Apostila de

Educação Musical

Campus Humaitá II

1a série
Ensino Médio 2023

www.educamusicacp2.com.br
Prezado estudante,

Sua apostila de educação musical foi elaborada por seus professores (as) para ser utilizada
como uma diretriz para o conteúdo a ser abordado ao longo desse semestre. Ela é baseada no
programa pedagógico, elaborado pelo Colegiado de Educação Musical do Colégio Pedro II.
Procure trazê-la sempre para as aulas, pois assim você poderá participar das atividades sugeridas
por seu professor (a).

Bom ano letivo!

Conteúdo para a 1ª Série do Ensino Médio:

O que é música? 3
Música: fenômeno social em diferentes culturas 4
Música: linguagem universal? 6
A música indiana 8
A música árabe 9
Gêneros musicais 10
Gêneros musicais brasileiros 11
O Som e seus parâmetros 12
Altura 12
Duração 14
Intensidade 14
Timbre 16
Estrutura e Forma em Música 19
Forma binária 20
Forma ternária 20
Rondó 21
Estrutura e Forma em Música Popular 22
Textura em música 24
Atividades elaboradas durante a pandemia 27
Referências Bibliográficas 31

2
 O QUE É MÚSICA?

A música (do grego μουσική τέχνη - musiké téchne, a arte das musas) constitui-se
basicamente de uma sucessão de sons e silêncios organizados dentro de um período de tempo. É
essencialmente uma prática cultural e humana. Não se conhece nenhum grupo humano que não
se expresse através de sons organizados, mesmo que não chame a isso de música, como nós
ocidentais. Embora nem sempre seja feita com esse objetivo, a música pode ser considerada uma
arte*.

A música estava presente na vida dos povos da Antiguidade, como os Egípcios e Gregos

http://3.bp.blogspot.com/_kKSMTp5RGbM/Rzw15WinQOI/AAAAAAAAAic/xI71MGftOLE/s400/untitled.bmp

http://www.historyforkids.org/learn/greeks/people/pictures/school3.gif

A música desenvolveu-se ao longo da história humana expressando-se como arte, como

uma forma de educar, como terapia, como ritual ou como entretenimento. Tem presença central
em diversas atividades coletivas e sociais, como os rituais religiosos, as festas e funerais. A música
pode ser considerada uma linguagem, a “linguagem dos sons”, pois constrói significados que são
compartilhados social e historicamente.

Homens dançando – pintura rupestre

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bb/Cogul_HBreuil.jpg/300px-Cogul_HBreuil.jpg

* Arte (do latim ars, significando técnica e/ou habilidade) pode ser entendida como a atividade humana ligada às manifestações de ordem estética
ou comunicativa, realizada por meio de uma grande variedade de linguagens1 , tais como: arquitetura, escultura, pintura, escrita, música, dança e
cinema, em suas variadas combinações.2 O processo criativo se dá a partir da percepção com o intuito de expressar emoções e ideias, objetivando
um significado único e diferente para cada obra. (Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte)

3
 Há evidências de que a música é conhecida e praticada desde a pré-história.
Provavelmente, percebendo os sons da natureza, o ser humano sentiu necessidade de uma
atividade criativa que utilizasse sons. Embora nenhum critério científico permita estabelecer seu
desenvolvimento de forma precisa, a história da música confunde-se com a própria história do
desenvolvimento da inteligência e das culturas humanas.

Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Musica

Música - fenômeno social em diferentes culturas

As práticas musicais estão intimamente vinculadas ao contexto cultural que as produziu.

Cada cultura possui seus próprios parâmetros de criação musicais, ou seja, “idiomas” ou
“dialetos” próprios, se usarmos a analogia da música com a língua. Há grande riqueza de
abordagens estéticas e concepções do que é a música e do papel que ela pode e deve ter na
sociedade. Entre as diferenças estão: a maior propensão ao humano ou ao sagrado; a música
funcional em oposição à música como arte; a concepção teatral do concerto contra a participação
festiva da música folclórica e muitas outras.

A Música africana tradicional é rica em diversidade de estilos. A ênfase na percussão é uma marca da
música africana em geral (na foto, podemos ver 5 “djembes”, tambores tradicionais na cultura nigeriana)
http://www.ethnomusic.ucla.edu/pre/Vol11/Vol11media/WILSONintro.jpg

Ao abordar a música em diferentes grupos sociais, tendemos a agrupar, classificar e

analisar tais linguagens musicais. Essas classificações se dão geralmente dentro de nossos
próprios parâmetros de análise. Esse tipo de estudo da música está dentro da chamada
“musicologia”, que possui muitos “ramos”. O estudo da música ocidental abrange a chamada
música erudita (a “grande” tradição ocidental), a música popular em diferentes sociedades, as
músicas tradicionais e a música experimental.

Desde o início do século XX, alguns musicólogos estabeleceram uma "antropologia

musical", que procura mostrar que as obras musicais possuem significados sociais e culturais. Ao
apreciarmos uma obra musical “exótica, não podemos vivê-la e compreendê-la da mesma forma
que os membros dos grupos humanos aos quais elas se destinam. Nos círculos acadêmicos, o
termo original para estudos da música genérica foi "musicologia comparativa", que foi renomeada
em meados do século XX para "etnomusicologia".

4
 O estudo da música engloba tanto a música erudita ocidental
como a música pop e a música étnica
http://www.jornaldiario.com/_admin/modulos/noticias/imagem.php?id=18768
http://graphics.boston.com/resize/bonzai-fba/Globe_Photo/2008/05/15/1210898434_7833/539w.jpg

Para ilustrar a questão do significado das obras musicais em diferentes culturas, o

musicólogo Jean-Jacques Nattiez (um semiólogo da música)* cita uma história relatada pelo
famoso linguista Roman Jakobson, um dos maiores linguistas do século XX e pioneiro da análise
estrutural da linguagem, da poesia e da arte:

“Um indígena africano toca uma melodia em sua flauta de bambu. O

músico europeu terá muito trabalho para imitar fielmente a melodia
exótica, mas quando ele consegue enfim determinar as alturas dos sons,
ele está certo de ter reproduzido fielmente a peça de música africana.
Mas o indígena não está de acordo, pois o europeu não prestou atenção
suficiente ao timbre dos sons. Então o indígena toca a mesma ária em
outra flauta. O europeu pensa que se trata de uma outra melodia,
porque as alturas dos sons mudaram completamente em razão da
construção do outro instrumento, mas o indígena jura que é a mesma
ária. A diferença provém de que o mais importante para o indígena é o
timbre, enquanto que para o europeu é a altura do som. O importante
em música não é o dado natural, não são os sons tais como são
realizados, mas como são intencionados. O indígena e o europeu ouvem
o mesmo som, mas ele tem um valor totalmente diferente para cada
um, porque as concepções derivam de dois sistemas musicais
inteiramente diferentes; o som em música funciona como elemento de
um sistema. As realizações podem ser múltiplas, o acústico pode
determiná-las exatamente, mas o essencial em música é que a peça
possa ser reconhecida como idêntica”. — Nattiez

