QR - Qué Cosa, La Poesía Visual

Qué cosa,
la poesía visual?
QUÉ COSA, LA POESÍA VISUAL?
Qué cosa,
la poesía visual?
De miércoles a domingos de 14 a 20 h
Sala 603, 604, 605 y 606 — Piso 6
Centro Cultural Kirchner:

Sarmiento 151, CABA
Para mayor información visitar

www.cck.gob.ar
Qué cosa, la poesía visual?

presenta una selección de obras
históricas y contemporáneas en las
que se exploran las posibilidades del
lenguaje y la palabra. La exhibición
reúne textos visuales y sonoros de
poetas y artistas de Argentina, Chile
y Brasil, así como parte de un valioso
archivo de poesía visual argentina.
Cada una de las obras es una forma
de experimentación con el uso del
lenguaje, donde la palabra puede
concebirse como una imagen, como el
registro de una acción, como un juego
o simplemente como una forma.
Qué cosa, la poesía visual? es

un reconocimiento a dos hitos de
la historia de la poesía visual local.
El primero es la exhibición Expo/
Internacional de Novísima Poesía/69
organizada en 1969 por Edgardo
Antonio Vigo en el Centro de Artes
Visuales del Instituto Torcuato
Di Tella, donde se presentaron
poesías visuales, sonoras, objetos
03
y performances, y representó la
consolidación de un proceso de
experimentación plástica y literaria
en el ámbito local. El segundo es la
revista de literatura XUL. Signo Viejo y
Nuevo que se publicó en Buenos Aires
entre 1980 y 1997 bajo la dirección y
cuidado de Jorge Santiago Perednik,
un espacio que sirvió para alojar y
difundir las poéticas experimentales
de aquel entonces, presentadas como
“la ohtra poesía”.
Qué cosa, la poesía visual? ensaya

una posible síntesis de una historia
local de la poesía visual, a la vez que
una revisión del trabajo de quienes
años atrás experimentaban con el
lenguaje, a veces con palabras o
escapando de ellas por medio de la
invención poéticamente libre. Hoy esas
exploraciones del pasado se reúnen en
el espacio de las salas con prácticas
contemporáneas donde se pueden
leer, escuchar y entrever textos que
04
en su materialización encuentran y
actualizan la cosa visual de la poesía.
Vinculando pasado y presente, Qué

cosa, la poesía visual? retoma
un concepto que el poeta francés
Stéphane Mallarmé asoma en 1895,
el de acción restringida, que propone
la concentración del lenguaje en la
acción restringida del acto poético, en
el acto de dejar alguna huella, actuar,
crear dice, pensar, esto: de otro modo.
En la pregunta Qué cosa, la

poesía visual? se ponen a la vista
otros modos de hacer poesía que
dan lugar a otras prácticas y otras
significaciones. La pregunta Qué
cosa, la poesía visual? pone al
descubierto la esquiva posibilidad
de una explicación precisa y hace
posible, ante el ojo atento, otros
modos de ver y de leer. A la poesía
visual le anteceden y le son comunes
y cercanos los términos de poesía
abstracta, poesía concreta, poesía
05
de invención, poesía experimental,

typoesía, poesía minimalista, poesía
semiótica, poesía espacial, entre otros
tantos nombres para designar algo
que cabe en la palabra poesía,
en su naturaleza, en sus caprichos
y en su dispersión.
Entonces, ¿por qué no entender la

poesía como una forma de pensar y
de hacer las cosas, y entender la cosa
como distintas formas que no tienen
necesariamente una categoría, una
clasificación que determine lo que es
o no es poesía? La poesía, como toda
poesía, en sus fragmentos, gestos,
señales, sonidos y signos, se deja ver,
oír y sentir, en este caso, como una
cosa expuesta.
Guillermo Daghero
Curador
06
artistas
en exhibición
Ezequiel Alemian
Laura Andreoni
Archivo Vórtice
Geraldine Blas
Hernán Camoletto
Ricardo Carreira
Roberto Cignoni
Lenora de Barros
Alejandra Bocquel
Augusto de Campos
Claudia del Río
Mirtha Dermisache
Lucas Di Pascuale
María Lilian Escobar
Luis Espinosa
Carlos Estévez
Rosana Fernández
León Ferrari
Belén Gache
María Gamarra
Fernando García Delgado
Magdalena Jitrik
Jorge Macchi
Norberto José Martínez
Alberto Méndez
Emiliano Miliyo
08
Leticia Obeid
Huenú Peña
Jorge Santiago Perednik
Juan Carlos Romero
Roberto Scheines
Sara Beatriz Sedler
Gisella Scotta
Carlos Soto-Román
Hugo Vidal
Edgardo Antonio Vigo
Ivana Vollaro
09
sala 603
En materia de poesía, muchas veces,
o las más de las veces, no puede
explicarse al pie de la letra lo que
(con)tiene en sí. Generalmente nos
enfrenta y nos expone ante una
imagen que nos plantea una forma de
ver y de leer.
Geraldine Blas
(Pcia. de Córdoba, 1987)
María Gamarra
(Pcia. de Salta, 1983)
Guía para unx lectorx, 2015

hojas de libros, tinta y pegamento, 600 cm
Guía para unx lectorx es una obra compuesta

por cuarenta y cuatro piezas. Sobre cada
una de las hojas exhibidas se despliegan un
conjunto de franjas de tinta negra que tapan las
líneas de texto e imposibilitan su lectura. Sin
embargo, mirando detalladamente se abre un
espacio en donde emergen frases, números y
epígrafes que reconfiguran la experiencia literaria
transformándola en algo nuevo.
11
Hernán Camoletto
(Pcia. de Santa Fe, 1976)
SISTEMA COPIADOR, 2022

acrílico sobre hojas de papel vegetal del libro
copiador superpuestas, 25 x 35 cm c/u
palabra cuerpo ceniza, 2019

esmalte sintético bajo vidrio templado, 20 x 30 cm c/u
Hernán Camoletto cruza, a través de su obra,

