Historia del Arte

Clase 08
U n i v e r s a l
 o A bs t r a c t o
Expresionism

Elaborado por:
 cto
Expresionismo Abstra
(s.XX)
-Valoran lo accidental y tienen intensidad de
-Tiene un cromatismo bastante limitado, y se propósito.
-Tiene preferencia por los formatos grandes. usa más el blanco y el negro.
-Predomina el trazo gestual en las expresiones,
-Representan rasgos de angustia y conflicto. además de un gran dinamismo.
-Se trabaja principalmente con pintura de
sintética como el acrílico, el esmalte y el óleo -Usan manchas y líneas llenas de ritmo.
sobre lienzos. -Rechazan el convencionalismo estético, pero
tienen libre expresión y subjetiva del
-Son motivos abstractos, aunque los trazos inconsciente.
figurativos también suelen aparecer.

-Realizan cobertura de las superficies para

significar un campo abierto sin límites.

Elaborado por:
Jackson Pollock
(Cody 1912 - Nueva York 1956)

Ritmo de otoño
1950
266 x 525 cm.
Metropolitan Museum of Art
Nueva York-EEUU

Pollock consiguió fue nada menos que crear el primer estilo 100% estadounidense: lo que se conoce como expresionismo abstracto.

Hijo de granjero, Pollock pasó su infancia en Wyoming, Arizona y California. Al final, sabía que si no podía ir a París, un artista debía ir al menos a Nueva York y ahí estudió en el Art Students League, donde conoció
la pintura de los muralistas mexicanos, y al Greco, además de desarrollar su carrera paralela: la de alcohólico. Empezó con obras figurativas, pero al final de los años 30 empezó a interesarse por la pintura
abstracta, que le permitió desarrollar su arte, Pero en 1947 algo cambió. La leyenda habla de accidentes (bote de pintura derramado en el lienzo, salpicaduras….). Sea como sea Pollock«creó» el llamado dripping:
en lugar de utilizar caballete y pinceles como Dios manda, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él dejaba gotear la pintura. Los críticos americanos, deseosos de un arte puramente estadounidense empezaron a
apoyar este nuevo estilo. Pero no sólo los crítico. Es llamativo que en plena Guerra Fría la CIA financió este movimiento. Grandes lienzos abstractos de vivo colorido, sin composición de ningún tipo, donde los trazos
se entrelazan hasta formar una maraña densa y compacta que se iba creando de forma automática (esto lo relaciono con el surrealismo).

Pollock luchó toda su vida contra el alcoholismo, que le provocó no pocas desgracias. La última de ellas, el accidente automovilístico que acabó con su vida a los 44 años, cuando ya era una leyenda en vida y los
jóvenes artistas americanos lo tenían como una figura casi mítica.
Willem de Kooning
(Cody 1912 - Nueva York 1956)

Cuadro
1948
108 x 143 cm
MOMA

Uno de los mayores representantes del expresionismo abstracto norteamericano, pese a no

haber nacido en Estados Unidos y no ser del todo abstracto. De Kooning mezcla la figuración y
la abstracción con gestualidad y cromatismo lírico. Sus detractores odian su arte, que no es del
todo bonito. Sus fans lo consideran quizás más grande que Pollock.

De Kooning abandonó su Rotterdam natal en los años 20 dispuesto a triunfar en su idealizado

Nueva York. Le costó décadas y sufrimiento, pero al final pudo exponer en Manhattan con 44
años. El crítico Clement Greenberg (principal promotor del expresionismo abstracto) acudió a la
exposición y dijo de él que era «uno de los cuatro o cinco artistas más importantes de este
país». Pese a todo, de Kooning no vendió nada.

Tardaría otros cuantos años, pero al final el MoMA compró una de sus obras y ahí empezó la
fiebre de Kooning.

Su estilo, tanto el abstracto como el figurativo (por el que fue muy criticado por sus colegas),
fue construído mediante gestos pictóricos valientes, a veces directamente agresivos. Y pese a lo
que pueda parecer, su obra no es para nada precipitada. De Kooning se pasaba meses con
alguno de sus cuadros, muchos de los cuales quedaban inacabados.
Mujer I
Su mujer Elaine de Kooning (Elaine Marie Fried) fue también pintora. Sería ella quien tendría 1952
que aguantar el alcoholismo del pintor. Willem de Kooning sería diagnosticado con alzheimer y Óleo sobre lienzo
en sus últimos años cambiaría otra vez radicalmente de estilo. Fue uno de los pintores más 193 x 147 cm.
importantes del siglo XX estadounidense e MOMA
Nueva York-EEUU
Mark Rothko
(Dvinsk 1903 - Nueva York 1970)

Mark Rothko, fue junto a Pollock el máximo representante

de la abstracción americana. Con su pintura quiso
conseguir una ambiciosa utopía: expresar las más básicas
emociones universales. Y para muchos lo consiguió.

Markus Rothkovitz nació en Rusia. De familia

evidentemente judía, emigró a Oregón en 1910,
probablemente huyendo del antisemitismo por el que
tantos cerebros escaparon.
Sin Título
1970
Estudió arte en los años 20, pero se consideraba un 297 x 272 cm.
autodidacta. Cultivó antes de la Segunda Gran Guerra la MOMA
figuración expresionista y se empapó del espíritu de las Nueva York-EEUU
vanguardias que veía en las exposiciones organizadas por
el MoMA.

Tras la guerra empezó a investigar el color field painting

(pintura de campos de color) abandonando poco a poco
toda referencia figurativa y en los 50, con el
expresionismoabstracto ya establecido, inició la personal
abstracción que definiría desde entonces su pintura.

Los cuadros de Mark Rothko, enormes, muestran amplios

campos de color rectangulares con unos límites
indefinidos entre ellos. Son colores borrosos, que flotan
suspendidos en el lienzo, estimulando unas sensaciones
místicas bastante interesantes.
N. 22
A partir de ahí, Mark Rothko se convertiría en una 1950
institución del arte americano. Protegido de Peggy 297 x 272 cm.
MOMA
Guggenheim, sus éxitos serán notables. Pero a finales de Nueva York-EEUU
los 60, en medio de una crisis depresiva, y tras pintar su
serie de obras con acrílico negro, se acabaría suicidando.
Sin Título
1970
297 x 272 cm.
MOMA
Nueva York-EEUU
David Smith Cy Twombly
(Decatur 1908 - Vermont 1965)) (Lexington (Virginia) - 1928)

Famoso por sus construcciones

abstractas en metal. Nació el 9 de
marzo de 1906 en Decatur,
Illinois. Estudió en la Liga de
Estudiantes de Arte de Nueva
York.

En 1933 hizo su primera

escultura en hierro al fijarse en
unas fotografías de Pablo Picasso
y Julio González. Durante la
Segunda Guerra Mundial trabajó
en una fábrica de locomotoras
donde comenzó el interés por la
maquinaria y las construcciones.

Durante su tiempo como artista

visitante en la Universidad de
Indiana , Bloomington, en 1955 y
1956, Smith produjo los Forgings,
una serie de once esculturas de
acero forjadas industrialmente. Aquiles llora la
2Para crear las piezas forjadas , muerte de Patroclo
cortó, tapó, aplanó, pellizcó y 1962
óleo y grafito sobre
dobló cada barra de acero, luego
lienzo
pulió, oxidó, pintó, barnizó o 259 x 302
enceró su superficie. Fue un
crítico radical de la violencia y de
las avaricias humanas como
demuestran muchas de sus
obras. Destacan sus trabajos Edwin Parker Twombly, Jr., más conocido por toda la comunidad artística como Cy Twombly fue un
Agrícola VIII
denominados Cubi que consisten 1952 pintor abstracto estadounidense que se caracterizó por pintar gigantescos lienzos a base de
en grandes bloques de metal bronces y acero garabatos. Su trabajo es considerado «influyente entre los artistas, desconcertante para muchos
sobre altos pedestales. pintados en marrón críticos y truculentamente difícil no sólo para el público en general, sino también para los
Colección privada sofisticados iniciados del arte de la posguerra».
Murió el 24 de mayo de 1965 a la
edad de 59 años, en un accidente A principios de los 50 asiste al célebre Black Mountain College (donde estudiaron un buen número
de tráfico cerca de Bennington, de artistas de la época) y ya expone su primera muestra individual que desconcertó a mucha
Vermont. gente. Era el suyo un expresionismo abstracto influido por lo tribal, lo gestual, a veces incoloro,
hecho a base de garabatos grises o larguísimas líneas.

CyTwombly usó a menudo para sus obras títulos basados en la mitología .

Robert Motherwell Franz Kline
(Washington 1915 -Provincetown 1991 ) (Pensilvania 1910 - Nueva York 1962)

Iberia n. II
1958
120 204
Tate
Londres-Reino Unido

Meryon
1961
Óleo sobre lienzo
236 x 196 cm.
Tate
Londres-Reino Unido

Motherwell fue un pintor estadounidense y una figura destacada del expresionismo

abstracto. Fue uno de los miembros más jóvenes de la llamada New York School Los mejores y más conocidos trabajos expresionistas de Kline fueron hechos con los colores blanco y
(Escuela de Nueva York), que también incluía a Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de negro puros, aunque a veces introdujo diversas tonalidades de ambos colores. Sólo volvió a utilizar color
Kooning. en sus pinturas a partir de 1955, aunque sus pinturas más importantes en color fueron hechas recién a
partir de 1959. Las pinturas de Kline son muy complejas y subjetivas. Cuando las pinturas de este artista
El mayor objetivo de Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y siempre tuvieron un impacto dinámico, dramático y espontáneo, es importante saber que él siempre las
físico del artista con el lienzo. Prefería utilizar la dureza de la pintura negra como describió muy simples en cuanto a dichos elementos. Cabe decir que hizo muchas de sus pinturas a raíz
elemento básico; una de sus más conocidas técnicas consistía en diluir la pintura con de los conocimientos aportados por sus estudios previos.
aguarrás para crear un efecto de sombra. Su extensa serie de pinturas conocida como
"Elegías a la República Española" es generalmente considerada su proyecto más Parece haber referencias a la caligrafía china en dichas composiciones en blanco y negro, a pesar de que
significativo. Motherwell fue miembro de la dirección editorial de la publicación él siempre negó dicha relación. Puentes, túneles, edificios y otras estructuras arquitectónicas e
vinculada al Surrealismo "VVV". industriales fueron usualmente mencionados como fuentes de la inspiración de Kline.
 Posgue r ra e u ro pe a

Elaborado por:
 Posguerra europea
(s.XX)

-Muchos artistas vinieron del surrealismo pero -Se genera una exploración del uso de nuevos
se alejan de él materiales

-Hubo un incremento del compromiso con las Se genera también una exploración en la
cuestiones políticas y filosóficas el momento. aplicación del material. Se trabaja mucho con
empates, relieves y texturas.
-Se crearon obras a medio camino entre lo
figurativo y la abstracción

-Se da un interés por representar al ser

humano como protagonista existencial.

Elaborado por:
Jean Dubuffet
(Le Havre 1901 - Paris 1985)

Jazz band
1944
óleo sobre lienzo 97 x 130 cm.
Colección privada

Jean Dubuffet fue el creador del Art Brut (arte en bruto), la corriente de arte
producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas,
libre de las preocupaciones intelectuales. Estamos hablando del arte de, por
ejemplo, los pacientes mentales, las culturas primitivas o de los niños.

Dubuffet estudió pintura en el París de 1918, aunque la abandonó

intermitentemente para dedicarse al negocio familiar de vinos. De hecho hasta
pasados los 40 años no tuvo una exposición individual.

Su obra se puede considerar surrealista, pero Dubuffet es un artista bastante

inclasificable. Quizás sí le fue fiel a la patafísica, corriente cultural paródica
dedicada «al estudio de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las
excepciones».
Metafisyx
Siempre con un toque de buen humor, el suyo es un arte irónico, muy grotesco 1950
y ejecutado de forma ingenua. Óleo sobre lienzo
116 x 99 cm.
Dubuffet trabajó ante todo con óleo, pero usó muchos otros materiales como
Centro Pompidou
arena, alquitrán y paja, consiguiendo unas texturas hasta ahora inusuales. París-Francia
También trabajó la escultura en poliestireno.
Alberto Giacometti
(Borgonova 1901 - Chur 1966)

Escultor y pintor suizo, Alberto Giacometti representó

como nadie la soledad y el aislamiento del ser humano
en el siglo XX. Sus típicas esculturas de una delgadez
extrema son muy reconocibles y admiradas como una
excelente vuelta al arte figurativo.

Giacometti nació en un ambiente artístico. Su padre,

Giovanni fue un pintor impresionista. El chaval se inició
en el dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra y
después se trasladó al París vanguardista, donde entró
en contacto con los cubistas, y más tarde con el grupo
surrealista, que lo acogió en los años 30.

Es ahí donde Giacometti empieza a trabajar en dos de

sus obsesiones: el simbolismo de los objetos y la
reducción de la materia. Esto último se debe a una
especie de leyenda ocurrida en el París de 1938, cuando
tenía 37 años. El escultor se despidió de su amiga
modelo Isabel Lambert y la observó alejarse en medio de
la noche hacia el boulevard Saint-Michel. Giacometti vio
cómo se hacía cada vez más pequeña, pero sin perder
intensidad y conservando intacta su propia identidad.

Ahí lo tuvo claro: su objetivo era llegar allá donde la

forma humana empieza a disolverse pero sin
desaparecer totalmente.

En los 40 empieza así su periodo figurativo: figuras

humanas alargadas, extremadamente delgadas y de una
superficie rugosa, áspera. Son seres humanos de tamaño
natural, solos o en grupo, de extremidades muy largas,
que parecen hechos sólo de piel y huesos. Caroline
1962
Óleo sobre lienzo
Estas figuras en bronce también se pueden ver como un
100 x 81 cm.
exacto reflejo de las experiencias ocurridas en la II Kunstmuseum
Guerra Mundial. Basilea-Suiza El abrazo huidizo
1960
Sartre lo definió como «el artista existencialista Fundación Giacometti
perfecto», «a mitad de camino entre el ser y la nada». París-Francia
 El sombrero al revés
Antoni Tapies 1967 Wols (Alfred otto Wolgang Schuze)
(Barcelona 1923) Técnica mixta sobre lienzo (Berlin 1913 - Champigny Sur Maine 1951)
98 x 162 cm.
Centro Pompidou
París-Francia

Fue uno de los pintores influyentes del

movimiento tachista. Comenzó con
dibujos, pinturas y acuarelas, influidos por
el automatismo psíquico del movimiento
creativo y cultural.

Más tarde se dedica a obras en las que la

pincelada y el empaste cobran
importancia, creando cuadros como si
tuvieran relieve. A veces inscribe líneas y
formas en el cuadro. Reacciona de esta
manera contra el academicismo abstracto.
Destaca por sus aguafuertes y por el uso
de manchas (taches en francés) de color
aplicadas sobre el lienzo, como ejemplifica
su cuadro Composición h. 1950. Aunque
no fue reconocido en vida, fue pionero de
un nuevo estilo de abstracción expresiva,
en una línea de desencanto similar al
expresionismo abstracto estadounidense.
Se le considera padre del tachismo, una
Antoni Tàpies i Puig es hoy una institución internacional y es uno de los artistas más de las tendencias del arte informal.
importantes de la segunda mitad del siglo XX en España. Fue uno de los principales
representantes del informalismo, que combina tradición e innovación dentro de un Tiene una importante obra fotográfica,
marco abstracto aunque lleno de simbolismo. Muchos quieren ver una obra espiritual realizada entre 1932 y 1941.
aún siendo decisivo el peso material en ella.

Nacido en el seno de una familia oligarca, vivió un ambiente liberal desde su infancia.
Con 11 años despierta su vocación artística, y es desarrollada en parte debido a una La granada azul
tisis que le provocó incluso alucinaciones que influyen notablemente en su obra 1946
posterior. 46 x 33 cm.
Centro Pompidou
Inició su exitosa carrera en Barcelona, muy vinculada al surrealismo catalán pero en París-Francia
1950 se marcha a París y se introduce de lleno en el informalismo. Empieza a pintar
con un estilo muy matérico, que incluye materiales de de reciclaje o de desecho, y sus
típicas cuerdas, papeles, arena, paja o polvo de mármol. Por ello las pinturas de
Tàpies son casi bajorrelieves. Otra característica de la obra de Tàpies es que se
degradan rápida y conscientemente. Esta descomposición era perfecta para reflejar el
paso del tiempo.
Bernard Buffet
(París 1928 - Tourtour 1999)

estudió arte en la École Nationale

Supérieure des Beaux-Arts (Escuela
Nacional de Bellas Artes) y trabajó en
el estudio del pintor Eugène
Narbonne. Entre sus compañeros
estaban Maurice Boitel y Louis
Vuillermoz.

Contratado en exclusiva por

Emmanuel David, luego extendido a
Maurice Garnier, que le garantizaban
exposiciones periódicas, Buffet
produjo piezas religiosas, paisajes,
retratos y algunas naturalezas
muertas.

Buffet se casó con la escritora y

cantante Annabel Schwob. Un
discípulo de Buffet, Jean Claude
Gaugy, fue el padre del Expresionismo
lineal.

Se suicidó en su casa en Tourtour, al

sur de Francia, el 4 de octubre de
1999. Buffet estaba sufriendo de
El pájaro rojo
Parkinson y no podía trabajar. La
policía dijo que Buffet murió
alrededor de las 16 después de meter
su cabeza en una bolsa de plástico
atada a su cuello con una cinta. Payaso n.7
Yves Klein
(Niza 1928 - París 1962)

Yves Klein, el monocromo. Neo Dadaísta, Pop,

Abstracto… Podríamos etiquetar su obra con
cientos de palabras, sin definirla ninguna de
ellas. Al final, el artista inventó eso del Nouveau
Réalisme, que es una de las numerosas
tendencias artísticas de vanguardia de los años
60 que buscaban de alguna manera unir vida y
arte.

Klein nació en Niza en una familia de pintores.

