Cine apuntes

1. El cine mudo en Francia.

Orígenes del cine en Europa y Francia, para hacer un itinerario por el cine mudo
francés, a excepción del cine de vanguardia. Se divide en dos epígrafes, uno dedicado a los
Lumière y a los cineastas franceses importantes de las primeras décadas del siglo XX, y otro
dedicado a Méliès.

1.1. Nacimiento del cine. Hermanos Lumière. (CT) (CP)

En 1895 se lleva a cabo la primera proyección cinematográfica. Dos hombres de Lyon que querían
conseguir la imagen en movimiento, en el siglo XIX con la fotografía se consiguen captar imágenes y
estos hermanos gracias a su invento el cinematógrafo consiguen captar imágenes en movimiento y
proyectarlas. Es visto más como una atracción de feria que como un arte. Iban a ciudades y captaban
imágenes de esta proyectándose como un espectáculo. Nace el cine y el documental. El cinematógrafo
también se utilizará en otros lugares del mundo como USA con Edison como investigador. Tanto
Edison como los Lumiere inventan algo parecido, el cinematógrafo y el kinetoscopio. Tienen ambos
una manivela y para poder impresionar las imágenes hay que darles vuelta. Se plasma 16 imágenes
por segundo. Hoy en día se va a 25 fotogramas. Es por eso que este cine parece más lento. La película
virgen está hecha con celuloide y es muy inflamable por eso no se conservan muy bien.

En el Grand Café Des Capucines es donde se hace la primera muestra de cinematografía en el 28 de

diciembre de 1895. La primera película de la historia es la Sortie de L´Usine. En esta se ven personas
saliendo de una fábrica. Otro gran película es L'Arrivée du train a la Gare de la Ciotat, salida del tren
de la estación. Se ve el cine como un espectáculo de feria.

El invento se patenta y montan una productora en la que se recorren el mundo filmando y

documentando eventos. Los que compran el aparato cinematográfico deben pagar la patente por lo
que montan una empresa muy importante.

El cine se inventa y un grupo de burgueses franceses se dan cuenta de que se puede grabar algo más
que documentales y deciden crear el film d´art, son obras teatrales que se pasan al cine. Es un
escenario y una cámara y es como grabar una función teatral. Intentan darle una dimensión artística y
convertirlo en algo más distinguido. Muchos detractores, ya que el teatro tiene mucha importancia y
además no se puede escuchar por lo que hay que meter carteles de por medio. Tiene un relativo éxito,
pero luego se cambiará por el cine de productoras. El cine mudo siempre acompañado de música en
lso pequeños pueblos hay pianistas y en las grandes ciudades habrá orquestas. Con la llegada del cine
sonoro los músicos son despedidos.

Surgen dos productoras de Cine. Ven el cine como una industria, hacen contenidos para que la gente
disfrute y vaya al cine. Surgen Pathé y Gaumont. Hoy en día todavía existen. En la producción de cine
hay 3 patas: conseguir el dinero, exhibición o salas de cine y distribución de las películas es por eso
que dejan producir películas tanto de uno como de otro. Hoy en día hay productoras y distribuidoras,
aunque hay algunas que tienen las dos.

Pathé se empieza a dar cuenta de que se puede hacer un cine que guste a la gente. Las primeras pelis
son cortas. Luego poco a poco se van haciendo series de donde se muestra diferentes capítulos de un
personaje. Uno de los directores más importantes de Pathé es Zecca. A este le gusta mucho la comedia
y uno de sus éxitos es la Par le Trou De serrure (1901). Hace películas para que la gente se divierta y
olvide los problemas cotidianos. Max Linder es otro director. Los directores son directores, guionistas
y actores. Max Linder crea el personaje Max que va siempre vestido de forma elegante al que le
suceden todo tipo de peripecias. Combat de boxe (1910).

Gaumont es la otra gran empresa de cine en Francia. Aquí nos encontramos a la directora Alice Guy
hace también comedias, Madame a des envies (1907). Luego tenemos la figura de Louis Feuillade que
tuvo mucho éxito y creó series con personajes fijos, pero también hace cortos de comedia como Une
dame vraiment bien (1908). Otro director es Emicle Cohl que se especializa en animación y es uno de
los iniciadores de los dibujos. Fantasmagorie (1908).

1.2. Méliès y la aparición de la fantasía. (CT)

Es el creador de la fantasía en el cine. Está presente en la primera película y se dió cuenta de que se
podía crear un mundo de fantasía en el mundo del cine. Él se fabricó una propia cámara y se dió
cuenta de que había muchísimas posibilidades. Él se dio cuenta de que si pasaba de un fotograma con
una persona a otro en el qu eno estaba parecía que desaparecía y con eso empezó a hacer muchas
películas. Compró un terreno en Montreuil y empezó a hacer películas de ciencia ficción donde utiliza
todo tipo de artificios para sorprender. Juega con tamaños, planos cenitales, objetos como peceras…
Su gran obra es el viaje a la luna de 1902. Melies se da cuenta que el blanco y negro es muy pobre e
incorpora color de forma artesanal, a mano. Personas que coloreaban la película de celuloide a mano.
Este no es el color que conocemos hoy en día, sino un color incorporado. El viaje a la luna se basa en
la obra de Jules Verne, de la tierra a la luna (1865). Verne era un visionario que se inventaba mundos y
Melies pasa esta imaginación al cine. La obra de H.G. Wells, de el primer hombre en la luna también
le influyó mucho en su obra (1901).

Su mujer Jedanne D Alcy es una de las actrices más improtantes en su cine. Tenía competencia con
las dos grandes productoras y un incendio que quemó su obra hizo que no pudiera dedicarse al final al
cine, ya que tuvo que acabar vendiendo juguetes. Melies a paerte de director de cine era también
mago e ilusionista.

1.3. Le voyage dans la lune (Viaje a la luna, 1902), George Méliès (Francia) (CP)
Título original: LE VOYAGE DANS LA LUNE. País: Francia. Año de producción: 1902. Productor:
Georges Méliès. Director: Georges Méliès. Guion: Georges Méliès. Fotografía: Michaut, Lucien
Tanguy, B/N. Dirección artística: Claudel. Música: Jean Benoît Dunckel, Nicolas Godin. Montaje:
Georges Méliès. Duración: 14 min.

Intérpretes: Georges Méliès (Profesor Barbenfouillis), Henri Delannoy (capitán), Farjaut (astrónomo),
Kelm (astrónomo), Brunnet (astrónomo), Victor André (astrónomo), Bleuette Bernon (chica), Jeanne
D’Alcy (chica).

Sinopsis: Seis valientes astronautas viajan en una cápsula espacial de la Tierra a la Luna. La primera
película de ciencia-ficción de la historia fue obra de la imaginación del director francés y mago
Georges Méliès (1861-1938), que se inspiró en las obras From the Earth to the Moon (1865) de Julio
Verne y First Men in the Moon (1901) de H. G. Wells.

2. Alemania. El cine de Weimar.

Recorrido por el audiovisual alemán de época muda atendiendo a los movimientos
cinematográficos vanguardistas: Expresionismo, Kammerspielfilm y Nueva
Objetividad, y a los más importantes cineastas del momento: Murnau y Fritz Lang.
Todavía seguimos en el cine mudo y estamos en el periodo de entreguerras (década de los 20). Es el
periodo de la república de Weimar en Alemania. Alemania ha perdido la primera guerra mundial y nos
encontramos un país en un mal momento. Los alemanes tienen una gran capacidad de recuperación
por lo que poco a poco se rearman. El gobierno de Weimar es muy inestable y se terminará con la
llegada del partido nacionalsocialista con Hitler a la cabeza. Llegaron al poder por el descontento de
la gente y se formó el III Reich.

Hay una gran inflación, inestabilidad política, mala situación económica… Aún así, Alemania se
levantará poco a poco gracias a la industrialización y otra serie de factores. Hablando del cine surge la
productora U.F.A. (Universum Film Aktiengesellschaft). Era la productora más importante de
Alemania. Se hará un cine muy potente que trabaja distintos géneros. Hay una eclosión de la
vanguardia expresionista. Das Cabinet des Dr. Caligari (El gabinete del doctor Caligari, 1920) de
Robert Wiene. El profe dice que esta es la única película expresionista, hay otras con algunos rasgos,
pero según él no lo son. Uno de los productores más importantes es Erich Pommer y la Decla
Bioscop.

U.F.A:
En esta productora se hacen películas con una estructura productiva importante. Se hacen recreaciones
de muchos lugares en estudios. También se pueden usar escenarios reales o naturales, estos dan mayor
verosimilitud a la película. Construyen cerca de Berlín los estudios Neue Babelsberg. Son unos
estudios gigantescos que se siguen utilizando hoy en día.

Robert Wiene es el director de la película del Gabinete del doctor Caligari. En verdad el director iba a
ser otro, pero este rechazó el proyecto. Este es el gran éxito de la carrera de Wiene y no tendrá muchos
más. Es una película que marca el camino de las vanguardias. Junto a Robert tenemos a la figura de
Carl Mayer que es un gran guionista. Erich Pommer es el productor, es quien financia la película.
Estos productores conseguían el dinero de personas adineradas. El cine es un negocio y quieren
vender sus películas para ganar dinero. Paul Wegener y Emil Jannings son dos de los actores más
importantes de esta época. Otros directores son Friedrich Wilhelm Murnau y Fritz Lang.

2.1. El expresionismo cinematográfico. (CT)

El expresionismo es un movimiento artístico que afecta a distintas facetas artísticas y en el cine
comienza con el Gabinete del doctor Caligari. Características:
● Sadismo y gusto por el cine de terror.
● Desdoblamiento de la personalidad.
● Romanticismo. Referente fundamental. Corriente artística del siglo XIX y en Alemania tiene
una gran importancia. Gusto por lo medieval, vuelta a lo antiguo, terrorífico…
● Utilización de temas alemanes. Mitología alemana y nórdica. Los nibelungos, Odín, pueblos
germánicos.
● Animación de lo inorgánico.
● Antinaturalismo. Aparecen cosas sobrenaturales.
● Subjetividad.
● Deformación de la realidad. Decorados deformes (torcidos, oblicuos…)
● Uso del claroscuro. Virado o tintado. Se pinta todo de un color según lo que se quiera
transmitir, ejemplo: frío=azul.
● Interpretaciones exageradas. Como no hay voz, deben exagerar las caras y los gestos.
 ● Uso de la escenografía para mostrar la angustia. Sitios con muebles curvos, por ejemplo. Dan
sensación de agobio.
Distintos poetas marcan la forma de hacer arte. Friedrich Hölderlin (El cementerio) y Novalis (Georg
Freiherr von Hardenberg).
Friedrich y sus cuadros tiene influencia de estos poemas de cementerios y de temas románticos.

Precedentes del expresionismo:

Der student von Prag, 1913.
Un estudiante salva a una chica de morir ahogada y él se queda enamorado de ella. Hace un pacto con
un ser, vendiendo su reflejo del espejo.
El Golem, 1913.
Es un gigante de barro que cobra vida. Se ve el tema de un ser sin vida que cobra vida de nuevo.
Die Spinnen (Las arañas, 1919) Fritz Lang.
Es el director que iba a hacer el gabinete del Doctor Caligari.

2.2. Das Cabinet des Dr. Caligari (El gabinete del Doctor Caligari, 1920), Robert
Wiene (Alemania) (CP)
Es una historia imaginada por unos locos de un manicomio. Nos cuenta la historia de un señor que
tiene un espectáculo de feria. Vemos a una persona que tiene a un sonámbulo que puede ver el futuro
y mata personas. Nos habla de la manipulación de las masas por los gobierno, el pueblo sería movido
por los gobernantes. También nos habla de la locura de algunas personas y crítica al momento.
Precede al tema de Hitler un dictador que hipnotiza al pueblo alemán. La historia sucede en el pueblo
de Holstenwall. Estéticamente recuerda al puente alemán (Die Brücke), cuyo mayor representante es
Kirchner. También lo inspira Alfred Kubin que es un pintor surrealista en el que se puede inspirar. En
su obra vemos la irracionalidad de los sueños. Füssli con sus obras de pesadilla también puede influir
en la obra.

Reparto: Werner Krauss (Caligari), Conrad Veidt (Cesare) este aparece también en Casablanca
haciendo de oficial nazi, Lil Dagover (Jane)... Warm, Röhrig y Reinmann (Der Sturm, la tormenta)
son los responsables de la dirección artística. Hacen los decorados y los intertítulos (carteles que
explican la trama en el cine mudo).

Legado o obras inspiradas:

1962 se hace una serie B que podría ser una secuela.
Se ha hecho un remake en 2005 con diálogos, es una misma película.
Rob Zombie, Living dead girl. Videoclip inspirado.

Primera secuencia:
Se abre un cache u ojo de gato. Vemos dos personajes sentados en un jardín. Es un jardín con un azul
frío y vemos toda la escena llena de zarzas, ramas… En esta película se ven distintos saltos de eje y
pasan de un plano amplio a otro desde otro punto de vista, pero raro. La música es bastante
inquietante, los cárteles también, la actuación también. Aparece vestida de blanco (pureza), que
contrasta con todo lo demás, además hablan de fantasmas aparecen ellos. Ella pasa por delante de
ellos ignorandolos. Volvemos a ver a los personajes en un plano cacheado y hablan. Volvemos a verla
a ella y luego de nuevo a los personajes. (2:30-4:35). La música cambia , el cachete se cierra y
empezamos a ver de nuevo la ciudad con forma oblicuas.
Segunda secuencia: (14:52-22:54)
Se abre un cachete y hay un mono, música más alegre. Se abre del todo el cache y se ve la feria en un
tono sepia. Nos encontramos a Caligari con su espectáculo. A su lado tiene un cartel en el que nos
presenta al sonámbulo. Es una interpretación muy exagerada. Los textos van muy lento. Le invita a
pasar separando la tela, entran todos. Vemos el contraplano , la posición contraria de la cámara.
Vemos que está picado y se ve el punto de vista que ve Caligari. Hay una elipsis y estamos dentro.
Vemos un plano general en el que la cámara está por detrás, se ve como el escenario está iluminado y
el resto en penumbra. Pasamos a un plano más cercano, la visión de lso espectadores. Podemos ver el
escenario a un lado Caligari y al otro lado el ataúd, del que saldrá Cesare. Se abre el ataúd y vemos un
primer plano del Dr. Pasamos a un plano medio (por la cintura) de los dos. Primer palno de Cesare y
vemos como se despierta poco a poco. En contraplano nos encontramos con los chicos que ven el
espectáculo, el resto de personas en penumbra. Plano medio del Dr y habla. Volvemos a ver a los
muchachos. Se acercan los dos entran en plano y le pregunta cuánto tiempo vivirá. Vemos un plano
corto con el fondo oscuro. Le dice que hasta el amanecer con plano corto. Vemos otro plano corto del
personaje agobiado. Vemos un plano general y como salen de la escena.

Tercera secuencia: (44:54-48:14)

Vemos a la mujer dormida en una cama, vemos afuera a Cesare con una postura anti naturalista y
entrando. Se nota que es de noche. Vemos a la chica durmiendo inspirada en Füssli. Vemos un gran
decorado. Por un lado una gran figura con una cama horizontal y al fondo una ventana vertical. El
cache un rombo y nos muestra a Cesare. Vemos de nuevo un plano general para ver como entra.
Vemos de nuevo un cache viendo como entra. Plano general acercándose. En el momento que le va a
atacar pausa de la música (dramática). Vemos como se despierta y vemos un primer plano y plano
general de los dos personajes peleando, se la lleva. Aparecen unos familiares que ven cómo ha
desaparecido la chica. Se ve la exageración de la actuación. Vemos a Cesare y la chica por los tejados
y luego se la lleva.

2.3. Murnau y el Kammerspielfilm. (CT)

Murnau es uno de los directores más importantes de la historia. Para el profe este cine ya no es
expresionista, puede tener cosas, pero no lo son. Kammerspielfilm significa teatro de cámara filmada.
Friedrich Wilhelm Murnau es el director más importante de esta forma de grabar. Es el directo de el
último. Esta película es importante a nivel técnico y de fotografía, ya que inspirará al cine
norteamericano. El teatro de cámara viene de Max Reinhardt crea el Deutsches theater, un teatro
intimista donde lo importante son las historias que son cotidianas y los personajes son humildes. Se da
importancia a lo cotidiano. Son personajes sin nombres propios, en el último el protagonista es un
conserje sin más sin nombre. Se traspone el teatro al cine. Carl Mayer, Carle es el gran guionista del
cine alemán entreguerras. Lupu Pick es otro director de gran importancia. La película el último es
determinante y marca el estilo. Karl Freund , director de fotografía ,creó el concepto de la cámara
desencadenada, con él las cámaras dejan de ser fijas, es el precedente de la estuary-cam. Esta cámara
se coloca en la tripa de un cámara y puede moverla. Se crea la Neue Sachlichkeit (nueva objetividad),
que se diferencia del Kammerspielfilm en que es algo más compleja en contenido y los personajes
tienen nombre propios.

Kammerspielfilm caracterñisticas:
● Teatro de cámara filmado.
● Superación de la artificiosidad expresionista. Melodramas con dilemas morales. El conserje es
relegado a limpiar los baños.
● Personajes sin nombres propios.
 ● Ausencia de rótulos e intertítulos.
● Valoración de los objetos casi fetichistas. Para el portero su traje es importantísimo, sin él no
es nadie.
● Movimientos de cámara innovadores y arriesgados.
● Montajes dinámicos.

Hintertreppe (Escalera de servicio, 1921)

Nos cuenta una historia basada en una casa de burgueses. Los protagonistas son los pobres que viven
en la zona baja de la casa. Son melodramas que funcionan.
Scherben (Pedazos, 1921) Lupu Pick.
Es un drama ambientado en una zona alpina, con varios ultrajes en la familia.
Sylvester. Treagödie Einer Nacht. Lupu Pick.
Esta, Escalera de Servicio y el último serían una trilogía. Se ve un personaje en nochevieja y hace un
balance de lo que le ha pasado en su vida.

Murnau (1888-1931)
Se apellidaba de otra forma, pero como veraneaba en un pueblo llamado Murnau se quedó con el
nombre. Estudió filología e historia del arte. Vinculado a Max Reinhardt y el Deutsches theater, así
como a Franz Marc, uno de los principales pintores del Der Blaue Reiter y también influenciada por
Kathe Kollwitz que es una escultora.

Filmografía: En el ppt de E-gela.

Nosferatu. 1922. Es la película de Drácula, pero como no compran los derechos pues cambian los
nombres de los personajes. Los novelistas denunciaron a los productores y como ganaron mandaron
quemaron casi todas las películas. Nos muestra la vida de un vampiro. Aquí se crea toda la mitología
relacionada con el vampirismo. El actor Max Shrek era un actor muy extraño, que se dice que estaba
muy loco.
Der Brennende Acker (La tierra en llamas, 1922).
Phantom (1922). Película de terror.
Die Finanzen Des Grossherzogs (las finanzas del gran duque, 1924). Es una comedia en la que
aparecen personajes de alta cuna.
Herr Tartüff (Tartufo, 1925). Adaptación del clásico del tartufo.
Faust (Fausto, 1926). Persona que vende su alma al diablo.
Sunrise (amanecer, 1927).
Tabú (1931)

2.4. Der Letzte Mann (El último, 1924), Friedrich Wilhelm Murnau (Alemania) (CP)
La película dle útlimo está basado en un escrito de Nikolai Gogol, el Capote. Aquí Murnau pasa la
historia a una ciudad alemana. Es una película que aparentemente es inofensiva, la historia de un
portero relegado en su puesto de trabajo, quitándole el uniforme y su jerarquía. Es una crítica a lo
militar. Guión por Carl Mayer. Hecho por los estudios Neue Babelsberg. Decorador por Walter Röhrig
y otro.

Otro aspecto a tener en cuenta es la Enstfesseltekamera, la cámara libre. El actor principal es Emil
Jannings, un hombre de 40 años que hace de un hombre de 60. Hace un gran trabajo basado en la
gestualidad. Otro personaje importante es Giuseppe Becce que es el que compone la banda sonora.
Influencias posteriores:
Four Sons.
Jigokumon.
I lov a man in uniform. Figurante de cine que tiene que hacer de policía. Le dan un uniforme de
policía y él se mete tanto en el personaje que patrulla las calles.

Secuencia 1. (17:40- 18:58)

Utilizan una marcha militar. Pasa de una posición de ir muy erguido como un militar , plano de
travelling. Llegamos a una puerta giratoria, que muestra el torbellino de la vida. Aparece la sombra
del nuevo portero, nuestro portero queda anulado por el dintel y por el nuevo portero. Uno entra y el
otro sale, el que sale es el que se queda con el trabajo del otro. Se ve que el nuevo es más joven y alto.
Cuando el viejo lo ve , se escucha cómo la música se pone estridente y él se queda encorvado.
Empieza a asumir la situación, se queda absolutamente devastado. Al final es anulado por el dintel, ya
no existe.

