TEMA 9: Las artes incoherentes

Es importante diferenciar entre movimiento y estilo. Hablamos de estilo cuando nos referimos
a las etapas de la historia del arte, por ejemplo, surgen de forma espontánea y poco a poco, en
distintos lugares al mismo tiempo. Los movimientos suelen surgir deliberadamente.
Surge en 1882. es interesante conocerlo para ver la cantidad de cosas en las que se
adelantaron a su tiempo.
Es un movimiento que surge en París y se desarrolla localmente, no ha trascendido de gran
manera a la historia del arte, ni siquiera se extendió en su época. Señalamos dos aspectos para
justificar esto: fue demasiado adelantado a su tiempo, tan novedoso que no tuvo una continuidad
inmediata, y por esos los historiadores del arte no le prestaron demasiada atención; la otra
circunstancia es que ellos mismos, los incoherentes, no terminaron de tomarse en serio nunca lo que
estaban haciendo, tenía mucho de humor, ironía, parodia, etc.
Jules Levy está considerado su líder. Él venía del ámbito de la literatura, no era un artista
plástico. Muchos de los integrantes del movimiento no eran plásticos de por sí, siendo muy
heterogéneo. Lo habitual en los movimientos de la época no era que hubiera un líder, como sí
ocurriría más adelante en movimientos como el dadaísmo o surrealismo.
En agosto de 1882 hacen su primera exposición, de la que no quedan testimonios gráficos. Se
hizo en un hangar abandonado, con una finalidad meramente benéfica. El mes antes había habido una
explosion de gas en París, y el dinero que se recaudó fue a parar a las familias de esas gentes.
Llamó la atención porque se presentaban de forma desenfadada. No tuvieron mayor
repercusión hasta su segunda exposición, que harían unos meses después. Esta la hicieron en la casa
particular de Levy (Exposición de pintura y dibujo de gente que no sepa ni pintar ni dibujar) Tuvo su
repercusión en los periódicos.
Tercera exposición incoherente 1883. Se hizo en un pasaje comercial. En la época, era una de
las galerías más abandonadas de París. Tuvo bastante repercusión y podemos decir que este fue el
momento de mayor gloria de los incoherentes, que fue una gloria muy efímera.
El movimiento dura hasta mediados de los 90. Cada vez fueron teniendo menos fuerza a partir
de esta exposición. En los últimos años lo que organizaban eran más bien bailes, en los que había
hasta performances.

Combat de nègres dans un tunnel

(Paul Bilhaud, 1882)
No se sabe si este cuadro estaba en la primera o segunda exposición. Lo más interesante es
que está haciendo que el espectador complete el significado de una obra con el título.
En 1915, uno de los artistas más influyentes de las vanguardias, malevich, pintó su Cuadrado
negro en rusia, que es formalmente lo mismo pero no temáticamente.

Cruelle énigme!!Charmant!!
Marc Sonal, 1886
Vemos el antirretrato. El protagonista de un retrato siempre es el rostro del personaje, porque
es el que te permite identificarlo. Aquí hace lo contrario, porque todo está hecho con enorme detalle
menos el rostro, en el que no hay ni un solo rasgo. Está anticipando lo que hizo Magritte en La gran
Guerra o Hijo del Hombre, en 1964. Podríamos pensar que este surrealista conocía a los incoherentes,
y aunque él jugaba con poner algo frente al rostro es lo mismo: negar el rostro, es un enigma.

Retrato de M.X. y su hija

Es una imagen doble. Recuerda a ‘La imagen desaparece’ de Dalí, en 1938.

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Le mari de la Venus de Milo
Coge la escultura más emblemática de toda Francia, y le pone la cabeza de un hombre viejo
con barba que recuerda al Platón de la escuela de Atenas de Rafael. Está, de alguna manera, bajando
de la cumbre a esta escultura de gran fama.
Dalí, por ejemplo, coge a la Venus de Milo y la reinterpreta con cajones (año 1936) De estas
hay varias en serie.

