Proyecto Artístico

1A 2 TRIMESTRE

por Maelys Vandewalle

 Continente y contenido
Existe un concepto fundamental para las personas
que diseñan, y crean en general y es el de continente
y contenido.

Este concepto se basa en que si tu creas algo, puede

ser lo más ridículo posible pero si está bien
presentado tiene todo el sentido. Por ejemplo, no es
lo mismo comprar una camisa por 2 euros en un
mercadillo que una camisa de diseñador como
vivienne westwood porque aunque el contenido
puede ser parecido el contenido es totalmente
diferente porque la segunda opción suele estar más
trabajada en contenido que la primera y es por eso
que tiene más importancia y prestigio.

El trabajo del artista es crear un continente que sea

mejor que el de los demás vendiendo su trabajo de
la mejor manera posible aunque el contenido del
resto sea igual o parecido.
escultura perdida del escultor Richard Serra
En 1986 se inauguró el museo Reina Sofía. El escultor estadounidense Richard Serra,
conocido como ‘el señor del acero’, crea una pieza ‘ad hoc’ para una sala, la escultura
‘Equal-Parallel/Guernica-Bengasi’, formada por cuatro bloques macizos de acero.

Un año más tarde, el Reina Sofía compra la escultura de Serra por 37 millones de pesetas,
la almacena, la exhibe en otra exposición temporal (1990) y la traslada a una nave de la
empresa Macarrón en Arganda del Rey.

Para exhibirla era bastante complicada pues era

enorme. La primera vez que se expuso en el Reina
Sofía, hubo que tirar parte de la fachada para
meterla dentro del museo; y la segunda, utilizar
cinco grúas.

El museo contrata a Macarrón por 10 millones de

pesetas (para el traslado y almacenaje), más de
668.000 pesetas al año. Y aunque lo contrataron
no hay constancia de que Macarrón cobrara nunca del Reina Sofía por custodiar la
escultura de Serra durante cinco años.

En 1995, Macarrón se declara en suspensión de pagos y abandona la nave donde estaba

almacenada la escultura. La tesorería de la Seguridad Social
embargó la nave de Macarrón en 1998, y cinco años después,
la demolió para construir su Archivo General.

La escultura desapareció en algún momento de ese proceso,

sin dejar rastro.

La noticia de la desaparición salió a luz en 2006 por el

periódico ABC. El museo, que llevaba meses buscando la obra,
no pudo controlar los daños de la noticia.

En la investigación salieron diferentes sospechosos, uno de los primeros era macarrón.

Al ser macarrón el que ha desplazado la escultura lo acusan además de que poco a poco
se endeuda hasta 650 millones de pesetas.
Tras investigar su caso llegan a la conclusión que
no estuvo implicado y era inocente .

Desecharon que fuese un millonario el que la

compró por la dificultad para meterla en el Reina Sofía

A día de hoy nadie sabe lo que ha pasado con la escultura.

 Eduardo Chillida
Eduardo Chillida Juantegui nace el 10 de enero de 1924 en
San Sebastián, Guipúzcoa.fue un escultor y grabador
español conocido por sus trabajos en hierro y en
hormigón, destacado continuador de la tradición de Julio
González y Pablo Picasso.
Eduardo Jugó como portero de fútbol en la Real Sociedad,
donde sólo disputó catorce partidos ya que tuvo que
abandonar por una lesión. A los diecinueve años inicia en
Madrid los estudios de Arquitectura
pero al poco los abandonó para
dedicarse a la escultura y al dibujo
en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

En 1948 se traslada a París y comienza

una amistad con el pintor Pablo Palazuelo. Realizará sus
primeras esculturas en yeso,. Son esculturas figurativas
que empiezan a tener un sentido más monumental. Poco a
poco va tendiendo hacia formas más abstractas.
En 1950 regresa a San Sebastián y Comienza a trabajar en
una fragua en Hernani, donde el hierro produce un
cambio fundamental en su trayectoria. Poco a poco va
introduciendo sus obras en espacios abiertos. Pero no
solo trabaja con el hierro, utiliza otros materiales como la
madera, el hormigón, el acero, la piedra y el alabastro
Chillida exploró a lo largo de su vida conceptos como el
volumen y el vacío, la luz y la sombra, el límite y lo infinito.
Quiso expresar a través de sus obras una concepción
mística y trascendental de la existencia.
 Marino Marini
Marino Marini (Italia, 1901-1980) fue un artista gráfico, pintor y
escultor. Comenzó como pintor y estudió en la Accademia di Belle
Arti en Florencia, Italia. Unos años después de terminar la escuela,
comenzó a enfocarse en la escultura. Marini consideró al escultor y
maestro Arturo Martini como una de sus primeras influencias.

Marini obtuvo inspiración y críticas de su trabajo de algunos de los

mejores artistas que trabajaban en París en
ese momento, incluidos Alberto Magnelli,
Giorgio de Chirico y Massimo Campigli. Le
gustaba viajar y visitaba con frecuencia
Suiza y Francia. Se casó con Mercedes
Pedrazzini en 1938 y, unos años más tarde,
comenzó a trabajar como profesor en la
Accademia di Belle Arti di Brera de Milán
.