Secuencia 2. (19:02-27:40)
El gerente del hotel le da la espalda. Hay una puerta que los separa en dos lados y el cristal le da
forma de jaula. La música no augura nada bueno, le relega de su trabajo como portero para ser
limpiador. Le da la carta el gerente y después le vuelve a dar la espalda. El señor tiene que dejar la
gorra y se tiene que sacar las gafas para poder leerlo, se toma su tiempo y la música es muy dramática.
La cámara desencadenada se acerca al protagonista, son dos planos rodados de forma distinta para
entrar dentro de la oficina. Vemos un plano subjetivo donde se ve lo que pone en la carta. Le dicen
que va a jubilar al señor más amyor y que él le va a sustituir. El señor se quita su uniforme. Se le nota
muy mayor y encorvado, vista cansada y en un traveler se ve la frase “ la condición por la que se le
cambia de puesto es su Decrepitud”. Las letras se difuminan por su mala visión. Se queda pensativo,
vemos un plano subjetivo donde mira al conserje, se quita las gafas y se acerca al gerente negando lo
que pone en la carta. De nuevo un plano subjetivo donde mira la maleta y empieza una música más
alegre de circo e intenta demostrar que es fuerte, parece que lo va a conseguir, pero no. El momento
que cae la maleta cae él. Vemos un primer plano cerrado en la cara donde observamos la cara
desencajada. Mientras vemos al otro conserje en malas situaciones levantado maleta de forma
sencilla. El gerente no puede levantarlo y llama al botones para que lo mueva. Lo intenta levantar y lo
consigue con esfuerzo, apoyándolo en la pared. Vemos como el gerente se lava las manos. Llega un
momento en el que le quitan el uniforme, que simboliza la degradación y le quitan la piel. Se ve como
le cuesta quitarle el uniforme y le quitan la piel a tiras. Los demás se van y se mira a si mismo, se abre
el plano y se ve que como sin el uniforme no es nada. Se ve el uniforme difuminado (fetichismo de los
objetos y su deseo), se ve las caras que pone. Llega el ama de llaves, el coge la llave y ella le echa de
la habitación.

Secuencia 3: (28:20-30:02)
Empieza con un travelling lateral. Es precedente de la steady cam, el operador se adelante y se vuelve
a recuperar a los personajes. El conserje desde que le han quitado el traje aparece más
empequeñecido, el ama de llaves le da el traje y las cosas que necesita para su nuevo trabajo. Se ve un
plano del nuevo portero con la ciudad a tope. Hace un movimiento con la cámara desencadenada de
como la dama de llaves coloca las cosas en el viejo portero. Las caras acaban tapando su cara, clara
carga simbólica. Se pasa a un plano general , se cierra el armario y ahí está la puerta que dirige al
inframundo, la bajada a los infiernos. Se ve simbólicamente como toca fondo. El ama de llaves abre
la puerta con esa cara antipática. El portero emprende el camino hacia la puerta y es comido por la
oscuridad.
Secuencia 4 (36:44-43:37
Antes de esto ha robado el uniforme y lo guarda en una consigna en una estación.Es la celebración de
la boda y se emborracha.
Al comienzo de la secuencia tenemos una música que son unas marchas militares. Vemos el edificio.
Van saliendo los diferentes personajes borrachos y haciendo el chorra. Se nota un ambiente vaporoso.
El portero se queda solo en una habitación. Es un plano americano, cortado a la rodilla. Aparece
bebiendo, es una habitación muy llena y vemos un espejo que lo refleja todo, el aparece en medio.
Empieza a reirse de si mismo haciendo los saludos que suele hacer. Casi se cae. Aparece la mujer en
el pasillo y entra en la escena. La cámara se ha movido y está a un lado, se ha roto la pared. La
disposición es diferente, por un lado tenemos la parte inferior con las botellas, una ventana que da luz
y la tía. Oímos el silbido del silbato. Un primer plano de los dos. Sigue haciendo gestos y un
momento en el que echa el aliento y la otra huele ese mla aliento. Aparecen los músicos borrachos
tocando la trompeta, se caen. Se ve un travelling de retroceso,se ve un rail que va para atrás.
Volvemos a ver al portero que ve lo que hay fuera con una visión difuminada. La música que escucha
el personaje y el espectador hace que baile. Vemos otra pared, hemos roto otra. Vemos como la
camara da vueltas alrededor del personaje. Vemos un plano subjetivo que se mueve de un lado a otro.
Pasamos al sueño. La trompeta se difumina poco a poco. Vemos un primer plano del portero riendo.
Vemos como sale de su cabeza la puerta giratoria que es gigantesca y altísima, esto es algo
expresionista. Sale de l apuerta erguido y sale con la macha militar. A los laterales hay oscuridad, la
plano subjetivo cámara se acerca a él y hace el saludo. Vemos un s donde unos personajes bajan entre
6 una maleta, llega el portero y con una mano la mueve. Vemos el reflejo de la puerta. Se difumina la
escena y se ve una realidad distorsionada , vemos como si estuviéramos dentro de la puerta giratoria y
vemos un comedor. Entramos al comedor y atisbamos como está el conserje en el medio. Aparece el
conserje tirando la maleta al aire, la recoge y la cámara se acerca a los personajes. El conserje se
despierta

Secuencia 5 (el final)

Antes es descubierto como limpiador, ya que la tía le lleva el almuerzo al trabajo. Se le ve
completamente humillado y limpiando.
El final acaba bien, ya que hereda el dinero de un magnate. La moraleja es que no nos tenemos que
desesperar. Pasa a ser uno de los invitados del hotel. Invita al vagabundo que le ha ayudado. A todos
los que servía le sirven. EL uniforme no tiene importancia y es el dinero el que da el poder, moraleja
según el video.

Neue Sachlichkeit
Neue Sachlichkeit, la nueva subjetividad, es una nueva tendencia artística dentro del expresionismo.
Nos presenta la superación del Kammerpielfilm y diferencias. Las películas son más complejas y
tienen más diálogos. Además, los personajes tienen nombres y se pueden ver críticas al momento.

Georg Wilherlm Pabst es uno de los directores que hace películas como Bajo la máscara dle placer
(1925) y la caja de Pandora (1929). Otro director es Ewald André Dupont que hace Varieté (1925)

2.5. Fritz Lang, un director visionario. (CT)

Fritz Lang (1890-1976) es un director austriaco que tiene una vida muy longeva por lo que trabajará
en Alemania y luego irá a USA. Es natural de Viena y de origen judío. Estudió arquitectura y pintura.
Su estudio hace que las arquitecturas en sus películas tengan mucha importancia. Tiene una extensa
carrera desde el expresionismo (le ofrecen hacer el gabinete del doctor Caligari) hasta el cine
manierista norteamericano. Mejor valorada su etapa alemana (Metrópolis) que la estadounidense,
aunque hay una continuidad en ambas. En USA hace todo tipo de películas. El tema recurrente es la
voluntad de poder. El ser humano es perseguido o amenazado por fuerzas sociales o poderes externos.

Su primera gran película es la Muerte Cansada o las 3 luces, 1921. Con esta película influye a Buñuel.
Tiene una dirección artística importante por Röhrig, Warm y Herlth. El tema principal es la muerte. La
vida de las personas es una vela que se consume poco a poco. Todas las llamas son controladas por la
muerte. Ha 3 historias en las que la muerte personificada interviene que estan ambientadas en el Islam
exótico, en la China y en la Venecia del renacimeinto.

Dr. Mabuse, el jugador, 1922. Un médico quiere dominar el mundo por medio de la hipnosis en una
Alemania de postguerra desencantada por la inflación.

Los nibelungos (1923-25). Es una historia de la mitología germánica. Romanticismo recreación de la

Edad Media desde una perspectiva postmoderna. Rodaje en Estudio. Decorados relacionados con la
Sezession de Viena. Precedente para cómics y series. La novela de Richard Wagner , el anillo del
nibelungo, influye en la obra. Obras pictóricas de Arnold Böcklin o Max Klinger. Se ven lso 4
mundos (Worms-Oriente-Islandia-Siegfried). La venganza de Krimilda es una de las partes de la
película.

Frau im mond (La mujer en la luna , 1929), es una película posterior a Metropolis. Aquí vemos un
viaje a la luna, es una película mucho más elaborada que la película francesa. Son 3 personajes que
hacen una expedición a la luna y la protagonista es una mujer. La Luna es un lugar inhóspito en este
momento. Es una película muy curiosa y nos muestra una gran imaginación. Es una película que nos
habla de las relaciones humanas, personajes en un medio hostil intentando sobrevivir.

M (M, el vampiro de DUSSELDORF, 1931), película sobre un asesino y violador de niños es una
película dura que genera mucha tensión en el espectador. Empiezan a desaparecer niños y la policia lo
investiga, acabn descubriendo al asesino.

Etapa norteamericana. Film Noir. En este momento se piensa que empieza una carrera menor, aunque
el profe no lo piensa así, muestra de ello es la película Scarlett street (perversidad, 1945). En este
momento hace películas que satisfacen las demandas del espectador. Encabezadas por grandes
estrellas y cuya única pretensión es entretener.

The big heat (los sobornados, 1953), película policiaca tiene todos los tópicos de Hollywood.

A finales de los 50 vuelve a Alemania (el tigre de Singapur y la tumba India), películas que recuerdan
a Indiana JOnes, son películas de entretenimiento puro. Se graba en Tecnicolor.

2.6. Metropolis (1927), Fritz Lang (Alemania) (CP)

Datos de la película en el egela. Es una de las películas más icónicas de la historia del cine y una de la
más estudiada. Es una película que ha tenido una evolución en cuanto a que no ha habido hasta hace
nada una copia definitiva. Desde el punto de vista artístico podemos ver en los carteles publicitarios
muy vanguardistas que recuerdan al expresionismo o el constructivismo sovietico. Lang era arquitecto
y decía que las películas se tenían que ocnstruir como un edificio, se inventa un mundo futuro donde
se muestra una gran ciudad que muestra las diversas corrientes arquitectónicas.
Nos narra la historia de como un hombre controla toda una ciudad. Arriba vive la oligarquía y el hijo
del dueño de la ciudad que es un joven despreocupado descubre lo que ocurre en la zona baja, donde
se ven muchos obreros trabajando y se enamora de una joven de la zona baja. Hay un personaje
malvado que es un robot que es una mujer que coge la apariencia de María y forma discordia y mal en
la ciudad para que no haya acuerdo entre los obreros y los dirigentes.Se ve como seres creados por le
hombre o usados por medio de la hipnosis se intenta crear discordia para que los objetivos de los
protagonistas no prosperen. La transformación de María en el robot nos recuerda a Frankenstein.

Thea Von Harbou es la mujer de Frittz Lang y hacían los guiones juntos, la pareja se rompe ya que
este se tiene que ir a Alemania y ella decide colaborar con los Nazis en una época oscura del cine
alemán. En el guión influye H-G-Wells con sus obra de The time machina (la maquina dle tiempo,
1895) o When the sleeper Wakes (Cuando el durmiente despierte, 1899)

Claves de Metropolis:
● Presupuesto de 7 millones de marcos (200 millones de dólares actuales). 17 meses de rodaje.
26.000 figurantes, 11.000 figurantes y 950 niños.
● La película nos habla de la lucha de clases y del capital y el trabajo. Personas de arriba que
dominan la ciudad y que ignoran el sufrimiento de los obreros que viven abajo.
● Convergencia entre tradición y modernidad.
● Con respecto a la tradición hay referencias a la Edad Media, el romanticismo alemán, se ve
una catedral gótica, catacumbas romanas (aquí se reunen los obreros como hacían los
cristianos con los romanos.) , La casa del malo (Rotwang es medievalizante).
● Respecto a la modernidad vemos el culto a la modernidad, máquina y velocidad. Vemos el
templo de moloch, maquinismo, constructivismo, Art Decó.
● Vemos una ciudad del futuro y vemos una ciudad del año 2000, siendo 1927.
● Se inspiran en los arquitectos futuristas de Marchi y Sant Elia.
● Modernismo de Hans Poelzig y Gaudí.
● Gusto por lo orientalizante: Yoshiwara. Barrio donde se hacen las fiestas. Guió a las
Megalópolis asiáticas.
● Tradición judeo-cristiana: Biblia, Babilonia, Torre de Babel. Nos habla de la incomunicación
entre las personas.
● Corazón(lo que falta entre la relación entre dirigentes y obreros)- cerebro (las personas que
dirigen)- manos (los obreros). Ambivalencia y maniqueísmo en el mensaje.
● La dirección artística por Otto Hunte, Erich Kettelhut y Kalt Vollbrecht.
● Fotografía de Karl Freund.
● Freder (Gustav Fröhlich). Es el protagonsita masculino y servirá de nexo de unión (corazon)
entre el cerebro y las manos.
● María (Brigitte Helm), debe hacer dos papeles de buena y de mala, ya que la convertirán en
robot.
● Rotwang (Rudolf Klein- Rogge), es el malo de la película. Crea un robot que suplanta a
María.
● Joh Fredersen (Alfred Abel). Es el dueño de la ciudad-.
● Influye mucho en la película Blade Runner y 1984. Incluso en el videoclip de Radio Ga Ga de
Queen.

Secuencia 1:
Antes de la película aparece un texto donde nos hablan de la cabeza, manos y corazón. Se ve al
comienzo diferentes máquinas trabajando, los tiempos modernos superan al pasado. La música es
trepidante y estresante. Aparece un reloj y cuando llega al 10 cambio de turno y observamos la
ciudad.

Vemos una chimenea con mucho humo. Vemos a los obreros que recuerdan a esclavos vestidos igual,
que van como una manada de borregos y con la cabeza agachada, Se abre una raja y unos salen y otro
entran de forma coordinada. Se ve una deshumanización de las personas son números. En el
montacargas vemos ese viaje al inframundo que ya veíamos en el último. Vemos a los figurantes de
espaldas al espectador. Aparece una explicación con textos donde nos dicen que estamos en la ciudad
de los obreros bajo tierra. La música es dramática. Vemos como van con la cabeza agachada y vemos
un plano abierto viendo los distintos ascensores y como los trabajadores van a su puesto de trabajo.

Otro texto donde nos hablan de la parte de arriba que se les conoce con lso jardine eternos. Vemos
como todos visten de blanco y hacen deporte, vemos al prota Fredec corriendo y gana la carrera.
Vemos los jardines eternos que son decorados muy orgánica que nos recuerdan a la naturaleza.
Aparecen muchas mujeres con trajes muy modernistas. LLega Dredec y juego con las chicas
corriendo. Vemos animales exóticos y diseños diferentes. Freder va a besar a una chica y justo aparece
María abriendo unas puertas vestida de forma modesta con los hijos de los obreros. Aparece como la
virgen María. Se ve una música que nos remarca la pureza de María. Vemos un plano medio y ella
aparece como medio predicando. Pasamos a planos cortos. Los seguratas y los maestros de
ceremonias echan a los niños y a María. Plano corto de María y Freder se enamora de ella. Ella se va,
pero él ya quiere conocerla.

Secuencia dos: 13:39- 23:03

Hay unos intertítulos antes de la escena que es un enlace. Vemos el interior de la zona de los obreros,
vemos el progreso y las máquinas en un plano general. Contraste entre obreros de negro y el prota. Se
encuentra con la máquina M que es el epicentro de todo, su diseño se basa en los arquitectos
relacionados con el futurismo, podría recordar a un Zigurat. Se ve como todo los obreros se mueven
de forma coreografiada. Aparece un operario que no da a basto y se ve la crítica a la deshumanización
del humano por el trabajo, algo que se conecta con la película Tiempos modernos de Chaplin. Se ve
por medio del montaje el crescendo de la tensión, de cómo está cada vez peor. La música es tensa en
general. Se ve un plano general y se ve como el termostato llega al límite. Se empiezan a quemar los
operarios. Entre el humo Freder ve a Moloch, que es un personaje mitológico que es una boca que
escupe fuego y que se sacrifican las personas. Vemos como la máquina a pasado a ser eso, dejamos de
ver las máquinas para ver “esclavos” subiendo las escaleras y son engullidos por la máquina. Se ven
los engranajes que nos muestran cómo las personas son comidas por la máquina. Vemos a los obreros
que llevan a la gente herida que son como sombras y detrás Freder. Pero la máquina debe de seguir
funcionando, se han llevado a los obreros malheridos y entran unos nuevos a trabajar.

Freder ya sabe de la fábrica y se mueve a ver a su padre a la nueva Torre de Babel. Se ve la ciudad con
esos enormes edificios mientras pasa el coche. Se ven los rascacielos con aviones, trenes… que pasan
por el medio. Vemos la nueva Torre de Babel que rompe con los rascacielos cuadriculados. Vemos el
interior del edificio donde está el soberano de la ciudad, vemos un plano general donde vemos la
amplitud del despacho. Mucha gente trabajando, mirando los datos de las acciones que provoca estrés
en los empleados. Aparece Freder y el padre le da la espalda, los demás siguen trabajando y él no le
atiende. La atiende un empleado y le cuenta lo que ha visto en la fábrica, mientras el padre sigue a lo
suyo. Es una forma de decir que les da igual , la deshumanización, un obrero será sustituido por otro.
El padre mira al empleado y parece echarle la culpa de lo que ha pasado. Se ve la alternancia plano y
contraplano para usarlo en una conversación, vemos un plano cercano del personaje con el cogote del
otro, esto es típico del cine clásico.

Secuencia 3: 48:31-57-04
El malo de la película crea un robot y pretende sustituir a personas por robots, para ello utilizan el
modelo de María. Vemos a los obreros que bajan al subsuelo, ya que María es la líder que predica que
debe cambiar todo y que tienen que convencer a los dirigentes. Los obreros siguen con la misma ropa,
cabizbajos. Mientras se ven los planos de las catacumbas donde se juntan los obreros. Nos recuerda el
momento en el que los cristianos son perseguidos en Roma. El malo puede llegar desde su casa a las
catacumbas. Van a bajar a ver qué pasa. Vemos traveling y vemos como han legado los obreros a las
catacumbas- Freder para saber lo que siente un obrero en una maquina ha sustituido a uno y va
disfrazado de uno de ellos, abre los ojos y la música se vuelve amable, aparece María con un montón
de cruces a la espalda. Aparece pura. Vemos un plano americano (cortado por las rodillas) de María
predicando mensajes de amor, él con la mano en el corazón se tira al suelo. Mientras tenemos al
villano y al jefe que espían a los obreros. Aparece un contraplano de los obreros y otro Americano de
María de gran belleza con una composición clásica y equilibrada. Habla de historias relacionadas con
la biblia, va a contar la Torre de Babel. Vemos un inserto en el que nos cuentan la historia.

Un sacerdote predicando dice que construyan una torre que llegue a las estrellas, aparece una
recreación de la torre de babel y juega con las perspectivas, aparece una maqueta con los sacerdotes
mirándola. El modelo es la torre de Babel de Bruegel . Los que querían la torre cogen a gente
extranjera y aquí es donde se ve a las columnas de figurantes. Se ve al sacerdote mirando la torre de
babel en un aro. Aparece el trabajo duro de los esclavos que es una asimilación a lo que hemos visto
antes. Se ven textos de Babel que parecen sangre. Se ven los esclavos trabajando encima de las
escaleras aparece el sacerdote. Dios les castigo no pudiéndose entender. Esto nos quiere decir que
quien lleva la ciudad hablan un idioma y los trabajadores otro. Se ve de nuevo a María en un plano
corto como una mujer santa y que manda mensajes de paz, amor y concordia, luego la veremos con
gran maldad en forma de robot. Nos dice que la cabeza y las manos necesitan un mediador, que será el
corazón. Los obreros que agachan la cabeza y se arrodillan ante María. Nos preguntan del mediador y
María mira a Fregel. Les dice que vendrá y aparece él apretándose el pecho.

Secuencia 4: 1:23:00-1:26:00
El malvado necesita un modelo para crear al ser perfecto rapta a María y crea el robot con su
apariencia. Vemos a María en una especie de mesa-arca donde le pone los electrodos en la cabeza, le
pasa la consciencia a un robot. El malvado activa todo para que suceda la transformación. Recuerda a
Frankestein, pero aquí de un ser animado da vida a un ser . Vemos como enciende todo y logra su
objetivo de años. Vemos un montaje rápido con sobreimpresiones. Se ve un plano medio donde vemos
la tensión contenida y como su trabajo de años va a dar sus frutos. El robot poco a poco se
tansformará en María. Vemos sobreimpresiones, distintos planos… El corazón del robot empieza a
latir y brillar. Cada vez más y tiene un sistema circulatorio , al final se convierte en María. Aparece
con un rostro inexpresivo.