Además del arte se interesó por el judo (llegó a
alcanzar el 4º dan) y unió ambas en una especie
de estética Zen. Junto a Armand Fernández y
Claude Pascal empezó a interesarse por crear
algo nuevo en el mundo del arte. A los
diecinueve años, Klein estaba en una playa con
Impromta
sus dos amigos y decidieron dividir el mundo 1961
entre ellos: Arman, la tierra; Pascal, las palabras,
y Klein escogió el espacio etéreo que rodea el
planeta. Nace así el Nouveau Réalisme.

La obra de Klein es casi exclusivamente

monocromática, y de hecho al final sólo utilizaba
un color, el Azul Klein Internacional (IKB).
También hizo numerosas acciones artísticas
como pintar de azul cuerpos de mujeres
(antropometría), grabar un largo acorde
monótono, exponer una habitación vacía (llegó a
haber 3000 personas haciendo cola para verla) o
estampar lluvia en un lienzo conduciendo a 110
kilómetros por hora. Aquí yace el espacio
1961
(se ofreció a intercambiar espacios vacíos en la 125 x 100 cm.
ciudad de París a cambio de oro) y demás Centro Pompidou
conceptos como cuadros sin pintura, libros sin París-Francia
palabras, composiciones musicales sin música…
para crear para su audiencia cool sus «Zonas de
Sensibilidad Pictórica e Inmaterial».
 l t u r a a bst r a c t a s
Pintura y Escu

Elaborado por:
 r as y Es c u lt u r as ab stractas
Pin tu
(s.XX)

-Estilo menos subjetivo y gestual

-Se dan grandes bloques de color o field

painting de bordes definidos o hard edge.

-Prima la abstracción geométrica

-Se usa un color saturado fuerte

-Fue un movimiento fundamentalmente

estadounidense pero con influencias de la
Bauhaus.

Elaborado por:
Helen Frankenthaler Morris Louis
(Nueva York 1928) (Baltimore - Washington Dc. 1962)

Gamma Epilson
La bahía 1960
1960 Acrílico sobre lienzo sin
Acrílico sobre lienzo imprimar
205 x 208 cm. 233 x 396
Detroit Institute of Arts
Detroit-EEUU

Morris Louis Bernstein utilizó una pintura por chorros, derramada (dripping) y muy diluida, vertida sobre la tela sin
preparar. Es por tanto uno de los representantes del llamado Color Field Painting, que continuó la tradición de
Fue una pintora expresionista abstracta estadounidense. Recibió la influencia de la
pintura pura de Jackson Pollock o Barnett Newman. Nacido en Baltimore, Morris Louis se formó ahí como pintor.
obra de Jackson Pollock y de Clement Greenberg con quien también se vio
En concreto estudió en el Maryland Institute of Fine Arts, aunque fue consciente de que Nueva York era la capital
involucrada en el Movimiento de Arte Abstracto de 1946-1960.
del mundo en esa época y se trasladó a la Gran Manzana entre 1936 y 1940.
Su carrera se vio lanzada en 1952 con la exposición de «Montañas y mar» (Mountains
En 1952 se trasladó finalmente en Washington y trabajó desde ahí, siempre ligado a Nueva York. De hecho se hizo
and Sea). Este cuadro es de gran tamaño (7 por 10 pies) y tiene el efecto de una
buen amigo del crítico Clement Greenberg, que apoyó el primer movimiento norteamericano de arte moderno: el
acuarela, aunque está pintada con óleo. En él, introduce la técnica de pintar
expresionismo abstracto.
directamente en un lienzo sin preparar de manera que el material absorbe los
En su pintura Louis nos habla del espacio, la profundidad y el plano pictóricos. Y su pintura es tan diluida que crea
colores. Diluía mucho la pintura al óleo con trementina o queroseno de manera que
efectos de veladuras traslúcidas de color. Es una especie de pintura involuntaria, que cae al azar por el lienzo.
el color empapase el lienzo. Esta técnica, conocida como soak stain (mancha de
Quizás «azar» no sea la palabra. A veces su campos de calor parecen perfectamente calculados en su ubicación y
empapado) fue adoptada por otros artistas, destacadamente, Morris Louis y Kenneth
en su relación con los demás. Alguna de sus típicas obras son en gran formato y Louis mantiene en blanco la zona
Noland, y lanzó a la segunda generación de la escuela de pintura de campos de color.
central del lienzo, mientras la pintura se centra en los laterales con líneas diagonales de color; o también a revés:
Este método dejaba al lienzo con un efecto de halo alrededor de cada área en la que
un conjunto de franjas en el centro del lienzo dejando vacío el resto del espacio. Louis murió a los 49 años. Hay
la pintura se aplicaba.
quien dice que a causa de la exposición prolongada a los vapores de pintura.
 Keneth Noland Frank Stella
(Baltimore - Washington Dc. 1962) (Malden 1936)

Noland fue un pintor abstracto

estadounidense, uno de los más Frank Stella es un artista minimalista y
importantes cultivadores del estilo de la abstracción post-pictórica. Como
color field. También, en los años buen minimalista, quiso eliminar
cincuenta practicó el cualquier sentido de ilusión en sus
expresionismo abstracto y en los pinturas, pretendía la literalidad del
sesenta el minimalismo. objeto. Según sus propias palabras
hablando de su arte: Lo que ves es lo
Entre 1946 y 1948, Noland asistió que ves. De origen italiano, estudió
a clases del Black Mountain historia, pero empezó a frecuentar las
College. Se identifica como un galerías neoyorquinas, que le hicieron
expresionista abstracto. Amigo de introducirse en el arte en una época
Morris Louis, ambos adoptaron la en el que el expresionismo abstracto
técnica de Helen Frankenthaler de Jackson Pollock arrasaba los
que dejaba que la pintura acrílica Estados Unidos.
chorrear sobre la tela. Trabaja con
pintura acrílica aplicada Stella empezó su carrera asociado a
directamente sobre el lienzo, con este movimiento, pero pronto vio que
lo que crea obras en las que los su pintura no necesitaba expresividad,
brillantes colores yuxtapuestos ni simbología, ni tampoco la mística de
producen un sentido de vibración los expresionistas abstractos. Lo suyo
óptica. era un objeto, abstracto y geométrico.
Lo suyo era una propuesta. Stella
Sus principales temas son círculos quería más bien literalidad, por lo que
concéntricos, galones, rombos y empezó a pintar superficies planas
largas listas paralelas, dejando a que enfatizaban la pintura como
menudo grandes espacios de Half objeto, y no como representación de
1969 algo. El artista utilizó pinturas Lienzo desnudo
lienzo en blanco como parte 1960
Acrílico sobre lienzo industriales en su trabajo, un arte muy
integrante de la composición. Se 457 x 457 cm.
174 x 174 cm. pulido y simétrico. Y por ello en sus
interesa por la adaptación de las Museum of Fine Arts Musée d’Art et d’Industrie
zonas de color a los límites del trabajos parece que no hay rastro del Saint Étienne-Francia
Houston-EEUU
marco del cuadro. En cuanto a los artista. Eso lo asocia con el arte
formatos de sus obras, destacan conceptual: la idea era lo esencial, el
los diagonales y los enormes resto lo podía hacer cualquiera bajo
lienzos rectangulares a base de sus órdenes estrictas… En el
franjas de color superpuestas. minimalismo, un milímetro podría ser
esencial.
 Anthony Caro William Tucker
(New Malden 1924) (El Cairo 1935)

La historia del soldado

1983 Tebas
Acero pintado 1966
183 x 208 x 135 cm. 122 x 137 x 203 cm
Tate Gallery Hayward Gallery
Londres-Reino Unido- Londres-Reino Unido

Fue alumno del Christ's College de la Universidad de Cambridge. Anthony

Caro descubrió el arte moderno trabajando con Henry Moore, de quien fue Nacido en Egipto de familia inglesa, William Tucker se dio a conocer como miembro de la
asistente desde 1951 hasta 1953. Después de conocer a Clement Greenberg, New Generation de escultores británicos a mediados de la década de 1960. Licenciado en
Kenneth Noland y al escultor David Smith al comienzo de los años sesenta historia por la Universidad de Oxford en 1958, a continuación estudió escultura en la Central
después de su viaje a los Estados Unidos, fascinado por su enfoque, abandonó School y en la St. Martin’s de Londres. Su obra temprana, influida por Anthony Caro y por
el trabajo figurativo de sus inicios para orientarse hacia esculturas hechas con coetáneos como Phillip King, se define por las formas simples y geométricas, los colores
soldaduras o ensamblajes de piezas metálicas prefabricadas (en acero, en vivos y el uso de madera, plancha metálica o fibra de vidrio. Su escultura posterior, en
hierro, o aleaciones), creando piezas de diversas formas.3 A menudo pintaba particular la realizada en EEUU (país al que se trasladó en 1977 y donde se nacionalizó),
el producto final con colores planos vivos. Falleció de un ataque al corazón el muestra una evolución hacia lo orgánico e incluso algunos
23 de octubre de 2013, a los 89 años.
 Minimalismo

Elaborado por:
 Minimalismo
(s.XX)
-En la escultura se usan formas semejantes a
- La conexión entre obra y espacio es
-El arte minimalista es una corriente artística cubos, pirámides o esferas, organizadas en
propiciada por el tamaño o la colocación del
contemporánea surgida durante la década de ángulos rectos, generalmente en series
objeto
los años 60
- En el arte minimalista el espacio es el lugar
-El arte minimalista emplea la geometría
-Tiene sus raíces en los aspectos reductores de en el que se produce el encuentro entre sujeto
elemental de las formas, buscando la mayor
la modernidad y objeto y la experiencia de la obra
expresividad con los mínimos recursos

-Presenta tendencia a reducir sus obras a lo - La pintura minimalista presenta influencia del
-En el minimalismo predominan paredes
fundamental, utilizando sólo los elementos constructivismo, usa formas rectangulares y
blancas desnudas y grandes salas
mínimos y básicos cúbicas, usando la repetición en superficies
neutras, predominando mucho el color
- Las obras minimalistas modifican la
-Las obras son representaciones de cosas percepción del espacio circundante de forma
esenciales y fundamentales para el artista intencionada

Elaborado por:
Lucio Fontana Robert Morris
(Rosario 1899 - comabbio 1968) ¿Y si en vez de un pincel utilizáramos un (Kansas City 1931)
cuchillo? El espacio del lienzo se vería
afectado, creando incluso una nueva
dimensión pictórica, por no decir ya Su implicación en el teatro de
escultórica… vanguardia y en las
performances del movimiento
Es lo que hacía el italiano-argentino Lucio Fluxus inspiró la obra clásica
Fontana: Agujerear, rasgar y deteriorar minimalista de Robert Morris en
lienzos. Fontana buscaba una nueva la década de 1960. Las
definición espacial para el medio pictórico construcciones geométricas
y parece ser que la encontró con la simples que le habían servido de
abolición del espacio ilusorio y su atrezzo le revelaron su potencial
sustitución por el espacio real. Una como esculturas en sí mismas. La
pintura que «existe», por así decirlo. A colección de grandes poliedros
todo esto lo llamó Espacialismo. de contrachapado en una galería
llevó a lo que mOrris llamó una
Fontana era un italiano nacido en extended situation: en lugar de
Argentina. Un tipo normal y corriente que quedarse absorto en los detalles
incluso se fue a luchar para otros la I formales de la obra, el
Guerra Mundial. Ahí tuvo suerte y sólo fue espectador podía adquirir
herido. En los años 20 se marcha a su conciencia de su relación con los
Argentina natal y ahí trabaja como objetos en el espacio y en el
escultor junto a su padre, y eso tiempo y comprobar cómo las
suponemos que influyó en el futuro arte esculturas se perciben de modo
del joven Fontana, que empezó a unir, al distinto según el contexto
menos inconscientemente, conceptos de espacial, la iluminación y el lugar
escultura y pintura. Volvería años después que ocupan en la galería. Tal
a Europa a poner en práctica su “encarnación” del espectador
Manifiesto Blanco (1946), en el cual dice tuvo una influencia profunda
que «la materia, el color y el sonido en sobre el arte contemporáneo, y
movimiento son los fenómenos cuyo extendiendo la situación del arte
desarrollo simultáneo integra el nuevo aún más allá, Morris ha realizado
arte». esculturas “antiforma” y land art.

No sería hasta los años 50 cuando este

Concepto espacial nuevo arte se hizo mundialmente famoso. Maraña de fieltro
1967
Óleo sobre lienzo
La época de la dolce vita trajo su popular 1967
serie de los tajos, consistente en agujeros Fieltro y ojales metálicos
Museo Revoltella
o tajos sobre la tela de sus cuadros. Son 190 x 400 x 220
Trieste-Italia
Kunsthalle
lienzos monocromáticos, castigados a Hamburgo-Alemania
base de buchi y tagli (agujeros y cortes),
que nos hablan, entre otras cosas, de lo
que es el espacio real, del material para su
uso conceptual, del objeto, del gesto
individual, de violencia…
Carl Andre Dan Flavin
(Quincy 1935)) (Nueva York 1923 - Nueva York 1996)

Carl André fue uno de los militantes minimalistas

que reaccionaron contra la pasión desenfrenada del Tras sus inicios como pintor abstracto,
expresionismo abstracto mediante la supuesta Dan Flavin pasó a crear obras más
frialdad de repetir y ordenar en el espacio un objetuales que adoraba a la pared. A
determinado número de módulos sencillos como principios de la década de 1960 empezó
ladrillos, placas, maderas… a montar tubos fluorescentes y
bombillas en cajas monocromas de
Este arte «sin pasiones» en el que básicamente se madera prensada; en 1963 tuvo la idea
quiere usar el objeto de forma literal, es utilizado de tomar un único tubo fluorescente y
casi siempre por André a ras de suelo, sin colocarlo en diagonal sobre la pared de
verticalidades. Para él la escultura no es cortar o su estudio. desde entonces, la luz
moldear la materia hasta encontrar la forma, sino fluorescentes fue el medio artístico
simplemente de ocupar el espacio a través del exclusivo de Flavin, y una solución
mínimo material posible y con la mínima elegante a los problemas artísticos de su
manipulación de ese material, es decir, sin imponer tiempo. Por un lado, se trata de un
propiedades a la materia, sino revelando las que ya producto industrial, fabricado en serie, a
tiene. la manera de los ready-mades de Marcel
Duchamp; por otro, los efectos
Tres fueron las influencias para André: En primer generados por medio de la luz
lugar Brancusi, del que se interesó por su uso de las intermitente pueden crear ambientes
maderas y de módulos, también algunos de los muy interesantes, y en el caso de los
primeros minimalistas como Frank Stella, con el que fluorescentes de colores, sensuales y
compartiría estudio y finalmente su propio trabajo hermosos. En términos minimalistas,
en el ferrocarril. La escultura no da mucho dinero, y Flavin tomó el camino de la literalidad:
André se vio obligado a trabajar de 1960 a 1964 sus tubos, con sus revestimientos, sus
como guardafrenos. Según sus palabras esto le casquillos y su energía eléctrica,
ayudó a «liberarse de las pretensiones del arte y Muestran de forma obvia su condición
ponerle en contacto con grandes y pesadas masas de objetos: simultáneamente, al llenar el
de materiales.» entorno de luz difusa, hacen que el
Equivalente VIII
1966 espectador tome conciencia del espacio.
Al margen de su trabajo, André estuvo casado con la
13 x 69 x 229 cm.
Tate Gallery
también artista cubana Ana Mendieta, que fallecería
Londres-Reino Unido en extrañas circunstancias en el apartamento de
ambos en GreenWich Village (NYC). Testigos afirman Monumento a Tatlin
que hubo fuertes discusiones tras las cuales 1969
Técnica mixta
Mendieta salió despedida por la ventana de un 34º 305 x 58 x 9 cm.
piso. Tres años de juicios absolvieron a André y la tate gallery
muerte fue declarada oficialmente suicidio, aunque Londres-Reino Unido
son muchos los que dudan de la inocencia del
escultor.
Eve Hesse
(Hamburgo 1936 - Nueva York 1970)

Solo 10 años ejerció de artista Eva Hesse, pero su

figura fue decisiva para la historia del arte post
1945. Su escultura supuso una vuelta al material (en
su caso sin importarle demasiado la «nobleza» del
mismo, sino más bien todo lo contrario), un retorno
al objeto artístico, que había estado en crisis en los
años 60. con los minimalistas.

Hesse empezó como pintora en 1960, y fue

añadiendo cada vez más tridimensionalidad hasta
que se pasó definitivamente a la escultura, al
parecer su verdadera vocación. En el estudio que
tenía con su marido Tom Doyle, una vieja fábrica
abandonada, es donde encontraba material para Hang Up
sus esculturas: restos de maquinaria, cuerda, látex, 1966
papel maché… Pintura acrílica, cuerda y tubo de acero
183 x 218 cm.
Sus obras eran pura escultura, aún cuando colgaban Art Institute of Chicago
Chicago-EEUU)
en la pared, como sucedía a menudo. Lejos del
acabado pulido minimalista, Hesse devolvió a la
escultura sus atributos más sensoriales tales como
textura, tacto, materialidad… Y sentido del humor.
Hesse parecía ser consciente de que su obra era a
veces una «acumulación de mierda». Lo interesante
es que con su trabajo la convertía en algo más
elevado.