La Joconde fumant la pipe

Sapeck 1887
Coge la obra más emblemática de la pintura y le coloca la pipa. Esta es la más destacada
después de las artes incoherentes, realizada ya cuando el movimiento estaba bastante en decadencia.
Anticipa a la obra dadaísta de Duchamp L.H.O.O.Q. La diferencia es que Sapek no le da importancia
lo que hace pero este último sí.

Los proxenetas, todavía en la flor de la vida y con la barriga en la hierba, beben absenta
Es una especie de cortina, que recibe su significado con el título de coña que lo acompaña.
Recordamos La Fuente de Duchamp. Ambos son el objeto tal cual pero descontextualizados y
expuestos, con intención provocativa.
El mismo de la cortina, saca una publicación que son un homenaje al cuadro negro de
Bimhaud. Lo hace ya en 1897 cuando el movimiento está desaparecido. Lo hace también con el
blanco (primera comunión de jóvenes niñas en un día de nieve), en rojo (recolección de tomates al
borde de ), y más colores.

-Emile Cohl
Es considerado el padre de la animación en Francia y en Europa.

Le cauchemar du Fantoche
Se ve como él sigue metido en el movimiento de los incoherentes aunque se hubiera acabado
hace tiempo. Lo podemos ver en sus películas. Estos films inspiraron a surrealistas y dadaístas, porque
mostraban muchas cosas que ellos después iban a querer desarrollar.

Le peintre neoimpressioniste
Mezcla imagen real con dibujo utilizando la técnica de los recortables. Representa los cuadros
estos homenaje que vimos de rimbaud en diferentes colores. Con el término neoimpresionista ataca a
los nuevos artistas, se mofa de los clientes más esnobs de aquel momento.

TEMA 10: De la mujer nouveau a la mujer decó

En todas las regiones tenemos ejemplos de modernismo, pero era un estilo ligado a la
burguesía y la industria. El gran lugar es Cataluña, pero también tuvo presencia en Francia, Bélgica,
Italia (Liberti), etc. Este movimiento ocupa fundamentalmente los últimos años del s.XIX y las dos
primeras décadas del XX. En los 30 comienza a aparecer un nuevo estilo que es el art decó.
Ambos movimientos surgen de forma espontánea y duraron poco tiempo. Fueron más
importantes en la arquitectura y las artes decorativas que en pintura y escultura, que hay menos
ejemplos.

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A finales de los 80 ya encontramos obras que se pueden considerar plenamente modernistas, pero que
aún se inscribían en ningún estilo concreto.

A los modernistas les gustaba mucho mezclar materiales, tienen además una idea de arte total,
no se conformaban con hacer el diseño del exterior, sino que también diseñaban el interior e incluso
los muebles. El mozart nouveau más llamativo lo lleva a cabo Gaudí.

La Casa Maestre de Cartagena es quizás la vivienda modernista más espectacular de Murcia.

En el art nouveau se diseñaron muebles maravillosos. En España donde mejor se pueden ver
es en el museo nacional de arte de Cataluña. Podemos destacar las sillas que Gaudí hizo para la casa
Batlló, con madera y formas ondulantes.

Lámparas. Se trabajó también mucho el vidrio en esta época y casi siempre tenían formas naturales o
de animales. Vidrio translúcido, se utiliza en platos, vasos, lámparas, etc.

En el art nouveau la mujer se mezcla muchas veces con los elementos ornamentales. El
cabello es largo, suelto y ondulado. Forma sinuosas, mezclados con la naturaleza. Aparece como parte
fundamental en la decoración. Es una representación que podríamos decir pasiva del papel de la
mujer.

Alfons Mucha
Fue un diseñador gráfico que se dedicó a la cartelería, destacando los que hizo para Moet &
Chandon, de influencia orientalista; el de Chocolate Amatller y el de Cycles perfecta, donde el papel
de la mujer es meramente ornamental.
En Las cuatro estaciones se representa las estaciones como mujeres fusionadas con los
elementos de la naturaleza. Tienen el pelo largo y ondulado a su alrededor, se muestran pasivas y
delicadas.

