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Marie Louise Herzfeld-Schild

University of Music and Performing Arts Vienna, Department of Musicology and Performance Studies, Faculty Member

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2022: Univ. Professor of Musicology, University of Music and Performing Arts Vienna (mdw)
2022: PI, ERC Starting Grant "GOING VIRAL: Music and Emotions during Pandemics (1679-1919)"
2021-2022: Assistant Professor of Musicology, Utrecht University
2018-2021: Researcher, Department of Cultural and Science Studies, Lucerne University
2018-2021: Lecturer, University of Music and Performing Arts Vienna
2019-2020: Lecturer, University of Vienna
2016-2021: Fellow des Nachwuchsnetzwerks "Das junge ZiF", Zentrum für Interdisziplinäre Forschung, Universität Bielefeld
2017-2018: Marie Curie/ EURIAS/CRASSH/Clare Hall Research Fellow, University of Cambridge, Centre for Research in the Arts, Social Sciences and Humanities (CRASSH)
2017-2019: Visiting Researcher, FRIAS/EU Research Project "Synchronization in Embodied Interaction", FRIAS, Freiburg University
2016: Visiting Scholar, Centre for the History of the Emotions, Queen Mary University London
2015-2017: PostDoc, Research Lab "Transformations of Knowledge", a.r.t.e.s. Graduate School for the Humanities Cologne
2013-2015: PostDoc, Max Planck Institute for Human Development
2013: Dr. phil. (musicology), Freie Universität Berlin

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Helena Wangefelt Ström

Uppsala University

University of Oxford

Federico Barbierato

Università di Verona

University of Oxford

Alessandro Arcangeli

Università di Verona

Friedlind Riedel

Bauhaus-University-Weimar

Universität der Künste Berlin / University of the Arts Berlin

Agnese Pavanello

FHNW

Christelle Cazaux

Schola Cantorum Basiliensis

Schärli Claudia

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Books by Marie Louise Herzfeld-Schild

Melancholie und Empathie

by Marie Louise Herzfeld-Schild and Evelina Miteva

Verstehen, was Depressionen zugrunde liegt. Der Band widmet sich dem Verhältnis von Melancholie u... more Verstehen, was Depressionen zugrunde liegt.
Der Band widmet sich dem Verhältnis von Melancholie und Empathie aus interdisziplinärer Perspektive. Er ist inspiriert von Georgi Gospodinovs Roman »Physik der Schwermut«, dessen Protagonist in der (post)modernen bulgarischen Gesellschaft eine tiefe Deprimiertheit und zugleich Mitgefühl mit menschlichen und nicht-menschlichen Akteuren entwickelt. Die Beiträge diskutieren die Spannung bzw. die mögliche gegenseitige Bedingtheit von Melancholie und Empathie aus den Blickwinkeln von Literatur-, Geschichts- und Musikwissenschaft sowie Philosophie.

Musik und Emotionen. Kulturhistorische Perspektiven

Studien zu Musik und Gender 1, Stuttgart: Metzler, 2020

Musik und Emotionen haben Konjunktur, und zwar nicht erst seit Emotionen in Wissenschaft, Ratgebe... more Musik und Emotionen haben Konjunktur, und zwar nicht erst seit Emotionen in Wissenschaft, Ratgeberliteratur und Journalismus zu einem der Hauptthemen geworden sind. Die Verbindung zwischen diesen beiden ephemeren Phänomenen geht bis in die Antike zurück, und sie ist weit komplexer als es die weitläufig bekannte Formulierung, Musik sei die Sprache der Gefühle, erahnen lässt. Im vorliegenden Band werden zum ersten Mal Herangehensweisen aus der Historischen Musikwissenschaft, der Tanzwissenschaft und den Sound Studies mit Ansätzen aus der Emotionsgeschichte verbunden, um den vielschichtigen Zusammenhang zwischen Musik und Emotionen aus einer kulturhistorischen Perspektive zu beschreiben.

Speicher musikalischen Wissens. Perspektiven aus Wissenschaft und Praxis (= Die Tonkunst 13/2 , 2019)

Historische Musikwissenschaft. Gegenstand – Geschichte – Methodik, Laaber: Laaber-Verlag, 2019 (Kompendien Musik)

by Frank Hentschel, Aviezer Tucker, Judith I Haug, Marie Louise Herzfeld-Schild, Lawrence Kramer, and Klaus Frieler

Handbook of historical musicology. Introduction and reflection on the methods of the discipline. ... more