Hesse explotó con sus trabajos la reflexión sobre el

proceso y el impulso que lleva a crear a un artista.
Experimental como era, sus «prototipos» pueden
parecer un montón de deshechos acumulados o
plegados o colgados, pero después de un rato se Accession II
pueden ver en ellos el equilibrio entre orden y caos 1969
que caracterizó su obra. Acero galvanizado y plástico
78 x 78 x 78 cm
Consciente también del material, trabajó lo frágil y lo Detroit Institute of Arts
efímero, sabiendo que iba a mutar en el futuro, Detroit-EEUU
Dibujo en el espacio
truncado por un tumor cerebral. 1967
Soga
Eva Hesse creó obras, acabadas e inacabadas, y no Art Institute of Chicage
dejó de experimentar en una década tan Chicago-EEUU)
experimental.
Richard Serra
(San Francisco 1939)

Apeo de una tonelada

1969 La materia del tiempo
Placas de plomo 2005
122 cm de altura Acero
MOMA museo Guggenheim (Bilbao-España)
Nueva York

Entre los principales artistas minimalistas, Richard Serra es el que mejor evoca el mundo industrial y
fabril, empleando materiales como el plomo y el acero oxidado. parte de su obra. parte de su obra se ha
descrito como “arte procesual”, en tanto que la forma se deriva pura y simplemente del modo en que se
ha elaborado. El efecto y el significado de la escultura de Serra depende a menudo de su relación exacta
con el contexto físico. Cuando el polémico “Arco inclinado” (1981) se retiró de su emplazamiento en
Federal Plaza, en Nueva York, Serra dijo que retirarlo era lo mismo que destruirlo. Su obra ha tenido a
veces un elemento de protesta política: en la Bienal de Whitney de 2006, por ejemplo, Serra expuso un
dibujo en el que criticaba el maltrato a prisioneros iraquíes por parte de soldados estadounidenses en
la prisión de Abu Ghraib.
 Pop Art

Elaborado por:
 Pop
(s.XX)
- Hay un gusto por la palabra escrita que se
- El pop art se vale de las técnicas y
- No se entiende el pop art o arte pop sin el incorpora a la obra
métodos de las artes gráficas tradicionales
despegue de la sociedad de consumo
- El color extremo y la repetición es otra de
- No fue un grupo homogéneo y el
- Una de las características del pop art más las características del pop art
epicentro artístico estuvo en New York
llamativa es su relación con la publicidad
- Una de las características del pop art más
- Los personajes e iconos de la época peculiares es que gustó antes al público
suelen ser protagonistas de estas obras general que a los supuestos profesionales

- Otra de las características del pop art o

arte pop es su relación con el cómic

Elaborado por:
Richard Hamilton
(Londres 1922)

Richard Hamilton fue considerado el Andy Warhol británico. Él fue el máximo

representante del Pop Art en la isla europea. Tras la austeridad de la posguerra
en el Reino Unido, surgió en los años 50 un grupo de artistas que quisieron
representar la cultura consumista de su tiempo y eliminar la barrera divisoria
entre una botella de coca-cola y la Victoria de Samotracia, o entre la portada de
un disco de los Beatles y un cuadro de Tiziano. Hamilton fue el abanderado de
la nueva corriente desde el primer momento.

El artista empezó su carrera relativamente tarde, en plena posguerra. Antes

trabajó como delineante, y en el sector publicitario (asumimos que eso influyó
en él).

Poco a poco fue construyendo un discurso iconográfico con un aspecto lúdico e

irónico, pero que ocultaba potentes reflexiones críticas. Fascinado por la
sociedad de consumo y el imaginario mediático, empezó a explorar lo que
podría ser el arte fuera de los museos y a cuestionarse los límites entre lo
popular y lo culto, lo natural y lo artificial, lo figurativo y lo abstracto.

Fecha clave fue la exposición de 1956 This is tomorrow, donde diseño su

conocido collage «¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes,
tan atractivas?» y dejó a todos con la boca abierta, marcando de paso el inicio
del Arte Pop.

Más tarde, ya consolidado, realizaría trabajos legendarios como el White Album

de los Beatles.

¿Pero qué es lo que hace a los hogares tan atractivos?

1956
Collage
26 x 24 cm.
Kunsthalle
Tubinga-Alemania
Robert Rauschenberg
(Port Arthur 1925 - Florida 2008)

Buffalo II
1964
Serigrafía

Monograma
1959
Técnica mixta
172 x 160 x 162 cm.
Moderna Museet
Estocolmo-Suecia

Robert Rauschenberg fue uno de los artistas que vivió esa tensa transición entre el expresionismo abstracto y el Pop-Art. El creador consideraba al expresionismo un movimiento un poco pedante, y además propio
de hombres viejos, por lo que quiso volver a hacer un arte que retratara la realidad, aunque fuera de la monótona vida de los Estados Unidos en la época de Eisenhower. Con ello abrió las puertas de lo que después
haría Warhol y cía. Rauschenberg, tejano, estudió en institutos de Arte hasta que se fue a París, donde conoció a su futura mujer, la pintora Susan Weil (aunque es sabido que el artista era homosexual). Ambos
volvieron a los USA y decidieron asistir al Black Mountain College en Carolina del Norte.

Este lugar era un centro experimental en plenos años 50, y Rauschenberg coincidiría con personalidades como Josef Albers (su maestro de pintura que había sido estrella en la Bauhaus) o el compositor John Cage,
con cuya música Rauschenberg conectaría de maravilla. Al principio, a falta de un nombre para lo que hacía, fue considerado un neo dadaísta. Su arte estaba hecho de despojos de la sociedad de consumo, mezclas
de pintura y escultura, pinturas absolutamente blancas e incluso borrar dibujos de Willem de Kooning.
 Cañón
1959
Combine sobre lienzo
207 x 177 x 60 cm.
Colección privado

Cama
Técnica: Lápiz Óleo
191.1 x 80 x 20.3 cm
MOMA,
Nueva York-Estados Unidos)
 Jasper Johns
(Augusta 1930)

Tres banderas
Diana con moldes de escayola 1958
1955 Encáustica sobre lienzo
Encáustica y collage sobre lienzo
75 x 66 cm. 75 x 66cm
MOMA MOMA
Nueva York-EEUU Nueva York-EEUU

Jasper Johns fue uno de los primeros artistas pop de los Estados Unidos. Fue uno de esos jóvenes que quiso enfrentarse al entonces todopoderoso expresionismo abstracto mediante la simple representación
de banales elementos de la vida cotidiana. Fue tan chocante su obra (y la de su colega Rauschenberg) que fueron calificados en un principio de neo-dadaístas. Warhol tomaría buena nota del arte de Johns
para iniciar su carrera al estrellato. Un chico del sur como Johns acabó siendo uno de los pintores americanos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

Nació en Augusta, Georgia y desde muy niño se interesó por la pintura. Por ello acabó estudiando arte en la universidad y después en Nueva York. Tras un par de años sirviendo en la guerra de Corea, volvió a
retomar el arte, quizás con otra mentalidad.

Tras descubrir a Marcel Duchamp y sus ready mades, algo se encendió en su cabeza. ¿Y si pintaba simplemente objetos cotidianos? Tanto sentimentalismo y emociones desbordadas de los expresionistas
abstractos ya le cargaban. Tanto mirar hacia adentro, cuando tanto él como el arte norteamericano necesitaban urgentemente mirar hacia afuera. Además por objetos hay que entender las propias piezas:
aplicando gruesas capas de pintura, el propio cuadro se convierte en objeto y no sólo en reproducción. A mediados de los 50 dio con el objeto más banal de todos: la bandera. Flags, Target y Numbers
formaron parte de su primera gran exposición en solitario, y supusieron toda una revolución por su aparente simplicidad y fuerza. Y desde luego por incorporar lo cotidiano a la imaginería norteamericana. Un
éxito. Sus trabajos empezaron a subastarse a precios acojonantes, convirtiéndose en el artista vivo más cotizado de esos momentos. El MoMA adquirió sus obras como si fuera un artista muerto. Nunca estuvo
cómodo repitiendo. Podría hacer banderas y dianas toda su carrera, pero fue cambiando a otras muchas etapas, rompió varias veces con su propio estilo para dar lugar a otro.
Roy Lichtenstein
(Nueva York 1923 - Nueva York 1997)

Reflection on Crash
1980
litografía, xilografía, serigrafía y
collage sobre papel.
165 x 202 cm
Delaware Art Museum
Wilmington-EEUU.

Chica angustiada
1964
litografía, xilografía, serigrafía y
collage sobre papel.
Colección privada.

El pintor y escultor que expolió del cómic para convertirlo en material de museo. Roy Lichtenstein fue una de las figuras clave del pop norteamericano y como tal sacó la inspiración para su obra tanto del arte
popular: anuncios comerciales, revistas, comic…; como de la historia del arte tradicional: Art Deco, cubismo, expresionismo abstracto (en el que militó al principio de su carrera). La obra de Lichtenstein se
caracteriza por su ironía (es algo de lo que los artistas pop presumían, a veces disfrazado de snobismo o superficialidad…), el uso de puntos benday (utilizados en artes gráficas) y colores industriales, el lenguaje
del cómic(onomatopeyas, viñetas, narrativa) y el dominio de la línea.

Lichtenstein se inició en el expresionismo abstracto de moda, pero pronto se unió al resto de la guerrilla pop para rebelarse contra lo abstracto y utilizar la figuración. Además, una figuración cuanto más popular y
mecánica, mejor. Desde luego no existía en 1958 nada más popular y mecánico que un cómic, así que Lichtenstein decidió que iba a crear imágenes comerciales de producción masiva. Eso sÍ, se reproduce a mano
lo que parece que hizo una máquina. Esas imágenes eran fieles retratos de la sociedad de consumo y de la cultura de masas, que pueden ser o no una crítica del mundo contemporáneo, una idealización o una
sátira de la sociedad capitalista occidental. Esa ambigüedad entre la crítica y la admiración, entre la burla y el respeto es típica del arte pop, que juega cínicamente a una mascarada.

Neoyorkino de nacimiento, Lichtenstein vivió (en) esta ciudad, capital de todo lo que representa el pop, y en ella moriría a los 73 años, consagrado como un artista que vendió cuadros por más de 40 millones de
euros.
Andy Warhol
(Pittsburgh 1928 - Nueva York 1987)

Lata de sopa Campbell’s

1962
Serigrafía
51 x 41 cm.
Saatchi Collection
Londres-Reuno Unido

Díptico de Marilyn
1962
Serigrafía y acrílico sobre lienzo
145 x 205 cm
Londres-Reino Unido

Andy Warhol quería ser famoso. De hecho se podría decir que nadie estudió tanto el concepto de fama como él. Creador, consumidor, crítico de la fama, este
artista empaquetó y vendió la marca Andy Warhol como un producto más de la sociedad de consumo. Y lo hizo tan bien, que los quince minutos de fama a los
que tiene derecho todo el mundo, le duraron décadas. Warhol era hijo de inmigrantes eslovacos instalados en Pittsburgh. Su madre fue una figura
importantísima, pues mimó y sobreprotegió a su hijo hasta el punto que vivió con él toda su vida. Warhol, bicho raro él, decidió irse a Nueva York y dedicarse al
arte, en concreto a la ilustración comercial, con la que se ganaba una buena pasta.

El institucional expresionismo abstracto dominaba la escena artística y Warhol quiso buscar un estilo completamente distinto. Con su experiencia en publicidad,
empezó a mostrar productos de consumo de masas como botellas de coca-cola, latas de sopa Campbell… y al final, personas que eran productos en sí mismos,
como Marilyn, Mao o Elvis. La reacción de la escena artística fue un terremoto. De pronto, el expresionismo abstracto dejó de existir. Ahora lo moderno era el
Pop, con su frescura, humor y superficialidad. Warhol se convirtió en una estrella. Lo conocían en todas las casas de América. Hay que decir que para ello
contrató a publicistas, para que su nombre saliera continuamente en la prensa.

Entretanto, refinó su aspecto. Se estaba quedando calvo, así que empezó a llevar sus famosas pelucas. Se rodeó de personajes extravagantes de Nueva York y
alquiló un almacén (The Factory) que le sirvió de taller y estaba lleno las 24 horas de adictos a las anfetaminas, transexuales y grupos de rock llevados por el
propio Warhol (La Velvet Underground). A lo largo de su carrera, el artista cultivó el dibujo, la pintura, serigrafía, escultura, música, cine, televisión, moda,
performance, teatro, fotografía e incluso arte digital.
Flores Mao Tse Tung
1966 1972
Serigrafía Serigrafía
208 x 357 cm. 92 x 92 cm.
Saatchi Collection Colección privada
Londres-Reino Unido
 David Hockney
(Bradford 1937)

Sunbather
1968
Acrílico sobre lienzo
213 x 305 cm.
Art Institute
Chicago-EEUU

El gran chapuzón
1967
Acrílico sobre lienzo
Colección privada

Considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX, David Hockney es uno de los pintores vivos más importantes del mundo. California, donde reside, fue una de sus muchas
inspiraciones: sus piscinas, sus mansiones, su sol, los cuerpos bronceándose. Aunque siempre rechazó ser considerado un artista Pop, eso es exactamente lo que era: un artista que plasma su realidad
contemporánea, aparentemente frívola y superficial, pero cargada de sutiles matices. Su obra se inspiró en Dubuffet y Picasso, y por supuesto conoció a Andy Warhol en los 60. A diferencia de este que
siempre se agachó en su armario, Hockney fue uno de los primeros artistas abiertamente homosexuales, y decidió trasladarse a una sociedad más desinhibida que la inglesa, encontrándose en California,
una tierra prometida de la que había leído en revistas y anuncios (de nuevo, ahí está la influencia pop).

Son características sus superficies planas, anónimas, brillantes, pintadas con el acrílico (otra vez, un cliché pop) y la influencia de la fotografía que también utilizará, no sólo como para su proceso pictórico
sino también en collages. Siempre deja patente su punto de vista, haciendo converger las líneas de perspectiva explícitamente para que se vea quién es el artista, el observador. Hoy está interesado en las
nuevas tecnologías, realizando arte con su teléfono móvil.
 Op Art y A r t e C i n é t i c o

Elaborado por:
 Op Art y Arte Cinético
(s.XX)
-Utiliza la técnica de pintura al acrílico, para
-Utilizan los colores, la luz y las sombras
-Son representaciones artísticas derivadas obtener bases definidas y limpias
con una gran habilidad
de la abstracción geométrica
-Realizan cambios de tamaños, figuras y
-Contrastes marcados cromáticos, que
-El objetivo del arte óptico es producir y formas mezclandolas y/o repitiéndolas
pueden ser bicromáticos o polis
crear efectos visuales únicos
-Utiliza técnicas como líneas paralelas
-Utilización de figuras geométricas
-Son obras físicamente inmóviles, con sinuosas o rectas.
(rectángulos, triángulos, círculos,
efectos de profundidad y movimiento cuadrados)

-Utiliza la yuxtaposición del color, con -Crean un complejo de tensiones

matices cromáticos identificables visualesdando la sensación de movimiento

Elaborado por:
Jean Tinguely Yaacov Agam
(Friburgo 1925 - Berna 1991) (Rishon Le Zion 1928)

fue un pintor y escultor suizo. Es famoso

por sus "máquinas escultura" o arte
cinético, entroncado en la tradición
Dada; conocido oficialmente como Méta
- Matics. A través de su arte Tinguely
satiriza la sobreproducción sin sentido
de bienes materiales por parte de la
sociedad industrial avanzada.

Jean Tinguely por Erling Mandelmann,

1963. Tinguely creció en Basilea, pero se
mudó a Francia en su juventud para
desarrollar su carrera artística.
Perteneció al movimiento de avant garde
(vanguardia) parisino de mediados del
siglo XX y fue uno de los artistas que
firmó el manifiesto Neorrealista
(Nouveau réalisme) en 1960.

Su obra más famosa es una escultura Salón Agam

que se autodestruye, llamada Homenaje 1972 - 1974
Técnica mixta
a Nueva York (1960), se autodestruye en 470 x 548 x 622 cm.
forma parcial en el Museum of Modern Centro Pompidou
Art, de Nueva York, aunque su obra París-Francia
posterior, Estudio No.2 para un fin del
mundo (1962), detonó de forma exitosa
enfrente del público reunido en el Yaacov Agam comenzó sus estudios artísticos con el maestro Mordechai Ardon en la Academia Bezalel de Artes y
desierto cerca de Las Vegas. Diseño de Jerusalén, luego se trasladó a Zúrich y luego a la Academia de Arte Abstracto de París. En 1950 hizo su
primer experimento cinético, 3 años más tarde expuso por primera vez y en 1955 fue uno de los partícipes de la
En 1971, Tinguely se casó con la artista primera muestra internacional del arte en la galería Denise René en París.
francesa Niki de Saint Phalle.
En la Bienal de París de 1959 fue expuesta su obra, el mismo año en Ámsterdam y con el título de El Movimiento
en el Arte tuvo una destacada exposición. En 1963 ganó el primer premio en la Bienal de São Paulo, Brasil. Su obra
Metalmecánica trípode se destaca por la interactividad que existe entre artista y espectador ya que las obras de Agam suelen tener una
1954
pantalla y pequeñas perforaciones por las cuales la obra se ve de distintas maneras según el enfoque de quien
Técnica mixta
100 x 90 cm. mira su arte. Por otra parte, sus esculturas son generalmente de acero inoxidable y tienen grandes dimensiones.
Colección privada La sorpresa que generó en el mundo del arte hizo que reparticiones públicas y asociaciones de bien le solicitaron
su trabajo para sus instalaciones como el Centro de Congresos de Jerusalén y la escultura que se encuentra en la
Juilliard School of Music de Nueva York.
Victor Vasarely
(Pecs 1908 - París 1987)

Vásárhelyi Győző, bautizado en Francia como Victor Vasarely, fue el padre del Op art, una tendencia artística de corte abstracto desarrollada sobre todo en los años 60, que se basa en jugar con nuestros ojos
para conseguir imágenes que simulan movimiento y toda suerte de ilusiones ópticas. Vasarely comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero eso no era lo suyo. Se interesó más bien por el arte abstracto de
Mondrian y Malévich, gente muy interesada por lo que la geometría podría aportar al arte.