la imagen y la palabra. Sus trabajos parten de
la observación, y las diversas materialidades
y soportes se erigen en su producción como
territorios de exploración de ciertos temas
recurrentes: la comunicabilidad, la memoria,
los afectos, la pérdida.
12
En palabra cuerpo ceniza el artista indaga sobre

el origen de los cuerpos, de la palabra. Aquella
primera palabra dicha o el cuerpo que delimita
nuestro primer espacio en el mundo se erigen
como poderosos significantes.
Por su parte, SISTEMA COPIADOR comprende

tres series: Ensamble, Caprichos y Los desvelos.
Cada pieza consiste en la superposición de una
copia de un florero cuyo original proviene de
obras de la historia de las imágenes, y un dibujo
extraído de la biblioteca personal del artista. Esta
obra, como una suerte de corte estratigráfico
de una roca, nos permite imaginar aquellos
materiales que componen nuestro archivo
personal: textos, músicas, charlas, recuerdos,
memorias familiares, afectos.
13
Mirtha Dermisache
(Ciudad de Buenos Aires, 1940 - 2012)
Cuatro textos, 1978

tinta sobre papel, 32,6 x 25,2 cm cada una
Sin título (Texto), c. 1970

tinta sobre papel, 28,1 x 23,1 cm


14
Legado Mirtha Dermisache, gentileza Herlitzka & Co.
el legado de mirtha dermisache protege la memoria

y producción de la artista; trabaja en la difusión
de su biografía y extenso trabajo; colabora con
préstamos a instituciones y en la investigación
curatorial y académica.
LIBRO nº 8, 1970
impresión sobre papel, 28 x 47 cm
Colección Guillermo Daghero
La prolífica obra de Mirtha Dermisache gira

en torno a lo que en 1971 Roland Barthes
denominó como “escrituras ilegibles”: se trata
de grafismos sutiles que, a modo de texto,
pero a la vez con delicados gestos visuales,
invitan a los públicos a detenerse, observar
y realizar una lectura personal. La técnica
suele ser tinta sobre papel, pero Dermisache
también ha explorado el color y otras técnicas
gráficas como la dactilopintura, que mediante la
manipulación directa del material (usualmente
tintas de color o pigmentos) permite la
generación de impresiones y huellas con los
dedos de las manos. Esta “liberación” de las
herramientas como mediación permite explorar
las sensaciones provocadas por el contacto
físico con los materiales y soportes, y posibilita
15
experimentar gráficamente con las formas del

propio cuerpo.
Quebrando las fronteras entre la plástica y la

escritura, la producción de esta reconocida
artista visual también está atravesada por la
tensión entre disciplina y libertad: someter por un
lado su trabajo a estrictas reglas, pero también
la búsqueda profunda de la libertad creativa.
Libros, correspondencias, textos, diarios
personales y postales, entre otros soportes con
los que experimentó, se erigen como territorios
de expresión.
Luego de su muerte, en el año 2012, los

herederos y un equipo profesional especializado
se encargan —a través del Archivo Mirtha
Dermisache y el Legado Mirtha Dermisache—
de organizar y catalogar su obra, protegiendo su
memoria y su producción y también difundiendo
su biografía y extenso trabajo.
16
Lucas Di Pascuale
IJOTA, 2022
impresiones del libro ijota (2017, edición de autor),
medidas variables
A través de su obra, Lucas Di Pascuale indaga

en aquello que se presenta de a pares, aquellas
relaciones entre dos: dos que tienen un mismo
origen pero escogen caminos diversos; dos que
sin saberlo coinciden o se complementan; incluso
dos que son enemigos. El artista se propuso
abordar una dialéctica entre unidad y conjunto
en relación a estrategias particulares de montaje.
También su proceso creativo estuvo dirigido a
crear pares más o menos similares, más o menos
17
distintos. Seleccionó diversos fragmentos de esas

duplas para realizar el libro IJOTA, donde incluyó
imágenes tomadas de un álbum de fotos que
perteneció a su madre, Ileana Beatriz Mellibovsky.
Así, en estas fotografías resuenan elementos que
vuelven a establecer un vínculo entre dos.
18
Rosana Fernández
Acúfenos, 2023
instalación sonora, 35’
La artista cordobesa Rosana Fernández explora a

través de diferentes materialidades y soportes el
vínculo entre imagen y palabra.
Acúfenos es una pieza visual-sonora que busca

articular las relaciones entre lo que se ve y lo que
se escucha. En esta performance acústica, una
voz anónima interactúa con palabras, sonidos e
imágenes de una voz anónima.
19
Pensando el espacio como un instrumento para

vincular visibilidad e invisibilidad a través del
lenguaje, la voz se transforma en un dispositivo de
resonancia de un evento transvisible. Un pequeño
núcleo en expansión en que el campo acústico
absorbe esa transparencia imperceptible al tacto
y a la vista que es la voz, reproducea su vez la
desnudez de lo que vibra en esa zona expandida
de la imagen mental que nos es invisible.
Si consideramos al pensamiento como una

puesta en acción, que en la quietud más activa
articula vibraciones de una atmósfera que
lo excede. Todo pensamiento dicho, pasa a
integrarse al resonar infinito en ese continente
ilimitado del espacio donde materia y vacío son
la misma compenetración. Es allí que el texto
aparece como una permanente sucesión, que
a través de la palabra produce ilaciones entre
las frecuencias externas de la atmósfera y las
vibraciones internas del cuerpo, pulsando las
partículas del aire dentro y fuera de lo corpóreo.
La síntesis granular de la materialidad corporal y
la inmaterialidad aérea en una encarnación leve,
donde el espesor singular de toda habla puede
volverse eco del unísono común.
La palabra como signo que se imprime en la voz es

una huella suplementaria, que al no poder marcar
un soporte tan frágil como el aire, desaloja a quien
nombra, hacia esa transición indefinida que lo
desborda. La palabra dicha entonces como un
20
volumen errante del territorio del cuerpo, se vuelve