Secuencia 5: 1:30:11-
Después de haber concebido a la nueva María se hace la presentación oficial para que se vea su
perfección, vemos lo contrario a lo que la María original es. Todo sucede en uno de los cabarets de
Yosiwhara. Vemos cómo todos van elegantes y observamos un recipiente del que sale la nueva María.
Fredel mientras sueña. Es una concha , que nos recuerda al nacimiento de Venus. Vemos como sale de
Ahí y de repente por un fundido nos quitan la concha. Aparece como una Diosa de la antigüedad y
empieza a bailar. Es una danza “sensual”. Él tiene visiones de un monje en un púlpito que predica que
el apocalipsis se acerca. Aparece María bailando. Los planos se superponen y podemos ver distintas
caras, ojos (nos recuerdan al surrealismo)… Los planos serán cada vez más rápidos. La música toca
música apocalíptica. Vemos como se habla de la nueva Babilonia y la perdición. En el libro de
Babilonia aparece una mujer con las mismas ropas que María. Es una mujer que formará el caos y que
ha creado el malo. Aparece de nuevo elevado por el mosntruo y con los 7 pecados de su lado. En la
catedral gótica de la ciudad aparecen las esculturas que se mueven, mientras la muerte toca un hueso
como una flauta. Derrepente los atlantes que sostenían la concha se convierten en los pecados que
aparecían en la catedral gótica. Aparece la muerte con su guadaña y la muerte toma la ciudad,
empezando a segar.

Secuencia 6: 2:11:00
En la película María la mala monta una revolución en la fábrica y los obreros empiezan a destruir la
ciudad, todo se inunda con agua poniendo en peligro a todos. La María buena y Fregel intentan
arreglar todo esto. Los obreros la consideran una bruja ya que ha generado la discordia, pensaban que
ella ha querido generar la discordia y la quieren quemar. Van todos tras ella. María buena los consigue
distraer. María la mal mientras monta un fiestón. Se juntan los trabajadores y los ricos. Aparece el
malo que se le ha ido de Madre todo y está en la catedral gótica donde entra la María buena. El
capataz coge a la María mala, ella se ríe. Se montan una gran hoguera y la van a quemar. La empiezan
a quemar. Todos se divierten y bailan. Forcejea el malo con María y María se acaba quedando colgada
de las campanas. Aparecen las gárgoles en la catedral. María se convierte en el robot y todos flipan.
Están corriendo por la zona superior de la catedral. Forcejean para rescatar a María. El padre llega
para ver todo y el resto de obreros van a por él, el capataz va a atacar, pero le dicen que todos los hijos
se han salvado de la inundación. Volvemos a la pelea y como suben a los tejados. Forcejean desde
arriba y caen. EL malo se acaba cayendo. Todo se calma y acaban besándose. En la iglesia acaba
haciéndose el pacto entre los trabajadores y los jefes. Aparecen el capataz y el jefe que no se pueden
unir y necesitan al corazón para unirse. Fregel acaba uniendo a los dos.

3. Cine y vanguardia en Francia e Italia.

Repaso a la relación entre las vanguardias desarrolladas principalmente en Francia e
Italia: surrealismo, cubismo, dadaísmo y futurismo y el cine. Se alude también a la
repercusión de estas vanguardias en el audiovisual contemporáneo.

3.1. Surrealismo y futurismo. (CT)

El surrealismo tiene una gran influencia en los videoclips y en la publicidad. Buñuel es un cineasta
nacido en Teruel y tiene una educación muy religiosa, vive en Madrid y se va a Francia donde conoce
a toda la vanguardia francesa. Salcador Dalí es uno de los exponentes del surrealismo y amigo de
Buñuel. Buñuel dice que para hacer la película se baso en la obra Isidore Ducasse en concreto el
conde de Lautrèamont. La película es un manifiesto visual del cine surrealista donde se ven imágenes
provocadoras (persona andrógina atropellada) y situaciones meta racionales (persona arrastrando el
piano , burros… Escritura por Buñuel y Dalí: se hace en forma de automatismo. El objetivo era
escandalizar y sacudir los hábitos de pensamiento de esnobs, burgueses e intelectuales. No hay
argumento o guión. Se estructura en 10 secuencias de 5 segunda temporales por 5 intertítulos. Son
títulos elegidos al azar.
Basados en 5 puntos:
Sueño.
Infancia.
Sexo.
Aportaciones de Dali
Hay muchas referencias artísticas como el ángelus, que a Dalí le gustaba mucho.
También aparece el reloj, como en la persistencia de la Memoria de Dali.
Referencias a Ingres, que tiene la obra de la Bañista de Valpinçon
Las nubes nos recuerdan a la obra del tránsito de la Virgen de Mantegna.
Aparece la encajera de Vermeer.
Los maniquís del final de la película nos recuerda a Tragedia y comedia de Chirico.
Buñuel.
El mundo onírico. El sueño de la razón produce monstruos. (Goya) o la obra de Füssli.
El simbolismo de Fernan Khnopff. Donde se ve la mezcla de animal y humano.
Ovidio y su metamorfosis el capítulo de Apolo y Dafne.

El silencio de los corderos se ve influido por la plilla de esta obra, Dalí utiliza 3 mujeres para hacer
una calavera.

Después buñueal hace la película de la Edad de Oro.

La película que tiene influencia dadaísta es entr´acte (entreacto de 1924) de René Clair. Rene es
surrealista o dadaista, pero luego se vuelve en un director realista. Es una pieza corta que se hizo para
un entreacto de un teatro. Es una obra muy absurda y está muy relacionado con el cine cómico. En
esta obra también participan Francis Picabia, Marcel Duchamps…
El ballet Mecánico sería una obra cubista. Vemos la utilización de imágenes con sobreimpresiones,
fundidos… Es un continuo no para de imágenes.
Una obra separada a las vanguaridas es Napoleón (1927) de Abel Gance. Es una película innovadora
por la forma de contar, película larga de 3 horas, que nos cuenta solo la campaña de Italia. Utiliza la
técnica de la pantalla dividida.
En cuanto a los futuristas, tienen una peculiaridad son anteriores al surrealismo. varios artistas se
relacionan con los exponentes de lo pictórico del futurismo. Vemos la película vita futurista (Vida
futurista, 1916) o la película Thais 1918 de Giulio Bragaglia.
3.2. Un chien andalou (Un perro andaluz, 1928), Luis Buñuel (Francia) (CP)
Es una película surrealista que se puede basar en sueños que suelen ser inconexos, cosas sexuales…
todo lo que tenemos en el subconscientes. Se ve como dan rienda suelta a lo que tienen en la mente.
Al chico que le salen las hormigas puede ser la putrefacción humana y también el miedo a
desaparecer. Salen cajas que luego se rompen. Hay una inconexión en la narrativa. La película se
divide en 3 partes: el comienzo (Corte del ojo), el resto y el final con dos maniquís enterrados. Esta
inconexión también se ve reflejada en los intertítulos. Aparecen las obsesiones que tienen en la
cabeza. El chico arrastra dos pianos (música), con burros muertos (la muerte) y dos curas (religión..
Podría ser el peso que tienen. Homenajes a la comedia cuando corren en la habitación. Se ve la
obsesión sexual, le empieza a tocar, él es castigado en contra de la pared que podría hacer alusión a la
infancia. El Surrealismo tiene la técnica del automatismo, la cosa que se te ocurre la pones. El título
no tiene nada que ver con lo que veremos. La película no fue muy bien recogida en España, después
siguió haciendo películas que seguirá narrando de forma surrealista.
3.3. Influencia de las vanguardias en el audiovisual contemporáneo (CP)
Se ve influencia del surrealismo en the Weezer en la película de Pork And Beans. Historia incoherente
y absurda. Empieza con una pantalla dividida en 4 como la película de Napoleón. Habitación donde
hay una pantalla de ordenador. En el videoclip se enseña lo absurdo que hay en Internet y se
viraliza.Es un no para de virales. Aparece un personaje andrógino como en el perro andaluz. Se ven
momentos de ambigüedad sexual. Al final todo se junta.
Luego el videoclip de The Chemical Brothers. Hey Boy Hey Girl. Es algo más narrativo, pero es una
historia muy surrealista. Es un niña que va creciendo y todo lo que ve se relaciona con esqueletos. Se
ve el uso de imágenes realentizadas…
Papa Topo el videoclip, la chica vampiro. Hay una gran cantidad de planos y otra cosa típica de la
publicidad es intentar mandar mensajes subliminales, se te quedan grabados momentos en la cabeza.
Aparece un ojo al comienzo en primer plano, luego referencias a vampiros con comics, escenas de
terror, colmillos…
Se ve en distintos anuncios como se utilizan escenas surrealistas.
4. El cine silente en Estados Unidos.
Desarrollo del cine mudo norteamericano desde sus pioneros, Edison y Porter,
pasando por Griffith y la consolidación del lenguaje cinematográfico sin olvidar el
cine cómico en que destacó Chaplin.

4.1. Edison y Porter. (CT)

Sigue siendo cine mudo, pero para no repetir el mudo le llamaremos silente. USA será el país más
importante en el cine desde el origen pero se convertirá en la mayor potencia del cine en los finales
del 20 y principios del 30. El cine de USA llega a todo el mundo y su distribución ocupa todos los
mercados. Suelen vender las películas en lotes. Lo que hacen es para poder comprar una tienes que
comprar otras 3. Nos encontramos con un cine que cuenta con todos los medios. Edison es un gran
inventor a la vez de los hermanos Lumiere él invento el Kinetoscopio, que le permitía captar imágenes
en movimiento patento el invento y ganó muchísimo dinero. De los primeros films de Edison llama la
atención películas como Annabelle dances y The Kiss. Son películas sin muchos misterio y sencillas.

Habrá una guerra de las patentes, empiezan a aparecer compañias que se asocian a Edison que son la
MPPC y luego unos independientes. hay un gran conflicto ya que sin el papel no pueden filmar a
partir de 1912 esto se acaba y el monopolio se termina. En este contexto aparecen los Nickelodeon.
Nickel es una moneda y odeon es un teatro o lugar donde se proyecta cine. Aquí hay unas cabinas
parecidas al fotomatón donde se echa una moneda y se ve una sucesión de cortometrajes que ves de
forma individual. Estos empiezan como espectáculos de feria. Se empiezan a dar cuenta que se puede
ven películas de forma pública y se empieza a hacer producciones para la gente. De esta manera
empiezan los Nickelodeon.

Hollywood es uno de los puntos más importantes del cine. Antes se grababa en Nueva York y en
Chicago donde hace muy mal tiempo, por lo que William Selig un gran productor decide moverse a
cerca de Los Ángeles al sur de California donde hace muy buen tiempo. Necesitan un lugar con
mucho espacio para construir decorados y naves industriales donde se pueda grabar y recrear muchas
escenas. Hollywood es un barrio que reúne muchas condiciones: Hay espacio para construir, está
cerca de LA para poder comprar y también está cerca de México por lo que puede trabajar mucho
ilegal y al haber una inspección de trabajo podían escapar.

Otro gran nombre es Thomas Harper Ince que es el que crea el guión técnico detallado. Nos detalla de
mejor forma lo que ocurre en el guión. En el guión literario solo aparece lo que se ve en escena, no se
puede poner lo que no se ve, lo abstracto. En el guión técnico detallado se coge secuencia por
secuencia y las necesidades que se necesitan para poder rodar la secuencia. Gracias a esto se sabe en
todo momento el gasto que se va a tener. Se habla de los pros y los contras de rodar en un sitio u otro.

4.2. The Great Train Robbery (Asalto y robo a un tren, 1903), Edwin S. Porter
(EE.UU.) (CP)
Porter produce una película muy única, The great train Robbery. (Asalto y robo a un tren, 1903). Es
un western típico de USA, un género que se ha globalizado. En esta película ya hay un montaje con
sentido. Hasta ahora se hacen películas cortas sin intención. Es una película que nos cuenta la historia
de unos bandidos que roban en una estación y se llevan el botín en un tren. El pueblo se entera y van a
recuperarla matando a los cuatreros. Se implanta el paneo ,movimiento de cámara, algo novedoso en
el cine.

Cecil B. Demille es otro gran director de principios del siglo XX. Pasa a la historia por hacer grandes
superproducciones colosalistas. El colosalismo empieza en Italia y son historias ambientaadas en el
antiguo Egipto o Próximo Oriente. Se ven decoraciones gigantescas. La película que hace es la de los
10 mandamientos en 1923. Piensa que el cine debe mostrar historias lejanas al espectador y remitir a
mundos lejanos tanto del pasado como del presente. Otra gran película es la del Rey de Reyes en
1927. Cecil B. Demille es el impulsor del Star System. Hasta ese momento lo importante era la
historia, la producción, como se rodaba… A partir de ahora lo más importante serán los actores y
actrices que se convertirán en estrellas y que las productoras utilizan para atraer al público. A estos
actores y actrices se les contrataba con contratos de muchas películas de forma exclusiva. Entre los
actores más destacados tenemos a Gloria Swanson (actriz que entró en barrena al entrar en el cine
sonoro), Mary Pickford (Considerada la novia de América), Lillian Gish (actriz icónica que en el cine
sonoro se reconvierte siendo más mayor y empieza a hacer otro tipo de papeles), Rodolfo Valentino
(papeles de galán) y Dougles Fairbanks (hace papeles de acción, ya que era también acróbata).
4.3. Griffith y la consolidación del lenguaje cinematográfico. (CT)
Es un director muy controvertido, ya que es muy innovador en lo técnico pero es criticado en lo
temático. Es un sureño y en su películas se hablan de temas muy racistas donde defiende al KKK y al
racismo, Nacimiento de una Nación. Antes hizo muy buenas películas cortas y poco a poco plantea
que el cine debe ser más largo, para él no importa la duración. Hará la película Judith of Bethulia en
1913. Es una película de temática antigua.

Luego empieza a trabajar para la Mutual y es aquí donde hace sus mejores obras. Nacimiento de una
Nación 1915 e intolerancia 1916. Ambas son muy buenas películas.
4.4. The Birth of a Nation (El nacimiento de una nación, 1915), David Wark Griffith
(EE.UU.) (CP)
En la película se muestra al KKK como algo bueno y se les muestra como un ejercito de buenos
cristianos que salvan la patria. La película se basa en una obra de Thomas Dixo JR, “The clansman”,
el hombre del clan. Es una historia romántica sobre el KKK.

En esta película se ven algunas aportaciones:

1. Se dice que el cine clásico norteamericano empieza con Griffith en 1915 y para el profe
empieza en 1930 con el sonido. Para él el cine clásico no solo son las aportaciones de Griffith,
sino la de muchos. Para el profe sigue siendo cine “primitivo”
2. Utiliza planos de diferentes escalas. Los planos se van cambiando de primer plano a medio,
generales… Griffith es el primero.
3. Empieza con el plano americano. Personaje cortado pro las piernas. Pregunta de examen.
4. Primeros plano para enfatizar acciones de los personajes. Se hacen planos cortos en las caras
cuando quieren expresar emociones.
5. Planos detalle. Es el plano en el que aparece un objeto y le quieres dar gran importancia.
6. Montaje lógico-narrativo. Convergencia de las diferentes acciones para llegar al final de la
película. Se desarrollan diferentes tramas y en un momento convergen en un final donde los
 conflictos se resuelven. Desde el punto de vista narrativo mantienen la estructura narrativa
clásica. Inicio,nudo y desenlace.
7. Iluminación enfática. Uso del caché y del ojo de gato. En caligari también se utiliza esto,
círculo que se cierra.
8. Color. Uso del tintado o virado en algunas secuencias para dar intención una concreta.
9. En general es una epopeya sudista que tuvo gran éxito y acogida.

Se nos habla del conflicto del norte y el sur. Para Griffith en esta película intenta limar las asperezas
entre norte y sur. La América profunda del sur y la industrial del norte. La guerra de Secesión ocurre
entre 1861-5. Uno de los lugares donde se fila es Carolina del Sur. Una particularidad de la película es
que machacan a los negros y por eso salen personajes pintadas de negro.

La secuencia más importante es la de la muerte de Lincoln, que es uno de los presidentes más
importantes de la historia americana. Es uno de los grande valedores de la democracia y con su muerte
empieza el conflicto bélico. Este va a ver una obra de teatro y está en un palco donde John Wilkes
Booth entra en el palco y lo mata. Se tira al escenario y dice “Sic Semper Tyrannis”.

Fue una obra muy criticada y la siguiente obra será Intolerancia de 1916. Se le tildó de racista e
intolerante. Para poder lavar su imagen hizo la película intolerante que es una película colosalista en
la que se muestras 4 historias diferentes que avanzan a lo largo de la grabación poco a poco.
● La caída de Babilonia, ciudad donde hay mucho pecado y es conquistada por los Persas.
● Los católicos contra los hugonotes. En el momento de la reforma aparecen lso Hugonotes en
Francia, donde hay una gran intolerancia a esta nueva fe.
● La pasión de Cristo. Se nos narra la historia de la muerte de Cristo, pero queda un poco
difuminada.
● La última es una historia contemporánea, la madre y la ley. Un chico joven es condenado por
un asesinato que él no ha hacho. Será ajusticiado por un crimen que no ha cometido. Esta es la
única que acaba bien. En el presente la intolerancia no triunfa sobre la lógica y o que tiene
que ser.
Fue un fracaso comercial, las historias se unen por secuencias donde una madre acuna a un bebe y
sirve como nexo.

Secuencia the Birth of a Nation. 1915. 1:24:25.

Es la secuencia en la que asesinan a Lincoln. Se celebra una gala para celebrar la rendición de un
general que preside Lincoln. La secuencia comienza con un ojo de gato, donde vemos dos de lso
protagonistas llegas a sus asientos. Poco a poco se abre el plano y observamos un plano general desde
el punto de vista desde atrás de los protas. Define muy bien las secuencias con el buen uso de los
planos con lo que van a ver. Un plano general nos va a localizar en un sitio, esto es algo muy clásico.
Vemos un plano medio de los protas en contrapicado. Mira con los prismáticos. Vemos como se abre
el telón en plano general. Se hace un subjetivo desde los espectadores y vemos la obra. Se juega con 3
planos: general, subjetivo y el contrapicado medio. Eso es algo con lo que juega bien Griffith. Llega el
presidente con una música solemne. Vemos un plano cerrado del palco. El palco se divide en 2 partes
por una columna en la que se diferencian los personajes, se ven banderas y la foto de Washington.
Volvemos a u plano general con todo de pie y vuelve al palco. Vemos como el guardaespaldas se
sienta y se aburre . Vemos otro plano general y otro cerrado de los personajes. Mucho vitores del
público. El guardaespaldas se pira y entra en la sombra mostrando lo que va a ocurrir. Se sienta en su
sitio con un cache. Plano general con cache. Otra vez con los personajes principales y derrepente
vemos al asesino con un cache, se le ve con malas intenciones. En el palco ya se ve como la mujer de
Lincoln se ha movido y este está solo. Empieza a tener frío y vemos al asesino esto precede a la
muerte. Se ve un cache viendo el palco y se va abriendo. El asesino ve que no hay vigilancia, vamos a
un plano cerrado que nos observa la pistola y vemos como le quita el seguro o engatilla. Entra en el
palco. Se le ve detrás de Lincoln le dispara y salta al escenario donde dice la frase “Sic semper
tyrannis”, frase de cuando murió Cesar. El público en estado de Shock, los protagonisstas escapa de la
sala. Vemos un plano general donde se ve todo lo que está ocurriendo.