Marini exhibió a menudo su trabajo en Italia y Suiza, pero tuvo su

primera exposición en los Estados Unidos en 1944, cuando el Museo
de Arte Moderno de Nueva York realizó una muestra dedicada al
Arte Moderno Italiano. La Buchholz Galley de Nueva York también
exhibió su trabajo. El artista viajó a Nueva York y Londres para
mostrar su obra en la Hanover Gallery. Esto le dio la oportunidad
de conocer a algunos de los mejores escultores y pintores de la
época, incluido Henry Moore. También asistió a exposiciones de su
obra en el Palazzo Venezia de Roma y en la Kunsthaus Zürich de
Zúrich. El Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, la Galleria
d’Arte Moderna de Milán y el Museo y Jardín de Esculturas
Hirshhorn de Washington, D.C., también mostraron su trabajo. El
Museo Marino Marini de Florencia tiene más de 100 de sus obras
en exhibición permanente.
 cuevas Lascauxs
El arte ha formado parte del ser humano
desde los inicios. Un ejemplo bastante obvio
son las pinturas rupestres en las cuevas.
Todo un arte se podría decir, pues logran
transmitir historias mediante un arte sencillo
pero a la vez tan complejo ya que con unas
simples líneas forman vida y movimiento.
 Impresionismo
La pintura impresionista nace a partir de la segunda mitad del
siglo XIX y quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante,
sin importar demasiado la identidad de aquello que la
proyectaba. Las cosas no se definen, sino que
se pinta la impresión visual de estas cosas, y
eso implica que las partes inconexas dan lugar
a un todo unitario.

este movimiento se caracteriza por el uso de

colores puros sin mezclar («todo color es
relativo a los colores que le rodean»), el hecho de no ocultar la
pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz
y el color. De esta manera las formas se diluyen imprecisas
dependiendo de la luz a la que están sometidas, y una misma
forma cambia dependiendo de la luz arrojada sobre ellas, dando
lugar a una pintura totalmente distinta. Se centran en la pintura
al aire libre intentando plasmar el instante.

Autores importantes son Claude Monet (cuadro abajo), Édouard

Manet, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir(cuadro de arriba),
Paul Cézanne, Camille Pissarro y Vincent Van Gogh.
 Salón de los rechazados
El Salón des Refusés es una muestra que incide de manera decisiva en dos
de los mayores acontecimientos de la historia del arte: el nacimiento del
impresionismo y la llegada de la modernidad.
En el siglo XIX (y ya desde el siglo anterior), los artistas que en París esperan
tener una carrera promisoria o afianzar el reconocimiento ya obtenido,
necesitan ser elegidos para mostrar su obra en el Salón de París, la
exposición anual organizada por la Academia Francesa. Tanta importancia
va adquiriendo esta muestra, que cada vez se hace más complicado ser
seleccionado. Y, como podemos imaginar, si bien la modernidad se acerca
lentamente, ninguna obra que se salga del más pequeño convencionalismo
académico se aprueba.
Así llegamos a 1863, cuando se rechazan
más artistas que nunca, y la protesta hace
tanto ruido que obliga al mismísimo
emperador Napoleón III a tomar una
decisión al respecto: por decreto de éste,
los artistas rechazados podrán exponer
sus obras, para ser juzgados por el público
y la crítica, en el salón contiguo al oficial. Y es en ese salón contiguo donde
los rechazados, escandalizando a unos y entusiasmando a otros, empiezan
a escribir un nuevo capítulo de la historia.
El cuadro más controversial de todos, y por supuesto también el más
importante, es el Almuerzo sobre la hierba de Edouard Manet (quien
también escandalizaría con su Olympia -pintada el mismo año pero
expuesta después-, la prostituta que desnuda mira al espectador como si
fuera su cliente).
El Almuerzo ha llegado a ser considerado el primer cuadro de la
modernidad (por supuesto que las discusiones serían eternas, cuando aún
no se logra un consenso para definir cuándo empieza la modernidad). Pero
lo que es seguro es que no sólo rompe con cualquier tradición pictórica,
sino que su realismo (“no es un desnudo sino una mujer desnuda”), el
tratamiento de la luz en la naturaleza y la pincelada rápida, que da a la
obra un cierto aspecto de inacabada, deslumbran y llenan de entusiasmo a
los jóvenes Monet, Renoir y Bazille. Un entusiasmo que se convertirá en el
impresionismo.
 proyectos
En este trimestre hemos realizado 2 proyectos.
la chorbekabina, que está detallado en otro
documento, y los pride penguins.
Los pride penguins son unos pingüinos hechos
con arcilla y después pintados que simulan
hacer una manifestación. El 1 de marzo hemos
salido en el patio de la escuela de arte a hacer
una performance junto con estos pingüinos
manifestando contra las personas homofobicas
que no aceptan la relación de la pareja de
pingüinos homosexuales que viven en Australia.