Emotion, History and the Arts

Special Issue of Cultural History , 2018

Antike Wurzeln bei Iannis Xenakis

Franz Steiner Verlag: Stuttgart, 2014

Ancient Greece continues to play an important role in cultural life, as in the work of the Greek-... more Ancient Greece continues to play an important role in cultural life, as in the work of the Greek-French composer Iannis Xenakis (1921–2001) who is often called a 'Greek in the wrong millennium'. Indeed, in his theoretical writings and in interviews, Xenakis regularly referred to classical Greek thinkers such as the music theorist Aristoxenus of Tarentum, the presocratic philosophers Parmenides of Elea and Heraclitus, and the Pythagorean school. In so doing he not only endowed his compositional approaches with an intellectual justification and coloring; his invocation of Greek antiquity also helped in the search for an identity precipitated by his exile. For the first time, Xenakis's reception of Greek antiquity as reflected in his writings, interviews and selected compositions is classified and critically illuminated in a detailed examination. The exploration of sources and lines of reception is given as much weight as the analysis of Xenakis's perception of himself and of the outside world, which in turn gives rise to discussion about autobiography and its narration, and about the construction of an image.
Die griechische Antike spielt im kulturellen Leben auch des 20. Jahrhunderts eine bedeutende Rolle – so im Schaffen des griechisch-französischen Komponisten Iannis Xenakis (1921–2001), der gerne auch als 'Grieche im falschen Jahrtausend' bezeichnet wird. Tatsächlich berief Xenakis sich in seinen theoretischen Schriften und Interviews regelmäßig auf antike Denker wie den Musiktheoretiker Aristoxenos von Tarent, die vorsokratischen Philosophen Parmenides und Heraklit oder die Schule der Pythagoreer. Einerseits gab er damit seinen Kompositionsansätzen eine intellektuell geprägte Rechtfertigung und Färbung, andererseits half ihm die Berufung auf die Antike bei seiner durch das Exil bedingten Identitätssuche. Erstmalig wird in diesem Band Xenakis' Antikenrezeption in seinen Schriften, Interviews und ausgewählten Kompositionen kategorisiert und durch gründliche Überprüfung kritisch beleuchtet. Die Auseinandersetzung mit Quellen und Rezeptionslinien spielt dabei ebenso eine Rolle wie die Analyse von Xenakis' Selbst- und Außenwahrnehmung, die auch Fragen nach Autobiographie und deren Narration sowie Imagekonstruktion thematisiert.

Journal Articles by Marie Louise Herzfeld-Schild

Speicher musikalischen Wissens: Konzepte zwischen Wissenschaft und Praxis. Eine Einführung

by Evelyn Buyken and Marie Louise Herzfeld-Schild

Speicher musikalischen Wissens. Interdisziplinäre Perspektiven aus Wissenschaft und Praxis (= Die Tonkunst, 2/ 2019), 2019

Gespeichertes Wissen zwischen den Disziplinen. Zur emotionalen Wirkung der Musik in Ästhetik und Medizin der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts

Speicher musikalischen Wissens, Special Issue von Die Tonkunst. Magazin für Klassische Musik und Musikwissenschaft 13/2 (2019), hg. von Evelyn Buyken, Marie Louise Herzfeld-Schild und Melanie Unseld, S. 177-184, 2019

Musikalische Immersion: "Hörend Anwesenheit spüren" (incl. English Translation)

Immersion, Special Issue Navigationen - Zeitschrift für Medien- und Kulturwissenschaften 2019, ed. by T. Breyer/D. Kasprowicz, 2019

Introduction: Emotions, History and the Arts

in: Emotion, History and the Arts. Special Issue Cultural History, 2018

Vergangenheit in der Zukunftsmusik der Gegenwart. Xenakis’ "Epiphanien" zu Wagners Meistersingern

Die Musikforschung, 2016

Iannis Xenakis wrote his article Epiphanien in 1968 as part of Wolfgang Wagner's survey in connec... more Iannis Xenakis wrote his article Epiphanien in 1968 as part of Wolfgang Wagner's survey in connection with the 100th anniversary of Die Meistersinger von Nürnberg. In it, he formulated ideas on the position of art, and opera in particular, between past, present, and future. The first section expresses a value judgment that Xenakis clearly set in opposition to 'normative work'. The second section, however, reveals the ambivalence with which he viewed Wagner's music.
German: Iannis Xenakis schrieb seinen Beitrag 'Epiphanien' im Jahr 1968 im Rahmen von Wolfgang Wagners Umfrage anlässlich des 100jährigen Jubiläums der 'Meistersinger von Nürnberg'. Er formuliert in diesem Text Gedanken zur Position von Kunst und von Musiktheater im Besonderen - zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Im ersten Teil drückt sich eine Wertschätzung aus, die Xenakis dem 'normgebenden Werk' ganz offensichtlich entgegenbrachte. Im zweiten Teil wird jedoch auch die Zwiespältigkeit deutlich, mit der er das Schaffen des Älteren betrachtete.

„The Tragedy of Life“. Zum Opern-Soundtrack in Woody Allens MATCHPOINT

Kieler Beiträge zur Filmmusikforschung, 2012

Passion. Temptation. Obsession.« -Diese drei Wörter stehen als tagline unter Woody Allens 39. Reg... more Passion. Temptation. Obsession.« -Diese drei Wörter stehen als tagline unter Woody Allens 39. Regiearbeit aus dem Jahre 2005, MATCH POINT (UK, Woody Allen), und fassen kurz und knapp zusammen, worin es in diesem Film geht: Der irische Tennislehrer Chris Wilton (Jonathan Rhys Meyers) verschafft sich die Möglichkeit, durch Heirat mit Chloe Hewett (Emily Mortimer), einer Tochter aus gutem Hause, in die reiche Londoner high society aufzusteigen; er beginnt jedoch eine leidenschaftliche Affäre mit der Verlobten seines Freundes und späteren Schwagers Tom Hewett (Matthew Goode), der erfolglosen, amerikanischen Schauspielerin Nola Rice (Scarlett Johansson), die -als sie ungewollt schwanger wird -droht, seiner Frau alles zu erzählen, wenn er diese nicht verlässt. Hin und her gerissen zwischen seiner Liebe zu Nola und seinem privilegierten Leben mit Chloe entscheidet er sich schließlich für Letzteres und sieht keine andere Chance mehr, als Nola, und mit ihr sein ungeborenes Kind, zu ermorden. Er erschießt sie in ihrem Hausflur. Kaltblütig opfert er außerdem das Leben einer Nachbarin (Margaret Tyzack), um das Ganze als Überfall zu tarnen. Durch Glück wird Chris vom vorübergehend auf ihn gefallenen Tatverdacht freigesprochen, doch ist er am Ende des Films von seiner schweren Schuld gezeichnet und wird seines privilegierten Lebens nicht mehr froh. Die tagline charakterisiert darüber hinaus den Hauptprotagonisten Chris selbst, der von seinen Leidenschaften (»passion«) nach gesellschaftlichem Aufstieg, nach Geld und nach Sex geradezu besessen ist (»obsession«) und diesen Versuchungen (»temptation«) nicht widerstehen kann. KIELER BEITRÄGE ZUR FILMMUSIKFORSCHUNG, 12, 2016 // 274

