REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN

UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE LA SEGURIDAD (UNES)
SAN CRISTÓBAL – ESTADO TÁCHIRA

HISTORIA DEL TEATRO

NOMBRES: WANDA TORRES

CEDULA DE IDENTIDAD: V-24.275.319

SAN CRISTOBAL, OCTUBRE DE 2019

 INDICE

1. Introducción
2. Nacimiento del teatro
3. Primer período: teatro griego y romano
4. Teatro medieval
5. Teatro del Renacimiento
6. Teatro del siglo XVIII
7. Teatro del siglo XIX
8. Teatro del siglo XX
9. El teatro en Latinoamérica
10. El teatro oriental
 INTRODUCCIÓN

El teatro es un género literario, ya sea en prosa o en verso,

normalmente dialogado, concebido para ser representado; las artes escénicas
cubren todo lo relativo a la escritura de la obra teatral, la interpretación,
la producción, los vestuarios y escenarios. El término drama viene de la palabra
griega que significa "hacer", y por esa razón se asocia normalmente a la idea
de acción. En términos generales se entiende por drama una historia que narra los
acontecimientos vitales de una serie de personajes. Como el adjetivo dramático
indica, las ideas de conflicto, tensión, contraste y emoción se asocian con drama.
El teatro se ha utilizado como complemento de celebraciones religiosas, como
medio para divulgar ideas políticas o para difundir propaganda a grandes masas,
como entretenimiento y también como arte.

ELEMENTOS DE LA REPRESENTACIÓN TEATRAL

Una representación consta sólo de dos elementos esenciales:
actores y público. La representación puede ser mímica o utilizar el lenguaje verbal.
Los personajes no tienen por qué ser seres humanos; los títeres o el guiñol han
sido muy apreciados a lo largo de la historia, así como otros recursos escénicos.
Se puede realzar una representación por medio del vestuario, el maquillaje, los
decorados, los accesorios, la iluminación, la música y los efectos especiales.
Estos elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos,
personajes diferentes, o para enfatizar una cualidad especial de la representación
y diferenciarla de la experiencia cotidiana.
 NACIMIENTO DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. Allí, los atenienses
celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas
primitivas ceremonias rituales irían luego evolucionando hacia el teatro,
constituyendo uno de los grandes logros culturales de los griegos. Lo cierto es que
este nuevo arte estuvo tan estrechamente asociado a la civilización griega que
cada una de las ciudades y colonias más importantes contó con un teatro.
PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANO
TEATRO GRIEGO
Las cuatro formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la
comedia y el mimo. Mientras que las dos primeras estaban consideradas las más
civilizadas, acordes con un espectador adulto, las dos últimas se asociaban con lo
primitivo, y por tanto eran más apropiadas para un público infantil.
Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso pero portaban
máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la
característica del personaje.
- LA TRAGEDIA
La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena,
que tiene un desenlace funesto, es el género en el cual descollaron los escritores
griegos ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES.
Aquí se presentan algunas características de la tragedia:
a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas
(episodios) entre personajes (nunca hay más de tres actores hablando en una
escena) e intervenciones del coro en forma de canciones (odas).
b) Las historias están basadas en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque
el objetivo no fuera simplemente volver a contar esas historias (sobre las que los
poetas se tomaban frecuentes libertades), sino hacer consideraciones sobre
el carácter de los personajes, el papel de la humanidad en el mundo y las
consecuencias de las acciones individuales.
c) Por lo general, eran obras de poca acción y los hechos se relataban a través de
diálogos y canciones del coro.
- LA COMEDIA
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más
antiguas que se conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy
cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una
mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento,
atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los
dioses. Para el siglo IV a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma
dominante.
Luego apareció un tipo de comedia local, muy abundante, llamada "nueva". En las
obras de MENANDRO, el gran autor de comedias nuevas, la trama gira alrededor
de una complicación o situación que tiene que ver
con amor, dinero, problemas familiares y similares. Los personajes son típicos e
identificables, tipos socialmente simples, como el padre miserable o la suegra
molesta.
TEATRO ROMANO
El teatro propiamente romano no se desarrolló hasta el siglo III a.C. Aunque
la producción teatral se asociara en principio con festivales religiosos, la
naturaleza espiritual de estos acontecimientos se perdió pronto; al incrementarse
el número de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. Por eso, no es
de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El gran periodo de
creación dramática romano empezó en el siglo II a.C. y estuvo dominado por las
comedias de PLAUTO y TERENCIO, que eran adaptaciones de la comedia nueva
griega. Las obras se basaban en una intriga de carácter local, aunque las de
Terencio también aportaban un valor didáctico. La estructura de las piezas era
muy dinámica y del gusto del público, y además solían cantarse muchas partes de
la obra.
Este primer período en teoría teatral occidental se denomina clásico, porque
comprende el teatro de las civilizaciones clásicas, de las antiguas Greciay Roma, y
las obras están escritas en las lenguas clásicas, griego o latín.
Alrededor del final del siglo II d.C., el teatro literario había entrado en declive y fue
sustituido por otros espectáculos y entretenimientos más populares.
La Iglesia cristiana emergente atacó el teatro romano, en parte porque los actores
y actrices tenían fama de libertinos, y en parte porque los mimos satirizaban con
frecuencia a los cristianos. Estos ataques contribuyeron al declive del teatro así
como a considerar a las personas que participaban en él como inmorales. Con la
caída del Imperio romano en el 476 d.C., el teatro clásico decayó en Occidente; la
actividad teatral no resurgió hasta 500 años más tarde. Sólo los artistas populares,
conocidos como juglares y trovadores en el mundo medieval, sobrevivieron y
proporcionaron un nexo de continuidad.