4.5. Cine cómico norteamericano. Chaplin. (CT)

La comedia norteamericana es la que mejor se adapta a las necesidades del público y producirá
grandes películas universales en las que el paso del tiempo las respeta. Mack Sennett es un
productor-actor que se da cuenta que una de las fórmulas más fáciles para dar risa es el slapstick (es
un gag: cuando en una comedia hay una situación cómica), se basa en golpes, tartazos… La busqueda
de situaciones extravótica empieza con él. Además el cine mudo de comedia va más acelerado. Funda
la productora Kystone que produce películas cómicas con personajes fijos que participan en cortos. Se
hacen varias películas de estos personajes y los que funcionan pues se siguen haciendo. Son
personajes con peculiaridades. Dentro de los personajes cómicos nos encontramos con:
● Las Bathing Beauties (bellezas de baño), que nos muestran películas ambientadas en piscinas
y playas donde se meten en líos.
● Keystone kops. Les gusta reírse de los policías y que sean gilipollas también les gusta. Es un
grupo de policías locos que persiguen ladrones y les pasa de todo.
● Roscoe “Fatty” Arbuckle era un hombre gordito que le pasaban muchas peripecias. Era un
elemento de cuidado estuvo en la cárcel.
● Buster Keaton se hizo famoso siendo actor, otros como Chaplin también director. Es un tipo
pequeño, delgado y con una cara impasible. Lo gracioso en él es que es serio. Es más gracioso
un tío serio al que le pasan cosas que a alguien que se divierte, se le llama cara de palo o
pamplinas. Sus personajes tienen problemas sentimentales. un gran acróbata y de gran
destreza física. En su vida privada tuvo problemas con el alcohol, entró en una depresión al
terminar el cine mudo… Más mayor se le recupera para el cine. Participa en la película The
general, donde hace de un conductor de tren que tiene que llevar un tren de un lado a otro en
medio de la guerra de secesión.
● Harold Lloyd es otro actor reputado que se hace famoso por hacer de un personaje ingenuo,
tímido, buen vestido… el paradigma del americano medio. A diferencia de otros cómicos no
tendrá una vida complicada. Supo sobrevivir a la llegada del sonoro y vivió una vida dichosa.
Era un reputado artista circense y acróbata. Se le conoce por la película Safety Last. Por una
apuesta debe escalar un edificio por el amor de su chica.
● Stan Laurel y Oliver Hardy, el gordo y el flaco, son dos actores que empieza en el mudo, pero
en el sonoro se adaptan bien. Ellos ruedan versiones múltiples de sus películas en distintos
idiomas y se aprenden de memoria los diálogos.
● Hal Roach y Leo McCarey, Hal es el director y Leo es el productor. Sus películas no se
pueden entender sin ellos.
● Chaplin. Es uno de los grandes directores, cómicos y actores de la historia del cine. Natural de
UK emigra a USA. Su sombrero, el bigote pintado , el traje que le queda grande… son unos
atributos inconfundibles. Es uno de los principales cómicos que trabaja en Keystone. Dentro
de las películas empieza a destacar con una películas muy divertidas con el personaje de
Charlotte. Personaje que refleja la situación de la época de crisis, siempre hambriento y con
problemas. Gran acróbata con habilidades para hacer todo tipo de acrobacias. Es un personaje
bajito que aparece enfrentándose con personajes grandes. Trabaja para varias productoras,
pero su gran talento hace que empiece a dirigir sus películas. Responsable del guión,
 interpretación, producción… Se da cuenta que sus obras hacen millonarios a otros y por eso lo
hace él. Una gran película The Kid. En 1925 hace la película The gold Rush que nos cuenta
las historias de los pioneros que van a Alaska a conseguir oro. nos muestra sus malas
condiciones de vida. The circus es un homenaje a su trabajo en el mundo del circo. Una
secuencia celebre es en la que acaba encerrado en una jaula con un tigre. City Lights, es otra
película que hace cuando ya hay cine sonoro, el dice que eso no va a hacer evolucionar el cine
su humor es solo visual. Nos cuenta la historia de un vagabundo que conoce a una ciega e
intenta reunir el dinero para que ella pueda ver de nuevo. En 1940 hace la película The great
Dictator, es una película sonora en la que manda un mensaje contrario a la guerra y el
nacismo. Es un gran película donde predomina la palabra, donde antes predominaba el gesto.

4.6. Modern Times (Tiempos modernos, 1935), Charles Chaplin (EE.UU.) (CP)
El título original era las masas y el otro 54632. Las masas nos dice cómo las masas se ven controladas
por los grandes poderes. La película está ambientada en la depresión del 29, es un obrero que trabaja
en una fábrica en cadena se ve un obrero alienado por el trabajo como se ve en Metrópolis. Es una
crítica contra la deshumanización. Chaplin tiene mensajes muy potentes en contra de la sociedad del
momento. Es la primera vez que emplea el sonido. La película está prohibida en Alemania e Italia.
Película producida en United Artist, decide crear una productora en la que distintos artistas se unen.
En un principio tienen éxito, pero finalmente la acaban vendiendo, ya que no pueden con todo. En la
película destaca la presencia de la actriz Paulette Godard, que es una vagabunda al que se le muere el
padre y debe buscarse la vida siendo la compañera ideal para Charlotte.

Secuencia 1: 1:00-6:00
Empieza con un reloj que va muy rápido. Aparecen unos corderos y luego los obreros, recuerda a la
misma crítica que Metrópolis. Uno ambientado en el futuro y otro en el presente y con géneros
diferentes nos hablan de lo mismo la deshumanización del trabajo. Música trepidante hecha por le
propio Chaplin. Plano de la fábrica de gente que va a trabajar. Grandes decorados. Mientras el
presidente está en su despacho tranquilamente. Hay un sistema de vídeo interno que permite controlar
a los obreros como en Metrópolis y en 1984. Solo se utiliza la voz cuando es estrictamente necesario.
Conceptualmente es mudo, pero utiliza diálogos.

Comienza el trabajo en cadena. Se presenta de forma cómica la alienación del obrero. No se puede
parar ni a rascarse. Siempre tiene compañeros muy grandes, torpes, garrulos… La música también nos
indica el ritmo de trabajo. Hay que parar la producción por él. Hay músicas propias de los personajes.
Le pide que vuelva a acelerar el ritmo de trabajo. Dejan paso al relevo y se ve como le da ese bailoteo
que le hace moverse con los gestos del trabajo. Va a fumar, pero hay una pantalla que le controla.
Después de hacerse el remolón da el relevo.

Secuencia 2: 6:00-12:00. Aunque en clase lo hemos dado con la 1.

Es el momento de la máquina para comer, se la presenta con un audio. Se vuelve al ritmo del trabajo.
Todo lo que ve con la forma de tuercas lo aprieta. Se ve al compi que se pone sopa y le pide que se la
pase y lo tira todo. Llega la gente con la máquina para comer. Al principio todo va bien con la
maquina, se escuchan todos los movimientos. Empieza a salir todo mal. La mazorca demasiado
acelerada, la sopa que le tira, le pone a comerse las tuercas y le tira la tarta. Le dice que no sirve.

Secuencia 3: 23:00-27:32
Hay una manifa y se le detiene por equivocación pensando que es el líder de la manifa. Está en la
cárcel por ser líder comunista. Le meten en la celda y el compañero es un bigardo muy bruto y hace
costura. Le complica la costura y le acaba dando un golpe con la cama. Hore de la comida y todos van
coreografiados. Llega a la cocina y tiene al compañero y el traficante al lado. Sigue coreografiados
peleando por el pan.Hay un traficante de farlopa y lo señalan con un barrido de cámara y un ojo de
gato que lo señala. Tira toda su droga en el salero. Lo pillan y se lo llevan. Están ordenados por
tamaño. El chiste estará en el salero. Chaplin se echa la droga a la comida con un barrido de cámara
rápido. Le viene el subidón de la droga. Se acaba la comida y vuelven a las celdas, pero como está
colocado se da la vuelta y no entra. Hay un motín y sale el compañero de la celda. Se enfrenta a los
presos y consigue liberar a los policías.

Secuencia 4: 1:08:00-1:14:00
Después de intentar trabajar en ciertos lugares, hay una historia de amor con una chica vagabunda que
se queda sola. Ella consigue trabajar en un restaurante como cantante. Le ofrece trabajar en el
restaurante. Cada personaje tiene una música cuando habla. Los policías buscan a la chica y se ve el
restaurante a la noche. Se ven sus labores de camarero. No lo hace del todo bien, se queja un cliente.
Confunde la puerta y hace que se caiga su compañero, no entra y al entrar otro se pelean los otros. Él
aparece esperando el pato y los otros peleando por él. Se ve como se confunde de puerta y se enteran
que es él. Sale y todos empiezan a bailar. Es un plano de grúa para verlo desde arriba. El pato se queda
enganchado en la lámpara y va a dárselo. Salen 4 borrachos y brutos.Le tira el pato y juegan al rugby
con él.Le da el pato y el jefe le echa la bronca.

Secuencia 5: 1:14:00-1:
Es un restaurante donde los camareros cantan. Ensayan la canción y es la primera vez que se escucha
su voz. A él se le olvida la letra y la chica se lo escribe en la manga. Sale a cantar y tira la chuleta. La
cámara corrige su posición mientras se mueve. Le dice a la chica que no tiene la letra y ella le dice
que las palabras dan igual. Entonces empieza a improvisar y a cantar. Lo ha hecho muy bien y la gente
le aplaude. Ha cantado en distintos idiomas todo mezclado. Es un manifiesto de usar el sonido como
le da la gana. La primera vez que habla canta un idioma inteligible.

5. La Unión Soviética. Revolución bolchevique y cine.

Análisis de la utilización política del cine como arma ideológica y desarrollo de las
teorías del montaje por medio de obras de cineastas tan significativos como
Eisenstein, Pudovkin, Kulechov o Vertov.
El contexto del cine en estos países cambia en 1917 con la revolución bolchevique y de esa manera
empieza la URSS con Lenin a la cabeza. Esto supone la segunda revolución más importante de la
historia. Esto hará que se genere el Estado más grande del mundo. Esto hará que el cine sirva como un
arma ideológica. Tendrá un gran poder de sugestión y propagará las ideas revolucionarias. El estado
promueve esto como un medio propagandístico: AGITKI. Son unos vagones de tren habilitados con
una pantalla y sillas para llevar proyecciones de películas propagandísticas. Aun así, también habrá
pensadores independientes que traerán muchas novedades en torno al montaje como Pudovkin o
Eisenstein. Los cineastas estarán comprometidos con la Revolución, pero el cine tiene una dimensión
artística y vanguardista. El constructivismo será clave para entender el cine sovietico. Con Lenin
siempre hay más flexibilidad mientras se mantengan los ideales revolucionarios, pero con Stalin se
acabará eso. No se harán alegorías, serán películas directas. Los temas son: Realismo social,
colectivismo agrario, alabanzas al nuevo régimen, estatalización…
El estado sovietico crea la productora Goskino. No es como la UFA que es una empresa que compite
con otras productoras. Esto se mantiene de 1917-1924. Luego pasa a Sovkino que será de 1924 a
1930.
5.1. Eisenstein y las teorías del montaje. (CT)
Es el director más importante dle cine soviético. Hace el acorazado Potemkin y es uno de los
creadores de la teoría del montaje. Estas teorías serán replicadas por directores posteriores como John
Ford. Antes de dedicarse a la dirección entra en el proletkult que es una compañía de teatro estatal, no
solo trabaja como actor, sino como director artístico. Aquí coincide con dos profesores de
interpretación, Vsevolod Meyerhold y Konstantin Stanislavski. Meyerhold opta por la interpretación
colectiva, es una interpretación donde importa el grupo y no son importantes las interpretaciones
personalistas, es el colectivo el que marca la interpretación. Stanislavski dice que la interpretación
individual marca el ritmo de la película y para meterte en el papel tiene que seguir el método
Stanislavski. Es un método que influye en USA porque escapa de Rusia. Crea una escuela de
interpretación muy importante donde pasan muchos actores importantes. El actor durante el proceso
de rodaje es el personaje. Tú estás rodando una película sobre un boxeador, por lo que semanas antes
se pone a boxear conoce lo que siente el personaje. Este método da mayor verosimilitud al personaje,
pero hay casos en los que es difícil.

Utiliza como referentes la comedia dell´arte que es una forma de actuar que se lleva a cabo en Italia,
se crean unos personajes y se intercala con la danza. los personajes toman roles. El teatro kabuki
también le influye, todos los papeles los hacen los hombres. Es importante la dialéctica de Max y
Hegel.

Para él , el cine se genera en la sala de montaje, eso es lo que se sigue pensando ahora.. El plano es la
célula del montaje. Una película está hecha por planos que se van uniendo. Es necesario romper las
paredes de defensa del espectador para sorprenderle. Hay que impactar al espectador. Dentro del
montaje este incluye el principio de colisión. Es la unión de planos que poco tienen que ver entre ellos
para conseguir el efecto ideológico. Ejemplo: Plano de los platos en el Acorazado o el de la escalera.

Hace películas como Stachka (la huelga, 1924), donde los protagonistas son unos obreros de una
fábrica. Habitualmente hace películas de época final zarista donde se ven las condiciones de vida.
Aquí se ve cómo los capitalistas son unos poseros.

Oktyabr (octubre, 1927), aquí se ven los hitos más importantes de la revolución. La caída del zarismo,
la huida…

Staroye i Novoye (Lo viejo y lo nuevo o la Línea general, 1928), nos muestra la revolución desde un
punto de vista rural.

Qué viva México (1932), huye de la URSS y aquí nos presenta desde un punto de vista mágico y
brutal diversas estampas de México.

5.2. Bronenosez Potiomkine (El acorazado Potemkin, 1925), Sergei M. Eisenstein

(U.R.S.S.) (CP)
Se lleva a cabo para conmemorar la revolución de 1905 que acaba en fracaso, pero en esta película
acaba bien. Vemos un acorazado ruso que está por el Mar Negro cerca de Odesa y se produce una
revolución de los marineros contra los oficiales, por el tema alimentario. Esto provoca que se
produzca la revuelta de los marineros en el acorazado. En esta revuelta hay muchos combates y solo
muere uno. Los marineros lo llevan al puerto y lo exponen como víctima de la opresión zarista. La
población los recibe como héroes, pero el ejército los mata a todos y sofoca la revolución. El
acorazado se hace a la mar van a ser atacados, pero todo acaba bien al ver que son del mismo bando.
La película se divide en 5 partes:
1. Hombres y gusanos. Motín en el barco.
2. Drama en el golfo Tendra. Se produce la revuelta y la muerte del marinero asesinado por los
opresores mandos del barco.
3. El muerto clama- Cuando llevan al muerto al puerto de Odesa y lo exponen. Hacen un altar y
la gente va a honrarlo, pone que ha muerto por un trozo de pan.
4. La escalera de Odesa. Parece que todo va bien, pero aparece el ejército zarista y los cosacos
asesinando a gran parte de la población.
5. Encuentro con la armada. El final, el barco se hace a la mar viene la armada rusa a acabar con
ellos, pero el resto de marineros se unen a la revolución.
Como homenaje al bebe que cae por las escaleras se hace una secuencia en Los intocables de Elliot
Ness.

Secuencia 1: 4:29-12:00
Se juntan todos en el barco y vemos la diferencia entre los mineros y los altos cargos (aparecen
representados desde un punto de vista maniqueo). Utiliza diferentes planos para que se vea a los altos
cargos desde un punto de vista mayestático. Juega con diferentes planos durante las secuencias.
Cuando aparecen los mandos todos están quietos. El médico valora la carne y dice que lo que ve no
son gusanos, sino larvas muertas de mosca. Se ve que este es el detonante del conflicto. Discuten,
pelean y el cocinero coge la carne y la prepara para cocinarla. Cada golpe es un tamborazo. Se ve
cómo limpian el cañón y las máquinas. Los marineros preparan el barco y desde un punto de vista
simbólico la revuelta. Se cocina una sopa, pero también la revuelta. Hitchcock copia de aquí el como
repite muchas veces una imagen para sorprender. Algunos comen lo poco que tienen que no está
podrido. Los demás comen la sopa obligados. En el almacén toman conservas para poder comer. Se
ven las cocinas, juega con las rejas para hacer efectos de sombra. Empiezan a lavar los platos , uno de
los platos dice “danos hoy nuestro pan de cada día”. Crítica también a la religión. Rompe el plato y se
ven varios platos de la acción de romper y leer lo que pone. Pasan planos con mucha rapidez, recuerda
a la secuencia de la ducha de psicosis esto es un principio de colisión claro.

Secuencia de la escalera: 47:20-

El ejercito aparece despersonalizado. Gran papel de la madre y sensación de agobio. Se ha mostrado
el cadáver y se ve como va a triunfar la lucha contra la opresión. En un principio todos están contentos
y ven la bandera roja coloreada. El pueblo se representa por los sectores más desfavorecidos y las
mayores presas en la guerra. Empieza la lucha y con el paragua nos hace la transición. Música
trepidante, ritmo trepidante… Vemos desde arriba el ejército , vemos una estatua (simboliza a la
nobleza) , el ejercito y la iglesia (religión), todos los poderes que oprimen al pueblo los rodean. Vemos
a personas que caen muerta, vemos los pies y un subjetivo de como cae el hombre. Empieza a meter
travelings e insertos de mujeres y ancianas. Planos laterales sin movimiento… Derrepente vemos
como la madre (fuerte) va con su hijo en un travelling. Inserto del niño , la madre se da cuenta y grita
de forma desgarradora. Primerísimo plano de la madre que ve al niño muerto. Va en sentido contrario
para coger a su hijo, montaje rapidísimo es un no para de secuencias. Sería la piedad cristiana. Se
jerarquiza con los planos como sube ella y ellos bajan, se ve que está en desventaja o en una posición
inferior. Juega con las sombras que anticipan al recorrido de los soldados. Plano desde detrás de la
madre simboliza la revolución y enfrenta a los soldados. Hace una pausa dramática, deja de sonar
música y hay un parón de acción. Les enfrenta la cámara, va para atrás y la matan. La madre cae y las
sombras de los soldados encima. Llegan los cosacos a caballo para cortar la retirada. Más disparos
matan a todo el mundo. Llega el momento del carro, una madre con su niño. Se ve el miedo y el
disparo que da a la madre, vemos planos cercanos de ella y el carro se cae por las escaleras. Empieza
una de las escenas de suspense más importantes de la historia del cine. El carro cae por las escaleras y
lo vemos desde el lateral. Vemos distintos insertos de escenas. Al final un cosaco dando espadazos y
la mujer ensangrentada.

5.3. Pudovkin y otros cineastas destacados. (CT)

Vsévolod Pudovkin es uno de los grandes directores y de los grandes teóricos del montaje. Pudovkin
es cineasta y teórico. El habla de Guión de hierro, todo tiene que estar bien explicado en este. De un
mal guión no se puede hacer una buena película. Para él el cine es una evolución del teatro. Pero el
teatro debe ser representado en un lugar y el cine es proyectado en un lugar. Para el profe solo tiene
que ver en el trabajo con actores. Una Sitcom se parecería más al teatro para el profe. Pero el cine
tiene posibilidades infinitas para Pudovkin, posibilidades artísticas, ideológicas, de adoctrinamiento…
El espectador es fundamental en el proceso creativo. El montaje es la base estética de las películas y
lo que da vida a las mismas. Para el profe esto es así. Para el profe hay que rodar muchos planos y de
distintas visiones, así tiene muchas posibilidades para montar. los carteles son muy importantes que
tienen un carácter constructivista donde se ven grandes diseños.

Películas:
Mar (la madre, 1926). Basado en la obra de Maksim Gorki. Es uno de los escritores de la revolución.
Nos habla de la revolución y el personaje de la madre simboliza la revolución, como es el caso de la
Revolución guiando al pueblo de Delacroix. La madre también se relaciona con la madre patria. Para
hacer a la madre está la actriz Vera Baranovskaya.
Konets Sankt Peterburga (el fin de San Petersburgo, 1927). Se hace para conmemorar el décimo
aniversario de la revolución soviética. Nos habla de la caída del antiguo régimen, donde estaban los
zares. Se cuenta como se derrocó al antiguo régimen y como el proletariado triunfa sobre él.
Potomik Guingui Khana (tempestad sobre Asia, 1928). Al ser un país tan grande hay una gran parte
del país que se encuentra en Asía y son gente con rasgos asiáticos. Nos habla del efecto de la
revolución en las zonas asiáticas de la revolución.

Dziga Vertov (Denis Abrámovich Kaúfman), era un judío que fue un cineasta. Dziga quiere decir
peonza. Es un tipo que va a revolucionar el mundo del documental. NOs muestran la realidad de la
URSS. Como están las condiciones laborales, la situación de la mujer y los campesinos, pescadores…
Crea el cine ojo y el cine verdad. Lo que capta el ojo es la realidad, nos debe presentar lo que sucede
en la sociedad. Son cortometrajes con poderosa carga ideológica. En contra del cine convencional, del
artificio, del guión, la escenografía y del maquillaje. Esto adultera lo que el ojo ve. Aceptan el
montaje. Los documentales están dentro del cine ojo o Kino Glaz. La parte teórica del cine de ojo es
el Kino Pravda (cine verdad). Lo que hace Dziga es desde un punto de vista teórico justifica lo
práctico (Kino Glaz).

Lev Kuleshov es uno de los directores más interesantes del cine sovíetico. Hace ensayos y efecto
Kuleshov (pregunta de examen, quien impulso el efecto Kuleshov=Kuleshov). Son clases teóricas que
él daba y nos dice cómo plantear un rodaje sin rodaje. Se establece todo lo que necesitas para rodar, es
como el guión técnico detallado del guión norteamericano , pero a la soviética. El efecto Kuleshov
influye mucho a Hitchcock, es un efecto de montaje si un plano lo ponemos en diferentes contextos
cambia el significado del plano. Una misma cara por ejemplo puede significar cosas diferentes
dependiendo de lo que pongas.
Películas:
Mister West (1924). Es una peli que nos cuenta las peripecias de un hombre que viene de USA en la
URSS. Este viene con grandes prejuicios y todo está bien.