un objeto flotante, que al carecer de imagen puede
adquirir cualquiera de las formas que nombre.
Ahí donde esa materialidad desmaterializada
de la voz, apunta a un lenguaje que sea eco
en correspondencia con los fenómenos; todo
elemento del mundo al ser dicho se vuelve un
objeto transparente, participando tanto de la
significancia de lo que se dice como de lo que
sucede sensorialmente bajo el nivel del lenguaje.
Al ser la voz esa emanación física, vehículo y

soporte, entre lo compacto y lo aireado, lo opaco
y lo traslúcido, en la retroalimentación de lo que
se suelda y lo que se suelta al modular espacio
y tiempo. A través de ese impulso que a medida
que nombra va llenando el espacio a la vez que
lo fragmenta incesantemente, me pregunto cuál
es la imagen de una voz que deja de estar en la
matriz de la experiencia, dónde está la voz cuando
nada nombra.
Al poner a funcionar la voz desde ese pasaje en

reflejo continuo del espectro sonoro dentro y
fuera de lo corpóreo. Acúfenos persigue darle
cuerpo a esa inmaterialidad de la voz, poniendo
a funcionar un lenguaje desde esa zona porosa
de la escucha. Sirviéndose del hilo invisible de
una voz que, atravesando los múltiples niveles de
la instancia auditiva, llega a la superficie de otro
cuerpo y lo traspasa.
21
Jorge Macchi
(Ciudad de Buenos Aires, 1963)
Doppelgänger 3, 2005
vinilo autoadhesivo, 91 x 143 cm
Jorge Macchi construye ficciones de gran

potencia visual que no requieren de mediación
textual o conceptual, y plantean una tensa
contradicción entre su apariencia superficial y
aquello que la compone, sin ocultar su artificio.
22
La serie Doppelgänger es el resultado de un

proceso de años de investigación que llevó
adelante el artista. Leyendo periódicamente
la sección de policiales del diario Crónica de
Buenos Aires, notó una constante: varias frases
se repetían en diferentes noticias y ocupaban una
posición similar en cada texto. Como si existiese
una estructura textual con frases que se repetían
regularmente que luego es rellenada con los
datos siempre nuevos de las tragedias cotidianas.
Seleccionando un conjunto de diez pares de

noticias, Macchi exploró con formas simétricas
que se tocaban en un punto: ahí donde las
noticias comparten la misma frase. Esta frase
que se repite funciona como un puente entre
dos historias formalmente idénticas, pero
completamente diferentes en su contenido.
23
Leticia Obeid
Orden, 2003
video, 4’
Leticia Obeid es una artista de larga trayectoria

en la experimentación con el video. Interesada
por la cualidad performática de la escritura y por
la relación entre imagen y palabra, su obra se
despliega en una amplia área que incluye además
del video, el dibujo, la fotografía y la instalación.
En Orden, una mano escribe la palabra “vení” una

y otra vez sobre la misma porción de papel hasta
que éste empieza a romperse.
24
Huenú Peña
Pregunta 1 de la serie Carta nº1 Pizarnik a

Ostrov, 2022
inyección de tinta sobre papel, 16 x 18 cm. edición 2/3

Ostrov, 2022

Ostrov, 2022
inyección de tinta sobre papel, 14 x 13,6 cm. edición 2/3
25

Ostrov, 2022

Ostrov, 2022
inyección de tinta sobre papel, 16,5 x 23 cm. edición 2/3

Ostrov, 2022
inyección de tinta sobre papel, 15 x 27,5 cm. edición 2/3

Ostrov, 2022

Ostrov, 2022
inyección de tinta sobre papel, 14,5 x 18,5 cm. edición 2/3

Ostrov, 2022
Huenú Peña orienta su búsqueda artística a

crear dispositivos de producción que posibiliten
la configuración de nuevos escenarios poéticos.
Lectura literaria y esquemas de cálculos
tecnológicos se entrecruzan en su obra para
indagar en la simulación de la escritura como un
proceso objetivo.
26
Carta nº1 Pizarnik a Ostrov es una serie de nueve

dibujos. Alejandra Pizarnik intercambió cartas
con León Ostrov -su amigo y ex psicoanalista-
durante varios años. En esa correspondencia
ella le realiza, siempre desde el miedo, el afecto
y la confianza, varias preguntas. Nueve de esas
preguntas que hace en la primera carta son
codificadas en esta obra. La palabra, el miedo y el
componente temporal y climático emergen como
una constante.
27
Carlos Soto-Román
(Chile, 1977)
Borradura, 2021
video color y sonido, 12’ 03”
Chile Project, 2013

impresión sobre papel, medidas variables
publicado en gauss, 2013 (edición online) y pez
espiral, 2015 (edición impresa)
Carlos Soto-Román es poeta, traductor y químico

farmacéutico de profesión. Ha publicado varios
libros de poesía y traducciones, y participa
activamente en proyectos de poesía y música en
Santiago de Chile, donde vive y trabaja.
28
Borradura es un vídeo que constituye una

interpretación de la obra Chile Project [Re-
Classified]. Es un poemario visual que se sirve
de documentos desclasificados por la CIA,
vinculados con la intervención estadounidense
en el Golpe de Estado en Chile, el 11 de
septiembre de 1973. A través del recurso
de la descomposición y la rearticulación,
Borradura pretende exponer lo que el poder
quiso desaparecer, volviéndolo más visible. La
obra es el resultado de un trabajo colaborativo
entre la artista e investigadora Camila Estrella;
la fotógrafa, cineasta y artista visual Bárbara
Oettinger y Soto-Román.
Por su parte, en Chile Project el artista revisa la

maquinaria del lenguaje burocrático dictatorial.
Sirviéndose de procedimientos tales como la
tachadura y la borradura, el autor exacerba la
censura que llevó adelante el aparato represivo
estatal para evidenciar el sin sentido, su ridiculez.
29
Hugo Vidal
(Pcia. de Buenos Aires, 1956)
nocióNNación (palabradentro), 2020-2022

impresiones tipográficas impresas sobre papel
bookcel 80gr, 32 x 65 cm. aprox. c/u
Discípulo de Enio Iommi, Hugo Vidal trabaja