TEATRO MEDIEVAL
El teatro español, como el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa,
celebración litúrgica central en la religión cristiana, es en sí misma un ‘drama’, una
representación de la muerte y resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que,
en su afán didáctico por explicar los misterios de la fe a los fieles mayoritariamente
incultos y analfabetos, creen los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los
que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas
representaciones, que tenían lugar dentro de las iglesias, en el coro o parte central
de la nave, se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo
de teatro religioso que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a poco se
fueron añadiendo elementos profanos y cómicos a este tipo de representaciones
que, por razones de decoro, terminaron por abandonar las iglesias y comenzaron
a realizarse en lugares públicos: en los pórticos y atrios de las iglesias, plazas,
calles y cementerios.
TEATRO MEDIEVAL PROFANO
En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera
de las iglesias especialmente en la fiesta del Corpus Christi y evolucionó en ciclos
que podían contar con hasta 40 dramas. Algunos estudiosos creen que, aunque
similares a los dramas litúrgicos, los ciclos surgieron de forma independiente. Eran
producidos por toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las
representaciones podían durar de dos días a un mes. De la producción de cada
obra se encargaba un gremio que intentaba que el tema tuviera que ver con su
ocupación laboral; así los trabajadores de los astilleros podían, por ejemplo,
escenificar una obra sobre Noé.
Como los intérpretes eran con frecuencia aficionados y analfabetos, las obras se
escribían en forma de copla de fácil memorización; no se conocen los nombres de
los dramaturgos.
AUTOS
Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales
(siempre de autores anónimos) y, por supuesto, persistían varios tipos de
entretenimientos populares. Todo esto influyó en el desarrollo de los autos durante
el siglo XV. Aunque extrajeran trama y personajes de la teología cristiana, los
autos diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de
episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban representados por profesionales
como los trovadores y juglares.

TEATRO DEL RENACIMIENTO

La Reforma protestante puso fin al teatro religioso a mediados del siglo XVI, y un
nuevo y dinámico teatro profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos con
su simplicidad parezcan estar muy lejos de los dramas
de Shakespeare y Molière, los temas de la baja edad media sobre la lucha de la
humanidad y las adversidades, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones
más temporales y la reaparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron a la
nueva forma de hacer teatro. Además, la participación de actores profesionales en
las obras fue sustituyendo poco a poco a los entusiastas aficionados.
TEATRO NEOCLÁSICO
Como los métodos de producción y representación clásicos no se conocían
perfectamente, el teatro del renacimiento tomó una forma totalmente nueva con
algunos visos de clasicismo. Esta fórmula se conoce generalmente
como neoclasicismo.
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las
primeras obras eran en latín, pero acabaron por escribirse en lengua vernácula y
solían estar basadas en modelos clásicos. Este teatro no fue una evolución de las
formas religiosas, ni siquiera de las prácticas populares o dramáticas ya
existentes; se trataba de un proceso puramente académico. Eran obras pensadas
para ser leídas, aunque fuera por varios lectores y en público, y con fines
didácticos.
CREACIÓN DE LA ÓPERA
Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de
los intermezzi, en conjunto con los continuados intentos de recrear la producción
clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo XVI. Aunque el primer
teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera se hizo muy popular. A
mediados del siglo XVII, se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en
Italia.
COMMEDIA DELL'ARTE
Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el
público en general se divertía con la commedia dell'arte, un teatro popular y
vibrante basado en la improvisación.
DESARROLLO DEL TEATRO FRANCÉS
A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa.
Este fenómeno dificultó el establecimiento total del drama renacentista. En
aquel tiempo no existían en París edificios expresamente dedicados al teatro; se
utilizaban con ese propósito recintos destinados al juego de pelota. La fuerte
influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que fueron
denominados ballets.
Molière está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas y
comedias de costumbres reciben en su mayoría una influencia directa de
la commedia dell’arte, pero generalmente van más allá de su objetivo específico y
podrían considerarse como observaciones sobre las limitaciones y errores
del género humano. Muchas de sus obras están imbuidas de una cierta amargura.
Molière fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y trabajó con el
objetivo de alterar el estilo histriónico y ampuloso que entonces dominaba la
escena francesa.
TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN
El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales
del siglo XVI. En aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter
neoclásico que se representaban en las universidades; sin embargo, la mayoría de
los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o, en el mejor de los
casos, lo usaban de forma selectiva. A diferencia del teatro continental (creado
con el objetivo de ser presentado ante un público de elite) el teatro inglés se basó
en formas populares, en el vital teatro medieval, y en las exigencias del público en
general.
Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y
al aire libre.
Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del
momento, así como de la evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas
Kyd y Christopher Marlowe dieron lugar al nacimiento de un teatro dinámico,
épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del más
grande genio del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.
TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE ORO
El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este siglo acota uno de los
periodos más fértiles de la dramaturgia universal, si bien la propia forma de
denominar esta época ha sido conflictiva de unos países a otros.
Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran
gestionadas por las hermandades, verdaderos precedentes del empresario teatral
moderno. Van a proliferar los autores, las obras y las compañías. El teatro deja de
ser un acontecimiento restringido para convertirse en un producto competitivo,
sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico
acompaña el nacimiento y desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro.
Dos autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la evolución de este
debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA.