Aleksandr Dovzhenko. Hace la película Zemlya (tierra, 1930). Nos habla del apego de lso campesinos
a su tierra. Habla del ciclo de la tierra y los planos son muy chulos. Utiliza contrapicados y retratos de
personas.

Aparece un grupo llamado Feks (la fábrica del actor excéntrico), un grupo de directores y activistas
políticos que promueven todo tipo de espectáculos de masas para exponer de forma lúdica las ideas de
la revolución. Películas muy provocativas. Los más famosos son: Grigorio Kozintsev y Leonid
Trauberg. Su mejor película es Novyy Vavilon, la nueva Babilonia de 1929 donde se habla de la
comuna de París y lo que ocurrió ahí.
6. La transición del mudo al sonoro. Europa en las décadas de los 30 y los 40.
Se trata de uno de los momentos más importantes y conflictivos en la historia del
cine y su desarrollo en Europa con el repaso al cine francés de la época como ejemplo
significativo.
En 1929 el sonoro se expande por todo el mundo y tenemos un nuevo modelo de hacer y ver el cine.
Estos momentos que suceden en la historia del cine hacen que el modelo entre en crisis. Fue un
momento difícil para muchas personas de la industria del cine, otro momento crítico será la llegada de
la televisión en los 50. La llegada del video será el siguiente momento crítico en los 80. EL cine como
espectáculo cambiará ya que se puede ver la película que quieras cuando la compras. La llegada del
digital será el último momento crítico del cine.
6.1. La llegada del sonoro. (CT)
Desde los comienzos del cine hay una inquietud por incluir el sonido en el cine, aunque en un
principio no se sabe cómo hacerlo. Se empieza haciendo grabaciones del sonido. Edison inventa el
Kinetofono que es un aparato para captar el sonido, pero como era un método muy primitivo imagen y
sonido iban descompasadas. En los años 20 se consigue incorporar el sonido a la película de celuloide
y que se puede reproducir, lo primero es poner música y la primera a la que se le pone es Don Juan de
1926. La primera vez que se escuchan voces es The Jazz Singer de 1927. En este momento se hacen
películas híbridas donde se hace películas mudas con partes habladas.

Problemas para la adaptación al sonido:

● Voces vacías y metálicas ahogadas en ocasiones por la música.
● Desincronización del movimiento de los labios.
● Mayor velocidad en los filmes. Dificultad de comprensión.
● Desfase entre imagen y sonido.
● Comparaciones con el teatro y críticas desfavorables.
● Voces estridentes, con acentos raros, ceceos, etc.
● Censura.
● Problemas para comprender idiomas de otros lugares.
● Doblaje y subtitulado.

Las versiones múltiples son coproducciones que se hacen entre diversos países y utilizan lso
decorados de un estudio para rodar otra con el mismo guión con otros idiomas. Ejemplo: La niña de
tus ojos (1998). Cuanta la historia de una coproducción de esta época.
6.2. Realismo poético francés. Jean Vigo. (CT)
Es un cine marcado por la guerra, pero es un cine donde aparecen grandes directores como René Clair.
Es uno de los precursores del cine dadaista y en los años 30 pasa a hacer un cine realista y
convencional. El realismo de los años 30 de Francia se le suele llamar realismo poético. En los años
30 son momentos muy complicados donde se hacen películas donde se nos habla de las desgracias,
pero también de las ganas de vivir. Su película más destacada es Sous Les toits de París (bajo los
techos de París, 1931). Nos muestra un París simbólico y precioso.
Otro director es Jacques Feyder , es belga, es un director muy bueno que hace la película La kermesse
heroique (La kermesse heroica, 1935). Ambientada en Flandes en el reinado de Felipe II. Nos cuenta
la historia de un pequeño pueblo por el que pasan los tercios de Flandes que tienen muy mala fama.
Corre el rumor de que pasan los tercios y el pueblo está acojonado. Deciden esconder a los hombre y
las mujeres recibir a los tercios. Es una película en la que las mujeres deciden y deshacen todo. Da
una visión curiosa sobre el tema de la mujer, es un precedente de la película de Berlanga Bienvenido
Mr. Marshall.
Julien Duvivier es otro director interesante que hace Pepe le Moko de 1937. Se hace un cine
ambientado en las colonias. Muchas partes de África pertenecen a Francia, por lo que se ven historias
ambientada en estos lugares. En esta película participa Jean Gabin, que hace de perdedor sin serlo y es
muy ligón, prototipo dle galán francés que sale victorioso o que muere de forma heróica.
Marcel Carné y Jaques hacen la película Le jour se lece (Amanecer, 1939), cuenta la historia de un
fugitivo que lo oculta una muchacha y se enamoran, aparece de nuevo Jean Gabin.
Jean Renoir hijo de Renoir y es uno de los grandes directores de la historica del cine francés y sus
películas son las películas del realismo poético. Obras como Toni (1935) que cuenta una historia de
amor loco en el que una chica española vuelve locos a todos los habitantes de un pueblo del sur de
Francia. Les bas-fonds (los bajos fondos, 1936) hay una comuna en los bajos fondos de la ciudad y
llegan 2 personajes uno interpretado por Jean Gabin y nos retrata la vida en este sitio. La grande
illusion (la gran ilusión, 1937), para el profe una de las películas más importantes. Cuenta una historia
de un grupo de soldados franceses atrapados por los alemanes en la IWW, en esta se muestra a los
alemanes y a los franceses como seres humanos con sus cosas buenas y malas. Están en la prisión y el
mando del ejército alemán tiene gran nobleza y permite pasar un buen cautiverio a los soldados
franceses. En la segunda parte se muestra la fuga de la cárcel y es protagonizada por Jean Gabin.
El director más importante es Jean Vigo, es un director “maldito” hizo 4 películas en su vida y murió
de tuberculosis. Cuando hizo las películas no tuvo mucha relevancia, pero en los 60 los teóricos le
toman como el predecesor del cine de autor en Francia por su obra L´Atalante. Es un estilo de película
contenido. Sus planos están muy bien pensados, tiene momentos que recuerdan a los documentales y
fuera de lo común. La primera película es A propos de Nice ( A propósito de Niza, 1930). Nos da una
imagen de Niza como ciudad turística con playas… pero luego nos presenta la ciudad con pobreza por
lo que contrastan mucho estas dos partes. Hace un montaje muy especial. Taris (1931) es un
documental sobre un campeón de natación, experimenta con tomas subacuáticas.. Zero de Conduite
(cero en conducta, 1933), nos habla de un grupo de niños y la educación que reciben. Es una crítica a
la educación que se lleva a cabo en estos momentos.Una escena mítica es una guerra de almohadas.
Ninguna de las 3 películas son largometrajes.
6.3. L’Atalante (1934), Jean Vigo (Francia) (CP)
Este es su largometraje es una película poética y muy de autor. Es una película insólita. Es el nombre
de un barco, en Francia hay transporte fluvial (por ríos) y nos cuenta la historia de un tipo con un
barco llamado L´Atalante y para en un pueblo donde se ha enamorado de una chica y no puede dejar
de trabajar cuando se casan por lo que van en el barco. En el viaje pasan un tiempo de aburrimiento y
el compañero de trabajo que es muy peculiar. La chica se encuentra con la vida monótona del
protagonista y la vida extravagante del compañero. Además, está París que para una mujer de pueblo
le cambia la vida. La chica deja al marido en el barco y el marinero la busca por París. Jean Vigo
murió de tuberculosis antes de montar la película. A la productora no le gustaba el montaje que había
hecho por lo que lo cambiaron. Michel Simon hace el personaje de Pére Jules, es un compañero de
trabajo alocado. Dita Parlo hace de Juliette y Jean Dasté (Jean) hace de protagonista.

Secuencia 1:
Primer plano de la película nos presenta la barcaza del L´Atalante. Fotografía de Boris Kauffman. De
la iglesia salen dos personajes el tío Jules y el grumete, que son parte de la tripulación. Jules es el
personaje más excéntrico. Vuelve a santiguarse y vuelve al barco. Salen los novios y van a hacer un
paseo con los demás invitados que luego se despediran. En el camino hacia el barco observamos el
reflejo de la sociedad del momento en un pueblo pequeño en el que todos cotillean. Recuerdos del
funeral de Courbet en la forma en la que se retrata los pueblos. Mientras los otros dos llegan al barco.
Nos dejan claro que ella es una chica diferente que se aburre del pueblo. Se intercambian planos de
los novios yendo al barco y los otros. Los planos recuerdan a las películas soviéticas con
contrapicados y mucho aire (se ve mucho cielo). Se ve como el personaje de Jules tiene muchos gatos
y se ve lo curioso que es, toca el acordeón y el otro baila. Tiran el ramo de flores y se ve un
contrapicado como discuten. Se ven muchos contrapicados con mucho aire detrás. Jules no es el
protagonista, pero es el que se queda con todos los focos, ya que es un actor muy conocido. La
relación entre el patrón y Jules no es demasiado buena, es tensa. Se ve un plano de la novia sola y el
resto del pueblo detrás alineados. nadie dice nada. Se suben al barco de forma peculiar, va la madre y
Jules le placa. Aparece un plano de ella de espaldas, que parece un fantasma. Se ve un travelling
desde el barco viendo como se despiden. En el principio del viaje se ve un contrapicado donde Jean
abraza a Juliette, se ve que es un sitio pequeño y difícil para hacer cualquier cosa. Ella pasea por el
barco lleno de obstáculos, parece un fantasma vagando por el barco. Se ven planos soviéticos todo es
aire con contrapicados con personas santiguándose.

Secuencia 2:
En la barca cuando se llega a distintos lugares tienen que abrir las compuestas y arrimar el barco. Ella
baja y ve el camarote de Jules que es un lugar pequeño , pero se ha filmado en un estudio donde se ha
construido el luga de forma perfecta. Tiene todo tipo de objetos de todas sus aventuras. como una
caracola que lleva Juliette. La sorprende con todo tipo de chismes que tiene. Es una invitación a la
magia. Se cambia de plano y aquí vems como empieza a ser más abigarrado todo, se ve más desorden.
Un cuadro que recuerda a la Olivia de Monet, tiene una calavera, un pai-pai… Le enseña su muñeco
con el que hace sus cosas. Se ve un primer plano del monigote de cómo se mueve, otro plano más de
detalle. Cambia el punto de vista y observamos el cogote del monigote, volvemos al plano anterior.
Vamos a un primer plano de ella diciéndole que no se imaginaba así su camarote, un sitio un tanto
artístico con la música. Cada vez los planos son más cercanos y opresivos. La cámara es una cámara
al hombro se mueve y es inestable. Se les ve cada vez más unidos. El fondo está desenfocado.
Derrepente lo que era mágico empieza a ser agobiante, aparece un gato. Tiene las manos de un amigo.
Tiene un montón de tatuajes, son imágenes al azar. Se pone a fumar y se lo pone en el ombligo y se
pone a tocar el tema de la película. Así acaba bien y ella ya tiene un sitio donde refugiarse. Llega el
marido y rompe el momento. Nos pone una estructura en medio y se ve como los personajes estan
separados. Jean se pone a romper cosas mientras pasan los gatos.

Secuencia 3:
Se van a París a pasarlo bien. Llega un titiritero en bici, es la representación de los mundos mágicos
que ella busca. Con él tiene una estabilidad aburrida. La música es omnipresente. Entran al bar y ven
el cártel del titiritero. El bar tiene dos partes una zona de baile y otra para comer y beber. Se ven
movimientos de cámara continuos. Se para la música y el titiritero les saluda. Es otro personaje
mágico y que sale de la rutina. Hace trucos de magia. De repente se pone a cantar, es como un
encantador de serpientes. Ella disfruta y él aparece enfadado. Vuelven las parejas y el dueño echa al
charlatán. Ella no sabe cómo reaccionar, sigue haciendo tontadas. Se la lleva y se ponen a bailar. Le
dice si ha visto París, que es algo deseado para la gente de pueblo. Le dice que le enseñaría París. Jean
lo ve todo enfadado. Se les va la olla y pelean. El dueño lo intenta echar y se queda tumbado como
muerto liándola.

Secuencia 4:
Juliette harta de las broncas se fuga cuando llegan a París. Los otros intentan animarlo. Jean está en
una profunda depresión. Andan jugando y como pierde le dice al chaval que tire el gato. Antes la
chica le dijo que si no está con él busque debajo del agua y se mete la cabeza en el bote de agua. El
fonógrafo está roto y toca el disco y suena la música, pero es el otro que toca el acordeón. Jean se tira
bajo el agua , como le dijo que hiciera ella, vemos un plano acuático. Intenta buscarla y se ve como en
verdad es un romántico, la ve con vestido de novia de forma onírica. Cuando no la tiene se da cuenta
que la ama.

Final:
Juliette se ha pirado y encuentra una ciudad agresiva, por lo que no sabe lo que hacer. Jules lo
encuentra en un lugar donde escucha la música del L´Atalante. Se la lleva como un saco y los demás
piensan que la rapta. Se ve el barco él se limpia para verla. Se afeita. Se prepara para recibirla. Jules la
deja entrar y la pareja se reencuentra. Calma tensa. Se miran y se abrazan. Todo acaba bien.

7. Desarrollo del cine clásico norteamericano.

Desarrollo del cine de género y de estudio y del Modo de Representación
Institucional (M.R.I.) y todo lo que conlleva. Recorrido por la obra de cineastas
emblemáticos como John Ford y Orson Welles.

7.1. Cine de género, sistema de estudios y M.R.I. (CT)

El cine clásico norteamericano se desarrolla desde los años treinta hasta finales de los 40. Modo de
representación institucional. En el cine mudo tenemos a Noel Burch, que divide la historia dle cine en
3 modelos de representación dependiendo la cronología. El primitivo o cine mudo (origen -1929), el
institucional o clásico (30-40) y el moderno o manierista/barroco (50-60). En USA se establecen unas
bases que serán vigentes en el cine posterior y predomina una serie de cosas. El sistema de estudios,
grandes empresas que establece un modelo que se exporta al mundo, que es el mismo que el mudo
pero perfeccionado. Es la consolidación de los géneros cinematográficos. Dependiendo dle género hay
unos convencionalismos. Luego abre unas leyes, en el momento de filmar los directores siguen unos
reglas: Plano- contraplano, cuando dos personajes hablan, se crea un eje imaginario. En plano aparece
uno y el otro se le ve el cogote. Y luego hay un contraplano en el que se ve el personaje que al que se
habla y el cogote del que habla.
Hay algunos investigadores que piensan que Grifit establece las bases del cine clásico y para otros
piensa que es primitivo todavía.
Es un periodo convulso en USA. Se produce el crack del 29 y esto hace que haya una gran crisis
política. Desde un punto ideológico hay una gran animadversión al comunismo y se produce la caza
de brujas, algo que sucede en USA cuyo instigador es Joh Parnell Thomas que dice que todo aquel
que vaya en contra del sistema debe ser detenido. Dalton Trumbo fue uno de los mayores
damnificados. La gente que venía del este de Europa se cambia los apellidos y los americanizan
Aparecen las cinco grandes productoras:
Paramount Pictures. Es la más grande de todas, su logo es un monte con estrellas. El impulsor es
Barney Gallagan.
LOEW's- Metro Goldwyn Mayer. Es la marca del león y Louis B. Mayer es el productor más
importante.
Fox-20th Century FOX. La Fox está capitaneada por Darryl F. Zanuck. Cuando surge la televisión
entran.
Warner Bros. Harry, Alber, Jack y Sam que son los 4 hermanos que crean está productora.
RKO- Radio Keith Orpheum. Desaparece a finales de los 40. Fue famosa en su momento por producir
``Ciudadano Kane”. Es una productora que provenía del mundo de la radio.

Las Mayors tienen platos y pueden construir decorados gigantes. Hacen películas de serie B, películas
con menos presupuesto y que se rueda en poco tiempo. También hacen dibujos animados y noticieros
en los que se cuentan los acontecimientos que suceden en la política, cultura… habitualmente las
películas son encargos a John Ford le llaman y le dicen que diriga nada más, no hay un concepto de
autoría. Esto ocurre en Italia y en Francia, donde los directores son creadores. John Ford si tiene
rasgos que le pueden dar ese papel de creador. Orson Welles dirige y produce su propio cine. Los
actores también son fichados por las productoras. Les fichan por 5 años o por películas por
ejemplo.Algunas pasan al mundo de la tele después.

Estas ejercen un control en USA y Europa de: La producción, la distribución y la exhibición. Desde
este momento USA domina el mercado del cine en el mundo. Las Majors construyen multisalas. Se
dan cuenta que se puede optimizar un complejo y tener varias salas en un complejo, por lo que hay
muchos cines. Se dan cuenta de que es mejor compartir películas y que se puedan ver en distintos
cines.

Una productora importante de películas de Serie B es Universal. Los directores lo hacen de forma
muy veloz. Se suelen utilizar directores novatos y actores novatos o de capa caída. Se ruedan en pocos
exteriores y con pocos medios. No se estrenanen cines. Hoy en día algunas solo se estrenan en
plataformas. Antes se hacían solo en video. Universal empieza a hacer películas de terror como
Frankenstein (1931), basada en la novela de Marie Seli.

Hay otras compañías independientes que solo hacen Serie B, como Republic, Monogram o PCR.

Géneros cinematográficos de Hollywood clásico: Existen ya desde el principio del cine, pero en este
momento se afianzan en el cine y se crean una serie de modelos reconocibles para el cine. Un género
cinematográfico es una forma de hacer películas en las que se repiten unos convencionalismos. Estos
generos evolucionarán con el paso del tiempo, pero aquí se fijan las bases.
● Western. El western se relaciona con John Ford y la película de la Diligencia es el más mítico.
Es un género muy americano, que podría ser un American film. Nos cuenta las peripecias de
una serie de personas que colonizaron y conquistaron las tierras de los indios. Es un país con
no demasiada historia y por eso el western es su historia. Nos presenta gente en lugares
salvajes, zonas sin ley y en el que son frecuentes los tiros. Hay una serie de acontecimientos y
personajes que son leyendas y que los western se basan en ellos. Otro ejemplo puede ser My
Darling Clementine. Que se basa en una canción. Aquí se ve el duelo en el O.K corral, que es
un hecho muy famoso. Posteriormente evoluciona en los 50 y 60 empieza a ser más
crepuscular. Son películas en general que hablan de valores universales. Hay mucho western
bueno y malo. A finales de los 70 y en los 80 se convierten en películas muy violentas. Dentro
 del western hay una corrupción del género, el espagueti western. Hay otros generos que
toman sus convencionalismos, como Mandalorian o Star Wars.
● Terror. Es un género que trabaja Universal. Se utilizan personajes de la literatura y que se
convierten en las figuras principales de estas películas. Pretenden asustar. Tod Browding es
uno de los directores más importantes y hace Freaks. Película ambientada en un circo.
Muchos personajes curiosos y una película muy jodida de ver.
● Film Noir / Cine negro. Películas policíacas. Es un cine de gangsters basados en las mafias de
los años 20. The Roaring Twenties es un ejemplo. Son películas donde se habla de robos,
extorsiones, ley seca… Suele haber moralismos en las películas, pero en algunas se pone el
punto de vista desde los malos.
● Headline stories. Historias basadas en noticias de actualidad de los periódicos. Historias de
personas que se hacen a sí mismas, historias curiosas… Ejemplo Meet John Doe cuyo director
es Frank Capra. Son películas en las que se habla mucho del espíritu americano. Son historias
de personas anónimas que construyen un imperio en el País de las oportunidades. Aunque no
siempre es así.
● Women´s pictures. Son películas que protagonizan mujeres y no son películas feministas. Son
mujeres que pasan muchas penas y que principalmente buscan el amor. Son melodramas
desaforados, ya que a las mujeres les “gustan” estos dramas. Un ejemplo sería : Jezebel. Bette
Davis es la mujer que más protagoniza este género.
● American film / Biopic. Películas sobre temas propios de USA. Biopic son películas
biográficas. Gracias a estas películas se ha transmitido la cultura americana en el mundo.
Young Mr. Lincoln.
● Aventuras. Empiezan a haber aventuras exóticas como Tarzan, the ape man. Es un hombre
criado por monos. O también Captain Blood.
● Bélico. Se pone de moda en los años 40 por la IIWW. Son películas propagandísticas y nos
hablan de guerras en las que los malos son los nazis o los japoneses. Los rusos en estas
películas son buenos.Con la llegada de la guerra fría eso cambiará.
● Cómico. No es lo mismo que la comedia. Es el heredero del cine cómico mudo. Tenemos a
los hermanos Marx. Con su Duck Soup. Sigue los estándares de la comedia muda y Groucho
es el más importante de ellos.
● Musical. Son películas en las que se baila y canta. Fred Astaire y Ginger Rogers son los más
conocidos. Películas con historias sencillas y amorosas.
● Screwball Comedy. Es una comedia suntuosa y elegante. No es una comedia de golpes y
tortazos. Son historias sólidas y con gran guión. Ejemplo: His girl Friday.
Las películas suelen tener un planteamiento lineal: se plantea el conflicto, nudo y desenlace. Aunque
no tiene porqué ser así.