"He plays on the pillory". The use of musical instruments for punishment in the Middle Ages and the Early Modern Era

Torture. Journal on Rehabilitation of Torture Victims and Prevention of Torture , 2013

Illustrations by the Dutch renaissance artists Pieter Bruegel the Elder and Jan Wierix both show ... more Illustrations by the Dutch renaissance artists Pieter Bruegel the Elder and Jan Wierix both show a man imprisoned on a pillory, a former place of enforcement of judicial sentences, and playing a musical instrument. Taken as legal iconographic sources, these illustrations of the old saying 'He plays on the pillory' can be understood as references to a specific kind of punishment used in the Middle Ages and the Early Modern Era. Specifically, delinquents had to wear wooden or iron 'neck violins' or 'neck flutes' while being pilloried or chased through the streets in order to be humiliated in public. As well as this historical fact, there also exists an interpretation that takes the illustrations by Bruegel and Wierix literally. It suggests that these punishment practices originally date back to a more ancient use of real instruments in a penal system that was applied and understood as a ‘healing punishment’ (poena medicinalis) to banish the ill and re-establish the good in the delinquent, the community and the world as a whole due to musical sounds. By means of legal iconographical and historical methods, this article explores the different nuances of punishment that employed real or symbolic musical instruments. Thus, it examines a historical aspect of 'music in detention' where the (symbolic) sounds do not emanate from the punisher but from the punished themselves.

Studien zu Cathy Berberians New Vocality

Archiv für Musikwissenschaft, 2011

During the 1950s and 1960s the musical avant-garde developed a new type of vocal composition (oft... more During the 1950s and 1960s the musical avant-garde developed a new type of vocal composition (often for solo voice) that recognized and incorporated everyday vocal sounds, such as gestural utterances or expressions of affect, into the aesthetic parameter of a work. The singer Cathy Berberian, who took center stage in this development thanks to the extraordinary range of her vocal capabilities, inspired numerous composers to write in this emerging style and was herself engaged in the creative process. Her unique vocal treatment became known as the New Vocality. Part A investigates the significant role of the voice in contemporary music in general and within several compositions written for Berberian by John Cage and Luciano Berio in particular, taking into special consideration the criteria of vocal gesture and affective utterances. Part B focuses on Berberian’s own composition Stripsody, a showpiece of New Vocality, especially as it relates to musical transformations derived from pop art and onomatopoeia in comics.

Serialismus aus Tradition. Milton Babbitts Schönberg-Rezeption

Archiv für Musikwissenschaft, 2009

Milton Babbitt, American composer and music theorist, based one of the defining principles of his... more Milton Babbitt, American composer and music theorist, based one of the defining principles of his serialism—hexachordal combinatoriality—on the tradition of the Second Viennese School, in particular on Schoenberg's 12-tone compositions. Webern's technique, which took one trichord for the derivation of the 12-tone series, indeed for an entire composition itself, also played a prominent role in Babbitt's serialism. The development of his compositional technique is exemplified in an analysis of his first two serial compositions, Three compositions for piano, no. 1, and Composition for four instruments. Also discussed is the extent to which his music is built on tradition and where he succeeded in forging his own path, as well as how he deals with the remaining musical parameters. Finally, a comparison between the conceptions of Babbitt's pitch class-sets and Schoenberg's 12-tone series serves to highlight Babbitt's one-sided, although not misguided, reception of Schoenberg's techniques.

Book Chapters (published and forthcoming) by Marie Louise Herzfeld-Schild

Johann August Unzer: Von der Musik, in: Der Arzt, 1769

Lexikon Schriften über Musik, hg. von Hartmut Grimm, Melanie Wald-Fuhrmann und Felix Wörner, Kassel et al.: Bärenreiter

Helmuth Plessner, Zur Anthropologie der Musik, in: Jahrbuch für Ästhetik und allgemeine Kunstwissenschaft, hrsg. von H. Lützeler, Stuttgart 1951.

Lexikon Schriften über Musik, hg. von Hartmut Grimm, Melanie Wald-Fuhrmann und Felix Wörner, Kassel et al.: Bärenreiter (im Druck)

Richard Browne, Medicina musica, or, a Mechanical Essay on the Effects of Singing, Musick, and Dancing on Human Bodies, London 1729

Lexikon Schriften über Musik, hg. von Hartmut Grimm, Melanie Wald-Fuhrmann und Felix Wörner, Kassel et al.: Bärenreiter

Singen als emotionale Praktik des Erinnerns [incl. English Translation]

Musik und Emotionen. Kulturhistorische Perspektiven (Studien zu Musik und Gender 1), hg. von Marie Louise Herzfeld-Schild, Stuttgart: Metzler, 2020, S. 103-126, 2020