A principios de la década de 1930 se fue a París y empezó su investigación artística principal: un tipo especial de arte abstracto geométrico, que proporciona efectos ópticos de movimiento, y así juega con
nosotros, pobres espectadores engañados por formas y perspectivas extrañas, e imágenes inestables. Utilizó para ello una pintura nada gestual. Al parecer, estas obras estaban influenciadas por las paredes
de azulejos blancos de la Denfert París, que creaban una sensación óptica especial. Vasarely llamó a todo esto cinética visual (cinétique plastique) y se basaba en la percepción del espectador que al final, se
considera el único creador de la obra. O más bien el ojo del espectador, un miembro del cuerpo humano muy fácil de engañar. El arte de Vasarely es pues un timo, una estafa, un engaño. Un engaño en el
buen sentido de la palabra, si es que la palabra tenía buen sentido. Al menos Vasarely se lo dio.
 Bridget Riley
Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar 1923- París 2005)
(Ciudad Bolívar 1923- París 2005)

Gran escritura
1966 Caída
Alambre y madera 1963
104 x 170 x 16 cm. Emulsión de madera prensada
Phoenix Art Museum 141 x 140 cm.
Arizona-EEUU Tate Gallery
Londres-Reino Unido

El estilo temprano de Soto estuvo influido por Cézanne y el cubismo; también

conocía la obra de los constructivistas soviéticos gracias a las reproducciones. En Bridget Louise Riley (West Norwood, Londres, 24 de abril de 1931) es una pintora inglesa, figura
1950 se trasladó a París, donde empezó a pintar cuadros abstractos con formas destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas
geométricas repetidas que sugerían movimiento. Su primera obra cinética. Espiral, abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos.
data de 1955.
Riley nació el 24 de abril de 1931 en Norwood; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el colegio
Soto prefería trabajar con los modernos materiales sintéticos industriales, como el normal superior de Norwood, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A
nylon y el acero, pero a comienzos de la década de 1960 experimentó con la finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de
textura de objetos encontrados como madera vieja, alambre oxidado y cuerdas. Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico
Sus esculturas cinéticas presentan una opción entre elementos dinámicos y (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las
estáticos, y sus grandes instalaciones tienden a borrar la distinción entre realidad e obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones
ilusión. Además, su obra explota habitualmente los patrones de interferencia retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward.
creados al colocar objetos sobre delgadas líneas repetidas.
 Junk A r t ( A r t e P ov e r a )
Land Art

Elaborado por:
 Junk Art (Arte Povera)
Land Art
(s.XX)
-A pesar de que su duración fue bastante
-Los artistas que la practicaban estaban en
-Fue un tipo de arte que basó toda su corta, tuvo una importancia en Europa
contra del uso de algunos materiales como
estética en las posibles relaciones que durante la posguerra.
el acero inoxidable.
existían entre los objetos y su
configuración. -Su meta principal era establecer la
-No seguía las pautas exactas del arte
importancia que había entre el ser humano
minimalista.
-Valoraba sobre todo los diferentes y las cosas que le rodean, así como
procesos de fabricación y manipulación de reconocer la importancia de los elementos
-Sus representantes estaban también
los materiales utilizados y también los de la naturaleza y el trabajo artístico.
contra el consumismo y le daban una mayor
materiales en sí. importancia a la naturaleza.

-Valoraba los materiales en su estado -Era considerada como un tipo de crítica

natural. ante la civilización moderna.

Elaborado por:
 Christo y Jeanne-Claude
(Christo n. Gabravo 1935)
(Jeanne.Claude n. Casablanca 1935)

Islas rodeadas
1983
Miami-Florida

Reichstag envuelto
1995
Christo y Jeanne-Claude conformaban un matrimonio de artistas que realizaban instalaciones artísticas Berlín-Alemania
ambientales, similares al Land Art.

Se caracterizan, principalmente, por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas
áreas públicas. Han realizado sus instalaciones en diferentes países: en el año 1995 forraron el edificio
del Reichstag en Alemania y en 1985 cubrieron el Puente Nuevo en París. También construyeron una
cortina de 39 kilómetros de largo, llamada "Running Fence", en la comuna francesa de Marín en 1973. Su
trabajo más reciente fue "The Gates" (2005), el que consistió en instalar 7.503 marcos metálicos en el
Central Park de Nueva York.
Richard Long Robert Smithson
(Bristol 1945) (Passaic 1938 - Amarillo 1973)

Línea en el Sahara
1988
Piedras
114 x 83 cm.
Desierto del Sahara
Spiral Jetty
1970
Roca
4 x 450 m.
Gran LAgo Salado
Utah-EEUU

Richard Long ha basado su arte en una única actividad: caminar. En sus solitarias excursiones a pie recorre cientos de kilómetros de paisaje. Los propios paseos suelen
estructurarse con arreglo a ciertos límites, por lo general expresados en el título de la obra. Éste puede indicar un punto de partida de un destino, pero también límites
temporales, caso de Mil millas en mil horas (1974), o bien actos con asociaciones poéticas, como recoger agua de cada río que cruza para verterla en el siguiente, como en
Water walk (1999). Por el camino, Richard Long crea a veces formas geométricas efímeras con palos, piedras y otros materiales. Sus paseos quedan registrados en
fotografías y mapas, a menudo acompañados de textos evocadores.

A Long le interesa diferenciar su actividad del land art estadounidense, que considera obsesionado con realizar gestos ostentosos que requieren mucho dinero o
maquinaria industrial. Por contraste, el encuentro de Long con el paisaje se define por la sutileza, la sencillez y la receptividad ante lo que el paisaje ofrece.
Andy Goldsworthy Joseph Cornell
(Chesihire 1956) (Nueva York 1903 - Nueva York 1972)

Estella de carámbanos
1980 Llave
Hielo 1960’s
Dumfriesshire Técnica mixta
Escocia-Reino Unido 24 x 38 x 10 cm.

Goldsworthy es un escultor, fotógrafo y ecologista británico, residente en Joseph Cornell, artista. No sabemos bien si pintor o escultor… probablemente ambas. Sus assemblages son famosos en
Escocia, que realiza arte de sitio específico y Land Art en emplazamientos el mundo entero por su exquisitez, elegancia y lirismo. Sus maravillosas cajas son una oportunidad para ver en primera
naturales y urbanos. Se le ha concedido la Orden del Imperio Británico.Andy fila un sueño, un recuerdo, un universo inventado, pero que nos suena de algo. Cornell era neoyorquino de clase
Goldsworthy. bastante alta. Su padre era comerciante de telas, su madre profesora de niños muy pequeños. Quizás esa mezcla
explique su obra.
En su arte juega un papel importante la fotografía.5 Los materiales que usa para
sus esculturas son: flores, carámbanos, hojas, barro, piñas, nieve, piedras, ramas Su primera influencia fueron los collages de Max Ernst, que el artista comenzó a imitar con su propio estilo autodidacta y
y espinas. Se le considera el padre del arte con piedras en equilibrio moderno. añadiendo su faceta de coleccionista excéntrico. Una especie de síndrome de Diógenes por lo que nunca le faltaron
En sus obras efímeras solo trabaja con sus manos, sus dientes y con algún ideas ni material para nuevas y sorprendentes obras de arte. Cornell empezó a meter objetos en cajas y las cubría con
objeto que encuentre que pueda utilizar como herramienta. un cristal. Esas composiciones nos recuerdan a otros tiempos y son en sí mismas poesías creadas a partir de temas
cotidianos. Objetos que encontraba en tiendas de segunda mano, o páginas de libros ignotos de antiguas librerías y que
colocaba como buen surrealista como una yuxtaposición irracional que provocaba todo tipo de evocaciones. Los artistas
Pop lo idolatraban por ello. También es destacable su faceta de creador audiovisual.
 John Chamberlain Louise Nevelson
(Kiev 1899 - Nueva York 1988)
(Rochester 1927)

Jardín tropical
1959
Fierro
Galería Nazionale d’Arte Moderna
Roma-Italia

Jardín tropical
1959
1959
Madera pintada
180 x 330 cm.
Centro Pompidou
París-Francia

John Chamberlain fue un escultor estadounidense. Después de servir Fue una pintora y escultora estadounidense de origen ucraniano. El apellido por el que se la conoce
en la Marina de los Estados Unidos (entre 1943 y 1946), cursó estudios es el de casada. Es conocida por sus piezas abstractas realizadas con cajas de madera o metal y
de arte en el Art Institute of Chicago (entre 1951 y 1952) y en Black piezas al aire libre. Experimentó con el primer arte conceptual ensamblando objetos encontrados y
Mountain College (entre 1955 y 1956). Su carrera se inició en la dedicándose a la pintura y la impresión, antes de centrarse definitivamente en la escultura. En 1929
década de 1960, especializándose en esculturas hechas de acero comenzó a estudiar en la Art´s Student´s League, decisión que no gustó a su marido, y que a la
oxidado o metal retorcido y siempre al estilo expresionista abstracto o postre fue una de las causas de su separación. El divorcio formal llegó en 1941.
arte pop. En 1971 organizó su primera exposición en el Museo
Solomon R. Guggenheim de Nueva York y sus obras fueron expuestas Tras una breve estancia en Alemania, de donde tuvo que marcharse precipitadamente a la llegada del
por todo el mundo: Bienal de São Paulo (1961 y 1994), Bienal de partido nazi al poder, se estableció en París, donde mantuvo una relación sentimental con el
Venecia (1964), Whitney Biennial (1973 y 1987), Alemania (1982), entre marchante de arte Georges Wildenstein. Comenzó así una vida bohemia, alternado el ejercicio de la
otras. pintura con incursiones en la escultura. En 1943 realizó una gran exposición en la Norlyst Gallery,
donde a pesar del éxito de crítica, no consiguió vender ninguna obra. Continuó siendo una
personalidad notoria en el mundillo artístico neoyorquino hasta su muerte.
Edward Kienholz Alberto Burri
(Nueva York 1903 Nueva York 1972) (Cittá Di Catello 1915 - Niza 1995)

El pintor y escultor italiano

Kienholz fue un artista
Alberto Burri se formó como
estadounidense
médico, y se inició en la
especializado en
pintura en un campo de
instalaciones. Su trabajo
prisioneros de guerra en
fue sumamente crítico de
EEUU. Volvió a Italia y se
diversos aspectos de la
convirtió en una figura
vida moderna. A partir de
destacada del arte informal
1972 y hasta su muerte,
o arte povera, el
realizó numerosas obras
minimalismo italiano.
en colaboración con su
esposa, Nancy Reddin
A finales de la década de
Kienholz. Las mismas son
1940, Burri pasó de un estilo
genéricamente
expresionista a otro
identificadas como
puramente abstracto,
"Kienholz".
rechazando toda referencia
metafórica. En diversas
series de esculturas y
cuadros con títulos como
ALquitranes, Maderas,
Hierros, Combustiones,
Sacos y Arcillas exploró
nuevas técnicas y materiales
como cortar, quemar y el
collage.

Saco IV
Restos
1954
1959
Algodón
Fierro
Colección Denney
Galería Nazionale d’Arte Moderna
Toulouse-Francia
Roma-Italia
 Pino Pascali
(Nueva York 1903 Nueva York 1972)

Pino Pascali estudió en la Academia de Bellas Artes de Roma. Al

término de sus estudios comenzó a trabajar como escenógrafo
con bocetos, dibujos y cortometrajes para “Carosello”, un
programa de televisión italiana que se transmitió por 40 años.

El programa se basaba en sketches con actores o dibujos

animados para promocionar un producto. Realizó su primera
exposición individual en 1965 en la prestigiosa galería “La
Tartaruga”, en Roma.

En solo tres años, de 1965 a 1968, había atraído la atención de

importantes, y temidos, críticos de arte de su país como
Bucarelli, Rubiu, Vivaldi, Calvesi, Grandi, De Marchis y Boatto.
Por supuesto, también llamó la atención de galeristas. En el
verano de 1968 fue invitado a mostrar sus obras en la 34ª
Bienal de Venecia, donde le proporcionaron su propia sala
personal.

Pascali se inspiró en el neo-dadaísmo (artes sonoras, visuales y

literarias), en el pop norteamericano y en el estilo del escultor
sueco Claes Oldenburg. Se caracterizó por obras gigantes de
objetos cotidianos, por su teatralidad y su cercanía al
happening artístico.

Su experiencia en la televisión y el teatro la plasmó en sus

obras, como la serie de imágenes con cañones que él mismo
fabricó con ferretería y piezas cotidianas. Como en el arte
povera, Pino Pascali utilizó materiales no convencionales para
crear arte como paja, madera, cemento, plástico, acero, fibra
de vidrio, entre otros.

Cañón semoviente
1965
Madera, chatarra y ruedas
251 x 340 x 246 cm.
 Art e C o n c e p t u a l

Elaborado por:
 Arte Conceptual
(s.XX)
-Nació como una reacción contra los
-Utiliza la ironía, sátira o la polémica en su principios del formalismo.
-Dado que las ideas y los conceptos son la forma de manifestación buscando la
característica principal del arte, la estética y reflexión y la lectura del concepto artístico. -El arte conceptual es un término muy
las preocupaciones materiales tienen un
amplio e incluye varias prácticas artísticas
papel secundario en el arte conceptual. -Se reduce la presencia material de la obra,
lo que se conoce como desmaterialización
-Los temas del arte conceptual pueden del arte, y ésta es una de las características
dedicarse a explorar, atestiguar, cuestionar, principales.
criticar o denunciar la realidad actual del
entorno social, político o económico.

Elaborado por:
 Joseph Beuys
(Krefeld 1921 - Dusseldorf 1986)

Teléfono a tierra
1968
Técnica mixta
Cómo explicar cuadro a una liebre muerte América
20 x 47 x 76 cm.
1980
Kunsthalle
Performance
Hamburgo-Alemania
Galería Schmela
Düsseldorf-Alemania

El arte como un acto iniciático, el artista como chamán, como en tiempos primitivos. Héroe romántico, actualmente Joseph Beuys es una figura incuestionable, un santo para la artificial comunidad artística de
occidente. Y como buen santo, cuenta con una hagiografía, mitad verdad, mitad leyenda. Piloto nazi de la Lufwaffe, tuvo un accidente de avión, del que sobrevive gracias a los cuidados de unos tártaros nómadas que
evitan su congelamiento cubriéndolo de grasa y fieltro. Desde entonces, esos serán materiales recurrentes en su obra. Una obra que mezcla escultura, instalación (conjunto de objetos conformando un espacio) y
acción, en la que el proceso es quizás lo más interesante. Para Beuys, la idea es más arte que el resultado. Como para Duchamp, para él el arte es un juego, pero también es la vida misma, la muerte, el cambio, lo
efímero, lo inmortal, lo sencillo y lo complejo. Beuys es desde luego, un artista complejo como complejos fueron los tiempos que vivió. Recordemos que Beuys fue uno de esos artistas que estructuraron el llamado
arte conceptual, que más que belleza busca la especulación intelectual, aún a riesgo de poner patas arriba todo el concepto de arte.

Como su coetáneo Warhol, (aparentemente en las antípodas), Beuys cree firmemente que el artista debe mezclar vida y obra como una misma cosa. Ambos creadores construyen una imagen de artista tan artificial
como artificiosa, pero tan real por lo que tienen de acorde a su tiempo. Ambos rodeados de un séquito, como líderes de una secta, que derivó en todo el abanico de productos y subproductos que dominan el arte
actual. Su «secta» fue de lo más atractiva, ya que afirmaba que «todo ser humano es un artista», y cada acción, una obra de arte. En 1962 se mete en Fluxus, un grupo de anti-arte que acaba redefiniendo por completo
al arte mismo. Entender al arte como proceso en flujo era su máxima y se convirtió en líder y guía espiritual del grupo, hasta que Fluxus se convirtió también en arte institucional y el siempre disidente Beuys siguió su
camino, continuando la aleación de arte y vida: introdujo el arte en la política, en la educación, en la naturaleza, en la religión y en el propio arte.
Piero Manzoni
(Soncino 1933 - Milán 1963)

Mierda de artista
1961

Escultura viviente Pedestal mágico

1961 1961

Piero Manzoni fue un artista conceptual radicado en Milán, de obra ingeniosa y provocativa, dirigida a burlarse del mundo del arte oficial y cuestionar el papel del artista en una
sociedad capitalista en la que todo es mercancía.
Para Manzoni, todo era arte: los excrementos, que enlató; las personas, que firmaba; incluso el mundo entero, que fingió montar sobre un pedestal. Atacaba la pomposidad de los
artistas atormentados, especialmente la de los excrementos o con las personas firmadas por él. Satirizó el minimalismo pintando líneas en rollos de papel que luego guardaba en tubos
y latas. En su serie Aliento de artista, consistente en inflar globos, colocarlos sobre pedestales y dejar que se desinflaran, se burló de la hipertrofia del mundo artístico.
 Fluxus
(1960’s - 1970’s)

Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento

artístico de las artes visuales en especial, pero también de la
música, la literatura y la danza, el cual tuvo su momento más
activo entre la década de los 60 y los 70 del siglo XX. Se
declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía
y se proclamó a sí mismo como un movimiento artístico
sociológico. Fluxus fue informalmente organizado en 1962
por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico
tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.
 Marcel Broodthaers Joseph Kosuth
(Bruselas 1924 - Colonia 1976) (Ohio 1945)

Libro ilegible
1964
Libros, yeso y pelota de goma
Gante-Bélgica

Una y tres sillas

Alfabeto pipa 1965
1971 Técnica mixta
Plástico pintando 82 x 38 x 53 cm.
84 x 119 cm. MOMA
Galerie de l’Art Modernie Nueva York-EEUU
París-Francia

Marcel Broodthaers fue un poeta que se inició en las artes visuales a los 40 años. Su carrera Tan artista como filósofo y antropólogo, Joseph Kosuth partió de la obra de Marcel Duchamp y defendió que
en dicho ámbito, breve pero influyente, se ocupó en particular del lugar del museo en la el arte conceptual empieza con los ready-mades de este hombre, que «pasan olímpicamente» de la
cultura contemporánea, y de la forma en que se acostumbra a presentar el arte y el público. apariencia para centrarse en el concepto, pero sería él uno de los primeros artistas oficialmente conceptuales
de los años 60. Aunque la intención inicial de esta gente era suprimir el mercantilismo que estaba sufriendo
En 1968 convirtió la planta baja de su hogar en Bruselas en un “Museo de ARte de el arte, hoy su obra es considerada «académica» y se exhibe en los más importantes museos del mundo.
Moderno”. En su primera exposición mostró postales de cuadros del Louvre del s.XIX y
cajones de embalaje vacíos del Palais des beaux Arts. La exposición cuestionaba la Tras sus estudios de arte, Kosuth se erigió líder destacado de un nuevo movimiento: arte conceptual. Para
naturaleza y validez del arte, y la diferencia entre una obra maestra del arte y un recuierdo empezar, quiso deshacerse de las formas, que, según él, tenían reducido el arte a mera apariencia. Después
turístico. La obra de Broodthaers también examinaba la relación entre el lenguaje y los empezó a jugar con la complejidad del lenguaje. El artista consideró que la esencia del arte fluye por vías
objetos que éste describe. En 1974 creó Los animales de la granja, parodia de un cartel discursivas, y vive en el terreno filosófico y lingüístico. Suya es la frase «el arte es, de hecho, la definición del
educativo en la que aparecen distintos tipos de vacas etiquetados con nombres de arte». Su «Art after Philosophy» (1969) es un manifiesto donde desarrolla la base teórica de sus obras y en
automóviles. donde se busca explorar la naturaleza del arte y conducirlo a su desmaterialización.
On Kawara Hans Haacke
(Aichi-Ken 1932) (Colonia 1936)

El alemán hans Haacke ha

creado un arte político
incisivo y directo que pone
al descubierto el poder y los
privilegios. Su obra
temprana, dedicada a los
procesos naturales -Torre
de lluvia (1962), Cubo de
condensación (1963-1965) y
Cubo de hierba (1967)-,
permitía la interacción
entre animales, plantas,
agua y viento. También hizo
incursiones en el land art.