Directores: Frank Capra, George Cukor, Ernst Lubitsch (es un alemán que trabaja en el cine mudo y
hace comedias. Acaba huyendo a USA y hace comedias muy interesantes. Hace el toce Lubitsch,
cuando ves una película suntuosa, elegante con humor inteligente.), Howard Hawks…
Actores: James Stewart , Cary Grant, Katherine Hepburn…

7.2. Casablanca (1942), Michael Curtiz (EE.UU.), ejemplo de cine clásico. (CP)
Es la película emblemática del cine clásico norteamericano. Copiar la sinopsis de la ficha. Es la
película perfecta en todos sus factores. Es la típica película con la que se puede estudiar el cine clásico
y se ha convertido en mito. Es una película sencilla en la que prima el triunfo de los valores
universales que triunfan sobre los valores negativos de la humanidad. Si a todo esto le añadimos una
perfección técnica y unos protagonistas carismáticos se crea un cóctel perfecto. Aun así, se dice que el
rodaje fue un desastre por lo que nunca se sabe que hace que una película sea tan buena. Michael
Curtiz es el director de esta película y era húngaro, en verdad se llamaba Mihaly Kertesz. Este tiene
carrera como director del cine mudo en Hungría y luego escapa a USA. Los americanos no
pronuncian bien los nombres y americanizan los nombres de las personas. Otros se ponen un nombre
artístico. Es un director que se coloca en el panorama del cine clásico.Es un gran director, pero no
hace sus guiones.

Hace películas como: The Mad Genius ( el ídolo, 1931). otra película es el western Dodge City
(ciudad sin ley, 1939) en el que actúa Errol Flynn. Es una película a color. Curiosa es la película
Mission to Moscow (Misión a Moscú, 1942), este es un film en el que la URSS y USA son aliados por
lo que los nazis y los japoneses son los malos en estas películas durante la IIWW. Otra película es
Passage to Marseilla (Pasaje a Marsella, 1944), película ambientada en la IIWW e imita la estructura
del gran éxito Casablanca.

Para hablar de Casablanca debemos hablar de Hal B. Wallis es el productor principal. La película se
basa en la novela Everybody comes to Rick's escrita por Murray Burnett y Joan Alison. Hal compra
los derechos de la novela y firma con los autores que van a cambiarle el nombre. La novela pasaba en
Viena, pero en la película mueven los acontecimientos a Casablanca. A esta ciudad llegan refugiados
de toda Europa intentando huir de los nazis. Esta zona era protectorado francés y este momento el
gobierno en Francia era el de la Francia de Vichy. Max Steiner es el que hace la música. Hay
canciones muy relacionadas con la película y este es el caso. Película rodada en plató y entre los
escenarios tenemos la Medina, el café americano de Rick, la zona europea, el aeropuerto y poco más.
El guión de la película cambió mucho y se dice que los actores estaban hartos de los cambios. Los
hermanos Epstein son los guionistas eran gemelos y son los encargados de guión, aunque se tienen
que ir y Howad Koch es el que mete todos los valores uninversales que tanto sobresalen en la película.

Humphrey Bogart es el actor principal y hace el papel de Rick Blaine. Casablanca es su obra cumbre,
donde hace el papel de un tio duro por fuera, pero bueno por dentro. Es un actor bajito al que le
ponían alzas. Tenía una voz muy característica. Rick Blaine seá el propietario del café americano y
que antes de llegar a Casablanca ha luchado en distintas guerras en contra de los totalitarismos. La
otra protagonista es Ingrid Bergman que hace el papel de Ilsa Lund. Se hizo muy famosa en Suecia y
acabó siendo una estrella en USA. El otro protagonista es Paul Henreid (Victor Laszlo), que será la
competencia de Rick para enamorar a Ilsa. Es el contrapunto a la pareja. El otro papel improtante es
Claude Rains (Renault) que es el que controla la zona, va un poco a su bola y no esta a favor de los
nazis ni de lso americanos. Conrad Veidt (Strasser) es el malo de la película y hace de nazi, tuvo que
huir de alemania cuando llegaron al poder los nazis. Peter Lorre (Ugarte) tenía una gran voz y su
personaje es el que roba los salvoconductos que todo el mundo ansia. Dooley Wilson (Sam) es el
pianista de la película.

La canción as time goes by es la canción que se escucha en esta película. Es la canció que escuchaban
en París. La frases míticas son: Play It Sam, We´ll always have París y Louis, i think this is the
beginning of a Beautiful Friendship.

Secuencia 1: Comienzo
Se nos muestra el mundo, se nos presenta el mapa más de cerca y vemos la ruta de los refugiados. De
París a Marsella ,luego a Oran y finalmente Casablanca. Los malos tiene la música del himno alemán
y los buenos la Marsellesa. Han asesinado a dos alemanes en el tren. Vemos el Zoco de la ciudad.
Aparece un hombre al que le piden los papeles huye y muere. Le quitan los papeles de que lucha por
la libertad francesa, aparece el lema de la revolución francesa y suena la marsellesa.

Secuancia 2: 11:00
Están en el café americano y es donde se junta la gente que quiere huir de casablanca. Aparece Rick
por primera vez fumando un cigarro y jugando al ajedrez. En el café hay una zona vip, llega un
hombre que pide entrar y pasa Ugarte. Echa al otro del bar. Se ve la extraña relación que tienen y
Ugarte le va a dar los salvoconductos a Rick. Se ve una composición de plano equilibrado, con el arco
que estructura el plano. Cuando hablan vemos el plano-contraplano mientras dos personajes hablan.
La cámara se pone en el eje imaginario. Siempre hay elementos entre ellos que los separan como la
lámpara. Siempre que hay conversaciones se repiten estos planos. Rick le da los salvoconductos para
pode salir de casablanca. Rick sabe que Ugarte ha matado a los alemanes. Se acaba la escena. Aparece
Sam y un travelling de aproximación. Rick guarda los alvoconductos en el piano.

Secuencia 3: 24:00
Travelling lateral y Sam ve a Ilsa por lo que sabe que habrá problemas. otro travelling que nos lleva a
la barra y se sientan en la mesa. Los malos les ven y reaccionan a su llegada. Piden dos cuatro (bebida
francesa relacionada con la libertad), se ve que están juntos, pero están separados por la lámpara del
medio, los elementos que crean separación. Llega un tipo con un anillo con el símbolo de la
resistencia y así saben que son aliados. El capitán Renault llega para saludarles y para advertirles de
que tengan cuidado, se ve de nuevo la lámpara que separa a los personajes. Al final se dan cuenta que
es de los otros, pero que es un jugón a dos bandas. El francés habla de Rick y su cara cambia
completamente. Llega Strauss y se ve la tensión, quedan en que se tienen que reunir al dia siguiente.
Salto de unos minutos.

Secuencia 4: 29:45
La mujer le pide al pianista ir a donde ella, ya que ellos se conocen. Volvemos a ver el
plano-contraplano. Se hablan de que hace mucho que no se ven. Toca y vuelve a la nostalgia. Su
rostro brilla al hablar de Rick. La frase mítica Play it Sam. La tararea y Sam la empieza a tocar y
cantar. Sam tiene prohibida la canción aparece Rick y se ven los dos. Sam escapa de la escena y en
este momento de tensión llegan Renault y Victor. Se presentan uno a otro diciendo que son muy
famosos. Como ha vuelto Ilsa vuelve a beber. No paran de alagarse. Hablan de la última vez que se
vieron Ilsa y Rick.

Secuencia 5: 1:08:00
Este es uno de los momentos más emotivos de la película. Victor le dice que quiere hablar con Rick.
Victor sabe que tiene los salvoconductos y él los necesita. Le dice que es un luchador contra los
totalitarismos. Le dice que no se los dará por su esposa. Se ve como están de plano y contraplano. Los
alemanes se ponen a cantar canciones alemanas con el piano de Sam. Se ve la cara de Victor que baja
y va a cortar eso, un héroe no pregunta actua. Aparece una chica francesa que se h a liado con un
alemán para poder salvarse y está agobiada. Victor les dice que toquen la canción de la libertad.
Empiezan a tocar la marsellesa los otros y hay pelea de canciones. Gana la Marsellesa. Vemos a la
chica en un plano corto siendo la metáfora de la libertad. Plano corto de VIctor cantando. Se ve otro
plano de Ilsa que le mira con admiración, pero no con deseo como a Rick. El malo malísimo, Strauss,
le dice a Renault que cierre el bar. Stauss le amenaza a la chica y ella no acepta sus términos.

Última secuencia: 1:31:00

El aeropuerto con niebla. Ilsa decide quedarse con Rick e irse con él a USA. Rick vende el bar y al
final le hace ver a Victor que va a ir con él, pero no será así. Es el desenlace más chulo e la historia del
cine. Victor va a meter sus propias maletas, ya que se necesita que hablen. Cuando pensamos que va a
poner el nombre de Rick, él dice que no. Si Rick e Ilsa se van la humanidad seguirá en peligro. Si
Victor e Ilsa se van se salvará el mundo. Ella le dice que anoche no quedaron en ello. Se ve de nuevo
plano y contraplano. Llega la frase “ siempre nos quedará París·. Se ve un primer plano de ella. Llega
Strauss de mala leche. Ahora Rick y Victor solucionan los problemas. Se acaban yendo Ilsa y Victor,
pero se soluciona el conflicto ente Renault y Rick, le va a tener que detener. Rick dispara a Strauss,
llega la policia y Renault le salva el culo. Sale una botella del gobierno de Vichy y Renault la tia a la
papelera. Después de eso se mueven hay un travelling y llega la 3 frase mítica acompañados de la
marsellesa.

7.3. John Ford, y la revitalización del western. (CT)

Es uno de los directores más importantes de la historia. Establece dentro del cine clásico unos
parámetros que se continuarán después, es el director que mejores western ha hecho en la historia del
cine. Es un director que trabaja para grandes productores y es por eso que se ha puesto en entredicho
su capacidad de dirigir. Comienza en el cine mudo y acaba en los años 60, con él se puede estudiar
gran parte de la historia del cine americano. Era de origen irlandés , su nombre era Sean Aloysius
o´Feeney. Es por eso que en sus películas aparecen distintos irlandeses. En sus western los indios
aparecen desde un punto de vista negativo, cuando ellos fueron los atacados. Era también un hombre
conservador, por eso hoy en día tiene distintas críticas.

El cine de John Ford:

● Entre 1917 y 1966 dirige unas 150 películas.
● Fundamental para construir y afianzar el lenguaje del cine clásico. Plano-contraplano…
● Hace compatible el éxito de público y de crítica. Todo el mundo puede verla y que le guste.
Hitchcock también lo conseguirá.
● Representante de la épica norteamericana. La conquista del oeste, la lucha del hombre contra
la naturaleza, la lucha contra los indios…La idea de los indios no cambia hasta los 60.
● Mundo interior de los personajes. Los personajes tienen una imagen y un mundo interior
destacado, sabes mucho de los personajes con gestos, narraciones… conoces al personajes y
sus mundos atormentados.
● Valores tradicionales. Amistad, lealtad, amor… La gente quiere ver personajes imperfectos
que hacen lo que sea por estos valores.
● Gran director de actores.
● Revitalizador del western elevado a género épico. Es el género por excelencia del cine
norteamericano gracias a él. Del western hay varios subgéneros: peleas con los indios,
búsqueda de oro, spaghetti western…
● Heroes fordianos: personas corrientes que dan la talla para sobrevivir.

Películas improtantes:
The informer (el delator, 1935). Nos habla de la Irlanda del IRA. Nos cuenta la historia de un tío que
es torturado y delata a sus compañeros, por lo que le quieren matar.
The grapes of wrath (las uvas del ira, 1940). Nos habla de la época de la gran depresión, el crack del
29. Nos cuenta la historia de una familia norteamericana del centro del país que se mueve a California
para trabajar en un viñedo. Nos habla de sus penurias para conseguir algo mejor.
How green was my Valley (qué verde era mi valle, 1941). Película ambientada en Gales. Es un país
que está dentro del RU. Nos cuenta una historia del paso de la sociedad rural a la industrial. El
negocio de las minas que llega a un país que es muy verde, que hace que se pase de la naturaleza a lo
industrial.
My darling Clementine (Pasión de los fuertes, 1946). basado en una historia real del salvaje oeste.
Fort Apache (1948). Película dedicada al séptimo de caballería. Nos cuenta la historia de un grupo de
personas que van al Fort Apache que es el límite de las tierras de los indios. Se nos cuenta como
pueden sobrevivir. Los indios y sus problemas le dan igual.
She wore a yellow ribbon (la legión invencible, 1949). Es una película muy interesante en la que hay
un veterano que se va a jubilar, está en el límite con la tierra de los indios. Hay un ataque y va a hacer
su último servicio.
The quiet man (el hombre tranquilo, 1952). Un luchador de boxeo que en un combate deja en coma al
contrincante. Se queda hecho polvo y va a Irlanda. Poco a poco se va adaptando al pueblo, pero le
llaman el americano y en USA le llaman irlandés. Conoce a una mujer y se enamora. Es un retrato del
paso de las costumbres rurales a un nuevo mundo.
The searchers ( centauros del desierto, 1956). Considerada una de las obras más importantes de la
historia del cine. Es un western psicológico, cuenta la historia de una niña norteamericana que es
secuestrada por los indios. Es la historia de su tío que la intenta recuperar, pero cuando la encuentra se
ha convertido en india. Nos cuenta la historia del viaje y la historia atormentada.
The man who shot Liberty Valance (1962). Nos habla de la confrontación dle mundo del este y el
oeste americano. Una mujer que debe decidir entre un vaquero y un hombre trajeado del este. Es una
película crepuscular.
7.4. Stagecoach (La diligencia, 1939), John Ford (EE.UU.) (CP)
Es una película mítica y revitaliza el western, que estaba un poco de capa caída.Es una película que
rueda con united artists, que es una compañía de actores unidos. Los creadores estaban molestos con
las grandes productores, ya que ganaban poco por lo que varios actores decidieron hacer una
productora, pero al final se dan cuenta que no es lo suyo y acaba siendo una más. El guionista es
Dudley NIchols y se basa en la obra Stage to Lordsburg de Hernest Haycox. En verdad la idea original
viene de un cuento de un escrito francés que se llama Boule de Suif (Bola de sebo, 1880). Nos narra
una hsitoria de la guerra franco-prusiana y nos habla de una diligencia que tiene que pasar por el
terreno de la lucha, en la diligencia llevan una prostituta que le llaman bola de sebo y por eso se llama
así. Los demás no la ven bien , pero al final los pasajeros la aceptan ya que les ayuda.

Esta será la primera película importante de John Wayne y se convertirá en la cara del western. Antes
actuaba en serie B, se le dió oportunidad a un actor desconocido para que nos quedemos con la
película y no con el actor. John Wayne actúa de Ringo Kid. La prostituta será Claire Trevor que era la
más conocida de la película. Es una película coral con muchos protagonistas por lo que no hay un
papel más importante que otro.Ringo se enamora de ella (Dallas). Es una historia de dos perdedores.
El otro gran personaje es Doc Boone (Thomas Mitchell), es un buen médico pero tiene un problema
de alcoholismo. Uno de los que van en la diligencia es un marchante de whiskey y se lo roba. El
paisaje también es muy importante en la película. Es la zona de Monument Valley (Utah).

Desde el punto de vista cinematográfico observamos una gran influencia de la pintura tenebrista del
barroco como de Caravaggio o George de la Tour. Las persecuciones son parte importante de la
película. El viaje va de Totno a Lordsburg.

Escena 1: 17:30. Escena Hey Ringo.

Siempre que se mueve la diligencia y hay buen rollo se escucha esta música. Es un plano en el que
observamos como la diligencia se acerca y nos encontramos un plano del héroe que plantea la
diligencia mientras mueve el rifle, es un travelling que se les desenfoca. No les ha salido bien.
También la escena de John no está rodada el mismo día se nota en la luz. El fondo está difuminado…
Es una retroproyección, hay una proyección detrás. Aparece un contraplano del conductor y el policía
están inquietos y se nota que la luz no es igual. Vuelve al otro plano, que es medio con el fondo
rodado en estudio. Se ve un plano de recurso cerrado donde vemos la diligencia, este también se hizo
en estudio. Aparecen 3 personajes asomados a las ventanas. Es la reacción de todos a la llegada de
Ringo. Vemos un plano desde atrás de Ringo viendo la diligencia, esto si se ha filmado en una
localización natural. Cuando vemos el plano cercano de Ringo y el policia hablando se nota que está
en plato. El policía le dice que se lo lleva “detenido”

Secuencia 2: 46:33-50:00
Invitan al doctor a un trago porque se han salvado gracias a él. La secuencia comienza con un pasillo
en la sombra. Se desarrolla a mitad de película. Esta secuencia es importante, ya que dentro de la
película es un punto de inflexión dentro de la relación de dos protagonistas, Ringo y Dallas. Ringo le
promete vivir y formar una familia en el futuro, pero Ringo va a matar a unos bandidos, por lo que
esto supone una situación jodida para Dallas. Ringo, además, está huido de la justicia y debe pagar. Es
importante para el desarrollo de la película. También, es un secuencia muy intima. La diligencia es
uno de los western más conocidos y es el que rebitaliza el western. John Ford es un director muy
importante y aunque esté bajo las productoras, su forma de trabajar con los actores y sus grabaciones
en lugares abiertos. Es una secuencia en la que estamos de noche en un pasilla y hay un foco de luz al
final del pasillo. Dallas se va y Ringo la mira. Estos dos personajes son dos perdedores que tienen
mucho que ganar y poco que perder. Dallas con el paseo busca salir de ese pasillo estrecho que es su
vida, la esperanza está al fondo del pasillo. Esto nos recuerda al surrealismo, es como un sueño una
mujer de espaldas que va hacia la luz. Ringo va detrás de ella, ya uqe quiere ir hacia la luz, pero
aparece Cris que es el dueño de la fonda donde están y le para. Observamos como Cris tiene una
lámpara. No será tan fácil estar con ella, va a encontrar obstaculos. Vemos una referencia al
tenebrismo y en concreto a George La Tour. Cris le advierte que no vaya a matar a los malos, Ringo
no le hace caso, ya que quiere matar a los asesinos de su padre. Sale fuera, que sería otra secuencia
por lo que las juntamos. Fuera no hay tanta luz, sigue la inquietud, Dallas va paseando y Ringo
también. Son como personajes que van errando , recuerda a las mujeres de Paul Delvaux que pasean
por lugares extraños. La muerte puede llegar de mano de los Plummer, pero los apaches también les
pueden matar al pasar por sus tierras. Aparece mirado hacia arriba ella y él la sigue, música agradable.
Hay una valla , ellos están en el mismo lado de la valla, pero en un momento Ringo pasa la valla y va
por el otro lado, que nos muestra los problemas que todavía les separa. Cuando llega Ringo la
composición se vuelve equilibrada, tiene forma triangular y hay aire a los lados. Ringo se le acerca
más para equilibras más el plano y le cuenta que los Plumber mataron a su padre. Tenemos un plano
cercano entre ellos y vemos un tocón en medio que los separa. Cuando le hace la proposición vemos
un plano corto de Ringo. A ella le empieza a cambiar la cara al oir la proposición. Se ve de nuevo la
confrontación y el tocón en medio. Ellos han sido despreciados en la diligencia y a ella la han
ninguneado. Ellsa siempre ha querido ayudar en el parto, tiene principios y valores que ha mostrado.
Llega el policia como una sombra que es amenazante.

Secuencia 3: 1:04:30
Secuencia de la persecución. Se ve que está grabado en plato y la diligencia huye. Vemos al banquero
que ha robado su propio banco y huye y también el vendedor de whiskey. El banquero es el más
desagradable y lleva el dinero en las manos. Pasan el rio con diligencia. Llegan auna llanura salina y
los apaches los ven. Cuando aparecen la música cambia. La diligencia continua su camino y los
apaches les van a atacar. Piensan que ya ha pasado el peligro y el doctor propone un brindis. Cuando
bebe una flache le alcanza al vendedor de whiskey comenzando la persecución. Vemos un plano
abierto donde se ve toda la llanura donde se hará la persecución. Se pone un cámara detrás de los
conductores y vemos un plano de la escapada. La cámara apunta a los indios y se ve las ruedas desde
el vehículo que les graban. Empiezan a disparar. Es un montaje muy trepidante. RIngo sale de la
diligencia y vemos la tensión dentro. Se ve un plano hecho desde un practicable, una plataforma que
se pone para grabar. Ñuego un plano con una cámara enterrada en el suelo. Dallas protege a la niña.
Derrepente se escucha el séptimo de caballería, que les ayudan contra los apaches. Muere el tahur al
final.