combinando técnicas sin restringir su práctica
a la ortodoxia de las disciplinas, intentando
encontrar el soporte adecuado a su intención.
Motorizado por las obsesiones que lo atraviesan,
el autor experimenta con diferentes operaciones
y procedimientos.
nocióNNación (palabradentro) se erige como

un señalamiento que pretende profundizar en
30
una idea de Nación que, para el autor, permanece

incompleta, imprecisa, incluso es fallida y
excluyente, por no abordar e incorporar zonas
desconocidas e innombradas. En la serie la
operatoria consiste en buscar la palabra dentro
de la palabra. El procedimiento técnico utilizado
por Vidal no arroja como resultado la uniformidad
típica de la impresión tipográfica. La imprecisión y
oscilación de los acabados de la obra sensibilizan e
invitan a pensar en todas aquellas nociones que no
han sido pensadas para el concepto de Nación.
31
sala 604
En la Expo/Internacional de Novísima
Poesía/69, realizada en 1969 por
Edgardo Antonio Vigo en el Centro
de Artes Visuales del Instituto
Torcuato Di Tella, lo extranjero no
era un límite ni una frontera, era
parte de un mismo lenguaje. Esto
se desprende de las experiencias
del lenguaje “verbivocovisual” de la
poesía concreta brasilera, un término
que refiere a los elementos visuales,
semánticos y sonoros que pueden
encontrarse en un escrito.
Augusto de Campos
(Brasil, 1931)
El pulsar (O pulsar)
música: caetano veloso (1942), 1975-1978

realización audiovisual: gonzalo aguilar, 2014
“Donde quiera que tú estés / en Marte o Eldorado

/ abre la ventana y mira / el pulsar casi mudo /
abrazo de años luz / que ningún sol calienta / y el
eco-hueco [eco-oco] oscuro olvida”.
De Campos produce una nueva palabra con la
estrella (e) y la luna (o): eco-hueco [eco-oco].
Augusto de Campos es un poeta brasileño que

perteneció al movimiento de poesía concreta de
33
los años 50, se destacó en el campo de la poesía

visual, y publicó numerosos libros de poemas,
traducciones y ensayos. Caetano Veloso, figura
emblemática de la música brasileña, participó
del movimiento tropicalista en los años sesenta y
grabó más de cincuenta discos.
El poema O Pulsar fue compuesto por de Campos

para la serie Stelegramas a principios de los años
setenta. En 1975 Veloso lo musicalizó para el
libro Caixa Preta de Augusto de Campos y Julio
Plaza, más tarde incluido en Viva vaia (poesía
1949-1979). Posteriormente, Caetano hizo dos
versiones más: una en estudio (Velô, 1984) y otra
en vivo (Fina Estampa ao Vivo, 1995). A partir
de la versión en video de Paulo Barreto (1984),
Gonzalo Aguilar realizó el video para la muestra
Despoemas de Augusto de Campos, realizada en
la galería Document Art en 2014.
34
Lenora de Barros
(Brasil, 1953)
Poema, 1979-2022
impresión inkjet sobre papel de algodón sobre
aluminio, 150 x 33.5 cm. edición de 20 copias.
registro fotográfico: fabiana de barros
Artista visual y poeta, Lenora de Barros estudió

Lingüística e inició su carrera artística en la
década del 70. Los primeros trabajos creados
por Lenora pueden ser colocados en el campo
de la poesía visual y están en diálogo con el
movimiento de la poesía concreta de la década
del 50. Palabras e imágenes fueron sus primeros
materiales y se ha movido entre múltiples
lenguajes: video, performance, fotografía,
instalación sonora y construcción de objetos.
35
Entre 1975 y 1983, de Barros realizó el libro

Onde Se Vê: un conjunto de poemas poco
convencionales. Algunos de ellos prescinden del
uso de palabras y están enteramente construídos
como narrativas fotográficas, donde la artista
representa diferentes personajes en actos
performáticos. Este trabajo ya anunciaba su
tránsito hacia el campo de las artes visuales.
Poema fue uno de los primeros trabajos pensado

por la artista no como un texto sino como una
secuencia de imágenes, como frases visuales.
Reflexionando sobre el origen de un poema,
exploró con el lenguaje visual como el principio
de un poema. Comentándole a su hermana,
Fabiana de Barros, la idea original, tomaron un
conjunto de fotografías que más tarde fueron
ensambladas en una secuencia, una pequeña
secuencia narrativa compuesta por seis imágenes
que configuran la que hoy es una obra referente
del arte contemporáneo latinoamericano.
36
Ivana Vollaro
Alfaboca: miniclips vocálicos, 2004

dvd, 4’ 20’’ (selección). en colaboración con lenora
de barros y arnaldo antunes
cámara y edición: luciano mariussi

sonido: cid campos / marcelo brissac / luciano mariussi
Ivana Vollaro es una artista formada, entre otros

espacios, en el taller de Mirtha Dermisache y
desde fines de los años de la década 90 participa
en festivales y bienales de poesía experimental.
En el año 2003 recibió la Beca de creación de
la Fundación Antorchas para trabajar junto a la
artista Lenora de Barros, experiencia que hizo que
37
su producción esté profundamente atravesada

por la escena artística brasileña.
Alfaboca es una conversación performática entre

dos lenguas latinas muy próximas: el español
y el portugués. Navegando por las fronteras
sonoras entre estos idiomas, la obra explora la
dimensión visual de la voz, la palabra y el silencio.
Vollaro busca indagar en la dimensión lúdica de
la traducción y las proximidades lingüísticas y
afectivas entre argentinos y brasileños.
38
sala 605
Decir poesía visual, sonora y
experimental en Argentina abarca
numerosas y valiosas maneras de
explorar la práctica poética como una
forma de lenguaje.
Ivana Vollaro
Poema redondo, 1997

vinilo sobre pared, 200 cm
40
Ezequiel Alemian
Invocar/evocar, 2022
Ezequiel Alemian es poeta, narrador y crítico.