En la década de 1970, su
Hoy obra se volvió claramente
1979 política: en ella atacaba a
Polímetro sintético los gobiernos, las
sobre lienzo
multinacionales, las
46 x 62 cm.
MOMA inmobiliarias y los museos.
Nueva York-EEUU Han Haacke argumenta
que, deliberadamente o no,
el arte desempeña una
función en el ambiente
Este artista japonés vive en Nueva York desde 1965. Su obra trata los asuntos más sociopolítico en el que se
serios -el tiempo y el espacio, la vida y la muerte- de modo engañosamente desenvuelve: afecta por lo
sencillo. tanto al espíritu de su
época y tiene consecuencia
En la década de 1960, Kawara comenzó a registrar su vida de aséptico. Hizo mapas políticas.
de sus paseos y trayectos en taxi cotidianos, y listas de las personas a las que
conocía. Enviaba telegramas a sus amigos con las palabras “Sigo vivo”. On Kawara”,
y postales desde cualquier lugar donde estuviera, todas ellas selladas con su Germania
dirección provisional y con un apunte de la hora a la que a veces pinta varios en un 1993
día, a veces ninguno. Si no ha terminado un cuadro antes de medianoche, lo Instalación temporal
Bienal de Venecia
destruye. Los cuadros se exponen a veces juntos, y a menudo de modo temático:
Venecia-Italia
por ejemplo, todos los de un año, o bien lo de un determinado día de la semana.
Mona Hatoum Christian Boltanski
(Beirut 1952) (París 1944)

La artista palestina Mona Hatoum

Christian Boltanski es un artista
ha trabajado principalmente en
francés autor de obras e
Londres y Berlín, en medios
instalaciones de una gran fuerza
diversos, entre ellos videoarte,
emocional, capaces de inducir a
performances, instalaciones,
la reflexión y a la conmoción.
fotografía y escultura.
Abandonó la escuela de los
En su obra, por lo general
doce años y empezó a pintar a
perturbadora, lo familiar se vuelve
los catorce, en 1958. En 1967
grotesco y viceversa. El collar que
comenzó a explorar su propia
parece hecho de grandes y
historia personal, reuniendo
decorativas cuentas marrones
documentos y fotografías de los
resulta ser una extraña combinación
álbumes familiares. En Tres
de madera, cuero y cabello humano.
cajones (1970), unas figuras de
La alfombrilla en la que se lee el
plastilina que representan las
típico welcome (“bienvenido”) está
posesiones de un niño nos
hecha de alfileres de acero. La obra
recuerdan los tesoros
de Hatoum, a veces violenta, tiene
insignificantes que adorábamos
que ver a menudo con el cuerpo
en la infancia.
humano y produce en el espectador
El otro gran tema de Boltanski
una reacción visceral.
es la muerte, especialmente el
Holocausto. En
Chajes-Gymnasium (1986-1987)
creó una construcción en forma
de altar a base de cajas de
hojalata, sobre las cuales había
colocado fotos de niños judíos.
En REserva (1988) forró una
habitación entera con ropa
usada sin lavar, estimulando el
sentido del olfato además de la
vista; la habitación recordaba a
Cuerpo extraño Reserva de suizos muertos los almacenes donde los nazis
1994 1980 guardaban las posesiones de
Instalación en el Centro Pompidou Kunsthalle
París-Francia Hamburgo-Alemania
los deportados.
 Pi nt u r a F i g ur a t i v a
s.XX

Elaborado por:
 Pintura Figurativa
(s.XX)
-Hay una suerte de distorsión de las formas
-Se da un retorno hacia la pintura figurativa
-Tanto el color como la forma obedecen a la
-En algunos casos tiene cierto subjetividad del artista, en ese sentido bebe
acercamiento a la abstracción en el sentido de las tendencias del expresionismo.
de los fondos o la falta de perspectiva.

-Hay una mayor gestualidad en la pincelada,

en la aplicación de la materia.

Elaborado por:
Francis Bacon
(Dublin 1909 - Madrid 1992)

Tres estudios para una Crucifixión

1962
Óleo sobre lienzo
198 x 45
Guggenheim
Nueva York-EEUU

Francis Bacon nace en el seno de una familia irlandesa. Su padre, estricto militar, lo expulsó con 16 años del hogar al conocer su
homosexualidad y Bacon se alojó varios meses en Alemania, donde gozaría de los alegres años 20 berlineses. Entre París y Berlín
descubrió la vida y el arte. Fueron Poussin y su «Matanza de los inocentes», el cine de Eisenstein y sobre todo Picasso quienes lo
empujaron finalmente a la pintura. De vuelta a Londres, y tras trabajar como decorador de interiores inició su estilo expresionista en el
que quiso plasmar ante todo y figurativamente la tragedia de la existencia. Para ello usó la figura humana como principal (y único) tema.

En los 40, ya consagrado, y en plena fiebre del expresionismo abstracto que causaba furor en norteamérica, Bacon se erige como uno de
los principales (quizás el principal) pintores figurativos de la segunda mitad del siglo XX.Quiso retratar a seres humanos sufriendo, en
Estudio para una corrida de toros n.1 violencia, retorciéndose en sus habitaciones, aislados, solos y desfigurados. Para ello se inspiró en fotografías de sus amigos, pero también
1969 fotografías médicas de enfermedades y deformaciones, en cronofotografías de Muybridge.
Óleo sobre lienzo
198 x 148 Sus óleos, aún carentes de todo realismo, son paradójicamente un fiel reflejo de la vida misma. De algún modo, el espectador se ve
Kunsthalle
Hamburgo-Alemania
reflejado (Bacon potencia este reflejo cubriendo con un cristal la mayoría de sus obras) en esos retratos de hombres modernos, convulsos
y amenazados por la violencia y degradación que los rodean en un ámbito de supuesto bienestar.
Para comprender el trabajo de Bacon, es
importante saber que en sus trabajos disecciona
el cuerpo humano, por ello es que, uno de los
cuadros más impactantes y que más revisiones
tuvo por parte del artista (alrededor de unas 50),
es el Estudio del Retrato del Papa Inocencio X de
Velázquez de 1650, en la cual se observa al Papa
Inocencio X, en una actitud retadora y poderosa.

A diferencia de los cuadros convencionales en la

representación del cuerpo humano, con Bacon
se busca transmitir la belleza de la putrefacción
humana (como fin necesario y no negociable con
la vida).

Es por ello que encontramos, un Papa Inocencio

X en una actitud totalmente distinta, es decir, con
un rostro desencajado, y retratado con unos
tonos oscuros que crean la atmósfera propicia
para reflejar en el personaje, el tormento
causado por la iglesia.

El uso de tonos en contraste (morado y amarillo,

por ejemplo) da un realce al personaje,
destacando las pinceladas gruesas y difuminadas
del fondo, la figura realza al parecer emerger de
entre la cortina sombría de pintura rústica
utilizada, con principal protagonismo en su
rostro y manos del Papa, por el impacto que
causa a primera vista el verlo.

Como era muy habitual en la obra de Bacon, el

grito no se oye, pero se ve.

Estudio del retrato del papa Inocencio X de Velazquez

1953
Óleo sobre lienzo
153 x 118
Des Moines Art Center
Iowa-EEUU
Lucien Freud
(Berlín 1922)

Doble retrato Supervisora de ganancias

1988 1995
Óleo sobre lienzo Óleo sobre lienzo
151,5 x 219

Lucian Freud es uno de los artistas figurativos más importantes de la segunda mitad del XX. Su expresionismo lo acerca a autores como Bacon o Auerbach, con los que formó
la llamada Escuela de Londres (paradójicamente, ninguno de los tres era de Londres, ni siquiera británicos), Aunque Freud era uno de los más «naturalistas» al mostrar la
«realidad». Especializado en retratos, sus cuadros son fríos, sin expresar apenas sentimientos, pero tratando de enfatizar la carnalidad y la materia (otra vez, como Bacon o
Auerbach), sobre todo en sus excelentes desnudos.

Fue nieto de Sigmund Freud, por lo que al inicio de su carrera abrazó el surrealismo. Como sucedió con muchos artistas, la llegada de Hitler al poder hizo que su familia
emigrara y se instalará en Londres. En los años 40 ya asentará su figuración, huyendo de la abstracción de moda en la época. Casi exclusivamente trabajó el retrato: gente
conocida como amigos, familia, colegas artistas, amantes… Tuvo la suerte de poder rechazar lucrativos retratos por encargo. Siempre buscó de alguna manera nutrirse de lo
autobiográfico. También trabajó el retrato de animales como mascotas y caballos, a veces acompañando a sus dueños, en algunas escenas de una poética sutileza en algunos
casos.
 Andrew Wyeth
(Chadds Ford 1917 - Chadds Ford 2009)

Brisa del mar El mundo de Christina

1988 1948
Óleo sobre lienzo Óleo sobre lienzo
82 x 121 cm.
MOMA
Nueva York-EEUU

Andrew Newell Wyeth fue un pintor de la escuela realista de los Estados Unidos. Muchos lo engloban dentro del regionalismo, signifique lo que signifique esto. Desde luego, muy pocos pintores
supieron captar el mundo rural como él. Comúnmente se le llamó el «Pintor del Pueblo» debido a su popularidad entre el público medio de su país. En sus obras podemos respirar el olor a
hierba de las grandes praderas de Chadds Ford, en Pensilvania o sentir la tierra y los habitantes de Maine, con sus viejas granjas.

También asombroso retratista, su trabajo era meticuloso y muy lento, por lo que no siempre encontró modelos dispuestos a posar horas, pero a los que sí consiguió retratar, los captó con una
sensibilidad fotográfica.
 Fernando Botero
(Medellín 1932)

Nuestra Señora de Fátima

1963
Mona Lisa
Óleo sobre lienzo
1978
Museo de Arte Moderno
Óleo sobre lienzo
Bogotá-Colombia
Museo Botero
Bogotá-Colombia

Su estilo figurativo hasta tiene nombre oficial: el «boterismo». Tanto en pintura como en escultura, realiza figuras más robustas y gruesas de lo habitual,. Botero es hoy uno de los artistas más cotizados de la
actualidad y sin duda el pintor colombiano de mayor resonancia internacional. Es palpable en su particular obra una cierta influencia del muralismo mexicano propia de Diego Rivera, pero puestos a indagar
en sus conexiones, podemos tender cables con el monumentalismo de Paolo Uccello o Piero della Francesca. Y por supuesto, las referencias al primitivismo naíf de Rousseau son evidentes.

Temáticamente, al colombiano parece gustarle lo grotesco, por sus recurrentes imágenes deformadas, pero su obra supura un de un humor que se puede interpretar como una crítica sarcástica a la sociedad
actual, llena de monstruos sobrealimentados realizando todo tipo de acciones ridículas. Sus desmesurados personajes ocupan todo el lienzo en ocasiones, no dejando espacio para nadie más. Son
caricaturas, retratos de la fealdad, pero no es una fealdad moral, sino exterior y estética.

Tampoco está ausente la crítica política en su obra, no sólo colombiana sino también internacional. Son habituales escenas de terrible actualidad como torturas, masacres, guerras, pero siempre vistas a
través del filtro del boterismo. Ya sea Jesucristo, un dictador un obispo o el propio pintor, sus retratos siempre tienen un tratamiento exagerado en sus proporciones. Se podría decir que Botero pinta un
realismo mágico. El suyo es un mundo conocido y recordado, pero en él suceden cosas maravillosas. A saber porqué freudiano motivo pinta a la gente con varias tallas de más.
 Hiperrealismo

Elaborado por:
 Hiperrealismo
(s.XX)

-Radicalismo.
-Exactitud de los detalles.
-Independencia.
-La diferenciación entre lo real y la
imagen. -Precisión

-Objetividad. -Rechazo al mecanismo aplicado a la

realidad.

Elaborado por:
Chuck Close
(Monroe 1940)

Linda
1978
Acrílico y lápiz sobre
lienzo
274 x 213 cm.
Akron Art Museum Autorretrato grande Autorretrato
Ohio-EEUU 1969 2000
Acrílico sobre lienzo Acrílico y lápiz sobre lienzo
Walker Art Center
Minneapolis-EEUU

Chuck Close, nacido Charles Thomas Close, es un artista estadounidense que creó su obra dentro del llamado hiperrealismo (o quizás habría que denominarlo fotorrealismo, al basar su arte en la fotografía).
Como pintor trabaja en grandes formatos, casi exclusivamente creando retratos.

Algo curioso de Chuck es que sufre prosopagnosia (un trastorno cognitivo en el que el sujeto es incapaz de reconocer caras). Quizás por ello basó todo su trabajo en retratos de caras, empezando por las
caras de sus mejores amigos. A finales de los 60 deja de lado el expresionismo abstracto de sus inicios y empieza a trabajar en enormes pinturas a partir de imágenes fotográficas, utilizando un sistema de
cuadrícula con el que consigue una imagen que se ve muy real desde la distancia. Algo así como pintar con píxeles de colores, como hacía un siglo antes Georges Seurat. Close pinta de manera lo más
mecánica e impersonal posible y crea numerosas series de sus obras, a menudo utilizando otras técnicas e incluso llega a utilizar solamente los tres colores primarios (cian, magenta y amarillo) para crear la
mezcla con una superposición de capas. En 1988 sufrió una hemiplejia que lo dejó en una silla de ruedas, pero sigue pintando como puede. Hoy en día es una institución, una leyenda viva del arte
americano.
Don Eddy Richard Estes
(Long Beach 1944) (Kewanee 1932)

Cabinas telefónicas
1967
Acrílico sobre panel
lienzo
122 x 175 cm.
Museo Nacional
Thyssen-Bornemisza
Madrid-EEUU

Volkswagen
1970’s
Acrílico sobre lienzo

En su juventud trabajó en el garaje de su padre pintando carrocerías de automóviles, hecho que influyó en la
futura elección de sus temas artísticos.1 Estudió Bellas artes en la Universidad de Hawái en Honolulu, donde
se licenció en 1969. Entre 1969 y 1970 amplió sus estudios en la Universidad de California en Santa Bárbara. Richard Estes (14 de mayo de 1932 en Kewanee, Illinois) es un pintor estadounidense
En su formación fue relevante la influencia del artista pop James Rosenquist. conocido por sus pinturas hiperrealistas.

Es uno de los principales representantes del hiperrealismo, un movimiento artístico surgido en torno a 1965 Sus cuadros consisten generalmente en retrospectivas de ciudades alejadas y en
caracterizado por su visión superlativa y exagerada de la realidad, que es plasmada con gran exactitud en paisajes geométricos de ambientes urbanos en donde los automóviles, forma de vestir,
todos sus detalles, con un aspecto casi fotográfico. Junto a otros artistas como Chuck Close, Richard Estes, carteles publicitarios y escaparates, representan el ambiente de la época.
John Salt y Ralph Goings, reproducen en sus lienzos imágenes de la realidad circundante, imágenes banales
sin ninguna relevancia particular, simplemente visiones de la vida de la gente corriente, en entornos Una característica de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz
preferentemente urbanos, con un gusto especial por coches y escaparates. Son obras de gran formato y un refractada; desde 1967 comenzó a pintarlas, y desde entonces le han acompañado en
aspecto pulcro, frío, superficial, con gusto por los acabados brillantes y pulidos. Dentro de este movimiento, sus obras, edificios reflejados en estructuras cristalinas y lisas como los escaparates,
Eddy mostró una preferencia especial por los coches, especialmente de aspecto nuevo y reluciente, al ventanales, cabinas telefónicas, capó de un coche o al paso de un autobús. También
contrario que su compañero John Salt, que los retrata desguazados, con las carrocerías destrozadas.4 Por lo reproduce reflejos deformados y a veces difuminados en superficies no lisas y
general pinta solo fragmentos de la carrocería de los coches (parachoques, guardabarros), con un interés uniformes como son las olas de agua en movimiento. Está considerado como uno de
especial en los brillos y reflejos, en el aspecto reluciente de los mismos. El exceso de estos efectos los fundadores del movimiento fotorrealista internacional de finales de los años
reflectantes otorga a sus obras, pese a su realismo, un aspecto inverosímil, casi irreal. Otro tema que trató sesenta, con artistas como Malcom Morley, Chuck Close y Duane Hanson.
con asiduidad fueron los escaparates y los objetos contenidos en estantes, destacando también los efectos
de brillos y reflejos.
Antonio López Ralph Goings
(Tomelloso, Ciudad Real 1936) (MCalifornia 1928)

Doble Ketchup
1967
Acrílico sobre panel
lienzo
122 x 175 cm.
La Gran Vía Museo Nacional
Óleo sobre tabla Thyssen-Bornemisza
1981 Madrid-EEUU
93 x 90 cm.
Colección privada
Goings estudió arte en la Escuela de Arte de California (California College of the Arts) en Oakland,
California. Durante sus estudios allí, estudió con otros pintores del fotorrealismo, incluyendo Robert
En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bechtle, Richard Mclean y Nathan Oliveira. Recibió su MFA en pintura en la Universidad Estatal de
Bellas Artes de San Fernando, donde coincidió con diversos artistas, como Sacramento en 1965.
Enrique Gran, Amalia Avia y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha
venido a llamar «Escuela madrileña». Permaneció en la academia entre 1950 Fue inspirado por artistas tales como Wayne Thiebaud, Johannes Vermeer, Thomas Eakins. Su interés
y 1955. En 1955, becado por el Ministerio de Educación, viajó a Italia, donde en el fotorrealismo se disparó luego de estar decepcionado por la calidad y las imágenes del arte pop
conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió, así, en ese tiempo; sintió que si algo debía representar un objeto, entonces por qué no hacer que se
una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que solo pareciera a una fotografía tanto como fuera posible.
conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. A partir de
ese momento, comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan Goings es un pionero del movimiento denominado fotorrealismo. Su trabajo está presente en varias
bien conocerá, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, galerías de arte prominentes, incluyendo el Museo de Arte Moderno, el Museo R. Guggenheim, el
especialmente Diego Velázquez. Museo Whitney de Arte Americano y el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago.