Secuencia 4: 1:13:30
Han llegado al pueblo y es el fin del viaje. Se van a terminar los dilemas de la película. Dallas llevaba
el niño y se lo da. Lucy le da las gracias a Dallas. Entremos en el salón con un plano general de la
gente de la taberna. Dicen que ha llegado Ringo y se para la música. Es un primer plano del malo muy
equilibrado. Se levanta y se va al lado oscuro a la sombra. Dos ases y dos 8 son la mano del muerto,
es una premonición dentro de la película. Cuando habla el Plumper la música se para. Vemos a Dallas
que mira a la diligencia de la que baja el banquero. Le pide al policía que la lleve al rancho. Al
banquero lo detienen por ladrón y así Ringo puede ir a por los malos. Le está dejando ir a por los
malos. Es el paseo previo a la muerte de Ringo o de los malos, es una calma tensa. Entra el doctor en
el salón y se toma un whisky. Los malos le miran, es un momento de gran tensión. Seguimos con el
paseo de la pareja. Se ve el ambiente deprimente de la ciudad con música festiva. Ella piensa que le
van a matar, hay un tocón pero siguen en el mismo lado. El médico se pone en medio y le hace salir
sin escopeta. Llega la prensa diciendo que Ringo va a morir. Se les cruza un gato negro a los malos. El
pueblo se vacía rápido. Ringo sale de la penumbra y entra de nuevo. La música va en crescendo,
cámara desde abajo y empiezan los tiros y los gritos. Se cae el malo en el bar. Tenemos un travelling
que se acerca a Dallas. Pero Ringo tendrá que ir a la cárcel. Ellos se fugan juntos. Todos se rien y se
ve que están felices.

7.5. El cine de Orson Welles. (CT)

Orson Welles (1905-1985)
Creador que irrumpe en el panorama cinematográfico. Trabaja como directo y actor en el propio
ciudadano Kane. Su manera de narrar es muy manierista, está adelantado a su tiempo. Origenes ,
Catherine Cernell, la conoce cuando va a Nueva York. Comienza como actor de teatro. Trabaja en la
radio, leían H.G. Wells, la guerra de los mundo hacienod teatro. R.K.O. ficha a welles pero él dice que
él va a elegir la peli.
Películas:
1ºpeli: el cuarto mandamiento, 1942.
The magneficent Andersons. nos muestra la llegra dle automovil.
Macbeth. 1948.
Othello, 1951.
The lady of Shanghai. 1948. Kita Hayworthy Everest Sloan.
Touch of Evil. 1958.
The Trial, 1962
Hay un momento en el que las productoras caen y Orson Wells actua. El 3º hombre en 1949 y Moby
dick, 1956.
7.6. Citizen Kane (Ciudadano Kane, 1942), Orson Welles (EE.UU.) (CP)
Guionista, Hernan J. Mankiewicz.
William Randolph Hearst, magnate que vive en un castillo.
Director de fotografía. Gregg Toland experimenta muchas cosas por ser su primera película.
Banda sonora Bernard Herrmann.
Montaje. Robert Wise.
Producción. George J. Scharefer confía en Welles.
Dirección artística. Perry Fergusen-
Actores:
Charles Foster: Orson Welles.
Jededaiah Leland: Joseph Cetten.
Dorothy Comingore.

Secuencia 1:
Fallecimiento de Kane.

Secuencia 2: 1:37:28- hasta el final.

En la película se ve como Kane construye su imperio de los medios de comunicación. Empieza con un
pequeño periódico y acaba teniendo todo el poder de los periódicos y medios de comunicación. Kane
se casa 2 veces y la segunda mujer es una parodia de una actriz del cine mudo. La película nos
muestra la investigación de la última palabra que dijo Kane y la vida de Kane hasta su muerte. Esta es
una estructura muy diferente a la que se veía en este momento. La gente estaba acostumbrada a
estructura lineales como en la diligencia y esta no es así.

Vemos un Kane envejecido y discutiendo con su mujer. Se ve una gran fiesta basada en las fiestas que
se hacían en Hollywood. Se ven silencios y plano contraplano mientras hablan, pero en este caso se
juega con un plano contrapicado. Susane decide abandonarlo y se ve esa relación enfermiza. Se ve un
trípode bajo mientras discuten. El problema del trípode bajo es que se ven los techos y hay que
completarlos en el decorado. Se ve un gran decorado que llega a ser incluso barroco. Se ven pausas
marcadas. Vemos un plano contraplano y hay una gran separación entre ellos. Cuando se va vemos un
juego con la profundidad de campo, ella va abriendo puerta y se va alejando.

Saltamos al futuro donde vemos una Susan que habla con el investigador. La cámara se sube por el
techo y nos lleva al rancho Kane. Se ve una escena sombría que solo se alumbra con cigarro. Bajan y
hay una transición con un pájaro que grita y vamos a otra escena. Vemos a Kane de nuevo en la
habitación de Susan solo y desesperado, vemos en un trípode bajo como destroza todo. Se para al ver
la bola de cristal con nieve, que se ve al inicio de la película cuando muere, que tiene esta bola y
muere. Rosebud quiere decir trineo, que nos habla de su infancia que es lo más puro de su vida. Hoy
en día está solo y recuerda su momento de felicidad con su trineo llamado Rosebud. Vamos como sale
de la habitación y vemos un plano donde se ve a Kane de forma infinita. Se dice que el verdadero
Rosebud era como él llamaba al órgano sexual de su mujer la persona en la que está basada Kane. Los
que investigan la muerte se ven y se ve un plano de grua que sube y nos permite ver todas sus
antigüedades. Nos vamos moviendo entre las antigüedades. Se ve un puzzle que simbolizaba la vida
de Kane, Rosebud sería la pieza perdida. Deciden dejar la investigación y se van haciendo planos cada
vez más amplios y un plano aéreo en grúa con el que se ven las riquezas de la casa. Echan cosas al
fuego entre ellas el trineo que se le llama Rosebud. EL enigma de la película se soluciona así.
Volvemos a fuera del palacio y vemos el humo y la valla del principio, que como es una película
circular termina así.
8. Del neorrealismo italiano a los nuevos cines europeos.
Recorrido por las tendencias más importantes del cine de la posguerra a partir de
1945 centrándonos en el neorrealismo italiano, el cine nórdico y la eclosión de la
Nouvelle vague y los nuevos cines europeos.

8.1. Neorrealismo italiano. (CT)

Empieza en 1945 y los nuevos cines europeos son los que se desarrollan en Europa en los 50. El
neorrealismo es el inicio del cine de autor en Europa. Hay que tener en cuenta que Italia es uno de los
perdedores de la guerra. En Italia nos encontramos con una situación complicada ya que la caída del
fascismo creó un momento de postguerra. En la época fascista se hace un cine colosalista, que nos
habla de la historia de Roma en su momento. Italia es un país muy diverso culturalmente. Es un país
destruido por la guerra y los cineastas pretenden mostrar una mirada realista de lo que ocurre en este
momento. Los medios para grabar las películas son limitados y pretenden grabar en las calles y no en
el plato. Esto nos muestra una mirada a la realidad. Si quieres mostrar la realidad no puedes rodar en
un plato. Las películas nos muestra los últimos coletazos de la guerra como la ocupación de los nazis
de Roma… Hay diferentes modos de producción, se usa a gente que nos son actores para darle más
verosimilitud a sus papeles. Utilizan película de celuloide que se meten en latas. Muchos de los
directores se relacionarán con movimientos de izquierda y que están muy orientadas hacia los
campesinos, pescadores… Estas obras serán un precedente para los nuevos cines Europeos de los 60.
El neorealismo será un movimeinto cultural que se desarrolla en otras artes.

La productora más importante es Lux Film, cuyo máximo exponente es Riccardo Guallino. Excelsa y
Produzioni de Sica serán otras productoras más importantes. Cambian el sistema de producción con
las características citadas en el anterior párrafo. Los estudios de Cinecitta servirán para completar las
grabaciones de las películas y para hacer escenas de interiores. Centro Sperimentale di cinematografia
es la escuela por la que pasan todos los cineastas italianos. Esto hace que los cineastas sean personas
con carrera. Uno puede tener una carrera de meritoriaje ( es la persona que empieza desde abajo y que
sirve para trabajar de todo). Los movimientos van emparejados con los medios que los promocionan.
En Italia la promoción la hacen las revistas Bianco e nero y Cinema que hablan del cine nacional e
internacional. En 1949 se celebra el congreso Neorrealista de Perugia donde se hablan de los
problemas dle cine italiano del momento. Aquí se reunen todo tipo de personalidades. Luego hacen
otro congreso en Parma en 1954. Estos congresos son importantes porque influyen en los congresos
del cine del momento. Su influencia llega a España, pero aquí hay un cine oficialista promovido por le
régimen y que intentan hacer un cine diferente pero con limitaciones.

Roberto Rosselini es el director que hace la película Roma Citta aperta que es la que abre la puerta al
neorrealismo. Es una película de 1945. Rosselini es un hombre de izquierda (comunista) pero que se
ve muy influido por la iglesia y el catolicismo. Es una película demoledora y que nos cuenta una triste
historia de guerra. Cuenta la historia de varios personajes reales que mantienen resistencia contra los
nazis en 1945. Los protagonistas son un cura (Aldo Fabrizzi) y una mujer (Anna Magnani)
embarazada que era mujer de un anarquista. Solo dos personajes son actores profesionales, el resto no.
Nos muestra la opresión d elos nazis, la dura vida que tuvieron…. También hace Germania, Anno
zero de 1948 nos muestra la miseria absoluta que tiene que vivir un niño tras la guerra. Luego
también hace la película Stromboli que protagonizó Ingrid Bergman con la que luego se casó. Tras
esto abandona Hollywood y protagonizará las películas de su marido. Stromboli nos cuenta la historia
de una mujer prisionera de los nazis que conoce a un soldado se enamora y viven en una pequeña isla.
Ella hace de mujer del este de Europa, por lo que ella no está adaptada y el marido no le hace ni caso.
Otro director el Luchino Visconti. Este es un director nacido en Milán de origen noble y se adscribe al
movimiento. Hace la película Ossesione de 1942 que se considera que es un antecedente de
neorrealismo. Ella se casa con un señor mayor y se enamora de un hombre más joven, es una película
del 42 que no es neorrealista, pero si precede. En 1948 hace la Terra Trema en 1948, se ambienta en el
sur de Italia y nos muestra la historia de los pescadores del lugar y las mafias que controlan la pesca.
Este pescado decide establecerse por su cuenta y se ve como le boicotean. En 1951 hace Bellisima que
nos muestra la obsesión de una mujer porque su hija gané un concurso de talentos. Esta película nos
muestra más un drama moral.

Guiseppe De Santis es otro director de este movimiento. Dirige la película Riso Amaro de 1949 en el
que las estrellas son las mujeres. El cultivo del arroz es una labor muy minuciosa y necesitan que las
cojan manos pequeñas como las mujeres. Se ve a las mujeres contratadas y las clandestinas. También
va de una pareja que roba unas joyas y se separan. La mujer se oculta como recolectora de arroz.

Federico Fellini es otro director del neorrealismo, pero luego se converitrá en un director de autor y
tendrá gran importancia en el cine italiano de los 60. Hace la película I Vitelloni de 1953. Es una
película que nos cuenta el aburrimiento en Rimini y una cuadrilla de amigos que hacen bromas y
tonterías.

Michelangelo Antonioni también es un director muy personal y que será un exponente del nuevo cine
italiano de los 60 haciendo un cine propio y exquisito. Su película más emblemática es Crónica de un
amor de 1950.

Sofia Loren y Marcello Mastroianni serán los actores más importantes del cine. Otros actores son
Gina lollobrigida, Vittorio Gassman o Silvana Mangano.

Se hacen coproducciones como Don Camill de Julien Duvivier. Que nos muestra la vida de un cura de
un pueblo y un alcalde del partido comunista. Se hace en 1951. El cura habla con Dios y el alcalde
discute con él pero se aman en silencio. Tienen la misma altura y complexión, por loq ue en todas las
películas se dan de hostias por sus diferencias políticas, pero cuando hay un problema se juntan.
Influye en películas como Bienvenido Mr Marshall.

8.2. Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas, 1948), Vittorio de Sica (Italia) (CP)
Vittorio es uno de los grandes directores y fue actor en la época de Musolini. Es importante para
entender a Sica , el papel de Cesare Zavattini y Sergio Amidei. Estos también influyen en el cine
español. Entre las películas de Sica destacan:
Sciuscia (el limpiabotas, 1946). Nos cuenta la historia de un grupo de niños que limpian zapatos en
Roma. Es un momento en el que están los Americanos en Roma y los niños les limpian los zapatos.
Los niños actúan de gran forma.
Miracolo a Milano (Milagro en Milán, 1951). Es una película que nos habla de la situación de los
pobres en el extrarradio en Milán, pero aquí prevalece la magia sobre la realidad, algo raro en el
neorrealismo.
Ladri di Biciclette (Ladrones de bicicletas, 1948). Es una película que se considera como una de las
obras maestras del neorrealismo. La trama es sencilla y nos cuenta la historia de Antonio Ricci un
hombre en paro que vive en los extrarradios, llega un empleado municipal y le da el trabajo de
pegador de carteles, que necesita una bicicleta. deciden desempeñar la bicicleta y cuando pega unos
carteles le roban la bici. Nos muestra la angustia que vive al intentar recuperar la bicicleta. El y su hijo
la buscaran por todo tipo de sitios. Nos muestra la Roma de la postguerra. Es un gran drama, pero no
nos muestra unas historias tan grandes como otras películas. La película se basa en un relato de Luigi
Bartolini. Alessandro Cicognini será el que haga la música para la película. Los dos actores
protagonistas son Lamberto Maggiorani y En Staiola. Lamberto que hace de padre no fue al casting,
llevó a su hijo pero a De Sica le gusto y lo contrató. Enzo Staiola es una de las mejores actuaciones
infantiles jamás hecha.

Secuencia 1: 0-:9:00
Observamos en un traveling el extrarradio de Roma y el autobús de la empresa. Música triste.Primer
plano donde el funcionario llama Ricci es un ligero contrapicado. Ricci es una persona muy vaga, le
falta un empujón para espabilar. Un chico va a buscar a Ricci, aparece haciendo el vago. La cámara es
muy móvil. Hay un plano -contraplano, cuando aparecen hablando. El montaje es rápido, los demás
esperan mientras el otro está haciendo el vago. Le dicen que necesita bicicleta y este ya duda diciendo
que tiene y no. Los otros dicen tenerla, se ve hombres con actitud para trabajar. Vemos un plano donde
se ve el extrarradio de forma marcada. Va a hablar con su mujer que es muy activa, aparece
trabajando. María es una mujer con actitud. Es un agonías, se queja de todo. Ella le sigue con los
baldes y este le deja ahí, así se define el personaje. Solo le coge el balde cuando baja una cuesta.
Llegan a un portal muy humilde. Sica se anticipa donde se mueven pone la cámara encima de las
escaleras. Entran en casa que es muy pequeña, con un pasillo largo y dos habitaciones. Cierra la
puerta y estamos al final del pasillo, se adelanta. Él se sienta y María no para de moverse y busca
soluciones. En el siguiente plano nos encontramos en la sala de empeños con un plano-contraplano.
Ella lleva toda la negociación. Van a otra ventanilla y se enlaza una escena con otra con estas
ventanillas, la de la bicicleta es más grande (esperanza). Pasa el de las sábanas.

Nueva escena donde aparecen ya en el trabajo, Sica es muy cinéfilo y son carteles de cine los que
pegará Ricci(Gilda).

Secuencia 2: 16:20-21
Secuencia en la que le roban la bicicleta. Parece haber un atisbo de esperanza. Antes nos presentan a
Bruno, el hijo de Ricci que será su gran valedor. Música muy alegre cuando van en bicicleta. Llegan a
la gasolinera donde deja a Bruno. Es un chaval activo como la madre. Vemos un raveling de cómo va
a Rom- Vemos cómo se va del extrarradio al centro monumental. Le enseñan a pegar carteles., se
sigue la música agradable. Ricci pega un cartel de la película Gilda. Contraste entre el Neorrealismo
con un personaje modesto y el cartel de una de las divas de Hollywood. Se abre el campo y podemos
observar la calle. Le ha enseñado como hacer el trabajo y Richi va a moverse. Vemos una escena
donde anda pegando el cartel, la cámara hace un movimiento y vemos una calle llena de gente y
vemos la bici que es el objeto que quiere el ladrón. Vemos al ladrón que está moviéndose por la zona.
Cámaras muy movidas, le vemos escondiéndose entre coches. Le ha robado la bicicleta y el gancho le
engancha, pilla una cuesta abajo y lo pierde. Sube a un coche que le lleva, pero no es el ladrón de
bicicleta. ya ha perdido la bicicleta, meterse en el túnel es una bajada a los infiernos en otras películas
y aquí es entrar en la oscuridad. Tendrá 2 días para buscar la bicicleta ya que es fin de semana. Sale
del túnel y cada momento malo la música nos lo marca. Vuelve al lugar donde pega el cartel y se le ve
mal. Sigue pegando el cartel, pero no es lo mismo. En otras películas del neorrealismo se hacen
putadas mayores, pero aquí se transmite muy bien la tristeza y la injusticia que se produce.

Secuencia 3: 51:00-57
Les pasan todo tipo de peripecias en la búsqueda de la bicicleta. Bruno se enfada ya que su padre es
un tipo muy egoista que solo piensa en él. El chaval se pira y él piensa que es su hijo uno que se ahoga
en el rio. El padre se da cuenta de lo mal que está el hijo y que tiene hambre y lo lleva a un
restaurante. El niño le rechaza, después vemos un cambio de actitud en Bruno cuando caminan por el
Tiber y les vemos separados por los árboles del camino, pero al final vuelve con su padre. Se sientan
tranquilos, hay partido del Calcio juegan la Roma y el Modena y ven a los hinchas del Modena. Para
que el hijo le perdone le lleva a comer a un restaurante. Vemos un plano-contraplano mientras hablan.
Le entra un pensamiento existencialista de que la vida son dos días y hay que disfrutarlo. Salimos de
la tristeza y entramos al mundo mágico del restaurante. Vemos un plano subjetivo, el restaurante
parece una cueva, con humo y gente vestida bien. Al entrar se le ve dubitativo. Entran y se sinetan, no
les ponen ni mantel (mesa vacia) y en la mesa de al lado vemos una mesa de una familia burguesa con
mantel (mesa llena). Se ponen a beber vino blanco. Los músicos parecen cantar para ellos. Llega el
camarero con la comida. El niño no sabe cortar la comida y el padre no lo hace. Se pone metafísico de
neuvo hablando de la muerte y el pobre come con la mno, mira hacia atrás. Ve como los camareros
ponen más comida en la mesa de los burgueses y mira con cara de asco a Bruno. Vuelve la agonía de
Ricci. Le hace escribir mientras come y hacer cuentas. Él niño le dice de ir a Porta Portese que es
donde están y buscar la bicicleta. Se ve la actitud del niño. La madre ha ido a donde una pitonisa para
saber si van a encontrar la bici y dice Ricci que no sirve de na.

Secuencia 4: 1:12:50-
Han encontrado al ladrón y van a ser linchados. Bruno lo salva y pasan por las inmediaciones del
estadio Olímpico donde se juega el partido. Van al estadio para robar una bicicleta. Se ve como está
obsesionado con las bicicleta y se ve un plano sólo con bicis. Estando con su hijo no quiere que le vea
como roba las bicicletas, ve una solita en un portal. Empieza a deambular y a merodear por todos
lados. Otra vez pasan más ciclistas. Empieza a salir la gente, hay mucho bullicio y la música va en
crescendo, se hace cada vez más intensa. Vuelve a mirar la bicicleta del portal. Se quita el sombrero
tiene nerviso y tensión, mira pa un lado y pal otro mira a Bruno le dice que vaya a coger el tranvía, no
quiere que el hijo le vea robar. Pierde el tranvia y vuelve donde su padre. Este está a punto de robar, la
roba, pero le acaban pillando. Vemos un plano en travelling donde se ve a Bruno que ve lo que pasa.
Le pillan y Bruno intenta ayudar su padre. Bruno aparece entre la gente. Bruno coge el sombreto y
está completamente lloroso. EL dueño ve al niño , el hombre ve el dramón y le deja en paz. Pasa que
se queda con el drama moral de haber realizado algo patético delante de su hijo. La cámara nos
muestra un plano del niño, solo se ve el cuerpo de los adultos. Se ve a Ricci dando uno de lso paseos
más vergonzosos de la historia, va con su hijo sin poder mirarle a la cara. El hijo le acaba agarrando la
mano y le perdona. Un hijo perdona todo a su padre. Ricci llora y vemos un plano de uno y de otro.
Vemos un plano en el que se pierden en la multitud.