* Semiologia da música: ramo da musicologia que analisa todos os aspectos que nos permitem
entender um trecho musical na sua totalidade, desde os processos de criação e interpretação de
uma obra, até os de percepção, passando pela estruturação interna de uma obra, a partir da
análise de sua partitura ou de uma gravação.
5
 AUDIÇÃO COMPARATIVA:

Procure ouvir atentamente os exemplos musicais que sua professora irá colocar para
sua turma ouvir. Procure estabelecer possíveis identidades para cada uma delas. De
onde, de quais culturas, países, etnias, grupos sociais elas devem pertencer? De qual
época histórica? Escreva numa folha de seu caderno e depois compare com as
respostas de seus colegas.

Música: linguagem universal?

O professor de literatura e crítico musical J. Jota de Moraes nos oferece algumas reflexões
a respeito do fenômeno musical. Em seu livro O que é Música? (Editora Brasiliense, 1983) destaca
a importância de entendermos a música como um fenômeno universal, ressaltando no entanto
que a música não é uma linguagem universal:

“Parece existir toda uma série enorme de mal-entendidos em torno do lugar-comum que
afirma ser a música uma linguagem universal, passível de ser compreendida por todos.
“Fenômeno universal”- está claro que sim; mas “linguagem universal”- até que ponto?

Certo: ao que tudo indica, todos os povos do planeta desenvolvem manifestações sonoras.
Dos povos que ainda se encontram em estágio “primitivo”- entre os quais ela continua a fazer
parte da magia – às civilizações tecnicamente desenvolvidas, nas quais a música chega até mesmo
a possuir valor de mercadoria, de lucro”[...]

A música balinesa dos gamelões é uma linguagem passada de geração em geração

http://i.pbase.com/u8/cheersjy16/upload/37326205.10.jpg

Contudo, se essa tendência a se expressar através dos sons dá mostras de ser algo
inerente ao ser humano, ela se concretiza de maneira tão diferente em cada comunidade, dá-se
de forma tão particular em cada cultura que é muito difícil acreditar que cada uma de suas
manifestações possua um sentido universal. [...]

6
 A música praticada pelos Sioux, que vivem na América do Norte,
possui significados muito próprios
http://media-2.web.britannica.com/eb-media/67/93267-004-BB8934B7.jpg

Talvez por isso, fosse menos absurdo dizer que a linguagem musical só exista mesmo
concretizada através de “línguas” particulares ou de “falas” determinadas; e que essas
manifestações podem até, em parte, ser compreendidas; mas nunca vivenciadas em alguns de
seus elementos de base por aqueles que não pertençam à cultura que as gerou. E é também
possível que seja pelo fato de sentirmos intuitivamente uma certa distância em relação a elas, por
não pertencerem à nossa cultura que as chamamos de “exóticas”...

A cultura hip hop geralmente agrada

jovens de periferia das grandes metrópoles
http://profile.ak.facebook.com/object3/1290/122/l17530812541_3800.jpg

O texto de J. Jota Moraes nos faz refletir sobre a diversidade de músicas existentes em
todo o planeta. E nos faz perceber que através do estudo da diversidade musical podemos nos
tornar mais tolerantes e abertos às outras culturas existentes dentro ou fora de nosso país,
região, camada social ou como sua geração costuma dizer, de nossa “turma”...

Os bailes funk não são uma unanimidade, apesar de arrastar milhares

de jovens de periferia em todos os fins de semana do Rio de Janeiro
http://g1.globo.com/Noticias/PopArte/foto/0,,10898260-EX,00.jpg

7
 A música indiana

[...] “É inútil procurar, na música indiana, as características da nossa música: a variedade dos contrastes, a ênfase dos
pontos culminantes, o relevo quase espacial da temática, a dinâmica e articulação das frases e a dramaticidade do
desenvolvimento. Expressão de outro modo de viver, de uma outra maneira de pensar e sentir, a música indiana revela
um feitio fundamentalmente diferente da nossa.

Para poder penetrar na essência dessa música, é primeiro necessário habituar o ouvido do tipo de expressividade e à
estrutura da linguagem musical. É necessário habituar o ouvido ao ideal sonoro do indiano e ao seu conceito de forma,
que desconhece a simetria, o rigor geométrico e a quadratura.

Finalmente, é preciso acostumar o ouvido ao sistema intervalar, empregado pelo povo indiano, sistema de caráter
micro-tonal, pois a música indiana desconhece o temperamento igual, ou seja, a subdivisão da oitava em 11 intervalos
iguais, que representa o fundamento da música do Ocidente.

A perfeição de todos esses elementos e da própria articulação da linguagem musical exige de nós tempo, esforço e
paciência e, principalmente, uma modificação completa do nosso comportamento diante das coisas da arte. Pois, ouvir
música, na Índia, não significa gozar, sonhar, edificação passiva; mas sim, participação ativa, penetração, vivência.

A música da Índia é modal. Modal era a música da Grécia antiga e da Idade Média. É música plana, lisa, bem diferente
em seu aspecto sonoro daquilo que estamos habituados a ouvir. Pois ele carece de “sensível”, de tônica e dominante,
no sentido da nossa harmonia funcional, e de toda aquela perspectiva sonora que caracteriza a música tradicional de
nossa cultura e atribui e ela um caráter de lógica e causalidade.”

