Beth F Kearney
I have over four years of experience in higher education teaching, research, and administration. In 2022, halfway through my PhD programme, I took up the role of Lecturer in French Studies and Acting Convenor of the French Discipline at the University of New England. Since 2020, I have been a Casual Academic in French Studies at the University of Queensland. I am passionate about creating an inclusive classroom dynamic and decolonising the French Studies curriculum.
I am currently revising my PhD thesis for publication as a monograph. The project studies contemporary experiments in photography and life writing by women authors from across the francophone world. More broadly, my research focuses on 20th and 21st century women’s literatures and visual cultures across the French-speaking world, with a focus on representations of women’s bodies and subjectivities and on the interactions between literature and visual art. I also have a strong interest in translation, as well as surrealism and modernity in France, fostering a particular interest in the lesser-known women artists and authors of the surrealist movement.
I have published on these topics in both academic and public-facing avenues. My most recent research can be found in L'Ésprit créateur (2023), The Australian Journal of French Studies (2023), Francosphères (2022), La Revue internationale de Photolittérature (2021), and Sociopoétiques (2021), among others. My literary criticism is published in The Australian Book Review, Asymptote, MAI: Feminism and Visual Cultures, and The Conversation.
I am also passionate about working collaboratively within the various research networks of French studies: I am Postgraduate Officer for the Australian Society of French Studies (ASFS) and serve as Co-Communications Officer and Postgraduate Representative for Women in French (WiF): Australia, the sister association of WiF in the United States and the United Kingdom-Ireland. I am also the proud co-host, with Dr Josephine Goldman, of the Women in French: Australia podcast.
Supervisors: Amy Hubbell, Greg Hainge, Andrea Oberhuber, and Véronique Duché
I am currently revising my PhD thesis for publication as a monograph. The project studies contemporary experiments in photography and life writing by women authors from across the francophone world. More broadly, my research focuses on 20th and 21st century women’s literatures and visual cultures across the French-speaking world, with a focus on representations of women’s bodies and subjectivities and on the interactions between literature and visual art. I also have a strong interest in translation, as well as surrealism and modernity in France, fostering a particular interest in the lesser-known women artists and authors of the surrealist movement.
I have published on these topics in both academic and public-facing avenues. My most recent research can be found in L'Ésprit créateur (2023), The Australian Journal of French Studies (2023), Francosphères (2022), La Revue internationale de Photolittérature (2021), and Sociopoétiques (2021), among others. My literary criticism is published in The Australian Book Review, Asymptote, MAI: Feminism and Visual Cultures, and The Conversation.
I am also passionate about working collaboratively within the various research networks of French studies: I am Postgraduate Officer for the Australian Society of French Studies (ASFS) and serve as Co-Communications Officer and Postgraduate Representative for Women in French (WiF): Australia, the sister association of WiF in the United States and the United Kingdom-Ireland. I am also the proud co-host, with Dr Josephine Goldman, of the Women in French: Australia podcast.
Supervisors: Amy Hubbell, Greg Hainge, Andrea Oberhuber, and Véronique Duché
less
Related Authors
InterestsView All (17)
Uploads
Theses by Beth F Kearney
Completed in 3.5 years (Jan 2020 to Dec 2021 and Jan 2023 to June 2024)
RÉSUMÉ
Valentine Penrose est une poète, romancière et collagiste surréaliste moins connue que certaines de ses homologues telles Frida Kahlo ou Claude Cahun. Si les quelques études qui lui ont été consacrées reconnaissent l’omniprésence du féminin et le caractère inquiétant de certaines manifestations de la femme dans son œuvre, les sources de ces représentations n’ont guère été explorées. Pour combler cette lacune, notre mémoire s’applique à analyser l’œuvre de Penrose afin d’y mettre en lumière la présence textuelle et picturale du saphisme littéraire et du roman gothique, deux influences majeures de l’auteure-artiste. En plus d’étudier en détail les collages insérés dans le recueil de poèmes Dons des féminines, nous explorerons également les nombreuses images in absentia du corpus, car nous constatons que l’écriture penrosienne a très souvent recours aux effets de style « picturaux ». Par conséquent, au fil de nos analyses, nous allons osciller entre une étude littéraire et une approche intermédiale des rapports texte/image, afin de mettre en relief la réactualisation polymorphe de deux traditions ; la présence du saphisme et du gothique transparaît à travers l’emploi de certaines figures de femme, les partis pris thématiques de Penrose, le choix des décors et des trames narratives. Au terme de la présente étude, nous aurons mis en évidence trois figures de femmes propres à l’univers penrosien : la femme-nature, la fugueuse et la rebelle exemplifient, à nos yeux, la manière dont l’œuvre de Penrose se situe à la croisée du saphisme littéraire et du roman gothique.
