford Marsalis Espiral ascendente OKeh
2018? Kurt Elling Las preguntas OKeh
2018? Branford Marsalis El secreto entre la sombra y el alma OKeh
 Michel Camilo
Compuso su primera canción a los 6 años. Alumno del Colegio de la Salle y también con
estudios de Medicina estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional de Música
(República Dominicana), que culminó con una cátedra; a los 16 años se convirtió en
miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional Dominicana. Con la idea de ampliar su
horizonte musical, se trasladó a Nueva York en 1979, donde siguió con sus estudios en
"Mannes y Juilliard School of Music".
Un pianista con ritmos caribeños y armonías de jazz; su composición "Why not!" se
convirtió en un éxito grabado por Paquito D'Rivera en uno de sus álbumes, que fue
ganador de un Grammy (1993) en la versión vocal de los Manhattan Transfer. Sus dos
primeros álbumes fueron: Why Not! y Suntan/Michel Camilo in Trio.
Camilo debutó en el Estados Unidos en el Carnegie Hall en 1985 con su trío y en 1986 en
festivales europeos como líder. Desde entonce, se ha presentado periódicamente
en Estados Unidos, El Caribe, Japón y Europa.
En diciembre de 1987 debutó como Director de Orquesta, cuando la National Symphony
Orchestra de la República Dominicana le invitó a dirigir obras de Rimsky-
Korsakov, Beethoven, Antonin Dvorak y "The Goodwill Games Theme", composición suya
por la que ganó en los Premios Emmy. Ese mismo año fue director musical en el Heineken
Jazz Festival en República Dominicana, puesto en el que permaneció hasta 1992.
En noviembre de 1988 lanzó su álbum Michel Camilo (Sony) bajo el sello discográficoSony
Music. El álbum estuvo en el primer puesto del "Top Jazz Album" durante ocho semanas
consecutivas. Su segundo lanzamiento, On Fire, fue votado entre los Tres Mejores
Álbumes de Jazz del Año por Billboard y su tercera grabación, On the Other Hand, estuvo
entre los diez primeros de la lista Jazz Albums. Las tres grabaciones fueron primeros en
las listas de radio a escala nacional.
En 1991, Camilo se presentó por tercer año consecutivo en el Carnegie Hall, por segunda
vez en el Newport Jazz Festival, y estuvo por tercera vez de gira en Japón. Su trabajo
"Caribe" fue grabado por las pianistas Katia y Marielle Labeque y por Dizzy Gillespie. Fue
presentado como solista, arreglista y compositor de la Danish Radio Big Band, el mismo
año realizó una gira especial a tres pianos en Francia con Katia y Marielle Labeque donde
ejecutaron un repertorio de música académica y jazz.
En 1992 hizo el estreno mundial de "Rhapsody for Two Pianos and Orchestra", un encargo
de la Orquesta Filarmónica de Londres, interpretada por Katia y Marialle Labeque en el
Royal Festival Hall. Camilo también fue invitado a tocar con la Orquesta Sinfónica de
Atlanta el "Concierto en Fa Mayor para Piano" de Gershwin, y un repertorio de jazz en trío.
También hizo una extensa gira en el Caribe, Sudamérica, Europa y Japón. Ese mismo
año, Michel fue premiado con dos galardones: Professor Emeritus de su Alma Mater: la
Universidad Autónoma de Santo Domingo; y "Knight of the Heraldic Order of Christopher
Columbus" por el Gobierno.
En 1993, lanzó su álbum Rendezvous (Columbia) y realizó giras en Estados Unidos,
Europa y Japón. Este álbum fue elegido entre los Top Jazz Albums del año por Gavin
Report y el Billboard. Le invitaron a tocar en All-Star Gala en la Casa Blanca, ocasión de la
celebración del 40 Aniversario del Newport Jazz Festival; este concierto fue emitido por la
PBS a escala nacional como parte de "In Performance At The White House". Fue solista
invitado con la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana, donde interpretó
el mismo concierto que el año anterior con la Orquesta Sinfónica de Atlanta. El Clearwater
Jazz Holiday le entregó el "International Jazz Award" y fue invitado como jurado en el
prestigioso Great American Jazz Piano Competition en Jacksonville, Florida.
Compuso la música para dos películas españolas dirigidas por Emilio Martínez-
Lázaro: Los peores años de nuestra vida y la galardonada Amo tu cama rica estrenada en
Madrid y proyectada posteriormente en festivales de cine europeos y americanos. Lanzó
su álbum One More Once (Columbia/Sony). Hizo una gira por Japón, Venezuela, El Caribe
y Estados Unidos; tocó en NPR's "A Jazz Piano Christmas", invitado por Tony Bennett;
tocó con su banda de 17 componentes y también intervino con un concierto especial a tres
pianos de Jazz y Clásica con las pianistas Katia y Marielle Labeque. Además, tocó como
solista con la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico.
En 1995, Camilo se dedicó a diversos proyectos como actuaciones regulares en festivales
de Jazz con su Trio, conciertos en solo, su colaboración en el último CD de Katia
Labeque, Girl Blue, o la composición de la banda sonora de Two Much, del
director Fernando Trueba y ganadora de un Oscar.
En 1996, Camilo hizo una serie de conciertos de piano con motivo de la celebración de
Capital Cultural Europea en Copenhague. También hizo su debut de Piano Solo en el
Kennedy Center y el Carnegie Hall. Hizo una gira en Japón y Francia, así como en El