H. J. Koellreutter. A Música na Índia, 1999.

Texto extraído de:

http://worldsoundmusic.blogspot.com.br/2011/08/musica-da-india-hj-koellreutter.html

Ravi Shankar, um dos mais importantes músicos da Índia (esquerda) e H. J. Koellreutter,

grande estudioso da música indiana (direita)

8
 A música árabe

O termo música árabe pode ser aplicado a vários estilos e gêneros de música distribuídos por vários
países, com culturas diversas, já que a cultura do povo árabe se espalhou por diversas áreas, em especial
no Oriente Médio e na África do Norte.
Ela é caracterizada por uma ênfase na melodia e ritmo, em oposição à harmonia. Há alguns gêneros de
música árabe que são polifónicos, mas normalmente, a música árabe é homofônica.
Tal tradição possui raízes na poesia do período pré-islâmico conhecida como "jahiliyyah" ou "poesia
do período de ignorância". O canto era tarefa confiada às mulheres com belas vozes que aprendiam
também a tocar instrumentos (tambor, ud, rebab, etc...) e em seguida, executavam canções respeitando
a métrica poética.
As composições eram simples, cantadas em um único "maqam" (sistema modal utilizado na música
árabe tradicional). Tanto a composição quanto a improvisação musical são baseados no sistema maqam.
Maqams são executados na música vocal ou na instrumental sem incluir o componente rítmico.
A música árabe divide-se basicamente em três grupos: folclore, peças escritas e improvisos.
A formação instrumental tradicional, comumente chamada de takht charqy, compõe-se de qanun,
alaúde, violino e flauta nay, acompanhados de um instrumento de percussão, em geral o daff. Os
primeiros encarregam-se da parte melódica e o último dá o apoio rítmico. Nas últimas décadas, essa
formação tem sido acrescida de outros instrumentos tradicionais, como o buzuk ou a cawala, e, em alguns
casos, um acordeom temperado com intervalos de quartos de tom, e outros instrumentos como o oboé ou
o clarinete, nos quais esses intervalos também podem ser obtidos. Além disso, por necessidade de
preencher a tessitura com sons mais graves, a viola, o violoncelo e o contrabaixo muitas vezes estão
presentes, sendo esta a formação da maioria das orquestras clássicas.
A música árabe possui mais notas intermediárias que a música ocidental e reconhece três notas entre
os tons inteiros, chamadas quartos de tom (¼ tom). Diferente da música erudita ocidental, construída
sobre intervalos compostos por tons ou semitons, essa linguagem depende também de intervalos de três
quartos de tom. Simplificando, imaginemos que entre o Mi bemol e o Mi natural exista um grau
intermediário cuja convenção é chamar-se Mi meio bemol.
A música árabe baseia-se em alguns modos principais (denominados Maqamat), cada qual com suas
devidas escalas e intervalos. A partir desses modos, ramificam-se outros.

qanun: harpa egípcia Buzuk: guitarra árabe

Fonte: https://bibliaspa.org/musica/a-musica-arabe/istrumentos-musicais-arabes/
9
 GÊNEROS MUSICAIS

Gênero musical é uma categoria criada a partir de elementos comuns compartilhados por
determinadas músicas. Se alguém diz, “esta música é um samba”, subentende-se que a música
em questão compartilha de determinados elementos generativos, tais como: utilização de um
instrumental variado incluindo violão, cavaquinho ou banjo, surdo ou tantã, tamborim, etc;
utilização de textos que exaltam a vida cotidiana das comunidades e da cultura de africana;
utilização de ritmos afro-brasileiros com a acentuação do segundo tempo de um compasso
binário. Enfim, há vários elementos musicais, sociais e culturais que determinam que tal música é
um “samba”.

Existem classificações, como a que define “música indiana”, que são definidas
geograficamente; outras, como “música barroca”, que são definidas historicamente. Outros
gêneros musicais são definidos por requerimentos técnicos e musicológicos. Outros gêneros, por
outro lado, são um tanto vagos, e podem ser criados pelos críticos musicais; post-rock, por
exemplo, é um termo definido por Simon Reynolds. Outros, como a música de videogame, se
definem pela mídia utilizada. Enfim, tais classificações são utilizadas com o intuito de criar
unidade entre músicas. Muitas vezes essa unidade acaba surgindo naturalmente, quando um
conjunto de elementos passam a ser utilizados de forma coletiva, de forma compartilhada,
constituindo significados para determinado grupo.

Atualmente, nos cursos de música de universidades inglesas, estudam-se gêneros musicais

com base em cinco perguntas a serem respondidas, os cinco "W"s:

Em Inglês - em Português
What - O quê?
Who - Quem?
Where - Onde?
When - Quando?
Why - Por quê?

Num teste apresentado em aula de música, toca-se um trecho curto de uma gravação (uns
6 segundos) de uma obra qualquer. A obra pode ser cantada, ou instrumental e de qualquer
época e gênero. Em seguida, os alunos têm de ser capazes de definir o estilo desta, respondendo
as perguntas dos cinco "W"s.*

* Ver exercício na página

Pesquisando na Wikipedia: http://pt.wikipedia.org/wiki/Categoria:Gêneros_musicais_do_Brasil

10
 Gêneros Musicais Brasileiros

No Brasil há uma variedade de estilos e gêneros definidos historicamente,

geograficamente e musicalmente. É muito provável que muitos de nós já tenha utilizado
classificações para as músicas que gostamos, ou que costumamos ouvir. Quem não ouviu frases
similares às abaixo?

“Essa música é um pagode!”

“Adoro um heavy-metal.”
”Eu gosto mesmo é de funk.”
“A música pop é muito boa.”
“Em Pernambuco há muitos tipos de música: o frevo, o maracatu, o mangue-bit...”

Para uma boa pesquisa sobre gêneros musicais brasileiros, podemos procurar no excelente
Dicionário Cravo Albin de Música Popular. Você pode procurar os elementos que definem uma
série de gêneros musicais! Mãos à obra!

http://www.dicionariompb.com.br/

Funk: http://www.dicionariompb.com.br/funk/dados-artisticos

Diferentes gêneros musicais: roda de “choro”; “ciranda”; roda de “samba”; “frevo” de

Pernambuco e uma banda de “rock”

11
 O Som e seus Parâmetros
Os sons têm, basicamente, quatro qualidades: altura, duração, intensidade e timbre.

ALTURA é a capacidade que o som tem de ser mais grave ou agudo. Depende da
freqüência da onda sonora, medida em hertz. É o movimento de subida e descida dos
sons que cria as melodias musicais.

As chamadas ESCALAS possuem estreita relação com o parâmetro da altura. A escala de

Dó (Dó – Ré – Mi – Fá – Sol – Lá – Si) é uma organização de frequências de onda, criada dentro de
nossa cultura ocidental. A nota lá, por exemplo, possui uma frequência de 440 hertz, ou seja, uma
frequência de onda sonora de 440 ciclos por segundo.
Existem diferentes organizações escalares. No Japão e China, a tradição é utilizar uma
escala de 5 sons, chamada de ESCALA PENTATÔNICA: Dó – Ré – Mi – Sol – Lá

Na China e oriente em geral,

usa-se a escala pentatônica. Na
índia, onde o sitar*,
instrumento de corda
dedilhada é tradicional, existem
escalas de até 24 sons!

* Sitar é um instrumento musical de origem indiana, que é da família do alaúde. É um símbolo da música
da Índia.

