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lunes, marzo 28, 2022

Albert Edelfelt (1854-1905) & Akseli Gallen-Kallela (1865-1931) : El Alma de Finlandia

 
Albert Edelfelt
Transporte del ataúd del niño (el funeral de un niño) 1879
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Formado en París en el estudio de Jean-Léon Gérôme (1824-1904), Albert Edelfelt pasó del historicismo al retrato oficial o social sin mucha originalidad. Afortunadamente, en este recorrido demasiado accidentado, hay paisajes, finlandeses , y escenas al aire libre. Esa niña de mirada dura, acompañando a su padre en su bote en medio del Golfo de Finlandia. 
 
Albert Edelfelt
Ristiäissaatto (Bautismo), 1880
Colección Particular

Albert Edelfelt
Jumalanpalvelus Uudenmaan saaristossa (1881)
(Adoración en el archipiélago de Uusimaa)
Paris, Musée d’Orsay

Albert Edelfelt
Leikkiviä poikia rannalla (Niños jugando en la orilla), 1884
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery

Albert Edelfelt
Lauantai-ilta Hamarissa (Sábado por la noche en Hamar, 1885
Statens Museum for Kunst, Copenhague
 
Albert Edelfelt
Talvipäivä Kauppatorilla, harjoitelma
Día de invierno en la Plaza del Mercado (1889)
Ateneum Art Museum

Albert Edelfelt
Ruokolahden eukkoja kirkonmäellä
Mujeres fuera de la iglesia en Ruokolahti,1887
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery

Albert Edelfelt
Kaukolanharju auringonlaskun aikaan 
Kaukolanharju al atardecer, 1889-90
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Albert Edelfelt desempeña un papel importante en la lucha por la independencia del imperialismo ruso, al igual que su compatriota Juhani Aho. Además de su vínculo visceral con su tierra natal, su apego a temas específicamente Finlandeses es parte de un compromiso político real. Esta militancia aflora en varias obras, como el retrato del cantante Larin Paraske, encarnación de la identidad finlandesa. En su cuadro Pescadores finlandeses, el pintor dotará a los tres personajes que miran el horizonte un aire feroz y decidido, símbolo de la patria decidida a luchar contra el yugo del opresor. Distribuida mediante copias, esta pintura se convertirá en un icono de la resistencia patriótica. 
 
Albert Edelfelt
Larin Paraske cantando un Réquiem (1893)
Colección Privada

Albert Edelfelt
Särkkä, 1894
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Albert Edelfelt
Ulkosaaristossa
En el archipiélago exterior (1898)
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Albert Edelfelt
Näköala Haikon yli 
Vista de Haiko (1899)
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Albert Edelfelt
Ukko Karlssonin tupa Haikossa
La cabaña de Ukko Karlsson en Haiko (1905)
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
De manera similar, el paisaje de la isla de Särkkä, puede interpretarse como un manifiesto a favor de la independencia finlandesa, la fortaleza instalada en la isla fue construida en el siglo XVIII para resistir al invasor ruso. La postura diplomática de Albert Edelfelt se consagrará con su nombramiento como comisario de la sección finlandesa en la Exposición Universal de 1900. A través de su compromiso político y estético y su talla internacional, el pintor se afirma como modelo para la joven generación de artistas finlandeses, incluidos Akseli Gallen-Kallela, Helene Schjerfbeck y Magnus Enckell. 
 
Akseli Gallen-Kallela
Paisaje salvaje (1892)
The Gösta Serlachius Fine Arts Foundation, Mänttä, Finlandia
 
Akseli Gallen-Kallela dando la espalda a la modernidad urbana, ancló su trabajo en la naturaleza salvaje de majestuosa belleza, siguiendo el brillante desarrollo de las estaciones, tomando como motivo los densos bosques y los innumerables lagos finlandeses. Sus paisajes vibran con todo el poder de los elementos naturales habitados por fuerzas ancestrales, mitológicas y sagradas. Las nubes se reflejan, a veces opacas, a veces brillantes, dependiendo de si el hielo se ha derretido o deja una fina huella en el agua. La nieve algodonosa inventa nuevas formas. De repente, un árbol corta la horizontalidad del paisaje y destaca la intensa soledad que reina en esta región norteña.
 
Akseli Gallen-Kallela
La Forja del Sampo, 1893
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Akseli Gallen-Kallela
Kalela en invierno, 1896
Colección Particular
 
Akseli Gallen-Kallela
Mary bordando en el porche de Kalela, c.1897
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Akseli Gallen-Kallela
La madre de Lemminkäinen, 1897
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Akseli Gallen-Kallela
Bosque en invierno, 1900
Colección Particular
 
Akseli Gallen-Kallela
Por el río Tuonela (1903)
Estudio para los frescos del mausoleo de Jusélius
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Akseli Gallen-Kallela
El Fauno, 1904
Museo de Bellas Artes, Budapest
 
Akseli Gallen-Kallela
Nubes sobre el lago, 1904
Museo Gallen-Kallela, Espoo, Colección Kauranen
 
Akseli Gallen-Kallela
El Gigante Pike, 1904
Helsinki, Ateneum, Finnish National Gallery
 
Akseli Gallen-Kallela
El lago Keitele, 1905
National Gallery, Londres
 
Etnográfico en sus inicios, se nutre del pensamiento esotérico de finales del s. XIX para mostrarse de una amplitud inigualable a principios del siglo XX. Esta evolución va acompañada de un cambio de estilo que tiende hacia el simbolismo desde el naturalismo. La construcción de su casa estudio Kalela en 1894, alejada de las ciudades y la modernidad, ocupa un lugar central en la definición artística y conceptual del papel del artista en la naturaleza. Dentro de este microcosmos vuelto tanto hacia el exterior como hacia el interior, Gallen-Kallela intentó materializar un ideal artístico que se expresa con fuerza en su trabajo. 
 