Caribe, con su Trío. También actuó en Nueva York en el Blue Note, Iridium, Radio City
Music Hall y Avery Fisher Hall en el JVC Jazz Festival. Posteriormente, actuó
en Israel, España, México, la República Dominicana y Suiza, donde hizo su debut en el
prestigioso auditorio Tonhalle de Zúrich como parte de "Jazz Piano Masters".
En 1997, Camilo hizo actuaciones especiales en el MIDEM (Cannes, Francia) y MIDEM
LATINO (Miami) y el Seminario GAVIN (Nueva Orleans), presentando su álbum Thru my
eyes (TropiJazz/RMM). Fue también invitado especial con la Carnegie Hall Jazz Band en
una noche de "Gershwin: A Portrait in Jazz" en el Carnegie Hall e intervino como solista
invitado con la Copenhagen Philharmonic y la Queens Symphony Orchestra interpretando
"Rhapsody in Blue" de Gershwin. Hizo una gira en Europa y Japón con su Trío, Solo piano
y conciertos en Dúo con el guitarrista flamenco Tomatito; y produjo el álbum del cantante y
compositor francés Nilda Fernández, Innu Nikamu (EMI). The Duke Ellington School of the
Arts en Washington, D.C. creó la beca Michel Camilo Piano otorgada al mejor estudiante
de piano seleccionado por la facultad de música.
El año 1998 comenzó con giras de Michel Camilo Solo, Dúo y Trío en Estados
Unidos, Japón y Europa. Michel Camilo tocó con Katia y Marielle Labeque, en un Recital
Especial de Piano a Tres en la ciudad de México. Ese año codirigió artísticamente el
primer "Latin-Caribbean Music Festival" en el Kennedy Center para las Artes Teatrales en
Washington D.C., actuaciones con su Trío y la Big Band, así como el estreno mundial del
Piano Concerto con la National Symphony Orchestra dirigida por Leonard Slatkin (un
encargo de la National Symphony Orchestra). También actuó como invitado solista en una
"Gershwin Celebration" con la Long Island Philharmonic dirigida por David Lockington.
Michel Camilo acudió a los festivales de Jazz de verano en Europa, produjo el
álbum Lorquiana (BMG) para la cantante española Ana Belén; en esa temporada, actuó
como artista invitado con la Orquesta Sinfónica de Málaga e hizo recitales de Piano Solo,
así como conciertos a dúo con el guitarrista flamenco Tomatito.
En 1999, además de sus conciertos habituales con el Trío en los festivales de Jazz
europeos, hizo una gira de conciertos a dúo: con el conocido pianista de jazz
cubano Chucho Valdez en festivales de jazz europeos y canadienses, y con el guitarrista
flamenco Tomatito en Japón, Suiza y El Caribe. Michel hizo su debut con la Cleveland
Orchestra dirigida por Leonard Slatkin en el Blossom Music Festival donde interpretó su
Piano Concerto así como Rhapsody in Blue de Gershwin. Hizo el mismo programa con la
Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana dirigida por Carlos Piantini y en
noviembre actuó como solista, artista invitado, con la Copenhagen Philharmonic dirigida
por Giordano Bellincampi donde interpretó su "Piano Concerto" y "Piano Concerto in F" de
Gershwin.
El año 2000 trajo a Camilo dos premios: su álbum Michel Camilo & Tomatito -
Spain (Verve/Universal) que cuenta con guitarra flamenca y piano en dúo, fue galardonado
con un Grammy como "Mejor Álbum de Jazz Latino"; y recibió un Doctorado en Música por
el prestigioso Berklee College of Music (Boston). Hizo una gira en España con Tomatito,
un concierto en Trío para el New Jersey Chamber Society y estrenó su trabajo "Mañana"
(un poema de Federico García Lorca) interpretado por el Western Wind Vocal Ensemble
como parte de "A Musical Celebration of the Millennium" galardón otorgado por la
Chamber Music America. En verano, Michel actuó como solista invitado con la National
Symphony Orchestra y estrenó "Tango for Ten" –escrita para diez pianos– como parte del
programa del "Piano Festival 2000!" en el Kennedy Center para las Artes Escénicas.
También tocó con su Trío, así como a dúo con Tomatito y Chucho Valdés en el Carnegie
Hall, en el Puerto Rico Heineken Jazzfest, Klavier Ruhr Festival y los principales festivales
europeos y japoneses. Michel Camilo interviene con su Trío en la película Calle 54, un
documental dirigido por Fernando Trueba, en la que se describen once artistas de jazz
latino.
En el año 2006, Michel Camilo grabó la segunda parte de su álbum Spain titulada Spain
Again también a dúo con el guitarrista flamenco Tomatito.
Además de sus actividades como compositor y pianista, Michel Camilo ha sido invitado a
dar conferencias y actuaciones en numerosas universidades y colegios en Estados
Unidos, como por ejemplo New York University, Berklee College of Music (Boston), M.I.T.,
William Paterson College (Nueva Jersey) y Puerto Rico Conservatory, así como en
Dinamarca, España y Suiza.
Sus influencias son amplias, desde Art Tatum, Oscar Peterson y McCoy Tyner –cuya
música le llevó al jazz– hasta Chick Corea, Bill Evans, Ahmad Jamal, Sonny Clark, Keith
Jarrett y Erroll Garner (que se puede apreciar en sus álbumes). Y también la música
clásica, desde Beethoven a Chopin, Debussy o el compositor cubano Ernesto Lecuona.
Otra de sus actuaciones destacadas sucedió en Madrid, el 13 de abril de 2018, en el
Auditorio Nacional, interpretando "Rhapsody in Blue", bajo la dirección de la mexicana
Alondra de la Parra.