Assim, cada cultura organiza as alturas dentro de princípios próprios.

O ESPECTRO AUDÍVEL

O ser humano é capaz de ouvir frequências entre aproximadamente 20 e 20.000 hertz.

Os sons que estão abaixo ou acima dessas frequências não são audíveis ao ser humano
http://www.prof2000.pt/users/eta/imagens/GamaFreqSom.jpg

12
 CURIOSIDADES

Os elefantes emitem sons abaixo de 20 hertz, infra-sons, inaudíveis para o

homem. Já os morcegos, gatos e cachorros ouvem sons acima de 20.000 hertz, os
chamados ultra-sons.

http://cache01.stormap.sapo.pt/fotostore02/fotos//b6/e2/a9/12695_000543t5.jpg
http://osvaldobatista.files.wordpress.com/2007/12/elefante.jpg
http://catedral.weblog.com.pt/arquivo/gato-11.jpg

Os ultra-sons possuem forte aplicação na medicina diagnóstica.

Ultrassonografia: Os aparelhos de ultra-som em geral utilizam uma freqüência

variada dependendo do tipo de transdutor, desde 2 até 14 MHz (Mega Hertz),
emitindo através de uma fonte de cristal piezzo-elétrico que fica em contato com a
pele e recebendo os ecos gerados, que são interpretados através da computação
gráfica. Quanto maior a freqüência, maior a resolução obtida. Conforme a
densidade e composição das estruturas a atenuação e mudança de fase dos sinais
emitidos varia, sendo possível a tradução em uma escala de cinza, que formará a
imagem dos órgãos internos.

Imagem de ultrassonografia

http://aletp.com/images/blog/fiat500-ultrassonografia.jpg

13
 DURAÇÃO é a capacidade que o som tem de ser mais longo ou curto; é a seqüência
de sons com durações diferentes que cria os diferentes ritmos musicais.

O parâmetro da duração se relaciona intimamente com o TEMPO. A duração de um som

depende do tempo de vibração da fonte sonora, o que nos leva ao conceito de ressonância.
Alguns sons possuem ressonância curta, outros, possuem ressonância longa.
A música ocidental desenvolveu maneiras de grafar as durações, as chamadas figuras de
duração (semibreve, mínima, semínima...):

http://69.90.174.250/photos/display_pic_with_logo/54644/54644,1153785820,2.jpg

INTENSIDADE é a capacidade que o som tem de ser mais forte ou fraco.

Os sons de qualquer natureza podem-se tornar insuportáveis quando emitidos em grande

"volume", neste caso, o mais correto é dizer-se que esse determinado som possui nível elevado
de pressão sonora, ou elevada intensidade. A medida utilizada para a intensidade dos sons, ou o
volume dos sons é o DECIBEL.

DECIBEL = O decibel (dB) é uma medida da razão entre duas quantidades, sendo usado para uma
grande variedade de medições em acústica, física e eletrônica. O decibel é muito usado na medida
da intensidade de sons.

Cuidados com os níveis sonoros

Exemplo de alguns sons considerados como ruídos simples do nosso dia-a-dia e seu nível
sonoro em decibéis (dB). A partir do nível de pressão sonora de 85 dB são potencialmente
danosos aos ouvidos, principalmente se o contato com tais sons durarem mais de 8 horas:

 O ruído de uma sala de estar chega a 40dB;

 Um grupo de amigos conversando em tom normal chega a 55dB;

 O ruído de um escritório chega a quase 64dB;

 Um caminhão pesado em circulação chega a 74dB;

14
  Em algumas creches foram encontrados níveis de ruído superiores a 75dB;

http://i253.photobucket.com/albums/hh44/ines_sotam/11476980283traffic.jpg

 O tráfego de uma avenida de grande movimento pode chegar aos 85dB;

 O som dos trios elétricos tem em média de 110 dB;

 O tráfego de uma avenida com grande movimento em obras com britadeiras até 120dB;

http://d.yimg.com/br.yimg.com/pi/news/afp/j/080617/isgekrp68170608170955photo00.jpg

 A turbina de avião chega a 120 dB.

 As bombas recreativas podem proporcionar até 140 dB;

A poluição sonora atrapalha diferentes atividades humanas, independentemente dos níveis

sonoros serem potencialmente agressores aos ouvidos, a poluição sonora pode, em alguns
indivíduos, causar estresse, e com isto, interferir na comunicação falada, base da convivência
humana, perturbar o sono, o descanso e a relaxamento, impedir a concentração e aprendizagem,

15
e o que é considerado mais grave, criar estado de cansaço e tensão que podem afetar
significativamente o sistema nervoso e cardiovascular.

Podemos citar vários tipos de origem para o ruído e sons não ruidosos potencialmente
agressivos para o órgão auditivo:

 Ruído por trânsito de veículos

 Ruído por atividades domésticas e públicas

 Ruído industrial

Fonte : Wikipedia

TIMBRE é a qualidade de diferenciar instrumentos e vozes uns dos outros.

Em música, chama-se timbre à característica sonora que nos permite distinguir se sons de
mesma frequência foram produzidos por fontes sonoras conhecidas e que nos permite diferenciá-
las. Quando ouvimos, por exemplo, uma nota tocada por um piano e a mesma nota (uma nota
com a mesma altura – entenda-se frequência) produzida por um violino, podemos imediatamente
identificar os dois sons como tendo a mesma frequência, mas com características sonoras muito
distintas. O que nos permite diferenciar os dois sons é o timbre. De forma simplificada podemos
considerar que o timbre é como a impressão digital sonora de um instrumento ou a qualidade de
vibração vocal. O timbre é também conhecido como a “cor do som”, por causa de uma analogia
com o espectro da luz, que pode ser fragmentado ao passar por um prisma. Isso porque a onda
sonora pode ser desmembrada também em seus diversos sons, os chamados HARMÔNICOS.

Quando uma corda, uma membrana, um tubo ou qualquer outro objeto capaz de produzir
sons entra em vibração, uma série de ondas senoidais é produzida. Além da frequência
fundamental, que define a nota, várias frequências harmônicas também soam. O segundo
harmônico de qualquer nota tem o dobro de sua frequência. O terceiro harmônico tem
frequência uma vez e meia maior que o primeiro e assim por diante. Qualquer corpo em vibração
produz dezenas de frequências harmônicas que soam simultaneamente à nota fundamental. No
entanto o ouvido humano não é capaz de ouvir os harmônicos com frequência superior a
20.000Hz. Além disso, devido às características de cada instrumento ou da forma como a nota foi
obtida, alguns dos harmônicos menores e audíveis possuem amplitude diferente de um
instrumento para outro.