Estuvo vinculado al grupo de poetas de la revista
18 whiskys, codirigió la editorial de escrituras
objeto Spiral Jetty y fue becario del Laboratorio de
Prácticas Artísticas Contemporáneas del Centro
Cultural Rojas.
Invocar/evocar forma parte de un proyecto mayor,

abierto, en curso y de formato indefinido, cuyo
título provisorio es Amorphos Aneidon y consiste
en la creación de una serie de expresiones
41
idiomáticas. Creación, para Alemian, significa

selección y escritura, y también descarte. Pero
sobre todo resignificación. El proyecto intenta
devolverles su extrañeza, su pureza, a esa serie
de expresiones, como si su sentido en realidad
todavía no se hubiese manifestado. Volverlas
expresiones de un idioma nuevo, de un tiempo
diferente al nuestro, que ellas mismas, en su
otredad, nos obligan a imaginar. Son palabras
como utopía de un mundo cuyo sentido debemos
construir, fragmentos de una lengua del futuro.
42
Ricardo Carreira
Sin título (Alumno: qué es la libertad, maestro),

1986-1993
texto mecanografiado sobre papel, 26,6 x 21,4 cm c/u
colección pájaro alejandro carreira, gentileza

herlitzka & co.
Ricardo Carreira es una figura pionera del arte

conceptual latinoamericano. Su obra explora la
poesía, la performance y las artes visuales, formó
parte del Instituto Torcuato Di Tella y participó
de numerosos proyectos conceptuales como
Tucumán Arde. Su repertorio de poemas visuales
responde a un sistema iconoclasta que le valió el
término de “Deshabituador”.
43
En Sin título (Alumno: qué es la libertad, maestro),

un profundo diálogo entre un maestro y su
alumno, Carreira retoma un concepto clave en
su trayectoria: la libertad y la multiplicidad de
ideas y sentidos asociados a ella. Esta obra
integra el archivo del artista que fue recuperado,
reconstruido y catalogado por su hijo el artista
Pájaro Carreira.
44
Carlos Estévez
ABANDONEÓN, 1993
autor: carlos a. estévez
performer: carlos a. estévez
poesía en performance, 3’ 33’’
lugar: babilonia, ciudad de buenos aires
cámara: javier robledo
edición: javier desilvio
POETARZAN, 2007
autor: jorge s. perednik
performer: carlos a. estévez
poesía en performance, 4’ 44’’
lugar: barraca vorticista, ciudad de buenos aires
cámara: javier robledo
edición: javier desilvio
45
Poeta, performer y escultor, Carlos Estévez es

cofundador de Paralengua, conocida como “la
ohtra poesía”, un grupo experimental surgido en la
década del 90 en Buenos Aires.
ABANDONEÓN, como su nombre lo indica, es un

lamento por la pérdida. El mismo está montado
sobre un fraseo instrumental. Esta obra es, como
muchas otras de su autoría, el resultado de una
profunda experimentación y creación poética que
se corrió de la manera convencional en la que
hasta ese momento se hacía poesía.
Por su parte, POETARZAN, es una obra basada

en un texto de Jorge Santiago Perednik en el cual
Tarzán explicita su relación con la lengua, la lectura,
la escritura en general y la poesía en particular.
46
León Ferrari
Poesías, 1980. 23/500

libro de artista / grabado 17.5 x 99.9 cm
Carta a Mondrian, 1980

copia xerox, 31 x 22 cm
Sin título, 1997

tinta y acuarela sobre papel, escrito un poema de
amor del antiguo egipto, 23 x 16 cm
Sin título, 1997

tinta y acuarela sobre papel 19.8 x 11.5 cm
Carta a Kandinsky, 1979

copia xerox, 33.1 x 21.4 cm
47
P4CD de la serie Imagens Xadrez 89/∞, 1979

P3D de la serie Imagens Xadrez 12/∞, 1979

colección familia ferrari
León Ferrari fue uno de los artistas argentinos

más reconocidos y relevantes de los últimos
tiempos. Dedicó toda su vida a denunciar y
exponer los daños y las consecuencias de lo que
han sido sus más grandes preocupaciones: la
religión, las dictaduras, la intolerancia, la violencia
política y la guerra. De formación autodidacta,
Ferrari comenzó a trabajar en los años 50 con
cerámica para luego incorporar y explorar otros
materiales y soportes.
El conjunto de obras aquí exhibidas se inscribe

en la línea de investigaciones de las primeras
escrituras abstractas que el artista comenzó
a hacer a principios de la década del 60. Este
conjunto de obras denominado por el propio
Ferrari como “escritos ininteligibles” se erige
como una profunda y constante experimentación
con la escritura y sus posibilidades a lo largo
de toda su obra. Las palabras se expanden,
las líneas de las letras se deforman, la materia
desdibuja el trazo produciendo intervalos y
generando distintas presiones, acentos y
orientaciones. La línea de los renglones, que
48
aparecen sutilmente sugeridos como estructura

compositiva, cambian su forma: como una
serpiente, suben y bajan o cambian su dirección.
En estas obras el artista propone una escritura
encriptada que no tiene la pretensión de ser
traducida, sino que se erige como un lenguaje
con una infinidad de posibilidades, incursionando
así en la poesía visual, un género experimental
que se sirvió del valor gráfico de las palabras y de
su potencia visual.
49
Jorge Santiago Perednik

Un Pedazo del Año, 1986

impresión sobre papel, 29,7 x 42 cm
En busca de unas letras perdidas, 2003

impresión sobre papel, 42 x 59,4 cm
Vigo, 1993
Poeta, ensayista, traductor, difusor, gestor y

referente de la poesía experimental de Argentina,
publicó numerosos libros de poesía. Participó
de las performances del grupo Paralengua,
co-organizó las Primeras Jornadas de Poesía
50
Experimental en 1996 y fundó revistas como

XUL. Signo viejo y Nuevo en 1980 y Deriva de la
literatura en 1995, que además de difundir la obra
de innumerables poetas antes desconocidos,
fueron espacios de profunda crítica política en el
contexto de la dictadura y posteriormente durante
el menemismo.
El conjunto de obras que aquí se exhiben son

el resultado de numerosas experimentaciones
entre lenguaje, signos e imágenes; entre diversos
soportes y recursos; entre lo académico, lo
popular y lo neobarroco. Perednik se interesaba
más por la posibilidad de circular de las piezas
poéticas que de crear “obras de arte”.
51
Juan Carlos Romero