Einleitung Am Abend des 9. November 2014 erstrahlte in Berlin eine durchlässige Mauer aus 8.000 s... more Einleitung Am Abend des 9. November 2014 erstrahlte in Berlin eine durchlässige Mauer aus 8.000 schwebenden, strahlend weißen Ballons. Als Lichtgrenze markierten sie die frühere innerdeutsche Grenze und zeigten im immateriellen Medium des Lichts die Mauer an, die die Stadt Berlin in einen Ostund einen Westteil unterteilt hatte. Um 19:20 Uhr wurden diese Ballons in den Himmel entlassen und markierten damit den emotionalen Höhepunkt der Feierlichkeiten zum 25. Jubiläum des Mauerfalls. Im wahrsten Sinne des Wortes löste sich damit die Mauer in Luft auf: Die Ballons verließen ihre festgefügte Position auf Laternenpfählen ähnlichen Pfosten, stiegen auf und verschwanden allmählich außer Sichtweite im Dunkel des Himmels. All dies wurde begleitet von den Klängen der Ode an die Freude aus Ludwig van Beethovens 9. Sinfonie, aufgeführt von der Staatskapelle Berlin und dem Chor der Staatsoper Unter den Linden unter der Leitung von Daniel Barenboim. Neben der Ode an die Freude waren noch weitere musikalische Beiträge Teil der Feierlichkeiten zum Mauerfall-Jubiläum, so z.B. von dem Singer-Songwriter Wolf Biermann, den Fantastischen Vier und Udo Lindenberg. Für die vorliegende Untersuchung zum Singen als emotionale Praktik des Erinnerns soll das Augenmerk jedoch auf einen ganz bestimmten Beitrag gerichtet werden: Kurz bevor die Ballons in den Himmel geschickt wurden, gab Peter Gabriel auf der Bühne vor dem Brandenburger Tor seine Version des David Bowie Songs Heroes zum Besten-mit Bildern zahlloser Mauertoten und der friedlichen Revolution von 1989 auf der Leinwand hinter ihm und tausenden Menschen vor ihm. Warum hatten die Verantwortlichen diesen Song für die Feierlichkeiten zum Mauerfall-Jubiläum ausgewählt? Natürlich, Peter Gabriel ist ein Weltstar, und das macht sich auf so einer großen Bühne immer gut. Doch war es an diesem Tag sicherlich weniger Gabriel als der von ihm performte

Mendelssohn-Renaissance nach 1945

Handbuch Felix Mendelssohn Bartholdy, ed. by C. Wiesenfeldt, Kassel/Stuttgart: Bärenreiter/Metzler

Jede Renaissance ist darauf angewiesen, dass etwas aus der Vergangenheit überdauert, das dem Verg... more Jede Renaissance ist darauf angewiesen, dass etwas aus der Vergangenheit überdauert, das dem Vergessen die Stirn bietet und die Wiedergeburt einleiten kann. Auch wenn das Andenken Mendelssohns in den Jahren vor 1945 großen Schaden genommen hatte und der Komponist -zumindest in Deutschland -aus dem öffentlichen Leben getilgt worden war, trotzte eine Vielzahl seiner Autographe, Manuskripte, Briefe, Skizzen, aber auch Bilder und Zeichnungen in Bibliotheken, Archiven und privaten Sammlungen der Verfemung. Die Entstehungsgeschichte des mittlerweile weltweit größten Mendelssohn-Archivs in der Staatsbibliothek zu Berlin, das neben Musikhandschriften, Briefen und Bildern auch eine umfangreiche Bibliothek und verwandte Musikalien, Brief-und Zeitschriftendokumentationen umfasst (vgl. Schmidt-Hensel 2015), zeigt exemplarisch, welchen Einfluss Politik, Kulturgeschichte und überdauerndes Material auf die Mendelssohn-Renaissance nehmen konnten. Mendelssohns Kinder hatten 1878 den ihnen zugänglichen kompositorischen Nachlass ihres Vaters der Königlich Preußischen Staatsbibliothek in Berlin mit der Auflage vermacht, unter seinem Namen ein Stipendium (das 1934 von den Nationalsozialisten aufgelöst wurde) für begabte Musikstudenten einzurichten. 1908 kamen weitere wertvolle Musikautographe zu dieser Berliner Sammlung hinzu, sodass sich zu Beginn des Zweiten Weltkriegs über fünfzig Bände darin befanden. Ein Drittel davon wurde kriegsbedingt verlagert und liegt noch heute in der Krakauer Biblioteka Jagiellońska. Seit 1991 verhandelt die Bundesrepublik mit Polen darüber, ob und wie die Bände nach Deutschland zurückgebracht werden können. Der Grundstock der Berliner Sammlung wurde nach dem Zweiten Weltkrieg durch eine große Schen-Im Vorwort zum Tagungsbericht des wegweisenden Symposiums »Das Problem Mendelssohn« hielt Carl Dahlhaus im Jahre 1974 als Stand der Mendelssohn-Forschung fest: »Von einer Mendelssohn-Renaissance zu sprechen, wäre zweifellos eine grobe Übertreibung«; es könne jedoch in der letzten Zeit durchaus eine deutliche »Steigerung des wissenschaftlichen Interesses an Mendelssohn« festgestellt werden (Dahlhaus 1974, 7). Tatsächlich war diese seit dem Ende des Dritten Reichs und der damit einhergegangenen Verfemung Felix Mendelssohn Bartholdys wieder auflebende und erstarkende Mendelssohn-Rezeption in den ersten Jahrzehnten nach 1945 von zahlreichen Schwierigkeiten geprägt, die insbesondere mit dem unreflektierten Übernehmen früherer Bewertungsmuster ästhetischer und antisemitischer Art in Verbindung standen.

Melancholie und Empathie

by Marie Louise Herzfeld-Schild and Evelina Miteva

Verstehen, was Depressionen zugrunde liegt. Der Band widmet sich dem Verhältnis von Melancholie u... more Verstehen, was Depressionen zugrunde liegt.
Der Band widmet sich dem Verhältnis von Melancholie und Empathie aus interdisziplinärer Perspektive. Er ist inspiriert von Georgi Gospodinovs Roman »Physik der Schwermut«, dessen Protagonist in der (post)modernen bulgarischen Gesellschaft eine tiefe Deprimiertheit und zugleich Mitgefühl mit menschlichen und nicht-menschlichen Akteuren entwickelt. Die Beiträge diskutieren die Spannung bzw. die mögliche gegenseitige Bedingtheit von Melancholie und Empathie aus den Blickwinkeln von Literatur-, Geschichts- und Musikwissenschaft sowie Philosophie.