Se somarmos a amplitude da frequência fundamental às amplitudes dos harmônicos, a

forma de onda resultante não é mais senoidal, mas sim uma onda irregular cheia de cristas e
vales. Como a combinação exata de amplitudes depende das características de cada instrumento,
suas formas de onda também são muito distintas entre si. Veja os exemplos a seguir:

16
 http://api.ning.com/files/4EB3zlCQ3cbEV2a3pdBK6d-
EUdbXXndEtJUR1lk9kbDkbkQOL19mQRKdBt4NlR2mG7U2HjDiY*RlKlEYlGpCAfhjgylY4Bq7/voz2.jpg

Fonte:
http://cienciahoje.uol.com.br/view/1962

Combinando de diferentes formas a altura, a duração, a intensidade e o timbre dos sons, os

seres humanos criaram as mais variadas espécies de músicas, com diferentes formas, estilos e
propósitos, dependendo de seus significados culturais.

17
CURIOSIDADES:

 Nos instrumentos de corda (violão, violino, guitarra, cavaquinho e etc.), quanto

mais fina e tensa a corda for, mais agudos serão os sons produzidos.

 Quanto mais longa e grossa for a coluna de ar nos instrumentos de sopro (flauta,
saxofone, trompete), mais graves serão os sons produzidos.

 As vozes masculinas são geralmente mais graves que as femininas porque nos
homens as cordas vocais são maiores e mais grossas do que nas mulheres.

 Quando falamos, ouvimos nossa voz por dois tipos de condução: condução aérea
e por condução óssea. Tal fato ocorre, porque as ondas sonoras chegam aos
nossos ouvidos, conduzidas pelo ar e pelos nossos ossos do crânio. É por isso que
estranhamos nossa voz quando a ouvimos gravada. Neste caso, por chegarem
apenas por condução aérea, elas parecem ser mais finas do que quando a
ouvimos naturalmente. Isso ocorre porque as baixas freqüências se conduzem
melhor em meios sólidos como o osso.

 Os timbres dos instrumentos musicais são utilizados constantemente para

expressar imagens ou sentimentos. Muitos compositores, como Beethoven e Tom
Jobim, utilizaram o naipe de cordas para representar o mar ou os rios.

18
 Estrutura e Forma em Música
Reconhecendo as partes da música e sua textura
Toda vez que ouvimos, tocamos ou cantamos uma música, percebemos que ela possui
partes que se repetem ou partes que se contrastam.
As cantigas de roda muitas vezes costumam ter uma parte, com melodias simples e
repetitivas. Cante e perceba:

Escravos de Jó

Escravos de Jó
Parte A
Jogavam caxangá
Tira, bota, deixa o zamberê ficar
Guerreiros com guerreiros fazem zigue zigue zá
Guerreiros com guerreiros fazem zigue zigue zá

A noite chegou e Jó a esperar Parte A

Tira, bota, deixa o zamberê ficar Mesma
Guerreiros com guerreiros fazem zigue zigue zá melodia
Guerreiros com guerreiros fazem zigue zigue zá se repete

Nesta canção de roda a melodia se repete várias vezes. Você consegue se lembrar de
outras canções desse tipo?

Ó Abre Alas (Chiquinha Gonzaga)

Ó Abre Alas que eu quero passar

Ó Abre Alas que eu quero passar
Eu sou da lira não posso negar
Rosa de Ouro é quem vai ganhar!

As formas musicais podem ser expressas com símbolos gráficos ou com letras do alfabeto.
Assim podemos representar a música acima como uma Forma A A A ....
Ou ainda uma forma com qualquer símbolo que se repita:

Então, vamos ouvir algumas músicas e perceber as suas partes? Se elas são parecidas ou
diferentes? Quantas vezes se repetem? Quantos instrumentos estão tocando? Se existem muitos
sons soando ao mesmo tempo. Procure separar em partes as canções do repertório trabalhado!

19
Algumas formas são típicas, e por isso mais utilizadas na música erudita. Veremos algumas:

Forma Binária (A B)
Quando ao invés de repetir a melodia (a mesma ideia musical), resolvemos criar uma parte
contrastante, a música passa a ter duas partes e então chamamos essa estrutura de Forma
Binária.

A forma binária pode ser abreviada pelas letras A (primeira parte) e B (parte contrastante).
Então temos uma forma:

AB
Exemplo musical:

Poderíamos também representar uma forma binária com símbolos. Veja:

ou

Forma Ternária (A B A)
A forma chamada de ternária é uma extensão da forma binária. Também possui uma parte
inicial A (exposição) e uma parte contrastante, a parte B. A diferença é que a música termina com
um retorno à parte A.

Assim representamos a forma ternária da seguinte maneira:

ABA
Exemplo musical:

20
Poderíamos também representar uma forma ternária com símbolos. Veja:

ou

Um bom exemplo de forma ternária é o “Samba de uma nota só” e “Garota de Ipanema” de Tom
Jobim. Procure ouvir essas canções e perceba as suas partes!

Forma Rondó (A B A C A)
Além da forma binárias e ternária temos ainda outra que ao invés de possuir somente uma
parte contrastante, pode ter mais partes contrastantes. É a chamada Forma Rondó, que pode ser
representada assim:

A B A C A D A e etc.
Exemplo musical

Outros exemplos de músicas com esta forma são as famosas “Pour Elise” de Beethoven e a
“Gavotte au Rondeau” da Suíte para Alaúde de J. S. Bach (BWV 1006a).

Sugestão: audição de vídeo (http://www.mefeedia.com/entry/gil-shaham-bach-gavotte-

en-rondeau/11082840/). Procure ouvi-las e perceba a forma rondó.
21
 Poderíamos também representar uma forma rondó com símbolos. Veja:

Estrutura e Forma em Música Popular

(http://parlatoriomusical.blogspot.com.br/2015/11/analisando-forma-na-musica-popular.html)

A música popular (que inclui todos os gêneros musicais cotidianos: MPB, Rock, Samba, Pop
e etc.) apresenta, de forma resumida, três elementos básicos que sinalizam o desenho da forma
nas composições:

1. Melodia: A melodia (do Grego μελῳδία - melōidía, "canção, canto, coral") é uma
sucessão coerente de sons e silêncios dentro de uma sequência linear com identidade própria. No
caso da musica popular o termo “melodia” sempre é usado para assinalar a voz principal. O
desenho da melodia da voz principal dá sentido de início e fim a um trecho ou a uma
composição. Ex.: Parabéns para você (domínio público); Mercedes Benz (Janis Joplin).