Discografía
 2016 - Spain Forever
 2013 - What's Up?
 2011 - Mano a mano
 2009 - Caribe
 2007 - Spirit of the Moment
 2006 - Spain Again
 2006 - Rhapsody in Blue
 2005 - Solo
 2003 - Live at the Blue Note
 2002 - Triángulo
 2001 - Piano Concerto, Suite & Caribe
 2001 - Calle 54 (Soundtrack)
 2000 - Spain
 1997 - Thru My Eyes
 1997 - Hands of Rhythm (Giovanni Hidalgo)
 1996 - Two Much (Soundtrack)
 1994 - One More Once
 1993 - Rendezvous
 1991 - Amo tu cama rica (Soundtrack)
 1990 - On the Other Hand
 1989 - On Fire
 1988 - Michel Camilo
 1986 - Suntan
 1985 - Why Not?
 N/A - From Within
 Oscar Peterson
Oscar Peterson (Montreal, 15 de agosto de 1925-Mississauga, 23 de diciembre de 2007)
fue un pianista canadiense de jazz.
Su estilo, formado durante los años cuarenta como en el caso de otros pianistas
como Erroll Garner y George Shearing, oscila entre el swing y el bop, y se engloba dentro
de la tendencia clasicista o tradicional del jazz. Seguidor de Art Tatum, se trata de un
pianista acústico de gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad
y con una gran habilidad para el swing, independientemente del tempo de ejecución. Son
elogiadas tanto sus interpretaciones en grupos pequeños como acompañando a cantantes,
aunque sus mejores momentos sean como solista.
Aunque subestimado, Peterson es también compositor. Por ejemplo, escribió y grabó la
afamada "Canadiana Suite" en 1964. Varias de sus propias obras las ha grabado
con piano eléctrico. Excepcionalmente vocalista, su voz recuerda mucho a la de Nat King
Cole.
Aunque su padre era ferroviario, no le quitaba tiempo para su afición a la música,
motivando al pequeño Oscar para volcarse a ella. De esta manera empezó a recibir
lecciones de piano clásico a los seis años y aprendió con gran rapidez. Tras ganar un
concurso para jóvenes talentos a los 14 años, empezó a trabajar en un espectáculo
semanal de la radio de Montreal. Peterson tuvo sus primeras experiencias musicales
serias tocando con la orquesta de Johnny Holmes.