Musik und Emotionen. Kulturhistorische Perspektiven

Studien zu Musik und Gender 1, Stuttgart: Metzler, 2020

Musik und Emotionen haben Konjunktur, und zwar nicht erst seit Emotionen in Wissenschaft, Ratgebe... more Musik und Emotionen haben Konjunktur, und zwar nicht erst seit Emotionen in Wissenschaft, Ratgeberliteratur und Journalismus zu einem der Hauptthemen geworden sind. Die Verbindung zwischen diesen beiden ephemeren Phänomenen geht bis in die Antike zurück, und sie ist weit komplexer als es die weitläufig bekannte Formulierung, Musik sei die Sprache der Gefühle, erahnen lässt. Im vorliegenden Band werden zum ersten Mal Herangehensweisen aus der Historischen Musikwissenschaft, der Tanzwissenschaft und den Sound Studies mit Ansätzen aus der Emotionsgeschichte verbunden, um den vielschichtigen Zusammenhang zwischen Musik und Emotionen aus einer kulturhistorischen Perspektive zu beschreiben.

Speicher musikalischen Wissens. Perspektiven aus Wissenschaft und Praxis (= Die Tonkunst 13/2 , 2019)

Historische Musikwissenschaft. Gegenstand – Geschichte – Methodik, Laaber: Laaber-Verlag, 2019 (Kompendien Musik)

by Frank Hentschel, Aviezer Tucker, Judith I Haug, Marie Louise Herzfeld-Schild, Lawrence Kramer, and Klaus Frieler

Handbook of historical musicology. Introduction and reflection on the methods of the discipline. ... more

Emotion, History and the Arts

Special Issue of Cultural History , 2018

Antike Wurzeln bei Iannis Xenakis

Franz Steiner Verlag: Stuttgart, 2014

Ancient Greece continues to play an important role in cultural life, as in the work of the Greek-... more Ancient Greece continues to play an important role in cultural life, as in the work of the Greek-French composer Iannis Xenakis (1921–2001) who is often called a 'Greek in the wrong millennium'. Indeed, in his theoretical writings and in interviews, Xenakis regularly referred to classical Greek thinkers such as the music theorist Aristoxenus of Tarentum, the presocratic philosophers Parmenides of Elea and Heraclitus, and the Pythagorean school. In so doing he not only endowed his compositional approaches with an intellectual justification and coloring; his invocation of Greek antiquity also helped in the search for an identity precipitated by his exile. For the first time, Xenakis's reception of Greek antiquity as reflected in his writings, interviews and selected compositions is classified and critically illuminated in a detailed examination. The exploration of sources and lines of reception is given as much weight as the analysis of Xenakis's perception of himself and of the outside world, which in turn gives rise to discussion about autobiography and its narration, and about the construction of an image.
Die griechische Antike spielt im kulturellen Leben auch des 20. Jahrhunderts eine bedeutende Rolle – so im Schaffen des griechisch-französischen Komponisten Iannis Xenakis (1921–2001), der gerne auch als 'Grieche im falschen Jahrtausend' bezeichnet wird. Tatsächlich berief Xenakis sich in seinen theoretischen Schriften und Interviews regelmäßig auf antike Denker wie den Musiktheoretiker Aristoxenos von Tarent, die vorsokratischen Philosophen Parmenides und Heraklit oder die Schule der Pythagoreer. Einerseits gab er damit seinen Kompositionsansätzen eine intellektuell geprägte Rechtfertigung und Färbung, andererseits half ihm die Berufung auf die Antike bei seiner durch das Exil bedingten Identitätssuche. Erstmalig wird in diesem Band Xenakis' Antikenrezeption in seinen Schriften, Interviews und ausgewählten Kompositionen kategorisiert und durch gründliche Überprüfung kritisch beleuchtet. Die Auseinandersetzung mit Quellen und Rezeptionslinien spielt dabei ebenso eine Rolle wie die Analyse von Xenakis' Selbst- und Außenwahrnehmung, die auch Fragen nach Autobiographie und deren Narration sowie Imagekonstruktion thematisiert.

Speicher musikalischen Wissens: Konzepte zwischen Wissenschaft und Praxis. Eine Einführung

by Evelyn Buyken and Marie Louise Herzfeld-Schild

Speicher musikalischen Wissens. Interdisziplinäre Perspektiven aus Wissenschaft und Praxis (= Die Tonkunst, 2/ 2019), 2019

Gespeichertes Wissen zwischen den Disziplinen. Zur emotionalen Wirkung der Musik in Ästhetik und Medizin der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts

Speicher musikalischen Wissens, Special Issue von Die Tonkunst. Magazin für Klassische Musik und Musikwissenschaft 13/2 (2019), hg. von Evelyn Buyken, Marie Louise Herzfeld-Schild und Melanie Unseld, S. 177-184, 2019

Musikalische Immersion: "Hörend Anwesenheit spüren" (incl. English Translation)

Immersion, Special Issue Navigationen - Zeitschrift für Medien- und Kulturwissenschaften 2019, ed. by T. Breyer/D. Kasprowicz, 2019

Introduction: Emotions, History and the Arts

in: Emotion, History and the Arts. Special Issue Cultural History, 2018

Vergangenheit in der Zukunftsmusik der Gegenwart. Xenakis’ "Epiphanien" zu Wagners Meistersingern