(Pcia. de Buenos Aires, 1931 - 2017)
Estrago, 2009
tinta sobre papel, 10 x 50 cm
Furia, 2012
tinta sobre papel, 100 x 70 cm
Serie Boleros I, 1988

collage sobre papel. 41,5 x 56 cm
Serie Boleros II, 1988

collage sobre papel. 41,5 x 56 cm
Juan Carlos Romero fue un prolífico artista

visual argentino que empleó en su obra técnicas
gráficas y exploró a través de otros medios -como
52
instalaciones, performances, intervenciones

públicas, arte correo, poesía visual y libros de
artista- en la potencia de la palabra. Utilizando
estrategias visuales de los medios masivos de
comunicación, sus obras emergieron en la vía
pública con la pretensión de irrumpir en la realidad
modificándola.
La estrategia de multiplicar sus afiches fue

utilizada como una herramienta poético-política
de impacto visual, pero también de interpelación
y agitación popular. La búsqueda por la recepción
masiva de un cuerpo de obra fuertemente
atravesado por temáticas políticas y sociales
y el rechazo al circuito oficial de producción,
circulación y consumo de arte, derivaron en
intervenciones públicas que demandaban algo
más que la mera contemplación.
En el conjunto de obras exhibidas se

puede vislumbrar cómo la apropiación y
refuncionalización de imágenes tomadas de los
medios masivos de comunicación para enriquecer
sus relatos visuales, así como la utilización de
frases y palabras, se erigen como herramientas
clave en su proceso creativo.
53
Edgardo Antonio Vigo

(La Plata, 1928 - 1997)
Obras (in)completas, 1969

impresión sobre papel, 38,5 x 75,5 cm
Reloj inutil, 1968

impresión y calado sobre papel, 31,3 x 36,8 cm
Poema matemático censurado, 1974

Poema matemático eunuco, 1967

impresión sobre papel plegado, 32 x 37 cm
Sin título, 1969

impresión y calado sobre papel, 31,8 x 37 cm
54
Acción de trasplante de un agujero existente en el

papel al cartón, 1974
collage e impresión sobre papel, 35,8 x 38,8 cm
Soluciones económicas ofrecidas por el

“systema” al pueblo, 1988
sobre impreso, boleto de boletería, tarjeta de
prode y boleto de hipódromos, medidas variables
Composición mecánica/estética, 1958

impresión sobre papel, 60 x 42,2 cm
Desborde del borde Vigo, 1958/1994

afiche litográfico sobre papel, 66,5 x 84,2 cm
colección jorge correa y catalina chavanne
Edgardo Antonio Vigo es una figura referente de

la poesía visual y del arte correo latinoamericano.
Sus iniciativas como artista y como gestor
habilitaron novedosas exploraciones con el
lenguaje, las publicaciones y la circulación de
palabras e imágenes.
En 1955, luego de un viaje por Europa donde

estuvo en contacto con la escena artística
internacional, realizó sus primeras poesías
visuales y “Poemas matemáticos”. En esa
misma época desarrolla teorías y diseños de sus
“máquinas inútiles e imposibles”.
55
En la década del 60 construye sus primeros

objetos y en 1962 edita lo que será la publicación
más importante de su carrera, “Diagonal Cero”.
Esta revista -pionera en la publicación de poesía
visual- se distribuyó localmente y tuvo una amplia
proyección internacional.
En 1969 organizó para el Instituto Di Tella la

Exposición Internacional de Novísima Poesía,
primera exposición de este tipo en Argentina. En
1975, organiza junto a Horacio Zabala la Última
Exposición de Arte Correo, la primera muestra
internacional de arte correo en Argentina en la
Galería Arte Nuevo de la ciudad de Buenos Aires.
La desaparición forzada de su hijo en el año 1976

durante la dictadura militar argentina transformó
su práctica artística. El circuito de arte-correo fue
la herramienta que utilizó para denunciar y difundir
el plan sistemático de desaparición, tortura y
exterminio implementado por el régimen de facto.
A partir de 1980 se dedicó principalmente a la
producción de arte correo, acciones en la vía
pública, objetos y xilografías.
56
Archivo Vórtice
El proyecto “Vórtice Argentina” hace referencia

a una incesante labor creativa, tanto individual
como grupal, que su fundador, el artista argentino
Fernando García Delgado, promueve y desarrolla
desde hace más de 25 años. Dicho proyecto
cobija un archivo excepcional de obras poéticas,
plásticas, objetuales y escriturales, adquiridas a lo
largo de las diversas convocatorias, exhibiciones
y eventos realizados desde 1996 hasta la fecha,
a partir de dos disciplinas tan categóricas como
poco habituales: el Arte Correo y la Poesía Visual.
El “Archivo Vortice Argentina” cuenta

actualmente con un patrimonio de 25.000 obras,
57
correspondientes a 3600 artistas de 67 países.

Se halla reunido en 5 habitaciones de la “Barraca
Vorticista”, conformado por obras gráficas,
objetos, publicaciones, libros de artista, sobres
intervenidos, postales, estampillas de artistas,
cartas y presentaciones multimedia en CD’s y en
videos VHS, obras y realizaciones llevadas a cabo
por artistas argentinos y extranjeros, en sus dos
principales disciplinas.
A comienzos de 2015 García Delgado comenzó

la digitalización y catalogación de las obras
pertenecientes al Archivo. Ello sirvió de estímulo
para organizar la gran exhibición internacional de
“Arte Correo”, presentada durante la inauguración
del Centro Cultural Kirchner en junio de ese año.
Desde entonces continuó con ese trabajo,
al que no dejó de potenciar durante los dos
años de pandemia. Actualizó la base de datos
creada en 1998 con el ingreso de casi 10.000
digitalizaciones de libros, publicaciones, postales,
estampillas de artistas y sobres intervenidos,
entre un sinfín de obras y documentos,
acompañando a cada uno de ellos con un
detallado informe.
El “Archivo Vortice Argentina” se presenta hoy

como un extraordinario reservorio histórico,
único en su género en el país y con muy pocos
antecedentes y semejanzas en el mundo, creado
a través de un trabajo tan minucioso como arduo,
al que han sostenido sin desmayo la vocación,
58
el empeño y la capacidad de García Delgado. Su

esfuerzo incondicional no ha cesado de ofrecerse
para el acopio y resguardo de un patrimonio
único. Resulta todavía más meritorio porque
acontece en un contexto donde la preservación
física de la memoria artística no alienta como
preocupación prioritaria, más allá de algunas
esporádicas iniciativas privadas o públicas.
Su presencia se convierte en un poderoso
instrumento de estudio, experimentación y
consulta para actuales y futuras generaciones de
investigadores, historiadores y artistas.
El Archivo Vórtice presenta obras de: Laura