ABSTRACT
Valentine Penrose was a surrealist poet, novelist and collagist, less well-known than many of her female counterparts such as Frida Kahlo or Claude Cahun. Albeit few, there are studies on Penrose that recognize both the omnipresence of women and their often disquieting portrayal. The origins of these representations remain, however, largely under-explored. In order to fill this considerable lacuna in existing knowledge on Penrose’s work, this thesis will analyze her œuvre, highlighting the textual and pictorial presence of two major influences: literary Saphism and the Gothic novel. In addition to analyzing the collages that accompany the poetry in Dons des féminines, we will also study the corpus’ many images in absentia, as we believe that Penrose’s style very often has recourse to “pictorial” literary devices. Consequently, throughout our analyses, we adopt both a literary and an intermedial approach, looking closely at both textual and pictorial representations of women in order to demonstrate the polymorphous borrowing of two traditions; Saphism and the Gothic appear via the representation of certain characters, Penrose’s thematic biases and the choice of particular spatial environments and narrative structures. The present study thereby sheds light on the representation of three female figures specific to Penrose’s universe: the woman of nature (la femme-nature), the fugitive (la fugueuse) and the rebel (la rebelle) each exemplify the way in which Penrose’s œuvre is located at the crossroads of literary Saphism and the Gothic novel.
Special Issue (Guest Editing) by Beth F Kearney
Book Chapters by Beth F Kearney
Academic Articles by Beth F Kearney
This article examines Lê's deployment of photography, performance, and writing as media through which the Vietnamese overseas preserve, contest, and transmit the past in the present. Lê's novel as kaleidoscope reflects the multilayered heterogeneity of the diaspora through the lens of its second generation, who are ambivalent agents of cultural memory, unable or unwilling to grapple with these shifting fragments of the past. The image of Saigon, April 30, 1975 is fragile with their children. And just as the Saigon left behind exists no more, the image of this lost Saigon, Lê's novel suggests, will one day also be lost.
In her 2021 novel Ady, soleil noir, Guadeloupean author Gisèle Pineau draws on her imaginative and historical skills to reimagine the life and subjectivity of Adrienne Fidelin (1915-2004), a Guadeloupean dancer in 1930s Paris and a littleknown muse, model, and lover of American photographer Man Ray. Winner of the 2021 Prix du roman historique, the book offers a compelling interpretation of how Fidelin, staged as the first-person narrator 'Ady', may have understood her identity among artists of the avant-garde milieu and as a woman of colour within the context of 1930s Paris. This article examines the 'disorderly' subjectivity of the novel's narrator-protagonist, to adopt Kaiama Glover's term, arguing that she negotiates the challenges underpinning her status as a woman of colour in Western avant-garde culture and, in doing so, chooses to prioritize her own selfhood.
Abstract: The two photoliterary works studied here, Finges. Forêt du Rhône (1975) and Le fleuve un jour (1997), stem from close collaboration between the woman of letters S. Corinna Bille (1912-1979) and the photographer Suzi Pilet (1916-2017). Through their poetic portrayal of the Swiss forest, the collaborators display an artistic bond born from friendship, but also from their shared love of the Valais region. Sharing will operate as a key idea in this article, as three different manifestations of the notion will be studied: I will thereby explore the sharing of experiences between friends, the sharing of an artistic vision by creating mutual illustrations (P. Edwards) and the theme of "sharing bodies". Throughout this exploration of sharing as a polymorphous concept underpinning the two works, attention will also be focused on the marvellous, understood as the literary register of the fairy tale which, within the combined universe of this creative couple comprised of two Swiss artists, binds itself not only to the text, but to the photographic medium.
En ligne: http://phlit.org/press/?post_type=articlerevue&p=3318
RÉSUMÉ : Cet article est une étude sociopoétique de L’Amie prodigieuse (2011), roman de l’auteure italienne Elena Ferrante. La ville de Naples étant notre objet d’étude, il s’agit de déchiffrer le monde selon la perspective de la narratrice, Elena Greco, afin de comprendre la sémiotisation du quartier (le rione italien). Ce dernier, comme évoqué dans le titre du présent article, est représenté comme « un gouffre d’où il était illusoire d’essayer de sortir ». Pour illustrer ce concept, nous allons d’abord mettre en évidence la littérarité et l’évolution intellectuelle d’Elena Greco en explorant les clins d’œil du roman à la littérature virgilienne. Ces intertextes sont en fait révélateurs de certains aspects de l’histoire napolitaine et, plus particulièrement, de l’idée que le rione représente tous les aspects négatifs de Naples, un lieu érigé en mythe comme une ville condamnée. Ensuite, nous enquêterons sur la division symbolique de l’identité d’Elena : d’une part, elle vient d’un milieu violent, vulgaire et gouverné par la mafia et, d’autre part, elle est une jeune femme éduquée qui s’inspire de la littérature et de l’histoire. Cette division identitaire reflète sa perception que la ville, elle aussi, est divisée en deux : le rione dans lequel elle vit est sale et terni par la violence, ce qui contredit l’au-delà « miraculeux » du rione lié à la plage, à l’éducation, à la langue italienne et à la mouvance socioéconomique du pays au milieu du XXe siècle. La ville au-delà du rione anticipe le fait que, dans les romans successifs, Elena réussit à fuir du « gouffre ».