De 1945 a 1949, grabó 32 temas para Victor en Montreal. Se trata de interpretaciones en

trío que muestran a un Peterson cómodo con el boogie-woogie, del que se apartaría
pronto, y con el estilo próximo al swing de Teddy Wilson y Nat King Cole. Aun joven, su
técnica era ya muy admirada por los aficionados y críticos.

El productor Norman Granz descubrió a Peterson en 1949 y pronto lo promocionó como

una de las jóvenes promesas de su conjunto de músicos para espectáculos de jam
session Jazz At The Philharmonic, con el cual debuta a fines de ese año. Peterson grabó
en 1950 una serie de dúos teniendo como compañeros en el contrabajo a Ray Brown y
a Major Holley. Su versión de «Tenderly»" se convirtió en un éxito. Su fama se acrecentó
en 1952 cuando formó un trío con el guitarrista Barney Kessel y con Brown. Kessel fue
reemplazado más adelante por Herb Ellis. Este trío fue uno de los grupos de jazz más
importantes entre 1953 y 1958. En 1958, cuando Ellis abandonó el grupo, se decidió
prescindir de la guitarra y se unió un batería, Ed Thigpen.2 El trío Peterson-Brown-Thigpen
(que estuvo trabajando hasta 1964), a diferencia del anterior, propició un mayor
protagonismo del piano de Peterson.
En 1960, Peterson fundó la Advanced School of Contemporary Music en Toronto.
Peterson grabó su primer disco en solitario en 1968. Durante su estancia en el sello de
Granz, trabajó con el guitarrista Joe Pass y el bajo Niels-Henning Ørsted Pedersen.
Apareció en docenas de grabaciones con otras estrellas, hizo cinco discos en dúo con
importantes trompetistas (Dizzy Gillespie, Roy Eldridge, Harry "Sweets" Edison, Clark
Terry y Jon Faddis), y tocó con Count Basie en duelos pianísticos.

Otras versiones del trío contaron con baterías como Louis Hayes (1965-66), Bobby
Durham (1967-70), Ray Price (1970) y con bajos como Sam Jones (1966-70), George
Mraz (1970) y Martin Drew (1974-2004).3

En 1974, formó su nuevo trío con el bajo Niels-Henning Ørsted Pedersen y Drew. A este
trío se uniría más tarde, Joe Pass, para formar un cuarteto.3 Una grave afección
cardiovascular en 1993 lo dejó fuera de combate durante dos años. Desde entonces,
regresó gradualmente a escena, aunque su mano izquierda había quedado afectada.
Murió el 23 de diciembre de 2007, con 82 años en su casa
de Mississauga en Ontario (Canadá).

Discografía

 1952: The Oscar Peterson Quartet, No. 1 (Verve)