Andreoni, Alejandra Bocquel, Roberto Cignoni,
María Lilian Escobar, Luis Espinosa, Fernando
García Delgado, Norberto José Martínez, Alberto
Méndez, Sara Beatriz Sedler y Roberto Scheines.
Luis Espinosa
Poema Absoluto, 2009
IMPRESIÓN DIGITAL 32 X 39 CM
Alejandra Bocquel
217. Construcción de escaleras, 2012
ELECTROGRAFÍA, 40 X 40 CM
220. Construcción de escaleras, 2012

ELECTROGRAFÍA, 40 X 40 CM
59
Roberto Cignoni
Poema por conjuntos, 1988
IMPRESIÓN DIGITAL, 42 X 30 CM
María Lilian Escobar

Tu y Yo, 1992
LETRASET S/PAPEL, 32 X 23 CM
Luis Espinosa
Poema Absoluto, 2009
Fernando García Delgado

Paideuma Rural: Llegar quizás a alcanzar…, 2014
OBJETO, ACRÍLICO S/CHAPA, 36,5 X 28 CM
Paideuma Rural: Lugar para um complemento…,

2014
OBJETO, ACRÍLICO S/CHAPA, 22 X 50 CM
Paideuma Rural: Lugar para um complemento…,

2014
OBJETO, ACRÍLICO S/CHAPA, 27 CMS
Norberto José Martínez

Mida sus palabras, 2001
OBJETO S/PAPEL, 32 X 24 CM
60
Alberto Méndez
S/T, 2007
ACRÍLICO S/TELA. 3 BASTIDORES DE 15X15 CMS C/U
Roberto Scheines
Biblioteca histórica de Alejandría, 1989
Vertiginosa sucesión de días y noches a bordo de

La Máquina del Tiempo de H.G.Wells, 1989
Me las vas a pagar, 1990

7 METROS X 10 CM
Laura Andreoni
Breve Antología de Poesía Acromática,
1996 / 2006
OBJETO, CAJA DE ACRÍLICO, 30 X 24 X 6 CM
Sara Beatriz Sedler

Polifonicum tum, 2021
IMPRESIÓN DIGITAL
61
Archivo Vórtice
Afiche “Vortex” #1, Diciembre 1997
ARTISTAS ARGENTINOS: CLAUDIA DEL RIO (ARG.), LEÓN
FERRARI (ARG.), FERNANDO GARCÍA DELGADO (ARG.),
HILDA PAZ (ARG.), JUAN CARLOS ROMERO (ARG.),
LEONELLO ZAMBÓN (ARG.)
Afiche “Vortex” #2, Marzo 1998

ARTISTAS ARGENTINOS: JORGE DAFFUNCHIO (ARG.),
IVANA VOLLARO (ARG.), NORBERTO JOSÉ MARTÍNEZ (ARG.),
NORA MENGHI (ARG.), LEO ROBERTAZZI (ARG.), JAVIER
SOBRINO (ARG.), ANABEL VANONI (ARG.)
Revista Vortice #5, Octubre 1996

TAPA: LEÓN FERRARI
Revista Vortice #6, Diciembre 1996

TAPA: EDGARDO A. VIGO
Revista Vortice #13, Septiembre 1998

TAPA: JUAN CARLOS ROMERO
Revista Vortice #18-#19, Agosto 2001

TAPA: IVANA VOLLARO
Libro Poesía Visual Argentina, 2006

EDITOR: VORTICE ARGENTINA EDICIONES
Libro Vortice Argentina: Historia del Proyecto,

2018
EDITOR: VORTICE ARGENTINA EDICIONES
Libro Poesía Visual Argentina, 2022

EDITOR: REXFOXPRESS (IRLANDA)
62
sala 606
Un trazo, un dibujo, una letra, una
palabra, un nombre, un discurso,
una transcripción, un accidente, un
juego de lenguaje, una voz, un decir,
una insistencia, un silencio: toda
acción acotada es materia de poesía
(y viceversa).
Claudia del Río

Dios distraído, 2023

TIZA SOBRE PARED, MEDIDAS VARIABLES
Transcurre la pandemia del covid en el 2020 y

Dios está inquieto. Una conversación infinita entre
los dioses, o un Dios que vive casi refugiado en
un pan de manteca, un hacha, una flor, una gyoza
o una bota.
Con algunas palabras y algunas formas las

viñetas consiguen suspender un presunto
sentido, revelando el poder de lo mínimo.
El dibujo hermana consciente de la poesía o la
poesía hermana consciente del dibujo encarnan
64
en el presente la posibilidad conceptual más

cercana, económica, sin derrame al planeta.
Claudia del Río
Artista visual, poeta, educadora y curadora,