ABSTRACT: This article is a sociopoetic analysis of My Brilliant Friend (2011), a novel by anonymous Italian author Elena Ferrante. By examining Ferrante’s representation of the city of Naples, this article will look at how the perspective of the narrator, Elena Greco, enables us to understand her neighbourhood (the Italian "rione"). The rione is represented as "an abyss from which it was impossible to escape". To illustrate this concept of the rione as an "abyss", this article will first highlight the literary and intellectual evolution of Elena Greco by exploring the novel’s references to Virgilian literature. These intertexts in fact reveal certain aspects of Neapolitan history and, more particularly, the idea that rione represents all the negative aspects of Naples, a city that exists in mythology as a doomed city. Second, the article will investigate the symbolic division of Elena’s identity: on the one hand, she comes from a violent, vulgar environment governed by the mafia and, on the other hand, she is an educated young woman inspired by literature and history. This dual identity mirrors her perception that the city is also divided in two: the rione in which she lives is impoverished and laden with violence, which contradicts the “miraculous” progress that exists outside of the neighbourhood. This “miraculous beyond” is associated with the beach, education, the Italian language and the nation’s socio-economic progress in the middle of the 20th century. The city that flourishes beyond the rione predicts the fact that, in later novels, Elena escapes from the “abyss”.
Consacrée aux déplacements spatiaux d'un couple lesbien, l’œuvre hybride Dons des féminines – créée par la collagiste et écrivaine surréaliste Valentine Penrose – est composée de collages et de poèmes en langues française et anglaise12. « Maria Élona y Rubia3 », comme l'intertitre l'indique dans une police grasse et bouclée au début du livre, fuient la norme hétérosexuelle grâce à un voyage vers des endroits exotiques. Ces derniers sont souvent représentés comme périlleux : du sommet d’une montagne vertigineuse à une jungle touffue, en passant par les bords de mer, un champ de bataille, un hall de danse espagnol et même le ciel vers lequel elles volent dans une montgolfière, les deux aventurières se perdent dans des paysages lointains afin de vivre pleinement le lesbianisme. De ce fait, l’exotisme des poèmes et des collages constitue bien plus qu’un choix esthétique de l’écrivaine-collagiste : le régime symbolique des espaces hors de portée sert à affranchir les héroïnes des contraintes liées au modèle de la femme hétéronormative. Ce concept d’une altérité double (spatiale et identitaire) s’exprime d'abord par la fugue de la protagoniste. Au début du livre, Rubia se soustrait à un mariage avec l’antagoniste masculin de l’histoire, « Cock Norah » qui, comme on le lit dans un poème du livre, « en duel sinistre gagna / La main de Rubia [mais] pas son cœur » (Penrose 1951, n. p.).
Pour démontrer que le lesbianisme – un thème de la plus haute importance chez Penrose – est étroitement lié à la fuite du couple vers Mytilène, le présent article mettra en évidence trois « topographies de l’exotisme », c’est-à-dire trois techniques thématiques liées à la représentation de Lesbos, un espace qui est certes réel, mais aussi symbolique dans la mesure où il se rattache à l’imaginaire saphique. Pour faire apparaître l’exotisme mytilénien, trois pistes d’analyse seront abordées; elles sont rattachées respectivement à la représentation sublime et sentimentale du lieu, à l’esthétique d’abondance qui accompagne les éléments orientaux et même bibliques du livre et, enfin, à l’idée du paradis terrestre teinté de vice.
Lire l'article: http://revuepostures.com/sites/postures.aegir.nt2.uqam.ca/files/kearney_31_0.pdf
RÉSUMÉ: À travers la fictionnalisation de la vie et des crimes d’un personnage historique scandaleux – la comtesse hongroise Erzsébet Báthory (1560–1614) –, La Comtesse sanglante (1962) de Valentine Penrose soulève des questions liées la rétribution et à la justice dans le milieu noble de la Hongrie féodale entre la fin du XVIe siècle et le début du XVIIe siècle. Dans le récit, qui se situe à la croisée des genres biographique et fictionnel, tout laisse à croire que l’héroïne penrosienne – une sorcière, lesbienne et pècheresse – ne subit pas, à la fin du texte, une punition « juste » : après des années de torture sadique de centaines d’innocentes commise uniquement pour satisfaire à son lesbianisme déviant, la protagoniste se soustrait à l’exécution judiciaire à cause du privilège que le nom noble de « Báthory » lui confère. À la place de la mise à mort par les autorités hongroises, Erzsébet est condamnée à l’enfermement à vie dans son château gothique de prédilection, nommé Csejthe. Alors que cette décision judiciaire semble a priori injuste, une lecture plus approfondie du récit montre qu’Erzsébet subit, dans les faits, un châtiment inéluctable. Après la présentation des crimes de la dame noble, l’étude explorera la manière dont La Comtesse sanglante, d’une part, récupère certaines conceptions de la démesure (hybris) et de Némésis telles que pensées pendant l’Antiquité et, d’autre part, emprunte à la tradition gothique le topos littéraire du destin faustien.
ABSTRACT: By fictionalizing the life and crimes of a scandalous historical personality, the Hungarian countess Erzsébet Báthory (1560–1614), Valentine Penrose’s tale La Comtesse sanglante (1962) implicitly foregrounds notions of retribution and justice within the noble and privileged milieu of feudal Hungry from the end of the 16th century to the beginning of the 17th century. In the tale, which resembles at once a biography and a novel, one may think that Penrose’s heroine—a witch, lesbian and, above all, sinner—does not suffer a conventionally “just” punishment: after years torturing hundreds of young girls for no other reason than to satisfy her deviant lesbianism, the protagonist escapes the executioner’s sword because of her noble privilege that the (in)famous name of Báthory affords her. In place of execution, Penrose’s heroine is instead sentenced to life imprisonment in her favourite Gothic fortress, called Csejthe. While this decision by the Hungarian authorities seems a priori unjust, a close reading of the text reveals that Erzsébet does, in fact, inevitably suffer the wrath of Nemesis. After outlining the noblewoman’s crimes, the present study will highlight the ways in which text draws, firstly, on ancient Greek conceptions of characteristic excess (hybris) and Nemesis and, secondly, on the literary tradition of faustianism to describe the existential torture and ineluctable punishment of an infamous Hungarian countess.