El pintor busca entre la realidad que lo rodea aquellos aspectos cotidianos Ha producido una serie de naturaleza muerta retratando saleros, servilleteros, jarras de crema, botellas
que él recoge con un tratamiento pleno de detalle, rozando lo fotográfico. de ketchup y ceniceros.
Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus
familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos.
 Arte Feminista

Elaborado por:
 Arte Feminista
(s.XX)

-Inspiorado en el movimiento feminista de -Se de una preponderancia de las formas

los años 60’s. Particularmente en la obra de vanguardistas y de nuevos medios.
la filósofa Simone de Beauvoir.
-Se sirvió también de las técnicas de los
-Busca expresar la experiencia de las medios de comunicación de masas para
mujeres en sus propios términos. presentar sus mensajes de manera
inmediata y accesible.
Alguno temas que aparecen como claves
son la crítica a la discriminación, la
celebración de la sexualidad femenina, la
opresión, la crítica al patriarcado y la
violencia machista

Elaborado por:
Barbara Kruger Jenny Holzer
(Nueva Jersey 1945) (Gallipolis 1990)

Barbara Kruger es una artista conceptual que realiza

un trabajo consistente en apropiarse de fotografías
en blanco y negro tomadas de la publicidad para
estamparle esloganes para darle un nuevo mensaje
a la imagen y convertirla en una critica al
consumismo y el machismo imperantes en nuestra
sociedad.

Kruger trabajó como diseñadora gráfica en sus

inicios para revistas de moda y otros medios
publicitarios. Ahí vio como sus lectoras devoraban
imágenes de una realidad ideal inalcanzable,
fantasías escapistas que se pasarían la vida
persiguiendo. Era una industria despiadada la de la
publicidad, que comerciaba desvergonzadamente
con falsas esperanzas enquistando todavía más el
papel sumiso de la mujer en la sociedad.

Estas imágenes le molestaban por su mensaje, por lo

que decidió cortarlas y escribir eslóganes sobre ellas
para cambiarlas completamente. Empleaba para ello
pronombres personales (yo, tú, nosotros…) como en
el lenguaje agresivo utilizado en la publicidad y los
negocios. Lo hacía además usando siempre la
tipografía Futura Bold Oblique en letras blancas
sobre fondo rojo (homenaje quizás al Ensayo inflamatorios
constructivismo), dándole un aspecto de identidad Tu confort es mi silencio 1990
corporativa. 1981 Instalación
Composición fotográfica Guggenheim Museum
142 x 102 cm. Nueva York-EEUU
Futura es una tipografía creada en 1927 usada por Daros Exhibitions Zurich-Suiza
marcas como Volkswagen, Hewlett Packard o Shell Zurich-Suiza
para sus anuncios, dándole a la obra de Kruger una
legitimidad a los ojos del consumidor postmoderno. Pintora abstracta y artista gráfica en sus inicios, se interesó por el arte conceptual durante
su posgrado en 1975, y desde que se instaló en Nueva York en 1977 se ha centrado en la
Además la artista no firma sus obras, dándole a sus producción de obras basadas en el texto y destinadas a espacios públicos. Aunque
mensajes contra la misoginia o el abuso de poder introdujo el texto en su obra de forma gradual, actualmente ha reemplazado por completo
una mayor proyección social. Con sus preguntas las imágenes.
sobre algunos temas de nuestro entorno
socio-cultural sobre estereotipos, lenguaje y Banalidades (1977), por ejemplo, consiste en una serie de carteles con aforismos. las
representación, sin caer en sentimentalismos ni versiones posteriores de esta y de serie de carteles con aforismos. Las versiones
connotaciones excesivamente morales. posteriores de esta y otras obras han presentado los textos en letreros luminosos,
proyectados sobre edificios, e impresos en adhesivos, camisetas e incluso condones.
Louise Bourgeois
(París 1911)

Los ciegos guiando a los ciegos La destrucción del padre

1981 1974
179 x 246 x 44 cm. Escayola, látex, madera, tela y luz roja
237 x 362 x 248 cm.

La escultora francesa usó como herramientas para su trabajo el trauma, los miedos, sus iras y sus propios secretos. Pocos artistas han sido tan honestos como ella en cuanto a mostrarse a sí
mismos. Su trabajo es tan autobiográfico e impudoroso que asusta. Hacer arte tiene un efecto curativo, según ella, que entendía el arte como terapia. Su biografía habla de un padre mujeriego
que las amaba a todas menos a ella. Un padre que se llamaba casi como ella, Louise Bourgeois. Estudió matemáticas porque necesitaba leyes inmutables en su vida y con 18 años esa figura
paternal tan ausente como presente murió. Un padre galerista que se burlaba del arte moderno hizo precisamente que la artista dejará su carrera matemática y se volcara en ello, utilizando las
infidelidades de su padre como inspiración.

Su impulso creativo parecía encontrarse en sus traumas de la infancia y basó sus temas principales en la crudeza de las emociones, traducidas en materiales orgánicos (madera, hilo, papel…) y
también materiales industriales reciclados (cristal, caucho, bronce…). Usó también materiales rechazados por el océano que ella reciclaba para crear arte. Como escultora vio que podía
trasladar mágicamente lo inmaterial en materia y siguiendo esa alquimia mezcló su cóctel de relaciones humanas, maternidad, sexo, represión y dolor.

Explotó la memoria, el sexo, la inseguridad y el cuerpo femenino como herramientas y materiales para su obra que iría evolucionando a lo largo del siglo XX. Al final de sus días se refería a su
arte como una secuencia de dias y circunstancias relacionadas entre sí, y dividió su trabajo en tres etapas: una obra temprana en la que quiso representar «el miedo a caer», otra en la que ya
era consciente de que podía elaborar «el arte de caer» y la obra final, que ella denominó «el arte de aguantar».
 Judy Chicago Cindy Sherman
(Chicago 1939) (Nueva Jersey 1954)

Cynthia Morris Sherman usa dos herramientas

para su arte: la fotografía y a sí misma. Un día
giró su cámara y vio que sacando fotos de ella
misma podía hablar de los temas que le
interesaban: el papel de la mujer, el papel del
artista, la identidad… Pero sus imágenes no son
para nada autorretratos… Son arquetipos,
clichés, imágenes ambiguas y espejismos
típicamente postmodernos.

Su obra son mundos de fantasía tomados del

cine o de otras artes. Son manipulaciones que a
veces parecen asombrosamente reales. Son
parodias y suplantaciones, subversiones de
obras ajenas, series interminables de su
camaleónico rol como mujer.

Sherman fue también importante para el

movimiento artístico feminista al darle
protagonismo al cuerpo y la psique femenina, o
The Dinner Party al criticar la femineidad patriarcal, o al mostrar la
1979 redirección imaginaria de la mujer en una
Instalación sociedad gobernada por hombres. o al mostrarla
Brooklyn Museum forzada a interpretar su género.
Nueva York-EEUU
Hoy sigue creando imágenes, explorando
arquetipos y reflexionando sobre el arte. Sigue
saliendo en sus propias fotografías, pero en muy
Nacida Judy Cohen -cambió su apellido por el nombre de su ciudad natal-, ha estado en la primera pocas de ellas podemos ver a la auténtica
línea del arte feminista a partir de la década de 1970. Dejó Chicago en 1957 para estudiar en Los Sherman. De todas formas, desde que ella
Ángeles y desde entonces trabaja en California como docente y artista. En la década de 1970 cofundó Sin título n° 225 empezó en esto del arte, tanto los medios de
el Meninist Art Program del California Institute of the Arts y el Feminist Studio Workshop de Los 1990 comunicación como los famosos que los nutren,
Ángeles. El compromiso político ha tenido siempre un papel muy destacado en su arte, y los temas del Fotografía son meras imágenes manufacturadas y
femismo y las minorías oprimidas han inspirado muchas de sus obras más importantes. El éxito de manipuladas más determinadas por el mercado
The Dinner Party (1974-1979) y de Proyecto Holocausto (1993) la han convertido en una de las figuras que por la propia persona.
principales del arte contemporáneo estaounidense.
 s m o y g r a ffi ti
Neoexpresioni

Elaborado por:
 raffi ti
Neoexpresionismo y g
(s.XX)

-Rechazo a la obra austera y rebral realizada -Figuras distorsionadas y fuertes contrastes

por los artistas minimalistas y de color y tono.
conceptuales.
-Empastes gruesos y pincelada o brochazo
Se retorna a la figuración como expresión muy agresivo. Efectos de drippings o
chorreo.
-Influencia del Arte Brut y del
expresionismo alemán -Espontaneidad.

Elaborado por:
Georg Baselitz Anselm Kiefer
(Deutschbaselitz 1938) (Donaueschingen 1945)

Sin título
Sin título 2000
1984 Bienal de Venecia
Madera pintada Venecia-Italia
Scottish National Gallery
of Modern Art
Edimburgo-Reino Unido la gran sacerdotisa
1989
Técnica mixta
400 x 800 x 100 cm.
Colección privada

Anselm Kiefer ha creado obras en una gran variedad de medios, y en ellas ha tratado temas diversos.
Su principal interés, sobre todo durante la década de 1970, ha sido la historia alemana, y en particular
La obra de Baselitz es cruda e inquietante. Tanto en su escultura como en su pintura emplea una la tragedia de la Segunda Guerra Mundial y el papel del nazismo en el conflicto.
técnica vigorosa -violent, incluso- con el objetivo de provocar en el espectador emociones viscerales.
En 1969 Kiefer realizó una serie de fotografías de sí mismo saludando al estilo nazi. A partir de 1975 se
En su obra temprana, en torno a 1960, Georg Baselitz se rebeló en contra de la abstracción centró en las leyendas de los nibelungos, apuntando a la adaptación hecha por Wagner y los nazis con
imperante y propuso en su lugar una figuración muy personal y expresiva, a menudo de un enorme fines nacionalistas. En las misma década comenzó a pintar una serie de paisajes alemanes quemados,
brutal, al parecer influido por el arte de los elementos mentales. Sus obras eran la antítesis de la muy elaborados. Estas imágenes hablan de destrucción, pero también de la posibilidad de un nuevo
asepsia del pop art y el minimalismo que dominaron la escena artística durante la década de 1960; crecimiento, de cura y redención para los alemanes que se sienten culpables por su pasado. Kiefer
Baselitz se inspiró en los rebeldes de la historia del arte: los expresionistas alemanes de principios trabajó estas obras con soplete, aplicando paja, plomo, arcilla y cenizas en el lienzo.
del s. XX y los manieristas italianos del s. XVI. En la década de 1980 se le reconoció como uno de los
padres del movimiento expresionista. En 1991, un año después de la reunificación alemana, Anselm Kiefer abandonó Alemania. En 1992 se
instaló en el sur de Francia, cambio de residencia que tuvo un efecto notable sobre su estilo y sus
temas, que han ido de los girasoles de Arles al presidente chino MAo.
 Jorg Immendorff Julian Schnabel
(Bleckede 1945 - Dusseldorf 2007) (Nueva York 1951)

Café Deutschland I
1978
Óleo sobre lienzo
280 x 320 cm.
Museum Ludwig El estudiante de praga
Colonia-Alemania 1983
Técnica mixta
295 x 579 cm.
Guggenheim Museum
Nueva York-EEUU
Jorg Immendorff fue un pintor neo-expresionista alemán. Discípulo de Joseph Beuys,
formado en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, fue uno de los pintores
alemanes de la posguerra al que se le encuadra en la escuela de los denominados
nuevos fauves. Del conjunto de su obra destaca la serie de la década de 1970
Schnabel se hizo famoso a finales de la década de 1970 con cuadros que incorporan
titulada Café Deutschland, donde trataba la división entre la República Federal de
objetos como astas de ciervos y ramas de árbol. En 1979 comenzó a usar vajilla rota.
Alemania y la República Democrática. Amigo personal del ex Canciller de Alemania,
Buscaba impactar con obras grandes, descaradas, de las que en ocasiones caía un
Gerhard Schröder, uno de sus últimos trabajos fue la realización de un retrato del
trozo de plato y se hacía añicos contra el suelo. También utilizó soportes poco
mismo una vez concluido su mandato para la denominada Galería de los cancilleres
convencionales, como lona, piel de animales y pantallas de teatro japonés.
en Berlín. Fue profesor de la Academia de Bellas Artes de Múnich.
Actualmente es un conocido cineasta.
En el ámbito político fue maoísta, muy crítico con el pasado nazi alemán y un
ferviente defensor de la protección del medio ambiente.
Keith Haring
(Pennsylvania 1958 - Nueva York 1990)

Fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de

la generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los
años 1980. Nacimiento, muerte, amor, sexo, guerra, son temas
recurrentes en sus obras.

Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la

moda, rompiendo barreras entre estos campos. La típica
iconografía de sus sencillos dibujos incluye animales y figuras
danzando, perros, bebés gateando, pirámides, televisiones,
teléfonos y platillos volantes.2

Artistas como Haring buscaban hacer imágenes que fueran

accesibles, sencillas y lo suficientemente genéricas para que
pudieran ser aceptadas por cualquiera sin intervención crítica.1

A Keith Haring también se le encargó construir varias esculturas,

una de las cuales fue colocada en un hospital para niños en
Long Island. Haring creía que las esculturas debían relacionarse
con su entorno. Él dijo: «Pienso que las esculturas públicas
deberían funcionar de un modo que trabaje con el lugar donde
se encuentran, en vez de simplemente posar, deberían
funcionar en armonía con el entorno donde son colocadas».
Muchas de sus esculturas fueron hechas con la intención de que
la gente pudiera sentarse en ellas, trepar por ellas o usarlas
para comer bajo su sombra.

A pesar de que el contenido «ideológico» dibujado por Haring es

premeditado, el proceso creativo es estrictamente intuitivo. No
hay un bosquejo, no hay preparación preliminar. Haring
empieza y termina sin preparación. Él dijo: «Tú mismo te estás
expresando siendo como eres, ya sea con completa exactitud o
haciendo desviaciones más humanas… pero seguirá teniendo
esa consistencia que es tan consistente como lo eres tú como Sin título
1983
persona». Serigrafía
Deichtorhallen
Hamburgo-Alemania
Jean-Michel Basquiat
(Nueva York 1960 - Nueva York 1988)

De padre haitiano y madre puertorriqueña, Basquiat se crió en Nueva York. Tuvo una infancia difícil: Sus padres se
separaron cuando tenía siete años se quedó con su padre, pero huía a menudo de su casa. Ya de niño aprendió español,
francés e inglés y visitaba los museos de Nueva York.

Basquiat se dio a conocer con sus mensajes crípticos en forma de graffiti en el SoHo de Manhattan. Alcanzó la fama
rápidamente: el Village Voice le entrevistó acerca de sus graffitti en 1978, alrededor de 1980 empezó a pintar sobre lienzo
y en 1983 había trabado amistad con Andy Warhol y figuraba en la Bienal del Whitney Museum. La pintura de Basquiat
evocaba deliberadamente el aspecto inacabado del graffitti e incorporaba en ocasiones elementos encontrados en la
calle. Sus temas eran autobiográficos, con referencias a la historia del arte, los mitos del deporte, el hip hop, el jazz y el
racismo.
Banksy
(Bristol ¿1974?)

Banksy, el artista de graffiti más célebre de Gran Bretaña, crea imágenes estarcidas ingeniosas y delicadamente subversivas, a
menudo con un mensaje político. La obra de este artista ha aparecido en las calles de ciudades de todo el mundo, pero como el
graffitti es por lo general una actividad ilegal, mantiene rigurosamente el anonimato.

Su obra también incluye otras clases de acciones subversivas: en 2004, el “Banksy of England” emitió billetes de diez libras con el busto
de la princesa Diana en lugar de la reina: en 2006, colocó en Disneylandia una réplica de tamaño natural de un preso de Guantánamo,
con mono naranja. También realiza versiones de obras famosas, como Estanque de nenúfares de Monet con carritos de la compra en
el agua.
 Nu e vo s m e d i o s

Elaborado por:
 Nuevos medios
(s.XX)

-Uso de nuevos materiales y medios no -Entre los temas habituales figuran la

convencionales en el tradicional mundo del interacción de las personas con su entorno,
arte. sus relaciones, sus esperanzas y sus
miedos
-Entre ellos prima el video y la fotografía
así como el interés en las intervenciones en -El individuo deja de ser el tema y se vuelve
el espacio. partícipe en la obra

-Se aleja de la asbtracción y buisca Los nuevos medios hacen hincapié en el

acercarse con el mundo que los rodea. artificio de la construcción de las obras, así
como en el contexto espacial, cultural e
histórico en el que surgen.