Akseli Gallen-Kallela
Noche de Primavera, 1914
Colección Particular
 
Akseli Gallen-Kallela
El lago Ruovesi en invierno, 1916
Colección Particular
 
 

martes, enero 04, 2022

George Wesley Bellows (1882 - 1925)

 
George Bellows sentado delante de "Dempsey and Firpo", 1924
Fotógrafa: Florence Vandamm
 
El pintor realista estadounidense George Wesley Bellows (1882-1925) fue un creador que a la vez era un compendio de multitud de facetas: atleta y artista, partidario de la guerra y a la vez crítico del gobierno, activista socialista y miembro de elitistas círculos sociales. Un auténtico compendio de contradicciones y a la vez la más pura expresión del ser estadounidense. Y, no obstante esa complejidad se pierden con demasiada frecuencia en el análisis de la obre de esta artista que murió a los 42 años. 
 
George Wesley Bellows
The Cross-Eyed Boy (1906)
Mead Art Museum

George Wesley Bellows
Club Night (1907)
National Gallery of Art, Washington

George Wesley Bellows
Forty-two Kids (1907)
National Gallery of Arts, Washington
 
George Wesley Bellows
Up the Hudson (1908)
The Metropolitan, New York

George Weley Bellows
Both Members of This Club (1909)
National Gallery, Washington

George Wesley Bellows
Stag at Sharkey's (1909)
Cleveland Museum of Art
 
Nació en Columbus, Ohio, donde se quedó en la universidad estatal hasta 1904, cuando abandonó sus estudios, así como la oportunidad de jugar béisbol profesional, y se trasladó a Nueva York en busca de una carrera artística. Allí, conoce a Robert Henri de quien será alumno y quien en ese momento enseñaba en la Escuela de Arte de Nueva York. Mientras estudiaba, Bellows se asoció con Henri exponiendo en la histórica "The Eight" (una exposición reivindicativa contra la estrechez del gusto de la National Academy of Design) y la Escuela Ashcan, un grupo de artistas que defendían la pintura de la sociedad estadounidense contemporánea en todas sus formas. En 1906, Bellows y su compañero de estudios de arte Edward Keefe habían establecido un estudio en 1947 Broadway.
 
George Wesley Bellows
Blue Snow, The Battery (1910)
Columbus Museum of Art
 
George Wesley Bellows
Shore House (1911)
Colección Privada

George Wesley Bellows
New York (1911)
National Gallery of Art, Washington

George Wesley Bellows
Men of the Docks (1912)
National Gallery de Londres

George Wesley Bellows
Cliff Dwellers (1913)
Los Angeles County Museum of Art

George Wesley Bellows
Love of Winter (1914)
Art Institute of Chicago

George Wesley Bellows
River front No. 1 (1915)
Columbus Museum of Art
 
Con trazos agresivos y una paleta oscura, el grupo dirige sus pinceles hacia las calles inquietas y espacios sociales de Nueva York, particularmente los barrios de inmigrantes, en un momento de gran transición en la ciudad. Según Henri, era un "arte por el amor a la vida", no "un arte por el arte".
 
George Wesley Bellows
Business Men's Class (Business Men's Class, Y.M.C.A.), 1916
Brooklyn Museum

George Wesley Bellows
Splinter Beach, (1916)
National Gallery of Arts, Washington

George Wesley Bellows
A Stag at Sharkey’s (1917)
Indianapolis Museum of Art

George Wesley Bellows
The Shower-Bath, (1917)
National Gallery of Arts, Washington

George Wesley Bellows
The Barricade (1918)
Birmingham Museum of Art

George Wesley Bellows
A Knock-Out (1921)
Museum of Fine Arts, Houston
 
Las pinturas de Bellow sobre el boxeo, son la sintetización de la cinética y la violencia de finales de una era dominada por las máquinas, y quizás son el mejor reflejo de la energía de los artistas de Ashcan y continúan estando entre las obras de arte más reconocibles del grupo en la actualidad. Esas imágenes, eran para Bellows parte de un interés más amplio por capturar la esencia de la vida estadounidense a principios del siglo XX. Hoy en día esas obras son por las que mejor se le identifica.
  
 
George Wesley Bellows
Counted Out, first stone, (1921)
National Gallery of Art, Washington
 
 
George Wesley Bellows
Counted Out, second stone, (1921)
National Gallery, Washington
 
George Wesley Bellows
The Law Is Too Slow (1922-1923)
Boston Public Library
 
George Wesley Bellows
Business Men’s Bath (1923)
Whitney Museum of American Art
 
George Wesley Bellows
River-Front, (1923-24)
The McNay Collection

George Wesley Bellows
Dempsey and Firpo (1924)
Whitney Museum of American Art

Fue un creador con una gran amplitud de visión, ya que también realizó fotografías de Penn Station, del río Hudson y del océano Atlántico; pintó retratos de sus amigos y seres queridos, a menudo con efectos inquietantes; y produjo una serie de escenas espantosas y muy controvertidas de brutalidad en tiempos de guerra. Para esta última categoría, así como para otras imágenes radicales, recurrió a la litografía, ayudando a legitimar una forma de grabado que en ese momento era ridiculizado por artistas serios como una pálida aplicación comercial.