En prenant l’exemple d’Y penser sans cesse de Marie NDiaye et de Denis Cointe, l’auteure démontre l’influence mutuelle du visuel et du textuel, ainsi que les divers échanges possibles entre les supports artistiques. Tentant de comprendre les échanges intermédiaux au sein de cette collaboration artistique qui a donné lieu à un objet livresque et filmique, l’auteure décèle trois moments fantomatiques, mettant en lumière une présence-absence oscillant entre les supports : l’effacement identitaire des corps du textuel et du visuel; le langage du portrait qui pénètre l’œuvre; les pliages temporels qui imitent la logique du fantôme. Une véritable œuvre polymorphe, Y penser sans cesse témoigne d’une hantise intermédiale, car elle à la fois annonce et cache les thèmes, corps, lieux et même créateurs grâce aux rapports complexes, fugitifs et surtout fantomatiques entre la poésie, la voix, la photographie et le film.
ABSTRACT
Taking the exemple of Y penser sans cesse by Marie NDiaye and Denis Cointe, the author demonstrates the mutual influence between the visual and the textual, as well as the many exchanges possible between artistic supports. In an attempt to understand the intermedial exchange of this artistic collaboration, which gave rise to a book as well as a film, the author detects three “ghostly” moments shedding light on the present-absence that haunts the supports: the “blank” identities of textual and visual bodies; the language of the portrait that penetrates the entire œuvre; the temporal folding that assumes a “ghostly” logic. A polymorphous work, Y penser sans cesse brings about an “intermedial haunting”, as the work simultaneously uncovers and conceals its themes, bodies, places and even authors as a result of the complex, fleeting and above all ghostly relationships between poetry, voice, photography and film.
Lire l'article: http://sens-public.org/article1436.html?lang=fr
Si Dibutade représente l’origine mythologique de la création artistique, elle symbolise également, même si on a moins prêté attention à ce détail significatif, l’invention par son père. En tant que fille du potier de Sicyone, elle est « de Butades ». De même, Camille Claudel – qui travailla étroitement avec Auguste Rodin, l’un des plus célèbres sculpteurs du XIXe siècle – est une artiste et collaboratrice dont le nom disparaît à côté de celui du maître-créateur, pour rester dans son ombre. L’étude de Claudel en Dibutade moderne se penche sur la femme artiste de la culture gréco-romaine afin de la réinterpréter à la lumière de la modernité. Dans un premier temps, il sera montré que la doxa du XIXe siècle hérite des idées associées à la figure de Dibutade, soit l’obsession, la sentimentalité, et son rôle essentiellement procréatif. L’exemple de Camille Claudel montre que la revendication du statut d’artiste, de la part d’une femme, est liée à l’idée du génie « contre nature » et, surtout, à l’hubris. Dans un deuxième temps, l’analyse d’une sculpture de 1906, Niobide blessée, permettra d’établir une analogie entre la figure mythique de Dibutade et Camille Claudel, prototype de la femme artiste peu reconnue pour son génie de son vivant.
ABSTRACT
Despite her status as the mythological origin of artistic creation, it is less widely acknowledged that Dibutade also symbolizes the birth of her father’s craft. As the daughter the potter Sicyon, she is “of Butades”. Commensurably, Camille Claudel – who worked alongside one of the most valorized sculptors of the XIXth century, Auguste Rodin – is an artist and collaborator whose name disappears beneath the shadow of the master craftsman. This article’s exploration of Claudel as a typically dibutadian figure retrieves notions of the female artist in Greco-Roman culture and reinterprets them in a modern context. This temporal comparison will unpack how the myth of Dibutade can be applied to the modern era: Claudel’s case demonstrates that while XIXth doxa inherits dibutadian concepts of obsession, sentimentality, and her inherently reproductive role, the modern underappreciated female artist is also figuratively tied to conceptions of “unnatural” genius and hubris. The author argues that the 1906 sculpture Niobide blessée foregrounds the analogous relationship between Camille Claudel the mythical figure of Dibutade.
Read: http://musemedusa.com/dossier_6/
Academic Book Reviews by Beth F Kearney
Completed in 3.5 years (Jan 2020 to Dec 2021 and Jan 2023 to June 2024)
RÉSUMÉ
Valentine Penrose est une poète, romancière et collagiste surréaliste moins connue que certaines de ses homologues telles Frida Kahlo ou Claude Cahun. Si les quelques études qui lui ont été consacrées reconnaissent l’omniprésence du féminin et le caractère inquiétant de certaines manifestations de la femme dans son œuvre, les sources de ces représentations n’ont guère été explorées. Pour combler cette lacune, notre mémoire s’applique à analyser l’œuvre de Penrose afin d’y mettre en lumière la présence textuelle et picturale du saphisme littéraire et du roman gothique, deux influences majeures de l’auteure-artiste. En plus d’étudier en détail les collages insérés dans le recueil de poèmes Dons des féminines, nous explorerons également les nombreuses images in absentia du corpus, car nous constatons que l’écriture penrosienne a très souvent recours aux effets de style « picturaux ». Par conséquent, au fil de nos analyses, nous allons osciller entre une étude littéraire et une approche intermédiale des rapports texte/image, afin de mettre en relief la réactualisation polymorphe de deux traditions ; la présence du saphisme et du gothique transparaît à travers l’emploi de certaines figures de femme, les partis pris thématiques de Penrose, le choix des décors et des trames narratives. Au terme de la présente étude, nous aurons mis en évidence trois figures de femmes propres à l’univers penrosien : la femme-nature, la fugueuse et la rebelle exemplifient, à nos yeux, la manière dont l’œuvre de Penrose se situe à la croisée du saphisme littéraire et du roman gothique.