2. Riff: Segue o mesmo conceito de melodia, contudo, o termo riff é aplicado a trechos
melódicos produzidos pelos instrumentos. E muito comum no rock e pop o riff esta ligado a
instrumentos como a guitarra, teclado ou outros como o saxofone. Ex.: Riff de guitarra Whola
Lotta Love (Led Zeppelin); Teclado/Sintetizador em Jump (Van Halen); Saxofone em Who Can You
Be Now (Men At The Work).

Arranjo: Basicamente é o processo de organizar e elaborar diferentes aspectos da

instrumentação, vozes, harmonia. Diferentes partes de uma canção podem ter
diferentes arranjos. Ou uma canção pode sofrer uma "releitura" através do arranjo (a releitura
pode partir da instrumentação, passando por alterações na harmonia ou transposição de um
gênero musical para outro.

3. Instrumentação: Conjunto de instrumentos utilizados numa composição ou um trecho

musical. A variação ou modificação da instrumentação ou das funções dos instrumentos pode
marcar um novo evento dentro da forma musical. Ex.: O riff inicial da canção Holiday (Green Day)
que depois no final da canção é tocado pelo baixo. O riff de guitarra com efeitos sintetizados que
introduz o refrão de Sixteen Saltines (Jack White).

Unidades de segmentação

Vamos chamar as “partes” que constituem uma canção de Unidades de Segmentação.

Vamos aqui descrever cada uma das Unidades de Segmentação apresentar sua função, além de
exemplificar seu funcionamento dentro de uma composição.

Introdução ou Intro: indica o inicio da composição. Qualquer elemento do interior de uma

composição pode ser usado com introdução: Riff, Refrão etc. Ex.: Em Walk Is Way (Aerosmith) O
riff de guitarra é usado como Intro; emRolling In The Deep (Adele) a estrofe introduz a canção;
em All My Loving(Beatles) o refrão introduz a canção; O trecho instrumental da Introdução
deDance The Night Away (Van Halen) não repente na música.

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 Estrofe: é onde temos a melodia do vocal principal com os trechos iniciais da letra da
canção. Ela é repetida dentro da canção. Em cada apresentação se repete a mesma melodia da
forma mais exata possível para facilitar sua apreensão. A estrofe é repetida no mínimo duas
vezes, com ou sem o mesmo texto. Também podemos ter duas estrofes com melodias diferentes
numa mesma canção, mas isso é um caso de exceção.

Pré-Refrão: O Pré-Refrão antecipa e\ou cria a expectativa para o Refrão. É uma parte que
liga o Verso ao Refrão, como uma extensão do verso ou uma antecipação do Refrão, usando das
características de uma ou outra parte.

Ex.: Como Pré-Refrão: trecho da canção Bad (Michael Jakcson) onde se inicia texto “Say
the sky’s the limit...” até o Refrão;

Ponte: É uma parte normalmente diferente de todo o resto da música que pode aparecer
antes ou depois do Solo ou antes da repetição final do Refrão. Pode trazer uma melodia,
harmonia e ritmo diferentes do que foi exposto até então, sem embora parecer deslocado do
contexto, ou seja, ainda se encaixa no que já foi ouvido. Serve principalmente para criar alguma
variação e tornar a música menos monótona.

Como ligação do Refrão e Estrofe: trecho da canção I Want To Hold Your Hand (Beatles)
onde se inicia texto “And when I touch you, I feel happy inside...” até o Refrão.

Intermezzo: É a versão instrumental da Ponte. Também é chamada de intermezzo e pode

ser um riff ou um trecho musical mais elaborado.

Ex.: Como Pré-Refrão: trecho da canção More Than A Feeling (Boston) duo de guitarras
que antecipa o Refrão; Como ligação do Refrão e Estrofe: Riff de guitarra da canção Walk Is The
Way(Aerosmith).

Refrão: É o trecho onde a composição popular alcança seu auge. Ela traz em seu texto a
frase ou sentença (normalmente que dá titulo a composição), como um elemento afirmação do
tema tratado na letra. Sua melodia na maioria dos casos é diferente daquela que encontramos na
estrofe e na ponte. Esta melodia se caracteriza por ser mais marcante, e em muitos casos, ela é
reforçada por elementos vocais (backing vocais) da instrumentação (como riff). Além de ser de
longe o elemento mais repetido da forma numa composição. Por este motivo é sempre o trecho
mais lembrado de uma canção.

Solo: podemos dizer que o solo é a versão instrumental (ou, às vezes, vocal) do refrão.
Contudo é comum haver composições sem solos. O solo pode ser executado por qualquer
instrumento ou voz. Alguns solos são tão ou mais famosos que os refrãos das composições que
participam.
Ex.: Solo instrumental: solo de guitarra de Stairway To Heaven (Led Zeppelin); solo de
violino de Dust In The Wind (Kansas). Solo vocal: vocalize de The Great Gig In The Sky (Pink Floyd).

Quadro de exemplos de descrição da forma: usar Introdução (Intro); Estrofe (E); Pré-refrão
(Pr); Ponte (P); Refrão (R); Intermezzo (I); Solo (S).

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 O que é textura em música?
Em música, textura é a qualidade global do som de uma obra musical, mais
frequentemente definida pelo número de vozes na música e na relação entre essas vozes (ver
abaixo).

Tipos de textura:
Monofônica - Uma só linha melódica sem acompanhamento.
Polifônica - Duas ou mais linhas de voz independentes.
Homofônica - Predominância de uma das vozes em relação às outras.

Dessa forma, chamamos de textura à maneira como os sons são organizados numa
música. Quando ouvimos só uma pessoa cantando ou um único instrumento soando, dizemos que
a música possui uma textura monofônica.

Monges cantando: o canto gregoriano é uma forma monofônica

http://www.independent.co.uk/multimedia/archive/00020/monks_20983b.jpg

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 Quando existem mais vozes cantando junto, formando um bloco sonoro único, dizemos
que esta música possui uma textura homofônica. Um exemplo é quando um cantor é
acompanhado por acordes feitos por um instrumento harmônico (violão ou piano).

O cantor e compositor havaiano Jack Johnson é um mestre da “homofonia”

http://entimg.msn.com/i/LiveEarth/liveshow/MondayAdditions/JackJohnson_Retna_400.jpg

Pergunte ao seu professor ou professora quais músicas possuem essas características!