Die Musikforschung, 2016

Iannis Xenakis wrote his article Epiphanien in 1968 as part of Wolfgang Wagner's survey in connec... more Iannis Xenakis wrote his article Epiphanien in 1968 as part of Wolfgang Wagner's survey in connection with the 100th anniversary of Die Meistersinger von Nürnberg. In it, he formulated ideas on the position of art, and opera in particular, between past, present, and future. The first section expresses a value judgment that Xenakis clearly set in opposition to 'normative work'. The second section, however, reveals the ambivalence with which he viewed Wagner's music.
German: Iannis Xenakis schrieb seinen Beitrag 'Epiphanien' im Jahr 1968 im Rahmen von Wolfgang Wagners Umfrage anlässlich des 100jährigen Jubiläums der 'Meistersinger von Nürnberg'. Er formuliert in diesem Text Gedanken zur Position von Kunst und von Musiktheater im Besonderen - zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Im ersten Teil drückt sich eine Wertschätzung aus, die Xenakis dem 'normgebenden Werk' ganz offensichtlich entgegenbrachte. Im zweiten Teil wird jedoch auch die Zwiespältigkeit deutlich, mit der er das Schaffen des Älteren betrachtete.

„The Tragedy of Life“. Zum Opern-Soundtrack in Woody Allens MATCHPOINT

Kieler Beiträge zur Filmmusikforschung, 2012

Passion. Temptation. Obsession.« -Diese drei Wörter stehen als tagline unter Woody Allens 39. Reg... more Passion. Temptation. Obsession.« -Diese drei Wörter stehen als tagline unter Woody Allens 39. Regiearbeit aus dem Jahre 2005, MATCH POINT (UK, Woody Allen), und fassen kurz und knapp zusammen, worin es in diesem Film geht: Der irische Tennislehrer Chris Wilton (Jonathan Rhys Meyers) verschafft sich die Möglichkeit, durch Heirat mit Chloe Hewett (Emily Mortimer), einer Tochter aus gutem Hause, in die reiche Londoner high society aufzusteigen; er beginnt jedoch eine leidenschaftliche Affäre mit der Verlobten seines Freundes und späteren Schwagers Tom Hewett (Matthew Goode), der erfolglosen, amerikanischen Schauspielerin Nola Rice (Scarlett Johansson), die -als sie ungewollt schwanger wird -droht, seiner Frau alles zu erzählen, wenn er diese nicht verlässt. Hin und her gerissen zwischen seiner Liebe zu Nola und seinem privilegierten Leben mit Chloe entscheidet er sich schließlich für Letzteres und sieht keine andere Chance mehr, als Nola, und mit ihr sein ungeborenes Kind, zu ermorden. Er erschießt sie in ihrem Hausflur. Kaltblütig opfert er außerdem das Leben einer Nachbarin (Margaret Tyzack), um das Ganze als Überfall zu tarnen. Durch Glück wird Chris vom vorübergehend auf ihn gefallenen Tatverdacht freigesprochen, doch ist er am Ende des Films von seiner schweren Schuld gezeichnet und wird seines privilegierten Lebens nicht mehr froh. Die tagline charakterisiert darüber hinaus den Hauptprotagonisten Chris selbst, der von seinen Leidenschaften (»passion«) nach gesellschaftlichem Aufstieg, nach Geld und nach Sex geradezu besessen ist (»obsession«) und diesen Versuchungen (»temptation«) nicht widerstehen kann. KIELER BEITRÄGE ZUR FILMMUSIKFORSCHUNG, 12, 2016 // 274

"He plays on the pillory". The use of musical instruments for punishment in the Middle Ages and the Early Modern Era

Torture. Journal on Rehabilitation of Torture Victims and Prevention of Torture , 2013

Illustrations by the Dutch renaissance artists Pieter Bruegel the Elder and Jan Wierix both show ... more Illustrations by the Dutch renaissance artists Pieter Bruegel the Elder and Jan Wierix both show a man imprisoned on a pillory, a former place of enforcement of judicial sentences, and playing a musical instrument. Taken as legal iconographic sources, these illustrations of the old saying 'He plays on the pillory' can be understood as references to a specific kind of punishment used in the Middle Ages and the Early Modern Era. Specifically, delinquents had to wear wooden or iron 'neck violins' or 'neck flutes' while being pilloried or chased through the streets in order to be humiliated in public. As well as this historical fact, there also exists an interpretation that takes the illustrations by Bruegel and Wierix literally. It suggests that these punishment practices originally date back to a more ancient use of real instruments in a penal system that was applied and understood as a ‘healing punishment’ (poena medicinalis) to banish the ill and re-establish the good in the delinquent, the community and the world as a whole due to musical sounds. By means of legal iconographical and historical methods, this article explores the different nuances of punishment that employed real or symbolic musical instruments. Thus, it examines a historical aspect of 'music in detention' where the (symbolic) sounds do not emanate from the punisher but from the punished themselves.

Studien zu Cathy Berberians New Vocality

Archiv für Musikwissenschaft, 2011

During the 1950s and 1960s the musical avant-garde developed a new type of vocal composition (oft... more During the 1950s and 1960s the musical avant-garde developed a new type of vocal composition (often for solo voice) that recognized and incorporated everyday vocal sounds, such as gestural utterances or expressions of affect, into the aesthetic parameter of a work. The singer Cathy Berberian, who took center stage in this development thanks to the extraordinary range of her vocal capabilities, inspired numerous composers to write in this emerging style and was herself engaged in the creative process. Her unique vocal treatment became known as the New Vocality. Part A investigates the significant role of the voice in contemporary music in general and within several compositions written for Berberian by John Cage and Luciano Berio in particular, taking into special consideration the criteria of vocal gesture and affective utterances. Part B focuses on Berberian’s own composition Stripsody, a showpiece of New Vocality, especially as it relates to musical transformations derived from pop art and onomatopoeia in comics.