ABSTRACT
Valentine Penrose was a surrealist poet, novelist and collagist, less well-known than many of her female counterparts such as Frida Kahlo or Claude Cahun. Albeit few, there are studies on Penrose that recognize both the omnipresence of women and their often disquieting portrayal. The origins of these representations remain, however, largely under-explored. In order to fill this considerable lacuna in existing knowledge on Penrose’s work, this thesis will analyze her œuvre, highlighting the textual and pictorial presence of two major influences: literary Saphism and the Gothic novel. In addition to analyzing the collages that accompany the poetry in Dons des féminines, we will also study the corpus’ many images in absentia, as we believe that Penrose’s style very often has recourse to “pictorial” literary devices. Consequently, throughout our analyses, we adopt both a literary and an intermedial approach, looking closely at both textual and pictorial representations of women in order to demonstrate the polymorphous borrowing of two traditions; Saphism and the Gothic appear via the representation of certain characters, Penrose’s thematic biases and the choice of particular spatial environments and narrative structures. The present study thereby sheds light on the representation of three female figures specific to Penrose’s universe: the woman of nature (la femme-nature), the fugitive (la fugueuse) and the rebel (la rebelle) each exemplify the way in which Penrose’s œuvre is located at the crossroads of literary Saphism and the Gothic novel.
This article examines Lê's deployment of photography, performance, and writing as media through which the Vietnamese overseas preserve, contest, and transmit the past in the present. Lê's novel as kaleidoscope reflects the multilayered heterogeneity of the diaspora through the lens of its second generation, who are ambivalent agents of cultural memory, unable or unwilling to grapple with these shifting fragments of the past. The image of Saigon, April 30, 1975 is fragile with their children. And just as the Saigon left behind exists no more, the image of this lost Saigon, Lê's novel suggests, will one day also be lost.
In her 2021 novel Ady, soleil noir, Guadeloupean author Gisèle Pineau draws on her imaginative and historical skills to reimagine the life and subjectivity of Adrienne Fidelin (1915-2004), a Guadeloupean dancer in 1930s Paris and a littleknown muse, model, and lover of American photographer Man Ray. Winner of the 2021 Prix du roman historique, the book offers a compelling interpretation of how Fidelin, staged as the first-person narrator 'Ady', may have understood her identity among artists of the avant-garde milieu and as a woman of colour within the context of 1930s Paris. This article examines the 'disorderly' subjectivity of the novel's narrator-protagonist, to adopt Kaiama Glover's term, arguing that she negotiates the challenges underpinning her status as a woman of colour in Western avant-garde culture and, in doing so, chooses to prioritize her own selfhood.
Abstract: The two photoliterary works studied here, Finges. Forêt du Rhône (1975) and Le fleuve un jour (1997), stem from close collaboration between the woman of letters S. Corinna Bille (1912-1979) and the photographer Suzi Pilet (1916-2017). Through their poetic portrayal of the Swiss forest, the collaborators display an artistic bond born from friendship, but also from their shared love of the Valais region. Sharing will operate as a key idea in this article, as three different manifestations of the notion will be studied: I will thereby explore the sharing of experiences between friends, the sharing of an artistic vision by creating mutual illustrations (P. Edwards) and the theme of "sharing bodies". Throughout this exploration of sharing as a polymorphous concept underpinning the two works, attention will also be focused on the marvellous, understood as the literary register of the fairy tale which, within the combined universe of this creative couple comprised of two Swiss artists, binds itself not only to the text, but to the photographic medium.
En ligne: http://phlit.org/press/?post_type=articlerevue&p=3318
RÉSUMÉ : Cet article est une étude sociopoétique de L’Amie prodigieuse (2011), roman de l’auteure italienne Elena Ferrante. La ville de Naples étant notre objet d’étude, il s’agit de déchiffrer le monde selon la perspective de la narratrice, Elena Greco, afin de comprendre la sémiotisation du quartier (le rione italien). Ce dernier, comme évoqué dans le titre du présent article, est représenté comme « un gouffre d’où il était illusoire d’essayer de sortir ». Pour illustrer ce concept, nous allons d’abord mettre en évidence la littérarité et l’évolution intellectuelle d’Elena Greco en explorant les clins d’œil du roman à la littérature virgilienne. Ces intertextes sont en fait révélateurs de certains aspects de l’histoire napolitaine et, plus particulièrement, de l’idée que le rione représente tous les aspects négatifs de Naples, un lieu érigé en mythe comme une ville condamnée. Ensuite, nous enquêterons sur la division symbolique de l’identité d’Elena : d’une part, elle vient d’un milieu violent, vulgaire et gouverné par la mafia et, d’autre part, elle est une jeune femme éduquée qui s’inspire de la littérature et de l’histoire. Cette division identitaire reflète sa perception que la ville, elle aussi, est divisée en deux : le rione dans lequel elle vit est sale et terni par la violence, ce qui contredit l’au-delà « miraculeux » du rione lié à la plage, à l’éducation, à la langue italienne et à la mouvance socioéconomique du pays au milieu du XXe siècle. La ville au-delà du rione anticipe le fait que, dans les romans successifs, Elena réussit à fuir du « gouffre ».