René Lalique
Joyero modernista más importante.
Las joyas del modernismo tienen de protagonistas a insectos, reptiles o mujeres. El
perímetro de este espejo está delimitado por el cabello femenino. El museo que más obras de joyeria
de este tiene es un museo de Lisboa (calouste gulbenkian)

Masriera
Pintor catalán. Fue una figura destacada en la joyería modernista. Se inspiró en Lalique pero
con su estilo propio. Era muy de representar a la mujer como saliendo de una crisálida. Técnicamente,
utiliza mucho un esmalte translúcido como si fuera una vidriera, que se llamaba plique a jour.

Art déco
Debe su nombre a una exposición de París del año 1925, internacional, centrada en las artes
decorativas. La mayoría de las cosas que se estaban presentando ya eran de un estilo diferente al art
nouveau, pero el nombre se pone a posteriori.
En arquitectura vemos que lo que hacen es enfatizar lo que el modernismo ocultaba; la línea
recta. Una línea recta muy estilizada, gusto por las estructuras escalonadas. El remate del Chrysler

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utiliza línea curva pero no es lo normal. También les gustaban mucho los acabados metalizados, que
en su día todo el mundo lo veía como algo futurista. Es un estilo muy sofisticado, lujoso y con unas
formas más sólidas que el anterior.

Muebles. Líneas rectas, estructuras escalonadas, como los edificios. Simétricos o asimétricos.
Destacan también los diseños geométricos del papel de pared.

La mujer va a tener un papel mucho más protagonista en el art deco. Eso tiene que ver con la
sociedad de los 20-30, que en las grandes ciudades la mujer empieza a liberarse y a compartir los
mismos ámbitos que el hombre.

-Influencias en el cine:
Empieza a desarrollarse a finales de los años 20 en Alemania.
Metrópolis, de Fritz Lang, influyó en el resto de películas futuristas, haciendo uso de
estructuras modernistas para su escenografía. Además, también podemos ver el cambio en el papel de
la mujer en la sociedad.

Louise Brooks: Actriz norteamericana que popularizó el Bob y protagonizó La caja de Pandora.
Marlene Dietrich: actriz alemana que vestía de forma masculina. Protagonizó El ángel azul.
Tamara de Lempicka
Artista de pintura más famosa del art deco. El hecho de que tengamos una artista mujer dice
mucho del momento histórico. La muestra a la izquierda, totalmente masculinizada y a la derecha en
una actitud masculina, conduciendo. Mirada directa, fuerte, potente. Casco que oculta el cabello.

Rafael de Penagos
Autor español que representa a la perfección el estilo de la época, ya que representaba a
mujeres bebiendo o fumando, en actitudes que solían ser típicamente masculinas.

George Barbier
La moda empieza a convertirse en una manifestación artística. Muchos dibujantes empiezan a
dibujar los modelos de los modistos. Esta representación también es ciertamente orientalista, pero se
ve de forma diferente al estilo anterior. Es muy plano. El concepto del vestido es puro ornamento,
muy simple. Personajes muy estilizados, de perfil, cabello corto. Naturaleza y mujer, pero nada que
ver con la mezcla que había en las imágenes del art nouveau.
Representación para la casa de joyería Cartier. Sacan en los años 30 una colección basada en
los felinos, sobre todo panteras. Sus clientas eran gente de Hollywood o de las altas esferas. Para
anunciarla se le encarga este cartel, totalmente simétrico. Columnas jónicas muy planas. No tiene
ojos.

Hagenauer. La mujer, con un cuerpo plateado y estilizado (futurista) lleva a la pantera como si fuera
un perrito.

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TEMA 11: Las vanguardias rusas
Lo que se da en las primeras décadas del siglo XX son una serie de movimientos (fauvismo,
cubismo, surrealismo,... los -ismos). En este caso, nos vamos a centrar en el espacio de Rusia, porque
las vanguardias rusas son las que mejor reflejan el concepto social y político en el que se desarrollan.

