CONTEXTO HISTÓRICO UDS.

8 Y 9
DE LA DIVISIÓN EN BLOQUES A LA GLOBALIZACIÓN
La Segunda Guerra Mundial (1939-1945), por sus efectos devastadores y el grado de crueldad que en ella se manifestó, provocó un fuerte
impacto psicológico y dejó un panorama desolador que tardaría mucho tiempo en superarse. Derrotados los regímenes totalitarios de Alemania,
Italia y Japón, el nuevo escenario internacional de la posguerra aparecía dividido en dos grandes bloques: el mundo capitalista, liderado por Estados
Unidos como gran potencia; y el comunista, que la Unión Soviética había logrado extender a gran parte de Europa Oriental, y al que se unió también
China, el país más poblado del mundo. Así pues, tras la guerra mundial llegó la «guerra fría» entre ambos bloques, en la que estuvo siempre presente
la amenaza de un nuevo enfrentamiento, aún más letal por el desarrollo de las armas nucleares. Pero las investigaciones científicas y tecnológicas
impulsadas por Estados Unidos y la Unión Soviética para adquirir la supremacía militar tuvieron también, a la larga, aplicaciones fundamentales en
muchos otros ámbitos de la vida civil. Al mismo tiempo, entre 1945 y 1965 se produjo la descolonización de la mayor parte de África y Asia, y
emergieron nuevos países independientes; pero su independencia, no siempre alcanzada de forma pacífica ni fácil, resultó ser más formal que
efectiva, pues los nuevos Estados se tuvieron que alinear políticamente bajo la protección de alguno de los dos bloques dominantes y sus recursos
económicos siguieron controlados por extranjeros, a menudo sus antiguos colonizadores.
Huyendo del nazismo y de la Segunda Guerra Mundial, numerosos artistas se trasladaron de Europa a América. De este modo, en la segunda
mitad del siglo XX, la innovación artística dejó de ser un fenómeno exclusivamente europeo y Nueva York se convirtió en un importante foco difusor
de las nuevas vanguardias. Además el arte adquirió una dimensión verdaderamente universal, sirviéndose para ello de los medios de comunicación
de masas y, sobre todo, de las exposiciones y ferias internacionales que se celebran periódicamente en diversas partes del mundo.
LA ESCULTURA DE POSTGUERRA: ANTOINE PEVSNER Y HENRY MOORE

ANTOINE PEVSNER (1888-1962)

Escultor de origen ruso nacionalizado francés, entra pronto en contacto con la vanguardia parisina. En 1920, publica junto con su hermano,
Naum Gabo, también escultor, el Manifiesto Realista, en donde afirman que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que
desempeñar en la sociedad, ya sea capitalista, socialista o comunista, dejando clara su postura frente al constructivismo y al suprematismo; enuncian
en este manifiesto su visión del constructivismo y tratan de traducir sus conceptos de una realidad absoluta y esencial, en la realización de sus
percepciones del mundo, en las formas de espacio y tiempo.
Sus concepciones van en contra de la escultura tradicional, en primer lugar por el uso de materiales poco habituales como el vidrio, el metal,
el cemento o los plásticos y celuloides. En segundo, lugar, y gracias a esos materiales, van a investigar las posibilidades expresivas del vacío como
elemento configurador de las composiciones tridimensionales. Esto se traducirá en una especie de esqueletos cubiertos por hilos metálicos que,
aparentemente, encierran el espacio. Más evidencias de aquel concepto de romper la masa de la pieza escultórica, se encontrará en el empleo de
materiales transparentes, que no se interpondrán en la continuidad del espacio, sino que modularan la luz a través de reflejos y cierta translucidez. El
propio Pevsner afirmaba que en su obra se producía una “liberación general del peso”.
Por tanto, el material va a ser uno de los condicionantes fundamentales de la obra tanto de Pevsner, como de Gabo. Esto les va a servir para
reclamar una nueva forma de enfrentarse a la escultura, a través de tres ideas básicas:
• La obra escultórica debe ser única, para ellos la obra seriada en bronce a partir de un modelo realizado por el artista tiene que acabar. De ahí
se explica la siguiente idea.
• Los artesanos no deben finalizar la obra de otro artista. Una obra única debe realizarse de principio a fin por manos/mente igualmente únicas.
• Dado el carácter tridimensional de la escultura, no se deben planificar las piezas usando técnicas bidimensionales que no reflejan la realidad
del medio.