Serialismus aus Tradition. Milton Babbitts Schönberg-Rezeption

Archiv für Musikwissenschaft, 2009

Milton Babbitt, American composer and music theorist, based one of the defining principles of his... more Milton Babbitt, American composer and music theorist, based one of the defining principles of his serialism—hexachordal combinatoriality—on the tradition of the Second Viennese School, in particular on Schoenberg's 12-tone compositions. Webern's technique, which took one trichord for the derivation of the 12-tone series, indeed for an entire composition itself, also played a prominent role in Babbitt's serialism. The development of his compositional technique is exemplified in an analysis of his first two serial compositions, Three compositions for piano, no. 1, and Composition for four instruments. Also discussed is the extent to which his music is built on tradition and where he succeeded in forging his own path, as well as how he deals with the remaining musical parameters. Finally, a comparison between the conceptions of Babbitt's pitch class-sets and Schoenberg's 12-tone series serves to highlight Babbitt's one-sided, although not misguided, reception of Schoenberg's techniques.

Johann August Unzer: Von der Musik, in: Der Arzt, 1769

Lexikon Schriften über Musik, hg. von Hartmut Grimm, Melanie Wald-Fuhrmann und Felix Wörner, Kassel et al.: Bärenreiter

Helmuth Plessner, Zur Anthropologie der Musik, in: Jahrbuch für Ästhetik und allgemeine Kunstwissenschaft, hrsg. von H. Lützeler, Stuttgart 1951.

Lexikon Schriften über Musik, hg. von Hartmut Grimm, Melanie Wald-Fuhrmann und Felix Wörner, Kassel et al.: Bärenreiter (im Druck)

Richard Browne, Medicina musica, or, a Mechanical Essay on the Effects of Singing, Musick, and Dancing on Human Bodies, London 1729

Lexikon Schriften über Musik, hg. von Hartmut Grimm, Melanie Wald-Fuhrmann und Felix Wörner, Kassel et al.: Bärenreiter

Singen als emotionale Praktik des Erinnerns [incl. English Translation]

Musik und Emotionen. Kulturhistorische Perspektiven (Studien zu Musik und Gender 1), hg. von Marie Louise Herzfeld-Schild, Stuttgart: Metzler, 2020, S. 103-126, 2020

Einleitung Am Abend des 9. November 2014 erstrahlte in Berlin eine durchlässige Mauer aus 8.000 s... more Einleitung Am Abend des 9. November 2014 erstrahlte in Berlin eine durchlässige Mauer aus 8.000 schwebenden, strahlend weißen Ballons. Als Lichtgrenze markierten sie die frühere innerdeutsche Grenze und zeigten im immateriellen Medium des Lichts die Mauer an, die die Stadt Berlin in einen Ostund einen Westteil unterteilt hatte. Um 19:20 Uhr wurden diese Ballons in den Himmel entlassen und markierten damit den emotionalen Höhepunkt der Feierlichkeiten zum 25. Jubiläum des Mauerfalls. Im wahrsten Sinne des Wortes löste sich damit die Mauer in Luft auf: Die Ballons verließen ihre festgefügte Position auf Laternenpfählen ähnlichen Pfosten, stiegen auf und verschwanden allmählich außer Sichtweite im Dunkel des Himmels. All dies wurde begleitet von den Klängen der Ode an die Freude aus Ludwig van Beethovens 9. Sinfonie, aufgeführt von der Staatskapelle Berlin und dem Chor der Staatsoper Unter den Linden unter der Leitung von Daniel Barenboim. Neben der Ode an die Freude waren noch weitere musikalische Beiträge Teil der Feierlichkeiten zum Mauerfall-Jubiläum, so z.B. von dem Singer-Songwriter Wolf Biermann, den Fantastischen Vier und Udo Lindenberg. Für die vorliegende Untersuchung zum Singen als emotionale Praktik des Erinnerns soll das Augenmerk jedoch auf einen ganz bestimmten Beitrag gerichtet werden: Kurz bevor die Ballons in den Himmel geschickt wurden, gab Peter Gabriel auf der Bühne vor dem Brandenburger Tor seine Version des David Bowie Songs Heroes zum Besten-mit Bildern zahlloser Mauertoten und der friedlichen Revolution von 1989 auf der Leinwand hinter ihm und tausenden Menschen vor ihm. Warum hatten die Verantwortlichen diesen Song für die Feierlichkeiten zum Mauerfall-Jubiläum ausgewählt? Natürlich, Peter Gabriel ist ein Weltstar, und das macht sich auf so einer großen Bühne immer gut. Doch war es an diesem Tag sicherlich weniger Gabriel als der von ihm performte

Mendelssohn-Renaissance nach 1945

Handbuch Felix Mendelssohn Bartholdy, ed. by C. Wiesenfeldt, Kassel/Stuttgart: Bärenreiter/Metzler