 1952: Oscar Peterson Plays Duke Ellington [Verve]
 1952: Oscar Peterson Plays George Gershwin (Verve)
 1952: Oscar Peterson Plays Irving Berlin (Mercury)
 1952: Oscar Peterson Plays Richard Rodgers (Clef)
 1955: At Zardi's [live] (Pablo)
 1955: Oscar Peterson Plays the Count Basie Songbook (Clef)
 1956: At the Stratford Shakesperean Festival [live] (Verve)
 1957: The Oscar Peterson Trio And... (Verve)
 1957: At the Concertgebouw [live] (Verve)
 1958: The Oscar Peterson Trio at the Concertgebouw [live] (Verve)
 1958: On the Town (Verve)
 1959: Oscar Peterson Plays the Cole Porter Songbook (Verve)
 1959: The Jazz Soul Of Oscar Peterson (Verve Records)
 1959: Oscar Peterson Plays The Harry Warren and Vincent Youmans
Songbook (Verve Records)
 1959: Oscar Peterson Plays The Jerome Kern Songbook (Verve Records)
 1960: Plays Irving Berlin (Clef Records)
 1960: Firello (Verve Records)
 1962: Night Train, Vol. 1 (Verve)
 1962: Something Warm (Verve)
 1964: Oscar Peterson Trio Plus One (Verve)
 1964: The Oscar Peterson trio In Concert - Live Recording, Ljubljana (M.C.R.
Productions)
 1965: Oscar Peterson Plays for Lovers (Prestige)
 1965: With Respect to Nat (Verve)
 1968: My Favorite Instrument (Verve)
 1969: Hello, Herbie (Most Perfect Sound)
 1970: Tracks (Verve)
 1972: Reunion Blues (Polygram)
 1972: Oscar Peterson Trio - Another Day (Most Perfect Sound)
 1973: Oscar Peterson Featuring Stephane Grappelli (Prestige)
 1973: The Trio [Pablo]
 1974: Peterson/Gilles (Pablo)
 1974: Satch and Josh (Pablo)
 1974: Great Connection - with Nils Ørsted Pedersen & Louis Hayes (Most Perfect
Sound)
 1974: Oscar Peterson & Roy Eldridge (Pablo/OJC)
 1974: Oscar Peterson & Harry Edison (Pablo/OJC)
 1975: Oscar Peterson & Clark Terry (Original Jazz Classics)
 1975: Oscar Peterson & John Faddis (Original Jazz Classics)
 1980: Live at the North Sea Jazz Festival 1980 [Pablo]
 1981: Nigerian marketplace (Pablo)
 1983: Two of the Few (Pablo/OJC)
 1986: Oscar Peterson with Harry Edison & Eddie Vinson (Pablo)
 1994: Side by Side (Oscar Peterson and Itzhak Perlman)
 1995: The More I See You (Telarc)
 1996 Oscar Peterson Meets Roy Hargrove and Ralph Moore
 1996: Pianiste magicien du clavier
 1999: Live at the Blue Note (Telarc)
 1999: Olympia, 1963 - The Champs Élysées, 1964 [live] (Trema)
 Robbie Buchanan
Robbie Buchanan (nacido en 1957) es
un tecladista, compositor, arreglista y productor canadiense.
Buchanan, oriundo de Vancouver, comenzó a tocar el piano a los seis años. Tuvo su
primer concierto como pianista a los doce años tocando seis noches a la semana
en Dawson City, Yukón. Cuando todavía era un adolescente, Buchanan se unió a una
banda llamada Soul Unlimited, por sugerencia de su amigo Tom Baird. En los años que
siguieron, Buchanan finalmente se mudó a Los Ángeles, California, para escribir música
con Carl Graves.
En 1978, Buchanan interpretó a un pianista en la película La rosa.

Discografía

 Born to Love arreglos y sintetizador: «Comin' Alive»

 George Duke
George Duke (San Rafael, 12 de enero de 1946 - Los Ángeles, 5 de agosto de 2013)1 fue
un pianista estadounidense. Empezó a trabajar en los años 1960 con un trío de jazz, luego
trabajó con gente como Dizzy Gillespie o Kenny Dorham.

A finales de los años sesenta entró en la banda de Don Ellis, y grabó con Jean-Luc Ponty.
Por medio de este conoció a Zappa, y entró en los Mothers en 1970. Dejó el grupo
después de rodar 200 Motels, y entró en la banda de Cannonball Adderley.

En 1973, volvió al grupo de Zappa hasta 1975, al tiempo que lanzaba su carrera como
solista. Con el tiempo fue evolucionando desde el jazz a la fusión, al pop y al funk.

Formó un exitoso dúo funky con Stanley Clarke, y se dedicó a producir a gente como Miles
Davis y otras figuras. Era primo de Dianne Reeves.
Murió el 5 de agosto de 2013 a causa de una leucemia crónica.

Álbumes en que aparece

 Chunga's Revenge órgano, piano eléctrico, imitaciones vocales de la batería, trombón

 Frank Zappa's 200 Motels teclados y trombón
 Waka/Jawaka piano, piano eléctrico
 The Grand Wazoo teclados, voces
 Over-Nite Sensation teclados y sintetizador
 Apostrophe (') teclados y voces
 Roxy & Elsewhere teclados, sintetizador, voces
 One Size Fits All teclados, sintetizadores, voces
 Bongo Fury teclados, voces
 Studio Tan teclados, voces
 Sleep Dirt teclados
 Them Or Us voz, piano
 You Can't Do That On Stage Anymore Vol. 1 teclados, voz
 You Can't Do That On Stage Anymore Vol. 2 teclados, voz
 You Can't Do That On Stage Anymore Vol. 3 teclados, voz
 You Can't Do That On Stage Anymore Vol. 4 teclados, voz
 You Can't Do That On Stage Anymore Vol. 6 teclados
 Playground Psychotics diálogo
 The Lost Episodes teclado
 Läther teclados, voces
 Frank Zappa Plays The Music Of Frank Zappa, a memorial tribute teclados y voces
 Have I Offended Someone? teclados y sintetizador