ABSTRACT: This article is a sociopoetic analysis of My Brilliant Friend (2011), a novel by anonymous Italian author Elena Ferrante. By examining Ferrante’s representation of the city of Naples, this article will look at how the perspective of the narrator, Elena Greco, enables us to understand her neighbourhood (the Italian "rione"). The rione is represented as "an abyss from which it was impossible to escape". To illustrate this concept of the rione as an "abyss", this article will first highlight the literary and intellectual evolution of Elena Greco by exploring the novel’s references to Virgilian literature. These intertexts in fact reveal certain aspects of Neapolitan history and, more particularly, the idea that rione represents all the negative aspects of Naples, a city that exists in mythology as a doomed city. Second, the article will investigate the symbolic division of Elena’s identity: on the one hand, she comes from a violent, vulgar environment governed by the mafia and, on the other hand, she is an educated young woman inspired by literature and history. This dual identity mirrors her perception that the city is also divided in two: the rione in which she lives is impoverished and laden with violence, which contradicts the “miraculous” progress that exists outside of the neighbourhood. This “miraculous beyond” is associated with the beach, education, the Italian language and the nation’s socio-economic progress in the middle of the 20th century. The city that flourishes beyond the rione predicts the fact that, in later novels, Elena escapes from the “abyss”.
Consacrée aux déplacements spatiaux d'un couple lesbien, l’œuvre hybride Dons des féminines – créée par la collagiste et écrivaine surréaliste Valentine Penrose – est composée de collages et de poèmes en langues française et anglaise12. « Maria Élona y Rubia3 », comme l'intertitre l'indique dans une police grasse et bouclée au début du livre, fuient la norme hétérosexuelle grâce à un voyage vers des endroits exotiques. Ces derniers sont souvent représentés comme périlleux : du sommet d’une montagne vertigineuse à une jungle touffue, en passant par les bords de mer, un champ de bataille, un hall de danse espagnol et même le ciel vers lequel elles volent dans une montgolfière, les deux aventurières se perdent dans des paysages lointains afin de vivre pleinement le lesbianisme. De ce fait, l’exotisme des poèmes et des collages constitue bien plus qu’un choix esthétique de l’écrivaine-collagiste : le régime symbolique des espaces hors de portée sert à affranchir les héroïnes des contraintes liées au modèle de la femme hétéronormative. Ce concept d’une altérité double (spatiale et identitaire) s’exprime d'abord par la fugue de la protagoniste. Au début du livre, Rubia se soustrait à un mariage avec l’antagoniste masculin de l’histoire, « Cock Norah » qui, comme on le lit dans un poème du livre, « en duel sinistre gagna / La main de Rubia [mais] pas son cœur » (Penrose 1951, n. p.).
Pour démontrer que le lesbianisme – un thème de la plus haute importance chez Penrose – est étroitement lié à la fuite du couple vers Mytilène, le présent article mettra en évidence trois « topographies de l’exotisme », c’est-à-dire trois techniques thématiques liées à la représentation de Lesbos, un espace qui est certes réel, mais aussi symbolique dans la mesure où il se rattache à l’imaginaire saphique. Pour faire apparaître l’exotisme mytilénien, trois pistes d’analyse seront abordées; elles sont rattachées respectivement à la représentation sublime et sentimentale du lieu, à l’esthétique d’abondance qui accompagne les éléments orientaux et même bibliques du livre et, enfin, à l’idée du paradis terrestre teinté de vice.
Lire l'article: http://revuepostures.com/sites/postures.aegir.nt2.uqam.ca/files/kearney_31_0.pdf
RÉSUMÉ: À travers la fictionnalisation de la vie et des crimes d’un personnage historique scandaleux – la comtesse hongroise Erzsébet Báthory (1560–1614) –, La Comtesse sanglante (1962) de Valentine Penrose soulève des questions liées la rétribution et à la justice dans le milieu noble de la Hongrie féodale entre la fin du XVIe siècle et le début du XVIIe siècle. Dans le récit, qui se situe à la croisée des genres biographique et fictionnel, tout laisse à croire que l’héroïne penrosienne – une sorcière, lesbienne et pècheresse – ne subit pas, à la fin du texte, une punition « juste » : après des années de torture sadique de centaines d’innocentes commise uniquement pour satisfaire à son lesbianisme déviant, la protagoniste se soustrait à l’exécution judiciaire à cause du privilège que le nom noble de « Báthory » lui confère. À la place de la mise à mort par les autorités hongroises, Erzsébet est condamnée à l’enfermement à vie dans son château gothique de prédilection, nommé Csejthe. Alors que cette décision judiciaire semble a priori injuste, une lecture plus approfondie du récit montre qu’Erzsébet subit, dans les faits, un châtiment inéluctable. Après la présentation des crimes de la dame noble, l’étude explorera la manière dont La Comtesse sanglante, d’une part, récupère certaines conceptions de la démesure (hybris) et de Némésis telles que pensées pendant l’Antiquité et, d’autre part, emprunte à la tradition gothique le topos littéraire du destin faustien.