TEATRO DEL SIGLO XVIII

El teatro del siglo XVIII era, básicamente, y en gran parte de Europa, un teatro de
actores. Estaba dominado por intérpretes para quienes se escribían obras
ajustadas a su estilo; a menudo estos actores adaptaban clásicos para complacer
sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare,
en especial, eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para
complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos.
A El rey Lear y Romeo y Julieta, por ejemplo, se les cambiaron los finales trágicos
por unos felices, anulando por lo tanto la intencionalidad del autor.

TEATRO DEL SIGLO XIX

A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y
finalmente acabaron fusionándose y cuajando a principios del siglo XIX, en
un movimiento llamado romanticismo.
TEATRO ROMÁNTICO
El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania, un país con poca tradición
teatral antes del siglo XVIII, aparte de rústicas farsas. Alrededor de 1820, el
romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa.
El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y
presenta a un héroe individual dominado por las pasiones, ya sean éstas virtuosas
o viciosas. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro pero
con una maquinaria escénica y efectos escenográficos suntuosos y aparatosos. La
voz engolada y el verso rotundo triunfa en el teatro romántico español. Su gran
figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio. El tema del burlador es
retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo romántico hace que
sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y
obra ha conseguido que nunca haya dejado de representarse en algún teatro
español.
MELODRAMA
Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con
varias formas populares, condujeron al desarrollo del melodrama, el género
dramático más arraigado en el siglo XIX. El melodrama como literatura es a
menudo ignorado o ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque
aporta imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de
tren.
TEATRO BURGUÉS
Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía
tener la impresión de asistir a un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario
de tres paredes con el objetivo de que el público observe a través de la imaginaria
cuarta pared.
NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL
A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones
psicológicas de los personajes, la preocupación por los problemas sociales,
condujo al naturalismo en el teatro. Acudiendo a la ciencia en busca de
inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte, como el de la ciencia,
debía ser el de mejorar nuestras vidas. Los dramaturgos y actores, como los
científicos, se pusieron a observar y a retratar el mundo real.
APARICIÓN DEL DIRECTOR
El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del
director teatral moderno. Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de
la historia fueron organizadas y unificadas por un individuo, la idea de un director
que interpreta el texto, crea un estilo de actuación, sugiere decorados y vestuario y
da cohesión a la producción, es algo moderno.
REALISMO PSICOLÓGICO
Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la
ineficacia del matrimonio como institución religiosa y social, y los derechos de las
mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes estudios de individuos.
 TEATRO DEL SIGLO XX
Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de
un realismo total, o al menos en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese
objetivo a finales del siglo XIX, una reacción antirrealista en diversos niveles
irrumpió en el mundo de la escena.
TEATRO SIMBOLISTA
Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralización" del teatro, que se
traducía en desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del
siglo XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir del texto y
la interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil
interpretación, más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento
y semejante a un sueño.
TEATRO EXPRESIONISTA
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del
siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y
grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el
escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por
la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.
GRUPOS TEATRALES
Quizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una serie
de grupos de teatro durante la década de 1960. Como ejemplo podemos citar al
Teatro Laboratorio de Jerzy Grotowski y el Teatro de la Crueldad de Peter Brook.
TEATRO DEL ABSURDO
De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, el sentido de lo absurdo
que hizo llevadero un mundo destruido y desilusionado. Lo absurdo, lo que carece
de lógica, lo que de ningún modo se puede vincular o relacionar con un texto
dramático o un contexto escénico, es lo característico de este teatro en el que no
hay acción consecuente, ni caracteres, porque la vida misma de los personajes
carece de sentido.
TEATRO CONTEMPORÁNEO
El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados
Unidos. Sin embargo, el objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se
emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no realistas. Existen
obras basadas en la memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente
simbólicos, proyecciones y otros recursos similares. Incorporan diálogos poéticos
y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado para suavizar el realismo crudo. La
escenografía era más sugerente que realista.
MUSICAL
En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en
forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras
historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a través del diálogo, la
canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar
Hammerstein II perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la
década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical para
convertirse en algo más serio, incluso sombrío. A finales de la década siguiente,
sin embargo, posiblemente como resultado de crecientes problemas políticos y
económicos (de los que el público deseaba escapar), volvieron los musicales
(muchos de ellos reposiciones) bajo un signo de desmesura y lujo, haciéndose
hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.