Todavía existía el zarismo, y la fórmula política era de imperio, con un montón de posesiones
en torno a su territorio. Estas artes se empiezan a desarrollar en los últimos años del zarismo, pero van
a tener su auge a partir del año 17, que es cuando se producen las revoluciones. Se establece un
gobierno de corte moderado, centrista, y que era, por lo tanto, un gobierno que a los bolcheviques les
pareció insuficiente. Ellos querían una dictadura del proletariado, un régimen que cambiara toda la
estructura social. Eso lo consiguen en octubre, cuando Lenin toma el mando y establecen el estado
soviético (URSS), que se mantendrá prácticamente todo el siglo XX.

La mayoría de los representantes de las vanguardias van a ser bolcheviques, y van a ser el
medio de propaganda del nuevo régimen.

La abstracción va a ser el denominador común de estas vanguardias, es la protagonista. El

único que se acerca en ocasiones a la figuración es el futurismo ruso. Esta vanguardia se había dado
sobre todo en Italia, se interesa mucho por el movimiento, etc. Lo más propio de los rusos fueron los
puramente abstractos.

SUPREMATISMO
Malevich, el principal representante, junto a otros artistas, le pusieron el nombre. Fue un
movimiento sobre todo pictórico, basado en la abstracción geométrica.
Podemos decir que nace en torno al año 1914-15. Malevich empezó haciendo figuración,
aunque poco a poco sus figuras se fueron geometrizando.

Vemos obras en las que no hay nada de figuración, apenas podemos detectar una alusión a la
cruz cristiana.

La maxima expresión del suprematismo es el Cuadrado negro sobre fondo blanco. Es un

lienzo sin marco. Su idea ya no era hacer una broma, como habían hecho los incoherentes. Está
inserto en todo un desarrollo artístico dentro del que tiene una coherencia. El valor lo tiene la idea que
hay detrás.
La primera vez que se expone uno de sus cuadrados fue en la exposición 0’10 de San
Petesburgo en 1915. Coloca esta pieza central justo en la esquina de la sala. Lo coloca en ese ángulo
tan extraño haciendo alusión a los iconos ortodoxos rusos, que se colocaban normalmente de esta
forma. Había una disyuntiva en este momento: ¿nos parecemos al occidente o hacemos algo más
nuestro? Se decantaron por lo segundo.

Le pasará como al dadaísmo, que tiene poco recorrido. Son movimientos tan extremos que
llegan a un final, a su máxima expresión. A principio de los 20 lo damos ya por amortizado.

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CONSTRUCTIVISMO
Este movimiento duró más, ya que estaba suscrito a otras disciplinas artísticas como la
escultura, fotografía, etc. Utiliza también la abstracción geométrica pero no de forma tan radical. Se
utilizó muchas veces para transmitir mensajes verbales.

El Lissitzky es el máximo exponente. Hizo carteles, fotomontajes, diseño de interiores, etc.

era un artista polivalente.

1919. Esta es una de sus obras más famosas. Este cartel se hace en plena guerra civil entre el
ejército rojo (bolcheviques) y el ejército blanco (mencheviques, que no querían volver al zarismo pero
no querían un estado comunista). Estos artistas que estaban a favor de los rojos aportaron su
creatividad para apoyar esa causa. Se titula ‘Golpear a los blancos con la cuña roja’. El triángulo rojo
rompe el círculo blanco. En este caso tiene una carga simbólica y política.

El blanco, nergo y rojo van a ser los colores que triunfen en la cartelería de los años 20. Es
logico, ya que son movimientos que llevan la abstraccion muy a rajatabla, entonces es normal el uso
de blanco y negro, y el tecrer color por dos motivos: no hay color que mejor contraste que el rojo con
estos dos y sobre todo una razón simbólica. Todo se relaciona con el rojo en la Rusia comunista.

Rodchenko
Los constructivistas fueron los grandes avanzados del fotomontaje, aunque en el resto de
Europa (Alemania) eran los artistas de esto.
Este artista tocó varias disciplinas, pero fue el gran fotógrafo.
En este cartel trata de fomentar la lectura. La forma es la misma : el triángulo insertándose en
el círculo pero a la inversa. Aparece una mujer con pañuelo, que representa a la mujer trabajadora, y
el triángulo referencia un megáfono.