ABSTRACT: By fictionalizing the life and crimes of a scandalous historical personality, the Hungarian countess Erzsébet Báthory (1560–1614), Valentine Penrose’s tale La Comtesse sanglante (1962) implicitly foregrounds notions of retribution and justice within the noble and privileged milieu of feudal Hungry from the end of the 16th century to the beginning of the 17th century. In the tale, which resembles at once a biography and a novel, one may think that Penrose’s heroine—a witch, lesbian and, above all, sinner—does not suffer a conventionally “just” punishment: after years torturing hundreds of young girls for no other reason than to satisfy her deviant lesbianism, the protagonist escapes the executioner’s sword because of her noble privilege that the (in)famous name of Báthory affords her. In place of execution, Penrose’s heroine is instead sentenced to life imprisonment in her favourite Gothic fortress, called Csejthe. While this decision by the Hungarian authorities seems a priori unjust, a close reading of the text reveals that Erzsébet does, in fact, inevitably suffer the wrath of Nemesis. After outlining the noblewoman’s crimes, the present study will highlight the ways in which text draws, firstly, on ancient Greek conceptions of characteristic excess (hybris) and Nemesis and, secondly, on the literary tradition of faustianism to describe the existential torture and ineluctable punishment of an infamous Hungarian countess.
En prenant l’exemple d’Y penser sans cesse de Marie NDiaye et de Denis Cointe, l’auteure démontre l’influence mutuelle du visuel et du textuel, ainsi que les divers échanges possibles entre les supports artistiques. Tentant de comprendre les échanges intermédiaux au sein de cette collaboration artistique qui a donné lieu à un objet livresque et filmique, l’auteure décèle trois moments fantomatiques, mettant en lumière une présence-absence oscillant entre les supports : l’effacement identitaire des corps du textuel et du visuel; le langage du portrait qui pénètre l’œuvre; les pliages temporels qui imitent la logique du fantôme. Une véritable œuvre polymorphe, Y penser sans cesse témoigne d’une hantise intermédiale, car elle à la fois annonce et cache les thèmes, corps, lieux et même créateurs grâce aux rapports complexes, fugitifs et surtout fantomatiques entre la poésie, la voix, la photographie et le film.
ABSTRACT
Taking the exemple of Y penser sans cesse by Marie NDiaye and Denis Cointe, the author demonstrates the mutual influence between the visual and the textual, as well as the many exchanges possible between artistic supports. In an attempt to understand the intermedial exchange of this artistic collaboration, which gave rise to a book as well as a film, the author detects three “ghostly” moments shedding light on the present-absence that haunts the supports: the “blank” identities of textual and visual bodies; the language of the portrait that penetrates the entire œuvre; the temporal folding that assumes a “ghostly” logic. A polymorphous work, Y penser sans cesse brings about an “intermedial haunting”, as the work simultaneously uncovers and conceals its themes, bodies, places and even authors as a result of the complex, fleeting and above all ghostly relationships between poetry, voice, photography and film.
Lire l'article: http://sens-public.org/article1436.html?lang=fr
Si Dibutade représente l’origine mythologique de la création artistique, elle symbolise également, même si on a moins prêté attention à ce détail significatif, l’invention par son père. En tant que fille du potier de Sicyone, elle est « de Butades ». De même, Camille Claudel – qui travailla étroitement avec Auguste Rodin, l’un des plus célèbres sculpteurs du XIXe siècle – est une artiste et collaboratrice dont le nom disparaît à côté de celui du maître-créateur, pour rester dans son ombre. L’étude de Claudel en Dibutade moderne se penche sur la femme artiste de la culture gréco-romaine afin de la réinterpréter à la lumière de la modernité. Dans un premier temps, il sera montré que la doxa du XIXe siècle hérite des idées associées à la figure de Dibutade, soit l’obsession, la sentimentalité, et son rôle essentiellement procréatif. L’exemple de Camille Claudel montre que la revendication du statut d’artiste, de la part d’une femme, est liée à l’idée du génie « contre nature » et, surtout, à l’hubris. Dans un deuxième temps, l’analyse d’une sculpture de 1906, Niobide blessée, permettra d’établir une analogie entre la figure mythique de Dibutade et Camille Claudel, prototype de la femme artiste peu reconnue pour son génie de son vivant.
ABSTRACT
Despite her status as the mythological origin of artistic creation, it is less widely acknowledged that Dibutade also symbolizes the birth of her father’s craft. As the daughter the potter Sicyon, she is “of Butades”. Commensurably, Camille Claudel – who worked alongside one of the most valorized sculptors of the XIXth century, Auguste Rodin – is an artist and collaborator whose name disappears beneath the shadow of the master craftsman. This article’s exploration of Claudel as a typically dibutadian figure retrieves notions of the female artist in Greco-Roman culture and reinterprets them in a modern context. This temporal comparison will unpack how the myth of Dibutade can be applied to the modern era: Claudel’s case demonstrates that while XIXth doxa inherits dibutadian concepts of obsession, sentimentality, and her inherently reproductive role, the modern underappreciated female artist is also figuratively tied to conceptions of “unnatural” genius and hubris. The author argues that the 1906 sculpture Niobide blessée foregrounds the analogous relationship between Camille Claudel the mythical figure of Dibutade.