EL TEATRO EN LATINOAMÉRICA
Se tienen pocas y vagas nociones de cómo pudieron haber sido las
manifestaciones escénicas de los pueblos precolombinos, pues la mayor parte de
éstas consistían en rituales religiosos. Existe, sin embargo, un único texto
dramático maya, descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de
dos guerreros legendarios que se enfrentan a muerte en una batalla ceremonial.
Su representación depende de distintos elementos espectaculares como el
vestuario, la música, la danza y la expresión corporal.
A partir de la época colonial, el teatro se basa sobre todo en los modelos
procedentes de España.
No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano ha adquirido
cierta personalidad, al tratar temas propios tomando como punto de partida la
realidad del espectador a quien va destinado.
El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y
para obreros, y es autor del texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La
Candelaria se han preocupado además por realizar un teatro que sirva como
medio de discusión de la realidad social, sin dejar al margen el aspecto
espectacular y estético del drama.

EL TEATRO ORIENTAL
El teatro oriental en general (de la India, China, Japón y el Sureste asiático) tiene
ciertas características en común que lo distinguen claramente del teatro
posrenacentista occidental. El teatro asiático es presentacional, ya que la idea de
representación naturalista es del todo ajena a él. Aunque los teatros de los
diferentes países varían, en general son obras integradoras de las diversas artes
(una realización de la idea del teatro total de Wagner) que mezclan literatura,
danza, música y espectáculo.
TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO
El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas, complejas y
épicas, estaban estructuradas sobre la base de nueve rasas, o humores, más que
en los personajes, ya que el eje de las obras eran las cuestiones espirituales. Los
escenarios tenían una decoración laboriosa, pero no se usaban técnicas
representacionales. Los movimientos de cada parte del cuerpo, la recitación y la
canción estaban rígidamente codificadas. Las marionetas y el teatro danzado,
especialmente el kathakali, han sido también muy apreciados en varios momentos
de la historia de la India.
En otros lugares del Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma
dominante, en especial el wayang kulit, o marionetas de sombras, en Java. En
algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los actores estudian sus
movimientos para imitarlos.
TEATRO CHINO
El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía
convenciones muy estrictas. Desde el siglo XIX, sin embargo, ha sido dominado
por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia primordial a la interpretación,
el canto, la danza y las acrobacias más que al texto literario. De hecho, la
representación puede describirse como una colección de extractos de varias obras
literarias combinados con una exhibición acrobática. La acción tiende a ser oscura
y el énfasis se centra en la habilidad de los actores. El escenario es una
plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son
estilizadas, los papeles codificados y el maquillaje es elaborado y grotesco;
los colores son simbólicos. Bajo el gobierno comunista la temática ha cambiado,
pero el estilo ha seguido siendo más o menos el mismo.
TEATRO JAPONÉS
El teatro japonés comenzó en el siglo VII (d.C.) y es quizá el más complejo de
Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el
teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-música-teatro
extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato
de un hecho o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del
nô tuvo lugar en el siglo XV. El kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo
y contenido. Otros géneros dramáticos japoneses son el bugaku, un refinado
teatro danzado, así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en
el que los intérpretes sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de
tamaño natural. Todas las formas dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la
tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en valores opuestos a los del
teatro occidental.