Elaborado por:
 Jeff Wall Andreas Gursky
(Vancouver 1946) (Leipzig 1955)

99 cent
Insomnio
1999
1994
Fotografía
Diapositiva en caja de luz
207 x 337 cm.
174 x 214 cm.
Colección privada
Kunsthalle
Hamburgo Alemania

Encarnación actual de lo que Baudelaire llamó “pintor de la vida moderna” Jeff Andreas Gursky documenta nuestro mundo globalizado, super poblado y
Wall revela aspectos del mundo de hoy a través de una implicación profunda urbanizado con el distanciamiento de un visitante de otro planeta, y lo que
con las cualidades duraderas del arte pasado. parece encontrar es un vasto mecanismo o sitem,a orgánico en el que los
seres humanos resultan elementos minúsculos y anónimos. Para ello emplea
Sus imágenes son diapositivas retroiluminadas con una cualidad intensa y una cámara de gran formato con un gran angular que le permite captar el
cinemática que enfatiza el choque entre lo viejo y lo nuevo, y entre lo aspecto masivo e imponente del paisaje contemporáneo sin dejar por ello de
documental y lo artificial. Pueden tener aspecto de meros documentos de la revelar cada uno de sus detalles, bien enfocados. Con dicha técnica produce
vida real, pero su composición está muy elaborada. pese a la naturaleza imágenes sin jerarquía algunas que, al carecer de un foco central, invitan al
teatral y autorreflexiva de su obra, Wall es un realista que expresa verdades espectador a estudiarlas de modo casi forense. El hiperrealismo se ve
sociales mediante enigmáticas escenas que condensan el fluir de la vida. realzado por la gran escala de las obras, que permiten al espectador
introducirse imaginariamente en la escena.
Nam June Paik Bill Viola
(Seúl 1932 - Miami 2006) (Nueva York 1951)

Renombrado pionero del videoarte, Paik

exploró el potencial de dicho medio en el
contexto de una tecnología cambiante.
Comenzó como músico, interés manifiesto
en obras como TV Cello. En la década de
1960 se trasladó a Nueva York y participó
en Fluxus, un movimiento de vanguardia
interdisciplinar influido por Duchamp y el
compositor John Cage. Las instalaciones de
video y performances de Nam June Paik
cuestionan la percepción de manera
personal y humorística.

TV Cello
1971
Walker Art Center
Minneapolis-EEUU

A la tecnología del video se le ha acusado de engendrar una realidad virtual superficial y

sin sustancia. En una extraordinaria réplica, Bill Viola la ha utilizado para crear intensas
experiencias visuales que exploran los grandes misterios de la condición humana: el
amor, el dolor, el significado y la mortalidad. Sus videoinstalaciones suelen presentar
TV Cello
proyecciones múltiples, y actúan sobre el espectador en los planos visual y auditivo,
1971
Walker Art Center espacial y temporal. La experiencia se ve intensificada por efectos especiales como la
Minneapolis-EEUU superposición y la cámara lenta, que transforman la forma habitual de percibir la
realidad. En la obra de Viola recurren símbolos arquetípicos como el fuego y el agua:
pasadizos y umbrales sugieren los límites entre la vida y la muerte. El video opera, así, no
como una desconexión artificial de la realidad, sino como una reconexión con la
dimensión espiritual esencial de la vida humana.
Pipilotti Rist Tracey Emin
(Birmingham 1963) (Croydon 1963)

Ever is Over All Mi cama

1997 1998
Videoinstalación The Saatchi Collection
Londres-Reino Unido

La artista suiza Pipilotti Rist ha abordado la cultura de masas producida por la La obra de la artista británica Tracey Emin es de carácter autobiográfico, directo y emocional, y
televisión y el cine como un lenguaje común disponible para usar y revela sin complejos su personalidad y sus experiencias vitales, a menudo de un modo
experimentar. Filtros, overlays y otros efectos especiales constituyen una escandaloso que la ha convertido en un personaje mediático. El arte de Emin aborda, y de algún
paleta electrónica con la que Rist crea imágenes exuberantes y surrealistas. modo asu,me, experiencias íntmas y a veces traumáticas, como el amor, el abandoono, el aborto y
Sus obras se parecen a los videoclips de música pop y suelen ir acompañadas la violación.
por alguna canción. Sin embargo, a diferencia de los sofisticados videos Su infancia y adolescencia en la localidad costera de Margate ha sido uno de sus temas
profesionales de la industria musical, los de Pipilotti Rist tienen un aspecto recurrentes, presente en dos de sus películas. El arte representaba una escapatoria de aquel
descuidado y una estética similar a los videos de fabricación casera o de bajo ambiente opresivo y parece haber satisfecho algún tipo de necesidad espiritual. Un rasgo típico de
presupuesto propios del punk. la obra de Emin, que emplea medios muy variados -desde el ready-made y la fotografía al bordado
y el neón-, es la combinación de técnica mecanizada y desinhibida exhibición sentimental.-
Damien Hirst
(Bristol 1965)

La imposibilidad física de la muerte en la

mente de alguien vivo
1998

En la década de 1990, el nombre de Damien Hirst se convirtió en sinónimo

de la provocación descarada y en el epicentro del revuelo mediático que
acompañó al Joven Arte Británico (Young British Art, o YBA). Desde ese
momento, Hirst ha llegado a ser uno de los artistas vivos más famosos y
cotizados. Tuvo un papel activo en la creación del Joven Arte Británico al
organizar Freeze -exposición hoy legendaria de obras de estudiantes en un
edificio abandonado de los Docklands de Londres- siendo aún alumno del
Goldsmith College. A esta exposición asistió Charles Saatchi, quien
posteriormente financió La imposibilidad física de la muerte en la mente de
alguien vivo, un tiburón en formol que popularizó el nombre de Hirst en el
Por el Amor de Dios Reino Unido.
2007
Platino, diamantes y dientes humanos, tamaño natural La mortalidad es un tema que Hirst ha seguido explorando, con objetos
como vacas disecadas y carne agusanada, que algunos han tachado de
simples provocaciones. Sus tanques de formol recuerdan a la austeridad de
la escultura minimalista, mientras que la apropiación de elementos como
figuritas de juguete y su recurso a ayudantes para crear cuadros
multicolores, giratorios y de topos, muestran su deuda con Warhol y el pop
art.
Hijo pródigo
1994
Acero, vidrio, ternero y formol
 on t e mp or á n e a
Escultura C

Elaborado por:
 ltu r a C o n te mp o r á n e a
Escu
(s.XX)

-Es una escultura muy relacionada al desarrollo el

urbanismo

-Sus tamaños van de ser de tamaños medios a

tamaños gigantescos

-Muchas de estas obras en el espacio público se

vuelven icónicas y van de la manos con la
arquitectura.

Elaborado por:
Anish Kapoor Tony Cragg
(Bombay 1954) (Liverpool1965)

Here Today Gone Tomorrow

2002
Piedra
450 cm. de altura

Cloud Gate
2006
Parque del Milenio
Chicago-EEUU Muchas de sus primeras obras se hicieron con materiales encontrados, otros de
construcción descartados y domésticos desechados. Esto le dio una amplia gama de
Kapoor ha afirmado que sus esculturas pretenden expresar experiencias ajenas a la preocupaciones materiales principalmente artificiales y automáticamente le proporcionó
materiales: “Lo que realmente me interesa es el no objeto, o el no material”. En consecuencia, hay en preocupaciones temáticas que se hicieron características de su obra hasta la
ellas una cualidad trascendente, sobre todo en sus esculturas posteriores, que emplean superficies actualidad. Durante los años setenta hizo esculturas usando simples técnicas como
reflectantes para incorporar lo que las rodea y minar su realidad física. amontonamiento de materiales, partición de los mismos o aplastamiento. En 1978
recogió fragmentos de plástico desechados y los colocó por categoría de colores. Su
Aprovechando una rica herencia cultural -de padre hindú y madre judía iraquí-, en sus primeras primera obra de esta clase se llamó New-Stones-Newtons Tones. Poco después de
obras exploró formas abstractas, orgánicas y geométricas. Muchas están recubiertas de pigmentos esto hizo obras sobre el suelo y relieves de parecer que creaban imágenes. Una de
de colores vivos, eco de su educación india. Luego pasó a emplear grandes bloques de piedra, cuya estas obras, Britain Seen From the North (1981), representa la forma de la isla de la
superficie cortaba. Sus esculturas descansan sobre aspectos contrarios: interior y exterior, sólido y Gran Bretaña sobre un muro, orientada de manera que el norte queda a la izquierda.
transparente, presencia y ausencia. A veces Kapoor desafía la estructura de la propia galería al abrir A la izquierda de la isla está la figura de un hombre, aparentemente el propio Cragg,
en el suelo huecos como vórtices, o al abombar los muros. En los últimos años ha emprendido obras mirando a su país desde la postura de un forastero. Toda la pieza está hecha con
de gran tamaño para localizaciones específicas. fragmentos rotos de basura encontrada y a menudo se interpreta como una
representación de las dificultades económicas que atravesaba el Reino Unido en
aquella época y que tuvieron particulares efectos en el norte.
 Jeff Koons
(York 1955)

Popples
1988
Porcelana
75 x 60 x 40 cm. Puppy
Kunsthalle Guggenheim-Bilbao
Hamburgo-Alemania

Jeff Koons aparece como artista en la década de los 80,17 en plena época consumista, donde la exaltación de lo superfluo es evidente.
Hay que recordar que no carece de grandes polémicas a lo largo de su vida. De todo el gran ámbito consumista surge su obra, la cual
pretende conmover y criticar esto de forma perturbadora y a la vez con un toque de humor un tanto malévolo. Entra aquí igualmente
la influencia de los medios, que se aprovechan totalmente del despilfarro de la masa. Utiliza objetos cotidianos y de valor mínimo para
conseguir su objetivo, al igual que hizo Duchamp, colocándolos en galerías iluminados y carentes de su antigua función. También son
frecuentes en algunas de sus obras chicas pin up, juguetes hinchables y demás objetos de la clase media. La idea es la principal
característica que debe coronar a la obra. Sus objetos provocan una especie de burla la cual va encaminada directamente hacia la Balloon dog
influencia de la mayoría de la población por los mass media y la publicidad. Sorprendentemente a través de la publicidad, la cual Guggenheim-Bilbao
enmarca como provocante de la actitud de la masa, se hace un importante hueco para tratar sobre los sueños de la clase media y la
búsqueda ansiada de fama, dinero y estilo de vida (algo de lo que Jeff Koons se aprovechó durante gran parte de su vida). Para él la
clase media siempre pensó en lo efímero, se bastó de lo más simple para su convención.
Ron Mueck
(Liverpool1965)

Máscara II
2002
Silicona
77 x 118 x 85 cm. Niño
Anthony D’Offay GGallery 1999
Londres-Reino Unido Silicona
4.5 metros de altura

Con un evidente conocimiento de la anatomía y una extraordinaria habilidad técnica,

consigue que sus esculturas parecen vivas, pese a estar hechas de siliconas, fibra de
vidrio y acrílico. Aún así, a Ron Mueck le gusta la teatralidad. Realismo sí, pero con
artificio. Se ve en sus proporciones poco convencionales, en sus posturas, en sus
escenas surrealistas, en su desbocado sentido del humor.

Ron Mueck nació en Australia. Sus padres eran fabricantes de juguetes, algo que
probablemente influiría en su arte. Muy joven consigue entrar en el mundo del
espectáculo como marionetista. Trabaja en Barrio Sésamo y Los Teleñecos, donde
crea, maneja y pone voz a las marionetas. De ahí pasa a la publicidad, donde crea sus
primeras esculturas hiperrealistas con el objeto de fotografiarlas. Pero pronto siente
la necesidad de crear esculturas en su sentido más tradicional (para poder rodearlas y
observarlas desde todos los puntos de vista).

El éxito no tarda en llegar. El mundo del arte (que él detesta) no puede evitar rendirse
a su pericia técnica. No les sociabilizar mucho en el medio artístico local, prefiere
trabajar en su taller y que su obra hable por sí misma.

Una niña
2002
Silicona
110.50 x 501.00 x 134.50
Perú
 Modernismos

Elaborado por:
 Modernismos
(s.XX)

-Como en el caso europeo, en el Perú la

influencia de las vanguardias va a llegar un poco
tarde qye que el indigenismo primaba en el
ámbitos artístico.

-Es a partir de estas nuevas ideas o vanguardias

que va generando un paulatino alejamiento del
indigenismo y una transición que va desde lo
figurativo hacia la abstracción y el expresionismo

Elaborado por:
Ricardo Grau Carlos Quíspez Asín
(Burdeos 1907 - Lima 1970) (Lima 1900 - 1983)

Grau fue un pintor modernista y surrealista peruano. En 1938, luego de largas temporadas
en Europa, retornó al Perú llevando la modernidad pictórica a su patria, en una época en que
todavía se hallaba en auge el indigenismo. Muro Grau estudió en la Escuela Nacional de
Tres son las referencias principales utilizadas por el artista como punto de partida para la concreción de
Bellas Artes de Lima bajo la dirección del maestro José Sabogal en 1920, y siguió su
su propuesta pictórica. En primer lugar, su concepción estética. En segundo lugar, el convencimiento de
educación en la Académie Royale de Beaux-Arts en Bruselas en 1924. En 1937 retornó al
que la batalla por el arte de vanguardia había que liberarlo en Lima donde primaba el Indigenismo
Perú convirtiéndose en el primer representante latinoamericano de la pintura moderna
liderado por José Sabogal y en tercer lugar, el desarrollo de los medios expresivos como resultado de su
europea, lo cual fue un gran contraste con el estilo indigenista que prevalecía en el Perú de
propia elaboración de la propuesta de un estilo constructivista, un rigor geométrico en la composición y
ese entonces. Frente a aldeas, chalanes costeños, indios y mercados nativos expuso
una ajustada armonía de los colores.
bodegones, desnudos y paisajes que devuelven a la pintura misma su jerarquía. Muro Grau
fue profesor en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos en 1942 y fue director de la
El maestro busca un sistema coherente de representación: comienza a construir la obra, subdividiendo
Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima de 1945 a 1949. Durante ese periodo su paleta se
la tela en espacios rectangulares cuyas proporciones se generan a partir del riguroso procedimiento de
iluminó y para 1950 demostró considerable interés en el surrealismo y en el arte de culturas
la relación áurea dentro de estos recintos. Luego inserta imágenes simbólicas, arquetípicas, dibujadas
precolombinas peruanas tales como Nazca, Chimú y especialmente Vicús (de la cual tiene
como formas planas que expresan en una suerte de ideogramas su concepción filosófica del mundo.
una importante colección de artefactos). De modo que a su bagaje traído de Europa sumó el
legado precolombino, derivando ello en una sutil simbiosis. Retorno a la abstracción en la
década de 1960, usando el color como un medio independiente de expresión.
Fernando de Szyslo
(Lima 1925 - 2019)

Fernando de Szyszlo Valdelomar nació en Lima, 5

de julio de 1925 es un artista plástico peruano de
renombre, conocido principalmente por su trabajo
en pintura y escultura. Es uno de los más
destacados artistas de vanguardia del Perú y una
figura clave en el desarrollo del arte abstracto en
América Latina.

Tras un frustrado intento de estudiar en la Escuela

de Arquitectura, en 1944 ingresó en la Escuela de
Artes Plásticas de la Universidad Católica de Lima,
donde tuvo como maestro al pintor expresionista
austriaco Adolfo Winternitz. Dos años después
abandonó la Escuela y prosiguió una formación
autodidacta centrada principalmente en la
vanguardia artística internacional y en el arte
precolombino. En 1947 realizó su primera
exposición, de clara influencia cubista. Poco
después fue la impronta surrealista la que dejó
huella en su producción. En la década de 1950
expuso en numerosas ocasiones en su país natal y
también en Estados Unidos y Europa, actividad
que se vio incrementada en la siguiente década,
cuando realizó series como Apu Inca
Atawallpaman (1963) y Paisaje (1969). Entre los
años 1970 y 1980 llevó a cabo nuevas series
pictóricas dentro de una tendencia expresionista y
abstracta de fuerte cromatismo, con ejemplos
como Interiores (1972), Waman Wasi (1975) y
Anabase (1982), reflejo esta última de su continua
experimentación con espacios abiertos, en los que
juega con la luz, los reflejos y la profundidad.
Jorge Eduardo Eielson
(Lima 1924 - Milán 2006)

Jorge Eduardo Eielson fue un artista peruano quien a lo largo de casi medio siglo desarrolló una
amplia obra que comprendió de igual modo el ámbito de la creación literaria —además de
poesía, Eielson escribió novelas, textos dramáticos, ensayos y artículos periodísticos—, así como,
de las artes visuales, en donde practicó con la pintura, además de experimentar con la escultura,
la instalación, la acción y la fotografía.

Pertenece a la Generación del 50 y es considerado uno de los peruanos que mayor influencia ha
dejado en el ámbito de la poesía latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX. Como artista,
se lo conoció por sus quipus, en una reinterpretación de un antiquísimo instrumento andino,
considerado dentro de los precursores del arte conceptual

Más conocido en América Latina por su labor como poeta perteneciente a la llamada Generación
del 50 –junto a exponentes de la literatura peruana tan renombrados como la poeta Blanca
Varela, o los escritores Javier Sologuren, Sebastián Salazar Bondy o Julio Ramón Ribeyro–, Jorge
Eduardo Eielson desarrolló desde el autoexilio europeo un complejo y siempre cambiante cuerpo
de obra en el que inició un diálogo inédito con aspectos de la cultura precolombina peruana,
teniendo como elemento clave los quipus andinos.
Sabino Springett Venancio Shinki
(Parinacochas 1913 - Lima 2006) (Supe 1932)

Sabino Canales Springett, más conocido como Sabino Springett fue un pintor, grabador y
afichista peruano. Ha practicado diversas modalidades figurativas, abstractas y texturales, Nace en la hacienda San Nicolás, distrito de Supe, provincia de Chancay, Lima. Hijo de don
influido sucesivamente por la estilización picassiana, la pintura gestual francesa y el Kitsuke Shinki, inmigrante japonés oriundo de Hiroshima, y doña Filomena Huamán, natural
informalismo español. de Ancash. Entre 1938 y 1947 asiste al Colegio Japonés y luego al colegio fiscal de la Hacienda,
completando sus estudios en Lima, a donde se traslada luego de la temprana muerte de sus
Inicialmente se orientó hacia el expresionismo, evolucionando luego hacia el abstraccionismo padres. Egresa del Colegio Guadalupe en 1953 y al año siguiente, ingresa a la Escuela Nacional
y finalmente hizo innovaciones propias. Muchas de sus pinturas, básicamente al óleo y de Bellas Artes. Desde su temprana llegada a Lima, asiste como aprendiz al taller fotográfico
acuarela, tratan sobre las diferentes realidades peruanas, captando instantes paisajísticos de de Shigetsugu Umezaki.
lugares y personas. Sus cuadros más famosos muestran a las Mamachas (nombre dado a las
mujeres con atuendo indígena del Altiplano peruano y boliviano) que bajan a la ceja de selva Su pintura se identifica con planos de color, en los que se desplazan tonalidades e
a recoger flores, en donde cada cuadro combina los tonos de las flores tropicales con los insinuaciones formales que hacen de su obra una de las que poseen más contenido poético
vestidos multicolores de las mujeres. de la plástica actual.
 l a F i g ur a ci ó n
Retorno a

Elaborado por:
 Retorno a la figuración
(s.XX)

-Se da un regreso a la pintura figurativa con una

fuerte influencia de tipo simbólica. Tenemos en
ese sentido a la llamada Promoción de Oro de
Bellas Artes con Tilsa Tsuchiya, Victor Humareda,
Gerardo Chávez, y Alberto Quintanilla entre otros.