El Lissitzky
Fotomontaje que realiza para una exposición que se celebraba en Zurich. Rusia participa y
este es el encargado de hacer el cartel de lo que era ya la URSS. Lo más interesante son los rostros.
Se produce una fusión entre ambos, comparten un ojo. La intención es simbolizar que hombre y
mujeres de Rusia están unidos en todo lo que tenga que ver con las iniciativas del estado, y también
nos da una idea de que en estas artes se están dejando influir por fórmulas del cine. En este caso, nos
recuerda a la transición del fundido encadenado. Es un cine que en su época en Rusia era muy
importante, y también en Europa, siendo la cinematografía más destacable junto a la Alemana antes
de Hitler. No tuvo mucha proyección fuera de Rusia, porque era propaganda política pura y dura.
Técnicamente eran muy buenos.

Klutsis
Se especializó en el fotomontaje para carteles.
Esta es la obra más famosa. Representa el testigo que le da Lenin a Stalin. Lenin gobernó
muy pocos años, mientras que Stalin gobernó toda la 2a GM.
Klutsis era un hombre de partido y de estado, colaboró activamente con su arte. Stalin se lo
pagó matándolo.

Kulagina

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 Mujer de Klutsis, también importantísimos fotomontajes en la Rusia de los años 20. Él era
profesor en la escuela de arte de Moscú, allí la conoció como alumna, se casaron en seguida y
formaron un tándem creativo.
Este cartel va sobre el día de la mujer trabajadora. Pone un color que no es de los tres
anteriores, pero sin ser predominante.

Estas vanguardias eclosionan a principio de los 20, pero Stalin no quería que fueran ya tan
vanguardistas, sino que fueran vistas por la gente. Este se carga todo el proceso artístico de los artistas
y ya a partir de los 30 la producción es de mucho menos interés.

EL CINE
El ruso es un cine totalmente moderno, vanguardista, revolucionario, pero absolutamente al
servicio del poder político.
Destacamos a tres cineastas soviéticos: Pudovkin, Eisenstein y Vertov. Los tres hacen sus
películas más importantes en la época muda en los años 20.
Casi todas estas películas se ambientan en el zarismo, para mostrar lo mal que vivían en esta
época y justificar el cambio, que era necesario, aunque ahora tampoco vivieran muy bien.

La película más importante de Pudovkin es ‘La madre’.

‘Octubre’
Película de Eisenstein, el más importante de los tres principales. Se estrena en el 28, pero se
tenía que estrenar en el 27, para conmemorar los 10 años de la revolución de octubre.

‘El Acorazado Potemkin’

Obra cumbre de Eisenstein. Estrenada en 1925.
Conmemora los 20 años del primer intento revolucionario de los comunistas, que no triunfó
(de ahí el 1905) Esta revolución tuvo distintos focos. Su idea era hacer una gran película donde se
vieran los principales focos pero se dio cuenta de que era más inteligente centrarse en un
acontecimiento: un barco que estaba en el Mar Negro y en el cual los marineros se sublevan contra los
oficiales del barco. Los soldados representan al pueblo ruso, y los oficiales al poder.
En esta película encontramos cosas interesantes. Incorpora algunos aspectos en cuestiones
formales que tienen que ver con el arte tradicional, sobre todo con la iconografía cristiana. Eisenstein
no era para nada cristiano pero, al mismo tiempo que daban ese mensaje contra la iglesia rusa, este
creador, que tenía muchos conocimientos sobre la historia del arte, recurre a iconografías que la gente
conoce.
Por ejemplo, esta imagen recuerda al descendimiento de un cristo de la cruz. El héroe que se
ha sacrificado por los suyos, como Jesús. Es muy curioso ya que hace la película para un régimen
totalmente anticlerical. Hace alusión también a la iconografía de la piedad, entre otras.