Claudia del Río es Licenciada en Bellas Artes
por la Universidad Nacional de Rosario, donde
actualmente da clases. En 2002 cofundó el
Club del Dibujo, un espacio de pensamiento
y acción acerca del dibujo. Desde el 2006 el
proyecto Pieza Pizarrón -dispositivo de arte,
teatro y pedagogía que forma parte del Club del
Dibujo- se constituyó como formato itinerante.
Representó a Argentina en diferentes Bienales
y Residencias internacionales. En el 2022
recibió el Premio Konex y el Premio Nacional a la
Trayectoria Artística.
65
Belén Gache
El discurso de liberación de los poetas, 2019
VIDEOPERFORMANCE EN SECOND LIFE, 3’31”
Belén Gache es una escritora y poeta española

argentina, que utiliza medios digitales desde
larga data. Es Licenciada en Historia del Arte y
posee un Máster en Análisis del Discurso por la
Universidad de Buenos Aires. Desde la década
del 90 ha realizado obras de poesía conceptual,
literatura experimental y expandida, poesía
electrónica y videopoemas.
El Discurso de Liberación de los poetas fue

presentado por primera vez en el Festival
“Barcelona Poesía” (2019) en su versión
performática: la artista interactuaba en tiempo real
66
desde el escenario con su avatar, donde ambas

recitaban simultáneamente el texto del poema
que aparece en la novela de Belén Gache, Kublai
Moon. Ese texto se ha convertido en una suerte
de himno de la Resistencia Poética Galáctica. El
avatar de Belén Gache camina por la superficie
lunar leyendo el texto del discurso -cuyos pliegos
lleva en su mano- y blandiendo en la otra mano un
cartel con la inscripción “Liberaos de las palabras”.
67
Magdalena Jitrik
Fondo de Huelga, 2007

ACUARELA SOBRE PAPEL, 18 X 25.5 CM
Una escuela de arte, 2006

ANILINA SOBRE PAPEL, 10 X 15 CM
Siento un amor, 2005

ANILINA SOBRE PAPEL, 10 X 15 CM
Veo un resplandor, 2006

TINTA CHINA SOBRE PAPEL, 20,3 X 10,8 CM
Si paro me caigo, 2006

ACUARELA SOBRE PAPEL ARROZ, 23 X 31 CM
Me gustaría escribir esa carta, 2017

ACUARELA SOBRE PAPEL, 18 X 15 CM
Urgente solidaridad, 2007

TINTA CHINA SOBRE PAPEL MONTADO EN BASTIDOR
ENCHAPADO, 30 X 40 CM
68
Urgente desalojo en Línea A, 2007

TINTA CHINA SOBRE PAPEL MONTADO EN BASTIDOR
ENCHAPADO, 30 X 40 CM
Magdalena Jitrik es una de las artistas más

representativas de la escena artística argentina
surgida a principios de los 2000 hasta la
actualidad. Interpelada por la crisis del 2001 que
atravesó nuestro país, la artista se involucró con
los movimientos populares e integró el grupo
fundador del Taller Popular de Serigrafía (2002-
2007). Ha expuesto en numerosos museos de
Argentina, América Latina y Europa y su trabajo
forma parte de colecciones públicas nacionales
e internacionales.
El conjunto de obras exhibidas pertenecen a una

etapa en la que Jitrik usó la letra como forma,
estrechamente ligada a su proceso creativo con la
producción gráfica del Taller Popular de Serigrafía.
Dibujar la letra, dibujar o pintar la frase, fueron
métodos que la artista exploró para potenciar lo
comunicacional sin abandonar el oficio del pincel.
69
Emiliano Miliyo
Jian Zhi (serie no2), 2022

PAPEL DORADO CHINO CALADO, 110 X 110 CM
La obra de Emiliano Miliyo recupera la técnica

china Jian Zhi de calado sobre papel, donde
se trabaja dando forma a través de la ausencia.
Cada una de las series que el autor trabaja está
compuesta de nueve piezas, y cada una de ellas
tiene calado el logo de alguna marca emblemática
de la historia argentina. La técnica milenaria es
refuncionalizada en esta obra para desplegar
70
un paisaje cultural. El diseño y la historia de las

marcas representadas se presentan como un
potente mapa simbólico que impacta y apela a la
memoria afectiva personal y colectiva.
71
Gisella Scotta
Espinas punzó de la serie Encarnación, 2021

TINTURA Y ACRÍLICO SOBRE LIENZO, 100 X 450 CM
Encarnación, 2022
VIDEO, 6’ 16’’
Gisella Scotta trabaja atravesada por su oficio,

que es también el de su familia desde hace varias
generaciones y reflexiona sobre la manera en
la que sus manos avanzan en la confección de
arreglos florales, que es a la vez su propio hacer
artístico. Como en un bouquet floral, la obra de
Gisella está compuesta por múltiples materiales:
yeso, cera, hongos y mármol se cruzan con
dibujos, palabras e imágenes.
72
Su obra, también, se sumerge en la historia de

nuestro propio país; en símbolos y capas de
sentido que se acumulan en momentos concretos
y particularmente en la manera en la que se
construye el pasado. En este sentido, Espinas
punzó de la serie Encarnación y Encarnación
retoman las divisas punzó que se utilizaban para
demostrar la adhesión al rosismo a mediados
del siglo XIX. F o M, “Federación o Muerte”. Sin
embargo, aquí la artista nos invita a pensar en el
tiempo presente y en la potencia del feminismo
ante la muerte: F o M de nuevo, pero resignificado
73
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En la pregunta Qué cosa, la

de invención, poesía experimental,

Entonces, ¿por qué no entender la

Guía para unx lectorx, 2015

Guía para unx lectorx es una obra compuesta

SISTEMA COPIADOR, 2022

palabra cuerpo ceniza, 2019

Hernán Camoletto cruza, a través de su obra,

En palabra cuerpo ceniza el artista indaga sobre

Por su parte, SISTEMA COPIADOR comprende

Cuatro textos, 1978

Sin título (Texto), c. 1970

Sin título (Texto), c. 1970

Sin título (Texto), c. 1970

Legado Mirtha Dermisache, gentileza Herlitzka & Co.

el legado de mirtha dermisache protege la memoria

Colección Guillermo Daghero

La prolífica obra de Mirtha Dermisache gira

experimentar gráficamente con las formas del

Quebrando las fronteras entre la plástica y la

Luego de su muerte, en el año 2012, los

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Chile Project, 2013

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Borradura es un vídeo que constituye una

Por su parte, en Chile Project el artista revisa la

nocióNNación (palabradentro), 2020-2022