8.3. Dreyer y Bergman. Cine nórdico y existencialismo. (CT)

Ingmar Bergman es uno de los grandes directores del mundo nórdico. EL tipo de cine de estas zonas
es un cine muy reflexivo y diferente. Es un director que hace películas en los años 30 y sus películas
tienen distintos temas. Dios, vida después de la muerte, el amor… Son películas muy intelectuales.

El séptimo sello, 1957. Nos cuenta la historia de un caballero medieval que va a las cruzadas y al
volver se encuentra que se le aparece la muerte. El ambiente de la película es el momento de la peste
negra. La muerte le pide al caballero que jueguen una partida de ajedrez y si gana no se lo lleva de
momento. Es un retrato de una Suecia medieval, con una sociedad desmembrada con el tema de la
enfermedad, muerte e inquisición. Los dos protagonistas principales son Antonius Block un hombre
muy religiosos y que se acojona con saber si hay algo más después de la muerte y el escuderon Jöns es
un hombre mundano que no se preocupa por la muerte.
Fresas Salvajes , 1957. Es la historia de un profesor de universidad que le premian y hace un viaje
para recibir el premio y en el viaje le suceden distintas cosas. Es un viaje metafísico también ya que le
pasarán distintas cosas. El viaje lo hace con su nuera que le dice que tiene problemas con el hijo.
Visita a su madre…

Carl Theodor Dreyer es el otro gran director del momento. Comienza su carrera en época del cine
mudo y finaliza en los 60. Sus ejes son el sentido de culpa del luteranismo, los dogmas de la fe, el
tema de la vida después de la muerte, Dios… pero también hace películas donde se habla del amor,
vejez, de cosas más mundanas, pero de forma muy austera y con interpretaciones contenidas.

La pasión de Juana de Aco, 1928. Ambientada en Francia y es una película de cine mudo en la que
destaca al puesta de escena y al fotografía. Juega mucho con el color blanco, el calvario de Juana…
Utiliza mucho los primeros planos que nos recuerdan al cine sovietico. Mucho contrapicado y fondos
desprovistos de decoración, donde destaca al expresividad de los viajes.

Vampyr, 1932. Película hipnótica y extraña que nos habla del vampirismo. Mucha simbología de la
muerte…

A partir de los años 30 se establece en Copenhague y está bajo el paraguas de la productora Nordisk
Film. Dentro de esto estudios tenemos los platos Palladium, donde rueda y las películas se hacen en
exteriores.

Dies Irae, 1943. Al final de su carrera hace muy pocas películas y esta se ambienta en al Edad Media
y el eje es la brujería y la inquisición. Un pastor luterano que es uno de los consultados en la
inquisición para parar la brujería, una de las sospechosas es su muejr, una mujer joven acusada de
brujería. Se ve el dilema de defender a su mujer o hacer lo que debe hacer.

Dos personas, 1944. Película muy minimalista, con 2 personajes que son un profesor universitario y
su alumna, están enrollados y de repente la radio dice de que un profesor rival de él ha muerto. Tanto
uno como el otro tienen motivos para haberlo matado y sospechan entre ellos.

Gertrud, 1964. Reflexión sobre el final de la vida. Una muejr que idealiza el amor, se le pasa el arroz
y que se enamora de un chico joven que para él es solo una conquista. De ella están 2 hombre
enamorados. Se ve el amor no correpondido, las oportunidades perdidas…
8.4. Ordet (La palabra, 1955), Carl Theodor Dreyer (Dinamarca) (CP)
Es una película que cuenta la historia de una familia de 1925 que vive en Jutlandia. Basada en una
obra de teatro de Kaj Munk. En esta función estuvo Dreyer y decidió hacer una película sobre la obra.
Nos cuenta la historia de los Borgen que es una femilia que tiene una granja. Es el padre y 3 hijos. EL
mayor que se casa con una mujer maravillosa, el hijo mediano se volvió loc o estudiando filosofía y se
dedica a predicas pensando que es Jesucristo y el último que es un chico que se quiere casar con la
guapa del pueblo cuyo padre tiene una fe contraria a la que procesan esta familia. La mujer del mayor
se muere en el parto y se ve como lo pasa la familia. Tiene mucha relación con Soren Kierkegaard que
es un filosofo existencialista.

En 1943 se hace la priera versión de Ordet que la hizo Gustaf MOlander. Es una versión más mundana
y que se ajusta a la obra de teatro. Johannes se vuelve loco por estudiar a Kierkegaard, pero se queda
triste por la muerte de su novia.
Secuencia 1: 0-
Empieza la secuencia en la habitación de lso hermanos, donde Anders ve que su hermano no está en la
cama. Este se sale de la cama y va a donde el patriarca, diciéndoles que Johannes ha ido a los dunas
de nuevo. En el otro lado está la habitación de la pareja. La mujer del hermano mayor sale y se le ve
de blanco es una mujer buena y pura que está ebarazada. Mira la ventana y ve como Anders va a por
su hermano. Se ve el clor blanoc y los contrastes. Sale la familia a Johannes. Hacen un travelling de
retroceso y se unen al grupo. Johannes suelta una predica en mitad de las dunas. Él cree que es cristo
resucitado, hay un contrapicado donde se ve el cielo, se ve como se mueve la cámara de forma
circular y la familia se acerca. Vamos a un plano más cerrado de Johannes, donde se dice lamentar de
los que no crean ya que solo los que tienen fe irán al cielo. Hay que tener fe, sin ella no haces nada.
¿Hay vida después de la muerte?.

Secuencia 2:
Ha muerto la mujer y Johannes dice que la va a resucitar. Empieza con un tenue travelling hacia atrás.
La sala del velatorio es completamente blanca. la ropa, el ataúd... es negra. Vemos una composición
completamente equilibrada. El patriarca y el hijo pequeño están presentes y se sientan manteniendo la
composición equilibrada. Entra el marido al velatorio. Vemos el contraplano de lo que hemos visto
antes, hay un reloj parado, se ha muerto y el tiempo ya no sigue. Los personajes muestran el dolor.Es
una escena muy teatral, tiene una cámara fija que se mueve con los personajes. Hay un coche funebre
que llega al patio de la casa. La película está ambientada en 1925 por eso hay caballos tirando. A
pesar del dolor del momento predomina un hieratismo en los personajes que no dicen ni hacen mucho.
Aparece el párroco y el médico. El párroco se relaciona con la fe y el médico con la ciencia. La
explicación de la muerte y Dios se lleva a cabo por medio de la religión. La ciencia nos da otra visión
de la vida. La puesta en escena con los cuadros y las pinturas costumbristas danesas les influyen
mucho. El párroco es un tío muy mundano, es un tío muy normal. El médico dice que el dolor también
puede ser hermoso. Le pregunta al hermano pequeño por Johannes que ha desaparecido. El párroco
hace un rezo, vemos un plano frontal con ella cortada. Nos dice que la muerte es un camino a la
eternidad. Suelta una sarta de tópicos.

Hay una historia de amor entre el hijo pequeño y la hija del sastre que es de una secta. Al haber
muerto Inger el padre de la chica decide que ella ocupe su puesto, ya que es una familia sin mujeres.
Se despiden distintos personajes de ella. El cura y el médico se sientan en una esquina y se despiden
ya que le van a poner la tapa del ataúd. Johannes aparecerá para resucitar a la muerta. Aparece
Johannes que parece haber recuperado la razón. Johannes plantea que hay que rezar para que Dios
actúe. Como no han rezado que se pudra, llega la sobrina que antes le ha dicho que resucita gente le
dice que lo haga. Como ella cree en él la va a revivir. El cura se mosquea , pero el científico quiere ver
lo que pasa. Le pide a Cristo que se levante y ella mueve las manos. La niña sonríe porque ha
resucitado a su madre muerta. El milagro lo hacen el loco y la niña que son las mentes puras y tienen
la verdadera fe. Ella empieza a moverse y los viejos dicen que es Dios. Le pregunta si el niño vive y le
dice que en la casa de Dios. Han recuperado la fe en la metafísica. Pone el reloj en marcha porque
empieza la vida. Vuelve la música ys e acaba la película.

8.5. Nouvelle Vague francesa y otros nuevos cines europeos. (CT)

8.6. Les quatre cents coups (Los cuatrocientos golpes, 1959), François Truffaut
(Francia) (CP)

9. Nuevos lenguajes en el cine estadounidense en las décadas de los 50 y 60.

Desarrollo del paso del M.R.I. al Modo de Representación Moderno (M.R.M) y
estudio de la obra de grandes directores del momento como Alfred Hitchcock y Billy
Wilder.

9.1. Nuevos modos de narrar. M.R.M. (CT)

9.2. The Night of the Hunter (La noche del cazador, 1955), Charles Laughton
(EE.UU.) (CP)

9.3. Alfred Hitchcock, maestro del suspense. (CT)

En lso años 40 llega a USA tras tener una buena carrera en Europa. Hace películas en los 50 y 60 de
las más importantes. Son películas muy adelantadas a su tiempo. En Hitchcock aparece un nuevo tipo
de cine con la crisis de las grandes compañías y a partir de 1945 finaliza la IIWW habiendo un
momento de recesión. En los años 50 se recupera y se promociona la vida familiar. Se empieza a vivir
en las periferias de las ciudades y el cine cambia de hábitos por la televisión. El cine se reinventa y los
americanos tienen que inventar una nueva manera de hacer cine, drive-in. Son los autocines. Se
promueven los multicines, donde hay distintas salas en las que se proyectan películas. Las grandes
productoras de cine se van juntando y se crean los grandes oligopolios de la cinematografía como son
Warner o Paramount. Empieza el nuevo cine que se le llama cine barroco. El cine clásico siempre
seguía un mismo guión, menos con Orson Wells. Películas lineales con un planteamientos , desarrollo
y desenlace, con géneros canónicos. En los 50 y 60 se hacen estructuras más complejas con flashback
o con saltos adelante.

Hitchcock películas:
Rebeca (1940).
Sospecha.
Naufragos.
Recuerda.
Encadenados.
La soga.
Rear Window (la ventana indiscreta (1954). Nos cuenta la historia de un periodista que hace
reportajes de acción, de guerra, fotógrafo que se ha roto la pierna y no tiene nada que hacer. Su cama
está junto a la ventana y cotillea a los vecinos. Es verano y se hacen películas sobre los vecinos. Ve
como una pareja se lleva mal y hay un crimen, un tío mata a su mujer. La novia quiere que deje de
trabajar en reportajes y que se retire. Parodia a la televisión, es una premonición a los realitys shows
de realidad cotidiana. Es como si tiene un mando y en cada ventana ve una historia diferente.
Vértigo (De entre los muertos, 1958).
North by northwest (con la muerte en los talones, 1959). A un tipo le persigue por confusión para
matarlo, el prota es citado en la nada y es atacado por un avión fumigador y el final es en el Monte
Rushmore.
The birds (los pájaros, 1963). Pueblo de costa en la que los pájaros se vuelven locos y atacan a al
gente.
Alfred Hitchcock presentes (1955-1962). Crea una serie de suspense que empiezan con una pequeña
introducción que hace él. Al final del capítulo vuelve a salir y da una moraleja. Sale en todas sus pelis.

Psycho (Psicosis,1960), hizo películas de grandes presupuestos y con grandes actores, pero cuando
empezó a hacer su serie de televisión, intentó hacer lo mismo en la televisión. Es una película más
abrata que las anteriores y decide hacer una película en blanco y negro, ya que la televisión es de este
color y también contrato a actores desconocidos. Es una película que cuenta la hsitoria de una mujer
que roba un dinero de un empresario al que le dan un sobre de dinero por una operación financiera y
le da el dinero para que lo ingrese en el banco y escapa. Ella tiene un novio que se separa de su mujer
se ven en hoteles baratos y ella se quiere ir con él a Los Angeles. En el Motel de camino conoce a un
recepcionista y pasan una serie de cosas.Basada en la novela de Robert Bloch llamada de la misma
forma y guión de Joseph Stefano.La novela nos habla de un tipo que vivía en un pueblo en USA y que
tenía un transtorno bipolar y que mataba gente. Hitchcock acepta hacer la película a pesar de que
aparezca la America profunda se rueda en el estudio Paramount casi por completo. Bernard Herrman
es el músico de la película y colaboró en Ciudadano Kane. El trabajo de Saul Bass es importante, se le
empieza a dar importancia a los diseños y a los carteles, él los diseña.
Actores:
Anthony Perkins ( Norman Bates). Es un personaje complejo, atormentado y desgraciadamente para
Perkins este papel marcó su carrera. Anthony Perkins será Norman Bates para siempre.
Janet Leigh (Marion Crane). Es la mujer que roba el dinero y una actriz que debe mucho a Hitchcock
y a esta película lo que le permitió conseguir nuevos trabajos. Cuando lleva ropa interior blanca es
cuando no hace nada, cuando va de negro comete delitos.
Vera Miles (Lila Crane). Es la hermana de Marion.
John Gavin (Sam Loomis). Será el amante de Marion Crane.
La casa de la colina es la que se ve desde el motel. Está inspirada en una obra de Edawrd Hopper (The
Hill´s House).
Hay muchas secuelas de Psycho. También está la película de Hitchcock que nos cuenta cómo se hizo.

Características del cine de Hitchcock:

Nos manipula como quiere.
Estilo barroco y manierista.
Tiene un ritmo brutal y tiene momentos de clímax que generalmente está a la mitad de la película.
Originalidad en los planteamientos.
Renovador del lenguaje cinematográfico y es uno de los pocos directores que gusta a los historiadores,
crítica y público.
Como referentes: Expresionismo y Friz Lang.
Es el maestro del suspense.
Pone a gente corriente a la que le pasan cosas muy raras.
Tiene un contenido voyeur (gente que espía a otras personas con deseo sexual). En Psicosis ocurre eso
y en la Ventana indiscreta es la base de la película.
Le gustan las películas en un espacio reducido.
Tiene un concepto, McGuffin. Algo que parece muy importante, pero que no acaba teniendo ninguna
importancia. Ejemplo: El dinero sería es McGuffin el dinero es imprescindible hasta que en un
momento ya no importa. McGuffin viene del nombre de las galletas que se comía al momento de una
entrevista que le preguntaron eso.
También utiliza mucho el travelling zoom.

Secuencia 1:
Empieza con música obsesiva. Empieza con un plano de la ventana de un hotel y va entrnado poco a
poco. Vemos una habitación y observamos a la pareja después del acto. Vemos la diferencia de colores
entre la ropa de los personajes. Blanco-Negro. Ella aparece tumbada, vestida de blanco, inocencia,
pureza… aparece con actitud sumisa. Luego se empiezan a besar y ella le dice de regularizar la
situación, dejar de ser simples amantes. Él intenta hacer lo que puede pero no puede estar atope con
ella por su separación, ella está hasta. Es una trama muy de telefilm. Se ve que están en un espacio
cerrado.

Secuencia 2:
Se lleva el dinero. Hace un fundido entre la oficina y su casa y hemos visto como ella salía del cuadro
y entra de nuevo. Lleva la ropa interior negra porque va a robar. Está el sobre con los 40.000 dolares
es el McGuffin de la película. Ella no para de mirar el sobre que va a generar la desgracia. Vemos un
plano de ella en el coche. No para de escuchar las voces de las personas que conoce, ve al jefe y al
empresario que le ha dado el dinero. Música de tensión y huida. Vemos cómo anochece y está en las
peores circunstancias para conducir. Es por la mañana y aparece un policía que le toca el cristal.
Vemos un plano subjetivo de ella viendo al policía. Usa planos cerrados. Vemos primerísimos planos
y como ella no se puede escapar del policía.

Secuencia 3:
Se compra otro coche para que no le siga la policia. No para de escuchar las voces del jefe que ha
avisado a la policía… Se escucha como con eco ya que le machaca la cabeza. Se pone a llover y va al
motel donde descansará. El motel lo lleva Anthony Perkins. Hay una casa en la colina extraña por la
que pasa una sombra en la ventana. Está en el motel y guarda el dinero. Ella dice que tiene hambre y
él le dice que le lleva comida. Se escucha como la madre grita. Hablan mientras comen. Se ve como la
espía por un agujero se sigue viendo la ropa negra.

Escena de la ducha.
Hace la cuenta del dinero. Ha decidido devolver el dinero y para eso va a la ducha y se purifica. Llega
el tío y le apuñala. Llega como él y ve el muerto. Es una escena con gran cantidad de planos. Es un
espacio pequeño, que se acota más con la ducha. La protagonista muere a la mitad de la película. A
partir de ahora lo será Norman. Es el clímax de la película. Plano desde el suelo que apunta a la ducha
mientras cae el agua. Ella se purifica del pecado, ya que va a devolver el dinero y de repente empiezan
los distintos planos. Llega le moemnto del asesinato, no lo vemos, y vemos 3 planos distintos a la vez.
Da cuchilladas al aire pero no vemos nada, es un plano cenital, con desenfoques primeros planos…
gritos de ella el montaje es rápido. juega con desenfoques para generar angustia. Vemos cuchilladas
más limpias y ella recula y cae. Ella se pone de espaldas , el asesino hye. primerísimo plano de la
mano y luego uno de ella. Va cayendo poco a poco. Agarra la cortina y vemos un cenital con ella
arrodillada y cae la cortina y los ganchos. De Repente volvemos al plano de la alcachofa de ducha la
vemos caer y morir. Vamos al desagüe al que cae el agua y hace un fundido con la espiral que entra al
agua y el ojo de ella, nos alejamos poco a poco. Momento de cámara que nos lleva al dinero que deja
de ser lo importante.

Final.
Llegan al motel y saben que ha muerto aquí. La herman va a la casa de la colina, vemos un subjetivo
de como sube la colina. Está en el porche. La puerta abierta y nos encontramos con unas escaleras con
un pasillo y un sótano. Mientras el amante y el asesino están hablando. Entra en el cuarto de la madre,
un cuarto muy sobrecargado.Plano de un espejo que ve otro. Ve que el colchon tiene la huella del
cuerpo. Va a la habitación de Norman. Forcejean Norman y el tío, ella se esconde debajo de las
escaleras. Ella baja al sótano a ver lo que hay. Ve a la señira Bates que es un cadaver, aparece el tío
vestido de ella y Sam salva a la mujer. Él tiene trastorno bipolar, la suya y la de la madre. Mató a su
madre y la tiene disecada.
Al final vemos a Norman dentro de una habitación cerrada y sentado escuchando la voz de su madre.
Hac eun fundido sutil con la calavera d ela madre.
9.4. Psycho (Psicosis, 1960), Alfred Hitchcock (EE.UU.) (CP)

9.5. Billy Wilder y la comedia irónica. (CT)

9.6. Some Like it Hot (Con faldas y a lo loco, 1959), Billy Wilder (CP)

9.7. De los 50 a los 60: la generación perdida. (CP)

10. El cine desde los 70 hasta el fin del siglo XX.

Repaso a las últimas tres décadas del siglo XX en lo concerniente al cine de Estados
Unidos y Europa, combinando las propuestas más coyunturales con las
independientes.

10.1. Cineastas del nuevo Hollywood. Martin Scorsese. (CT)

10.2. Taxi Driver (1976), Martin Scorsese (EE.UU.) (CP)

10.3. Blade Runner (1982), Ridley Scott (EE.UU.) (CP)

10.4. Evolución del cine independiente norteamericano. (CT)

10.5. Night on Earth (Noche en la tierra, 1991), Jim Jarmusch (EE.UU.) (CP)

10.6. Repaso general del cine europeo en el último tercio de siglo. (CT)

10.7. Trainspotting (1996), Danny Boyle (Gran Bretaña) (CP)

11. Cinematografías periféricas.

Estudio de las llamadas cinematografías periféricas centrándonos en el cine japonés
y el brasileño como ejemplos pujantes de esos cines alejados de Europa y Estados
Unidos prestando especial atención a Akira Kurosawa.

11.1. Akira Kurosawa y el cine japonés. (CT)

11.2. Sichinin no samurái (Los siete samurais, 1954), Akira Kurosawa (Japón) (CP)

11.3. Cine latinoamericano: El caso brasileño. (CT)

11.4. Cidade de Deus (Ciudad de Dios, 2002), Fernando Meirelles (Brasil) (CP)

12. Las otras artes audiovisuales.

Panorámica general de las otras artes audiovisuales atendiendo a la importancia que
adquiere la televisión desde su irrupción en los años 50 del siglo XX sin olvidar
propuestas más actuales como el videoarte y el videoclip.

12.1. La televisión. De los años 50 a la actualidad. (CT) (CP)

12.2. Del videoarte al videoclip. (CT) (CP)