Chamamos de textura polifônica quando uma melodia é acompanhada de uma ou mais

melodias simultâneas. O auge do estilo polifônico se deu no Período Barroco. Procure ouvir
músicas desse período. Os estilos polifônicos mais conhecidos são o cânone e a fuga. Uma música
muito conhecida é a canção “Frère Jacques”, um cânone.
Chama-se cânone a forma polifônica, em que as vozes imitam a linha melódica cantada
por uma primeira voz, entrando cada voz, uma após a outra, uma retomando o que a outra
acabou de dizer, enquanto a primeira continua o seu caminho: é uma espécie de corrida onde a
segunda jamais alcança a primeira.
Exemplo:

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 Uma fuga é um estilo de composição contrapontística, polifônica e imitativa, de um tema
principal, com sua origem na música barroca. Na composição musical o tema é repetido por
outras vozes que entram sucessivamente e continuam de maneira entrelaçada.

O compositor J. S. Bach foi um mestre da fuga!

http://www.ub.es/empresarials/ec/img_docs/Image/Bach.jpg

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CONTEÚDOS E ATIVIDADES ELABORADAS DURANTE O PERÍODO DE PANDEMIA

De forma resumida, o trabalho pedagógico se dividiu em 5 temas que subtendiam os conteúdos

do PPPI de Educação Musical do Ensino Médio. A ordem abaixo é meramente sugestiva, pois cada
equipe podia trabalhar com autonomia de planejamento:

1. “Atividade Introdutória com o objetivo de Acolhimento Afetivo” Conteúdo Musical

Específico: Gênero Musical
2. “Música e Palavra” Conteúdo Musical Específico: Parâmetros do Som
3. “Música e Corpo” Conteúdo Musical Específico: Ritmo
4. “Música e Identidade” Conteúdo Musical Específico: Textura Musical
5. “Música e Mercado” Conteúdo Musical Específico: Formas Musicais

Atividades disponibilizadas na plataforma Moodle

“Música e Palavra”

2.1 Aquela letra, aquela música...

O objetivo é escolher a letra de uma canção que tenha um significado especial para você e dar seu
depoimento em formato de áudio.

2.2 O Slam

Resumidamente, o Slam pode ser definido como um campeonato de poesia falada. A palavra Slam
também pode ser encontrada no basquete e no tênis, portanto, o termo Slam traz na sua origem o sentido
de torneio e competição. O Slam possui três regras básicas:

1. O poeta tem até 3 minutos para falar.

2. Os Poemas tem que ser autorais

3. Os poemas devem ser falados sem acompanhamento ou base musical.

Um júri popular é escolhido na hora do evento para dar notas imediatamente após cada poeta falar.
Outras características podem ser destacadas como o uso do espaço público como local emblemático de
sua prática e a escolha de histórias e temas baseados em fatos reais, conectados com a vivência de grupos
marginalizados socialmente. Pautas importantes são o machismo, o racismo e o feminismo, mas qualquer
pessoa pode participar com qualquer tipo de poesia.

De fato, o Slam é um espaço de escuta e de abrigo onde todas as vozes são acolhidas. É um momento de
desabafo quando podemos compartilhar nossas dores e amores na certeza de que seremos ouvidos
atentamente.
27
Em tempo: O poeta de Slam atualiza a figura de Griots, trovadores e repentistas que exerceram a função
de organizar as vozes e devolver sinteticamente para a comunidade. Cada batalha é um resgate da cultura
oral como lugar de conhecimento.

Abaixo, dois links para matérias sobre a cultura do Slam onde vocês podem conhecer um pouco mais de
sua história no Brasil:

https://ponte.org/zap-slam-a-primeira-batalha-de-poesia-do-brasil/#:~:text=criar%20o%20ZAP!-
,Slam.,Roosevelt%2C%20regi%C3%A3o%20central%20da%20cidade.

https://www.redebrasilatual.com.br/revistas/2018/03/slam-resistencia-a-poesia-e-a-voz-de-quem-
sempre-sofreu-calado/

Música e Corpo

No nosso cotidiano estamos rodeados por fontes sonoras diversas sejam elas humanas, industriais,
tecnológicas ou naturais. Todos esses sons concorrem para formar a paisagem sonora que nos rodeia.
Nesse momento que escrevo, ouço o som do computador, dos pássaros, da minha mulher falando, da obra
aqui em cima. Todos eles me convidam a perceber que todo corpo em movimento, seja humano ou não,
produz som.

No que tange à música, sua relação com o corpo humano é íntima. De fato, o corpo é a fonte primordial da
produção musical, pois todo ato de produção sonora tem no corpo sua centralidade. Lembre-se dos
movimentos do seu cantor favorito ao cantar. Pense na satisfação da criança pequena em produzir sons
com o corpo – e com qualquer objeto que esteja próximo! Pense nos músicos que, após anos de intensa
dedicação, usam seus instrumentos como uma extensão do próprio corpo, e, assim como eles respiram,
também a música respira.

No sentido inverso, podemos dizer que muitas músicas põem nosso corpo em movimento. O musicólogo
J. Jota de Moraes entende que ouvir com o corpo é um estágio inicial da escuta humana. Nesse nível de
contato, a materialidade da música se conecta com a materialidade do corpo e o ouvinte é levado quase
que instintivamente ao ato de dançar. Quem nunca teve a sensação de que é impossível ficar parado ao
ouvir determinada música?

Com esse espírito dançante, a seguir vamos conhecer duas manifestações musicais que se utilizam do som
do corpo e de objetos não convencionais para produzir música.

O Barbatuques é um grupo brasileiro de percussão corporal fundado em 1995 por Fernando Barba. Com 14
integrantes, a proposta do grupo é fazer música através da exploração do próprio corpo como
instrumento. Em “Baianá” podemos ver a mistura de ritmos brasileiros (baião, côco, embolada) com o Rap.

Stomp é um grupo musical britânico que se utiliza do corpo e de instrumentos comuns do cotidiano (latas
de cerveja, caixa de leite, caixa de fósforo, vassoura, jornal, etc) para criar espetáculos cênicos onde
mistura música, teatro, humor e crítica social. Neste espetáculo eles rendem uma homenagem musical aos
funcionários de limpeza sempre menosprezados na hierarquia social do trabalho.

28
Atividade 3.1 – Música e Corpo

A proposta é escolher uma música que você goste e fazer uma versão usando voz e movimentos corporais.
Você pode utilizar também materiais e ferramentais não convencionais, mas o uso do corpo é prioritário.