Otra de las preocupaciones fundamentales de Pevsner, va a ser la plasmación del movimiento, a través de un dinamismo de líneas que crean
curvas y recorridos envolventes, definidos por títulos que no dejan lugar a dudas.
A pesar de la impronta vanguardista de su propuesta, a Pevsner se le ha considerado un clásico por la lógica, el rigor, la reflexión, el cálculo, la
sobriedad y mesura que transpira su obra. Podría haber frialdad en sus piezas, pero no es así, ya que el uso que hace del color, en determinados
momentos, o los ritmos empleados, las convierten en muestras casi poéticas de una geometría musical. Por ello, no es de extrañar, que se encuentre
un componente metafísico importante en unas esculturas que, liberadas de la Naturaleza (como modelo a imitar y como fenómeno físico) apunten
directamente hacia lo infinito, hacia lo absoluto.
OBRAS

Maqueta de un monumento que Mundo, 1947 Modelo para construcción de Mundo Construcción para un aeropuerto, 1937
simboliza la liberación del espíritu, 1952

Construcción en el espacio, 1923 Construcción dinámica, 1947 El lirio negro (construcción Construccción con superficie Construcción
espiral), 1943 desarrollable, 1938 lineal en el
espacio, n.º 2,
1949
Naum Gabo
HENRY MOORE
vídeo (a partir del minuto 9’58’’)
vídeo
El escultor británico Henry Moore (1898-1986) ha sido una de las figuras más significativas del siglo XX. Su obra empezó a ser reconocida en
los años treinta, pero fue después de la Segunda Guerra Mundial cuando alcanzó un auténtico prestigio en todo el mundo.
La figura humana, en especial la femenina, fue su motivo predilecto, y en su producción aparece de forma recurrente el tema de la madre y el hijo, y
el de la figura reclinada, que en muchas ocasiones parece convertirse en paisajes de corte surrealista.
El tratamiento formal que aplica a sus obras, muchas de ellas concebidas para su ubicación en exteriores y de carácter monumental, se sitúa
entre lo figurativo y la abstracción. No en vano muestra un especial interés en las formas escultóricas precolombinas y preclásicas, como ya hizo
Brancusi. Esto cobra especial significado ya que para Moore esas formas muestran con honestidad las esperanzas, los sentimientos y las ideas de
quienes las realizaron.
Otra de las fuentes de inspiración de Moore es la propia naturaleza en la manera que tiene de ir moldeando distintos elementos como
conchas, caparazones, guijarros, huesos y en especial las piedras que presentan perfiles suavizados por la continua pero lenta erosión, por lo que
todas sus obras tienen un carácter orgánico muy fuerte e identificable. En este sentido es importante destacar el respeto que rinde a los materiales
escultóricos para sacar todo su potencial expresivo.
En la concepción de sus obras, Moore otorga una especial importancia a la relación entre opuestos: masa y vacío, espacio interior y exterior,
forma cóncava y convexa, ofreciendo nuevas vías a los planteamientos de Pablo Gargallo.

Figura reclinada, 1938 Grupo familiar, 1950 Figura reclinada, 1951

EL CINE

El GÉNERO DE SUSPENSE
Se trata de un tipo de películas cuyo principal ingrediente es un recurso que mantiene al espectador en un estado de
ansiedad sobre la resolución de los enigmas planteados o el conjunto del desarrollo de la historia. Alfred Hitchcock
(1899-1980) es el principal exponente de este género, no en vano se le considera el “maestro del suspense”.
Efectivamente, se mantuvo fiel a lo largo de su exitosa carrera a un cine de intriga criminal que juega con las
emociones y los sentimientos del espectador. Destaca por el ingenio, la técnica cinematográfica y su afición a lo
macabro y a lo escalofriante. Se sirve de múltiples elementos visuales y psicológicos para mantener al público
subyugado por las historias, aunque la intriga es un recurso para poner en escena situaciones dramáticas donde los
seres humanos luchan contra el mal, incluido el que cada uno lleva dentro. Posee un sentido del humor áspero y ha
sido criticado por su misoginia y su visión amarga de la realidad.
De esta época destacan títulos como Rebeca (1940), Sospecha (1941), La sombra de una duda (1943), Encadenados
(1946) y La soga (1948).