-Se retorna a influencias post impresionistas

simbolistas pero también aparecen interesantes
apuestas del expresionismo alemán

Elaborado por:
Tilsa Tsuchiya Gerardo Chávez
(Supe 1929 - Lima 1984) (Trujillo 1937)

Fue una pintora y grabadora peruana. Es considerada como una de las mayores exponentes Es un reconocido pintor, escultor y artista plástico peruano. Pintó durante 65 años. En el 2006 se crea
de la pintura en el Perú por haber ganado el prestigioso Premio Bienal de Pintura la Fundación Gerardo Chávez; ha contribuido a desarrollar el ambiente cultural de la ciudad de
Teknoquimica, cuya obtención significó su consagración como artista, marcando un cambio Trujillo, a través del Museo del Juguete inaugurado en el año 2001 y el Museo de Arte Moderno de
de rumbo en la plástica peruana. Trujillo. Es uno de los sucesores directos del Grupo Norte que surgiera en la ciudad de Trujillo en la
primera mitad del siglo XX. En el año 2012 se le reconoció como el artista plástico peruano en
Tilsa había expuesto en Lima desde su regreso de París en 1966, era lo contrario a la escena actividad más importante.1 Ha sido designado presidente del Patronato por el Arte y la Cultura de
local. La artista había desarrollado, durante su estancia europea, un modo de pintar Trujillo.
claramente identificable, delicadas y diminutas pinceladas que parecían capturar la luz tenue
que se difumina a través de una materia traslúcida: atmósferas neblinosas o profundidades ha plasmado una imagen surrealista muy definida, en la que desborda su amplia imaginación en un
subacuáticas. A ello hay que sumarle los personajes imaginarios, criatura que recuerdan a acertado sentido de color y un dominio grácil, airoso, del dibujo. Visiones extrañas y erotismo son
peces y animales anfibios, con rasgos de reminiscencias precolombinas, parecidos a notas frecuentes en sus lienzos.
máscaras de la cultura Chancay o a estilizados perfiles de cabezas clavas.
Víctor Humareda
(Lampa 1920 - Lima 1986)

Víctor Humareda fue un pintor expresionista peruano reconocido por su creatividad considerada fruto de una
personalidad turbada. Artista marginal, en su obra palpita el silencio, la melancolía y las oscuridades de su propia vida.

Humareda era un pintor excéntrico, que no tomaba ni fumaba, un hombre tierno al que le gustaba la soledad, aunque sin
perder nunca su buen humor. No tenía domicilio fijo; vivía en hostales de la La Parada en La Victoria, un barrio populoso
plagado de delincuentes y meretrices, aunque también de ambulantes o trabajadores informales provenientes, como él,
del interior del país.

Su obra se encuentra fuertemente influenciada tanto por la fuerza colorista del fauvismo como el gesto del expresionismo
alemán.
David Herskovitz Cristina gálvez
(Trujillo 1937) (Lima 1919 - 1982)

Fue una artista peruana,

considerada por varios críticos
como una figura primordial
dentro de la escultura moderna
en el Perú junto a Joaquín Roca
Rey, Jorge Piqueras y Juan
Guzmán, además de haber
educado a varios reconocidos
artistas en su taller de dibujo.

Sus obras, que se caracterizan

por presentarse como esculturas
metálicas, formas amenazantes
erizadas de violencia, tensas y
delgadas, como puñales que
rasgan el vacío, son elementos
fundamentales en sus principios
estéticos. En sus obras
representa al caballo y el toro
que fueron dos símbolos
constantes.

Su obra El espíritu de la noche es

considerada la última y más
importante. Al respecto, Mariana
Creimerman menciona lo
David Herskovitz nació en Indianapolis en 1925. Su pintura lleva el siguiente: "frágil silueta
sello del expresionismo, pero también el cubismo y se caracteriza andrógina y fantasmagórica,
por un colorido casi incandescente. Ha influido en pintores como estática como casi ninguna de
José Tola o Enrique Polanco. sus esculturas una lechuza sobre
sus hombros y un anhelante
Su temática estuvo relacionada con los horrores de la guerra que le quietismo".
tocó vivir en su juventud, en la segunda guerra mundial, en Francia. Creón
Luego, estudió en el Art Student’s League, de Nueva York, con 1974
Reginald Marsh y Harry Sternberg. Bronce fundido

Ganó el premio Windsor and Newton por la pintura al óleo “Retrato

de un pintor judío”. Posteriormente, obtuvo el bachillerato de Arte
en el Pratt Institute, Brooklyn.
 da d y el C am b i o
Entre la Continui

Elaborado por:
 la C o n ti n u id a d y e l C ambio
Entr e
(s.XX)

Este es un periodo en donde se puede percibir

una mayor eclecticismo y diversidad en la
producción artística.

Se genera en este sentido una convivencia entre

la abstracción y la figuración influenciada sobre
todo por el Art Brut.

Elaborado por:
Ramiro Llona Armando Williams
(Lima 1974) (Callao 1956)

Ramiro Llona nació en Lima, Perú en 1947. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería,
Lima; y Artes Plásticas en la Universidad Católica de Lima. Luego continuó su formación artística en Pratt
Institute, Nueva York. Actualmente vive y trabaja en las ciudades de Lima y Nueva York. Sus primeras
obras fueron pinturas de claroscuros de gran violencia expresiva y referencias goyescas. Luego, asumió la
tela como espacio bidimensional-real y descubrió el color como principio expresivo y estructural de la
pintura. Tanto los dibujos como los grabados y las pinturas obedecen a un proceso de creación catártica y
visceral de condicionantes temáticas. Ha expuesto individualmente en numerosas galerías de EEUU,
Europa y Latinoamérica.
Moico Yaker José Tola
(Arequipa 1949) (Lima 1943)

Yaker es el narrador de enfrentamientos y guerras, de sucesos políticos y Nació en Lima, es hijo de Fernando Tola Mendoza y Marta de Habich Trefogli, nieta del Arquitecto suizo Michele Trefogli.
mitos religiosos, de capítulos de nuestra historia prehispánica, colonial, Vivió sus primeros años en Los Angeles (Chaclacayo) cerca de Lima, estudiando en los colegios Winnetka, Santa Rosa y en
republicana y universal. Hizo hablar a los cardenales, a los soldados, a los la Normal de La Cantuta. Luego se traslada a San Isidro para estudiar en los colegios Pestalozzi, Ricardo Palma y San
héroes, a la bandera, y a los uniformes militares, a la naturaleza, a los árboles Pablo.
y mariposas, a las parihuanas, a los burros y a los enseres cotidianos. La
pintura histórica, republicana y virreinal, fue a menudo un comentario Sigue estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Lima, luego viaja a España para continuar estudios en la Real
referente al poder, ese asunto que, en el desarrollo de su obra, se convirtió en Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Participó con su trabajo en una muestra colectiva donde dieciséis
el eje de una narrativa que continúa intentando modificar de un modo irónico. artistas peruanos (entre ellos Eduardo Tokeshi, Luz Letts y Maricruz Arribas) intervinieron al cuchimilco, mascota de los
Juegos Panamericanos y Parapanamericanos Lima 2019. Fallece víctima de cáncer a la edad de 76 años.

Su obra se basa en el “Art Brut” y en la influencia también de las formas y colores propios del neoexpresionismo.
 Pop Cosmopolita

Elaborado por:
 Pop Cosmopolita
(s.XX)
En este periodo se genera un retorno a la
temática local. Si bien existe también una
influencia conceptual también hay un arte más
directo en cuanto a la temática política o de
contexto histórico.

En ese sentido se usan imágenes del mundo

popular para generar propuestas que tengan una
suerte de enganche o vínculo directos con la
población.

De igual manera, la fotografía artística se

convierte en una herramienta fundamental para
registrar a personajes icónicos como momentos
fundamentales de la vida social del momento.

Elaborado por:
Teresa Burga Rafael Hastings
(Iquitos 1935 - Lima 2021) (Lima 1945 - Lima 2020)

Fue una artista multimedia peruana que

trabajaba obras de arte conceptual desde
las décadas 60 y 70, considerada como una
precursora del arte y medios, arte
tecnológico e instalaciones artísticas en el
Perú y una de las exponentes más
importantes del movimiento artístico
no-objetualista peruano durante esos
años.

En los sesenta, Burga integró el grupo Arte

Nuevo (1966-1968), junto con Luis Arias
Vera, Gloria Gómez-Sánchez, Jaime Dávila,
Víctor Delfín, Emilio Hernández Saavedra,
José Tang, Armando Varela, y Luis Zevallos
Hetzel. El grupo fue ampliamente
reconocido por introducir las nuevas
tendencias de vanguardia en el Perú, como
Pop Art, Op Art y Conceptualismo.3
Durante este tiempo ella presentó
exposiciones en Perú y Argentina,
incluyendo dos presentaciones de su serie
de obras impresas "Lima Imaginada" en
Lima, en la galería Cultura y Libertad en
1965, y en Buenos Aires en la galería Siglo
XXI en 1966.

Cuando Burga regresó al Perú después de

sus estudios en Chicago, el país estaba Sus obra han sido descritas como expresiones de provocación, vanguardia, y crítica hacia una
gobernado por el régimen militar del producción de arte occidental conformista. Fue parte de una corriente de artistas que se
general Juan Velasco Alvarado. Para la apropian de elementos y estética pop en su arte para realizar su crítica, tales como Luis Arias
óptica de este régimen, las propuestas Vera y Luis Zevallos Hetzel. Entre los temas constantes de su obra se encuentran
artísticas experimentales de Burga no representaciones del cuerpo humano y el movimiento, y su producción literaria brinda una
merecían difundirse y las posibilidades de mirada hacia sus procesos creativos y de conexión con su audiencia. Realizó instancias de
exhibición de las obras de la artista se intervenciones urbanas como por ejemplo la acción Todo el Amor en la ciudad de Lima y fue
vieron limitadas.5 No obstante ella un importante exponente de la producción artística audiovisual temprana en el país. Desde
presentó dos ambiciosas instalaciones 1990, lideró la realización del mural mosaico en la Universidad Nacional de Trujillo. Este mural
artísticas multimedia en la Galería del de 1km de longitud es considerado uno de los más largos de su tipo en América Latina. El año
Instituto Cultural Peruano Norteamericano de la finalización de este trabajo, la Universidad Nacional de Trujillo le hizo entrega del título
en Lima: «Autorretrato. Estructura-Informe de Doctor Honoris Causa.18
9.6.72» en 1972 y «Cuatro mensajes», en
1974.
Fernando Bedoya
(Amazonas 1952)

Fernando “Coco” Bedoya Torrico (Borja, Amazonas, 1952), pintor y grabador peruano radicado en la Argentina desde fines de la
década de 1970, constituye una figura bisagra entre las experiencias conceptuales del activismo artístico en el Perú y la Argentina.
Su trabajo surge en un momento en el que emergen diversos lenguajes ligados a la reproducción masiva, caracterizado por la
acción política gráfica en el espacio público.

Integrante y fundador de varios colectivos como Paréntesis, Huayco y Festival Contacta 79, se estableció en Buenos Aires
continuando su trabajo de acción gráfica en GAS-TAR y C.A.Pa.Ta.Co, grupos que actuaron en el marco de la lucha por los derechos
humanos. Bedoya, organizador de los “Museos Bailables” (1986- ) y de los talleres de arte en las cárceles argentinas (2000-2010), en
2010 recibió en Buenos Aires el Primer Premio Adquisición del 100° Salón Nacional de Artes Visuales (Grabado). En 2014 el Museo
de Arte de Lima (MALI) organizó una exposición retrospectiva de un fragmento de su obra, plasmada en el libro-catálogo “Mitos,
acciones e iluminaciones”, iniciativa de Sharon Lerner y de Rodrigo Quijano.
Jesús Ruiz Durand
(Huancavelica 1940)

Ruiz Durand y sus compañeros querían crear una imagen revolucionaria que se alejara de los
estándares rusos y chinos, acercándose más al arte revolucionario que se había creado en la cartelería
cubana y chilena, pero combinándola con iconografía andina y temas nacionales, donde el campesino
tuviera un papel central y desafiante (es decir, achorado), alejándose de su imagen taciturna de
servilismo que le había acompañado hasta entonces. Su estilo se basó en una fusión del arte pop
desarrollado en los Estados Unidos en la década 1960, y el op art, desarrollando así una técnica de
fotomecánica con ilusiones ópticas, cuya representación máxima es el afiche de diseño vanguardista
190 años después Túpac Amaru está ganando la guerra,458 creado en julio de 1968 para promocionar
la Reforma agraria del régimen velazquista.
 Sarita Colonia

E.P.S Huayco
(Lima 1980 - 1981)

El taller E.P.S. Huayco (formado por Francisco Mariotti, María Luy, Rosario Noriega, Mariella Zevallos, Herbert Rodríguez,
Armando Williams y Juan Javier Salazar) fue un colectivo de artistas peruanos que produjo una serie de piezas importantes
para entender la evolución del arte contemporáneo en el Perú. El grupo (que solo existió entre 1980 y 1981) produjo un
encuentro entre el arte contemporáneo y lo popular. El inicio de su producción coincide con la transformación de la ciudad
de Lima, iniciada a finales de 1960, producto de las migraciones del campo a la ciudad. Estos ponen en evidencia el proceso
de sincretismo e hibridación cultural que se da en la ciudad de Lima debido a este proceso, lo que va a significar también un
traslado y adaptación de la cultura andina dentro del territorio urbano de la costa peruana, condicionando la nueva
identidad de la ciudad, que lejos de tener una cultura única y definida, se conforma por la variedad e interculturalidad.
Cojudos
Juan Javier Salazar
(Lima 1955 - 2019)

Perú, país de mañana

Juan Javier Salazar fue un artista peruano miembro de los colectivos E. P. S. Huayco (1979-1981) y Paréntesis (1979) y muy activo en la producción de arte contemporáneo durante las últimas
décadas del siglo XX y las primeras del XXI.

Juan Javier Salazar formó parte activa de dos de los colectivos más influyentes de arte contemporáneo durante la década de 1980: Paréntesis en 1979 y luego, junto a Francisco Mariotti, María
Luy, Charo Noriega, Mariella Zevallos, Herbert Rodríguez y Armando Williams, E. P. S. Huayco que estuvo activo hasta 1981.

Una de las intervenciones urbanas más importantes producidas en esta época es la Sarita Colonia, una imagen de la santa popular de proporciones monumentales colocada en la ladera de un
cerro a las afueras de la ciudad.3 En palabras del artista: "el trabajo de Sarita Colonia, por ejemplo, hace una fusión entre el marxismo-leninismo de moda en Latinoamérica en esa época y las
prácticas de brujería popular. Poniéndolo en términos crudos, claro; en términos del contenido real lo que queríamos lograr una obra que hiciera milagros."
Algo va a pasar

Hasta quemar el último cartucho

Carlos Dominguez
(Lima 1933 - 2011)

Aprendió la técnica fotográfica con el japonés Antonio Noguchi. Obtuvo su primer concurso artístico con un afiche de un certamen deportivo en 1946. Viajó a Argentina,
poco después, para estudiar en el instituto de fotografía “Sandy” y al mismo tiempo colaboró con la revista deportiva El Gráfico. En 1954 retornó al Perú, trabajando como
reportero gráfico en los diarios Impacto, Presente y La Tribuna; pero es durante su trabajo en la revista Caretas (1963-1970) que adquirió notoriedad por su audacia para
conseguir las mejores imágenes.

En 1966 obtuvo el título de periodista y reportero gráfico por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. En 1981 fundó el diario La República junto a Guillermo
Thorndike. Se desempeñó como jefe de fotografía, colaborador gráfico en diversos diarios nacionales y extranjeros. Como resultado de cerca de 50 años de amplia labor
fotográfica, logró reunir en su archivo personal alrededor de un millón de negativos que cubren la historia gráfica peruana y mundial. Su archivo fue adquirido para su
rescate y conservación por la Universidad Alas Peruanas.6

Fue considerado como el mejor reportero gráfico del siglo XX en el Perú y su archivo es el único que guarda fotografías inéditas de personajes del mundo cultural, político,
social. Ilustró un sinfín de libros y su labor social de mostrarle al mundo la realidad peruana se vio plasmada en su edición maestra: Los peruanos (primera y segunda
edición).
Herman Schwarz
(Lima 1954)

Humareda en el sillón de Sócrates

Hotel Lima
1982

Sus retratos de artistas y de intelectuales han recibido especial reconocimiento por parte de la diversos críticos; destacan sin duda los retratos a los miembros de la llamada
generación del 50. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú y en el Forest Park College de Saint Louis en Missouri.

Inició su carrera profesional dentro del fotoperiodismo, trabajando como reportero gráfico en varios suplementos dominicales y semanarios. Fue jefe de fotografía y editor gráfico de
diversos diarios y revistas como "Jaque”, “El Comercio”,“La República”, “El Búho”, ““Caballo Rojo”, “El Mundo”, “Sí”, “La Primera”, "El Peruano", etc. Participó en diversas exposiciones
colectivas como individuales a través del mundo, : en el Perú, Cuba, Ecuador, Uruguay, España, etc. Ha desarrollado varios trabajos de investigación y audiovisuales que han sido