Read: http://musemedusa.com/dossier_6/
Book Translators: John Detre and Beth Kearney
Media Do Not Exist: Performativity and Mediating Conjunctures by Jean-Marc Larrue and Marcello Vitali-Rosati offers a radically new approach to the phenomenon of mediation, proposing a new understanding that challenges the very notion of medium. It begins with a historical overview of recent developments in Western thought on mediation, especially since the mid 80s and the emergence of the disciplines of media archaeology and intermediality. While these developments are inseparable from the advent of digital technology, they have a long history. The authors trace the roots of this thought back to the dawn of philosophy.
Humans interact with their environment – which includes other humans – not through media, but rather through a series of continually evolving mediations, which Larrue and Vitali-Rosati call ‘mediating conjunctures’. This observation leads them to the paradoxical argument that ‘media do not exist’. Existing theories of mediation processes remain largely influenced by a traditional understanding of media as relatively stable entities. Media Do Not Exist demonstrates the limits of this conception. The dynamics relating to mediation are the product not of a single medium, but rather of a series of mediating conjunctures. They are created by ceaselessly shifting events and interactions, blending the human and the non-human, energy, and matter.
Read: https://networkcultures.org/blog/publication/tod31-media-do-not-exist/
Professor Charles Forsdick, University of Liverpool
Professor Celeste Kinginger, Penn State University
Professor Valérie Loichot, Emory University
The label “French Studies” is applied to research and teaching in a range of disciplines united by the common thread of interest in phenomena related to particular sites, those where French is spoken. The notion of site, one from which practitioners are most usually distanced, is thus a primary enabler of our work, but is taken up in a wide range of ways. Rather than being neutral places, spaces or localities, sites carry specific meaning or have particular functions that may vary between disciplines and individuals. The significance of “sites” has been underscored by the restrictions on mobility enforced in response to the pandemic: many of us have found ourselves “un-sited”, removed from a specific point of contact, our sites more than ever out of sight. Yet we have also sought out alternative (often virtual) spaces with which to engage. New locations have become available through Zoom and our own homes have taken on new functions.
Therefore, at a time when mobility and access have been restricted and transformed in ways unimaginable a few years ago, in this conference we want to explore the notion of “site” and what it means in the various disciplines represented in French Studies through papers which illustrate its mobilisation (papers drawing on specific sites) or tackle the significance of “site” directly. How do specific physical spaces (their existence, accessibility or inaccessibility) become meaningful for your work, research, teaching and identity? How are notions of particular places given value? How do certain sites take on meaning through historical or sociocultural events? How do certain spaces exclude or include particular socio-cultural groups? Do they take on different meaning depending on identity categories? What alternative spaces have now become available?
Women in French invites papers for a virtual international symposium focusing on immersion in women's literature and hybrid media (including photo-texts, bande dessinée, theatre, spoken word, blogging, other internet-based media, etc.), with a focus on immersivity as both a pleasurable and productive feature. This online event welcomes presentations from postgraduate students and early career researchers working on questions of gender or feminism in French studies.
Recordings available online:
Day 1
https://youtu.be/tggOIFMIAOU
https://www.sas.ac.uk/videos-and-podcasts/culture-language-and-literature/narratives-selfhood-and-ambivalence-%E2%80%93-day-one
Day 2
https://youtu.be/u6cqRxPu2UQ
https://www.sas.ac.uk/videos-and-podcasts/culture-language-and-literature/narratives-selfhood-and-ambivalence-%E2%80%93-day-two
Day 3
https://youtu.be/fmg2kkVglUE
https://www.sas.ac.uk/videos-and-podcasts/culture-language-and-literature/narratives-selfhood-and-ambivalence-%E2%80%93-day-three
Seminar Series on Bodies, Borders, and Boundaries – Women in French: Australia, Online, 2023 -- Recording available here : https://womeninfrenchaustralia.wordpress.com/seminar-series-on-bodies-borders-and-boundaries/
“Le corps est plus étendu qu’on n’a coutume de le supposer; il est l’unique salle des pas perdus, et tout ce qui y est joué dépend de l’écho.” In Tout près, les nomades (1972), a rare surrealist book by French poet Annie Le Brun and Czech visual artist Toyen, the body is represented as a site of perpetual movement. Complementing one another, Le Brun’s text describes, through an anthropological lens, the mores of an unnamed community of nomads who move across the landscape, while Toyen’s drawings topographically map these nomadic movements across bodily borders. This paper will examine Tout près, les nomades through the lens of nomadism, defined here as a subjective refusal to anchor oneself in a singular space and identity and as a resistance to “home” as a fixed site. This experience of nomadism generates a representation of space with fluid boundaries. In this collaborative work between Le Brun and Toyen, this key interest in borders is explored through the body, suggesting a series of interrelated border-crossings, including corporeal, spatial, and cultural. Our paper thus also seeks to consider the extent to which the ‘body in movement’ is informed by Toyen’s movement between different socio-cultural artistic groups of the European avant-garde, namely Devětsil, Prague Surrealism, and Paris Surrealism.