Introdução de Música e Identidade

No princípio do curso em Fevereiro, pudemos observar a “heterogeneidade multitemporal” (Canclini,

2003) de gêneros e estilos ao observar a tabela de referências musicais dos estudantes de Ensino Médio no
período pandêmico. Esse hibridismo cultural que reúne músicas de diferentes lugares e tempos históricos
é uma marca do nosso tempo, sobretudo depois da emergência da internet 2.0 e das redes sociais
(https://brasilescola.uol.com.br/informatica/web-20.htm)

De fato, nas ciências sociais (Antropologia e Sociologia) este debate em torno da noção de identidade tem
sido feito desde a década de 1970. Diversos autores (Giddens, Harvey e Hall) apontam um momento de
ruptura na década de 1990 onde a fragmentação do sujeito direciona a discussão em torno da noção de
pós-modernidade. No fluxo comunicacional que caracteriza esse momento, os sujeitos assumem
“identidades diferentes em diferentes momentos, identidades que não são unificadas ao redor de um “eu”
coerente.” (Hall, 2003, p. 13)

Warnier define o conceito de identidade como “conjunto dos repertórios de ação, de língua e de cultura
que permitem uma pessoa reconhecer sua vinculação a certo grupo social e identificar-se com ele” (2003,
p. 16). Contudo, como a relações de classe e poder podem interferir nas escolhas realizadas pelos sujeitos,
Warnier compreende ser talvez pertinente falar mais em identificação ao invés de identidade, por aquela
ser contextual e flutuante.

No caso particular do Brasil, a problemática da música popular está intimamente vinculada à definição da
identidade nacional. Nesse jogo, os diversos grupos sociais constroem uma versão idealizada do conceito
de popular no intuito de criar uma narrativa generalizante do que é ser brasileiro: “Quem não gosta de
Samba, bom sujeito não é”. Tal estratégia política tenta camuflar o fato de que não existe uma identidade
autêntica, mas sim uma “pluralidade de identidades, construídas por diferentes grupos sociais em
diferentes momentos históricos”. (Ortiz, 2003, p. 169)

Reconhecer as diferenças culturais está no cerne da discussão atual em torno do conceito de alteridade.
Na verdade, sua aplicação prática está relacionada com a empatia, a capacidade de se colocar no lugar do
outro. No campo da cultura brasileira, é fundamental dar visibilidade para as diferentes manifestações
musicais de origem africana e indígena, ou seja, compreender a especificidade da experiência de vida
desses povos através dos significados coletivos que são criados e partilhados socialmente através da
música. O estabelecimento de uma sociedade mais democrática e justa é diretamente proporcional à
prática da alteridade.

Bibliografia

Canclini, Néstor Garcia. Culturas Híbridas. 4 ed. São Paulo: EDUSP. 2003.
Giddens, Anthony. As consequências da Modernidade. São Paulo: Editora Unesp, 1991.
Hall, Stuart. A identidade cultural na pós-modernidade. Rio de Janeiro: DP&A Editora, 2003.

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Ortiz, Renato. Cultura Brasileira e Identidade Nacional. São Paulo: Brasiliense, 2003.
Warnier, Jean-Pierre. A mundialização da cultura. 2 ed. Bauru, SP: EDUSC, 2003.

Atividade 4.1 – Pesquisar uma música relevante para um debate cultural sobre o conceito de identidade na
música. Você pode usar diferentes meios impressos ou audiovisuais (texto, crítica, música, documentário,
série, filme, lives, videoclipe) para fomentar essa discussão. Nesse trabalho é importante apontar a
potência identificadora que a música possibilita para diferentes grupos sociais.

Atividade 4.2 – Fazer um trabalho sobre alteridade abordando uma manifestação musical proveniente das
culturas africana ou indígena. É aconselhável escolher uma determinada (música, artista ou banda) e
comentar sua relevância dentro de um contexto social particular, afinal cada grupo cultural (tribo, etnia,
nação) concebe um significado totalmente distinto do papel que a música deve desempenhar na
sociedade.

Introdução sobre Música e Mercado

Nas últimas décadas, as pessoas mudaram sua forma de produzir, divulgar e consumir música. Em todas as
esferas da indústria musical as novas tecnologias desempenharam um papel fundamental em como as
pessoas conhecem, aprendem, fazem música e ouvem suas bandas e artistas preferidos. Entretanto,
muitos produtores musicais e músicos defendem a ideia de que vivemos a era da automação musical. A
grande pergunta é: essas mudanças causadas pela introdução de novas tecnologias foram de fato somente
positivas?

Atvidade 5.1 Qual sua opinião sobre o uso do autotune, aplicativo corretor de desafinação usado por
cantores nas gravações?

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Apostila 1ª Série do Ensino Médio

Elaboração e edição final: Profª Mônica Leme e Prof. Affonso Miranda

Colaboração na pesquisa e textos: Prof. Milena Tibúrcio

Bibliografia:

BENNETT, Roy. Forma e Estrutura na Música. Rio de Janeiro: Zahar Ed., 1986.
BENNETT, Roy. Como Ler uma partitura. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1990.
BENNETT, Roy. Elementos básicos da música. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 1998.
GROUT, D. J & PALISCA, C. V. História da Música Ocidental. Lisboa: Gradiva, 2001.
MASSIN, Brigitte e Jean. História da Música Ocidental. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1998.
MORAES, J. J. de. O que é música? Rio de Janeiro: Brasiliense, 1983.
SWANWICK, Keith. Ensinando música musicalmente. Rio de Janeiro: Editora Moderna, 2003.
WISNIK, José Miguel. O Som e o Sentido. São Paulo: Cia da Letras, 1999.

Partituras:
FRANK, Isolde Mohr. Método para flauta-doce soprano. São Paulo: Ricordi Brasileira, 1973.

https://www.pinterest.pt/epcmusics/formes-musicals/

Referências internet:
http://www.classicalarabicmusic.com/music%20structure.html>.
https://bibliaspa.org/musica/a-musica-arabe/
http://www.nics.unicamp.br/nicsnews/002/reportagem.php
http://parlatoriomusical.blogspot.com.br/2015/11/analisando-forma-na-musica-popular.html
http://ufrgsweb.ufrgs.br/node/213
http://pt.wikipedia.org/wiki/Musica
http://www4.prossiga.br/lopes/prodcien/fisicanaescola/cap22-1.htm
http://www.dicionariompb.com.br/
http://quatertralhas.blogspot.com/2014/07/forma-uma-assim-um-samba-tom-jobim.html

Enciclopédias e Dicionários:

500 Anos da Música Popular Brasileira – com CD homônimo – Edição do Museu da Imagem e do
Som (MIS-RJ), 2001.

Dicionário GROVE de Música - Edição concisa. Rio de Janeiro: J. Zahar.

www.wikipedia.com

Arquivos de vídeo:

http://www.mefeedia.com/entry/gil-shaham-bach-gavotte-en-rondeau/11082840/

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