LA COMEDIA ÁCIDA
Se basa en el humor negro, que se ejerce a propósito de cosas que suscitarían, contempladas desde otra perspectiva, piedad, terror, lástima o
emociones parecidas. Cuestiona situaciones sociales que generalmente son serias mediante la sátira. El asunto más recurrente en el humor negro es
la muerte y todo lo que está relacionado con ella. Atañe los temas más oscuros y dolorosos para el ser humano y que, por norma general, suelen
resultar controvertidos y polémicos para la sociedad porque están relacionados con la moral. En este momento, el horror del nazismo sirvió de excusa
para crear dos de las mejores comedias de todos los tiempos:

El gran dictador, Charlie Chaplin, 1940. Se trata de un atinada parodia de Hitler que contiene un celebrado
discurso de apología democrática y pacifista, donde Charlot toma por primera vez la palabra.
En el año 1918, un barbero judío lucha como recluta del lado de Tomania. Ayuda a un piloto que se llama Schultz,
pero al final su país pierde la contienda. El soldado sufrirá una amnesia que le obligará a permanecer en un
hospital durante veinte años. Mientras, Hynkel ha accedido al poder, y la tiranía se ha adueñado de una sociedad
que culpa a los judíos de sus problemas. Cuando recobra la conciencia, el antiguo soldado abre su barbería y
desempolva el local dispuesto a adecentarlo para atender a los clientes. No tarda en darse cuenta de que todo ha
cambiado. Tras enfrentarse a guardias de la doble cruz por escribir la palabra judío en su escaparate, su vecina
Hanna le ayuda a librarse de ellos. Los soldados volverán al gueto para dar su merecido al barbero y a su amiga
Hanna. Para su sorpresa, el cabecilla de la escuadra es Schultz, que no tardará en reconocer a su salvador. Y en un gesto de agradecimiento,
dispensará de cualquier castigo al barbero y a todo el gueto. Sin embargo, Hynkel, en sus ansias expansionistas, recrudecerá su odio a los
judíos, con lo que Schultz y el barbero son detenidos, pero durante el camino, se escapan camuflados. Hanna y sus amigos ya han escapado a
Osterlich, país libre. Durante la travesía, las identidades del dictador y del barbero se confunden. Este hecho determinará el futuro de
Osterlich, y frustrará los planes de invasión trazados entre Adenoid Hynkel y Benzino Napaloni, dictador de Bacteria. El barbero, en su papel
de dictador, pronunicará un elocuente discurso en el que aboga por la paz y la democracia entre los pueblos.

Ser o no ser, Ernst Lubitsch, 1942. Quizás se trate de la mejor comedia del
director (de origen judío-alemán), al menos en la medida en que el humor y la
parodia, lejos de ser gratuitas o estar al margen de la realidad inmediata, son el
fundamento para la crítica política del nazismo que se cebaba con la vieja
Europa.
El matrimonio formado por Maria y Joseph Tura forma parte de una compañía
de teatro que en la Varsovia de los años treinta representa Hamlet. Tras la
invasión nazi tratan de poner en cartel una obra llamada Gestapo, pero se la
prohíben. Maria es cortejada por un aviador perteneciente a la Escuadrilla
polaca de la RAF y se sale de la representación durante el monólogo de “Ser o
no ser” que declama Joseph Tura. El profesor Siletsky es un espía pronazi que
llega desde Londres para entregar a las autoridades de la ocupación una lista
con los nombres de la resistencia polaca; cuando es descubierto, los aliados
envían al aviador para neutralizarlo, lo que conseguirán a través de un
endiablado enredo en el que los miembros de la compañía de teatro se
disfrazan de nazis, se deshacen del profesor y de las listas y logran embarcarse en un avión rumbo a Suecia, donde son recibidos como héroes.