Jede Renaissance ist darauf angewiesen, dass etwas aus der Vergangenheit überdauert, das dem Verg... more Jede Renaissance ist darauf angewiesen, dass etwas aus der Vergangenheit überdauert, das dem Vergessen die Stirn bietet und die Wiedergeburt einleiten kann. Auch wenn das Andenken Mendelssohns in den Jahren vor 1945 großen Schaden genommen hatte und der Komponist -zumindest in Deutschland -aus dem öffentlichen Leben getilgt worden war, trotzte eine Vielzahl seiner Autographe, Manuskripte, Briefe, Skizzen, aber auch Bilder und Zeichnungen in Bibliotheken, Archiven und privaten Sammlungen der Verfemung. Die Entstehungsgeschichte des mittlerweile weltweit größten Mendelssohn-Archivs in der Staatsbibliothek zu Berlin, das neben Musikhandschriften, Briefen und Bildern auch eine umfangreiche Bibliothek und verwandte Musikalien, Brief-und Zeitschriftendokumentationen umfasst (vgl. Schmidt-Hensel 2015), zeigt exemplarisch, welchen Einfluss Politik, Kulturgeschichte und überdauerndes Material auf die Mendelssohn-Renaissance nehmen konnten. Mendelssohns Kinder hatten 1878 den ihnen zugänglichen kompositorischen Nachlass ihres Vaters der Königlich Preußischen Staatsbibliothek in Berlin mit der Auflage vermacht, unter seinem Namen ein Stipendium (das 1934 von den Nationalsozialisten aufgelöst wurde) für begabte Musikstudenten einzurichten. 1908 kamen weitere wertvolle Musikautographe zu dieser Berliner Sammlung hinzu, sodass sich zu Beginn des Zweiten Weltkriegs über fünfzig Bände darin befanden. Ein Drittel davon wurde kriegsbedingt verlagert und liegt noch heute in der Krakauer Biblioteka Jagiellońska. Seit 1991 verhandelt die Bundesrepublik mit Polen darüber, ob und wie die Bände nach Deutschland zurückgebracht werden können. Der Grundstock der Berliner Sammlung wurde nach dem Zweiten Weltkrieg durch eine große Schen-Im Vorwort zum Tagungsbericht des wegweisenden Symposiums »Das Problem Mendelssohn« hielt Carl Dahlhaus im Jahre 1974 als Stand der Mendelssohn-Forschung fest: »Von einer Mendelssohn-Renaissance zu sprechen, wäre zweifellos eine grobe Übertreibung«; es könne jedoch in der letzten Zeit durchaus eine deutliche »Steigerung des wissenschaftlichen Interesses an Mendelssohn« festgestellt werden (Dahlhaus 1974, 7). Tatsächlich war diese seit dem Ende des Dritten Reichs und der damit einhergegangenen Verfemung Felix Mendelssohn Bartholdys wieder auflebende und erstarkende Mendelssohn-Rezeption in den ersten Jahrzehnten nach 1945 von zahlreichen Schwierigkeiten geprägt, die insbesondere mit dem unreflektierten Übernehmen früherer Bewertungsmuster ästhetischer und antisemitischer Art in Verbindung standen.

Von Identitätsproblematik zu Identitätskonstruktion. Exilerfahrungen bei Iannis Xenakis

Musik und Migration, ed. by N. Grosch et al., Münster: Waxmann, 2018

Emotionsgeschichte

Historische Musikwissenschaft. Gegenstand – Geschichte – Methodik (= Kompendien Musik 2), hg. von Frank Hentschel, 2019

Interdisziplinarität

Historische Musikwissenschaft. Gegenstand – Geschichte – Methodik (= Kompendien Musik 2), hg. von Frank Hentschel, 2019

Das Sprechen von Interdisziplinarität setzt als grundlegendes Prinzip Disziplinen voraus, zwische... more Das Sprechen von Interdisziplinarität setzt als grundlegendes Prinzip Disziplinen voraus, zwischen denen geforscht werden kann. Versteht man Disziplin als Fach, wie es zumeist gehandhabt wird, so ist interdisziplinäre Forschung eine zwischenfachliche Angelegenheit. Im weiteren Sinne kann eine Disziplin jedoch auch durch einen mehrere Fächer übergreifenden »spezifischen eorieentwurf, ein spezifisches ›theoretisches Integrationsniveau‹ charakterisiert« 1 werden. In diesem Fall sind zahlreiche Fächer unter sehr viel weniger übergeordnete Disziplinen zu subsummieren. Interdisziplinäre Zusammenarbeit findet unter diesen Vorzeichen sehr viel seltener statt und bringt aufgrund der unterschiedlichen eorieentwürfe zahlreiche Herausforderungen in der Umsetzung mit sich.

Emotionalität (incl. English Translation)

Handbuch Sound. Geschichte – Begriffe – Ansätze, ed. by D. Morat/H. Ziemer, Stuttgart: Metzler, 2018

Dieses Handbuch bietet einen Überblick über Sound in den Kultur-, Geistes- und Sozialwissenschaft... more Dieses Handbuch bietet einen Überblick über Sound in den Kultur-, Geistes- und Sozialwissenschaften. Ausgehend von der Beobachtung, dass Sound ein soziales und damit auch ein historisches Phänomen ist, greifen die Autorinnen und Autoren die Vielfalt von Sound in unterschiedlichen Erscheinungs- und Darstellungsformen auf und verfolgen ihre Spuren in Geschichte und Gegenwart. Sie skizzieren methodisch-theoretische Zugänge und Begriffe der Soundforschung und gehen auf disziplinäre Perspektiven und Traditionen ebenso ein wie auf einzelne akustische Phänomene. Dabei werden spezifische Räumlichkeiten genauso berücksichtigt wie die medialen und politischen Kontexte, in denen Sound produziert und erfasst, angeeignet und genutzt wird. Das Handbuch gibt damit nicht nur eine breite Übersicht über die aktuelle Diskussion zu Sound, sondern liefert auch vielfältige Anregungen für zukünftige Forschungen.

MitLeidenSchaft. Emotion und Musik im Spannungsfeld von Leid und Leidenschaft

Passions. Musik des 18. Jahrhundert zwischen Leid und Leidenschaft, ed. by C. Bebermeier et al., Würzburg: Königshausen & Neumann, 2018

Resonanz und Stimmung. Musikalische Paradigmen im historischen Spannungsfeld von Anthropologie, Ästhetik und Physiologie

Resonanz, Rhythmus und Synchronisierung: Erscheinungsformen und Effekte, ed. by T. Breyer et al., Bielefeld: Transcript , 2017

In diesem Beitrag wird der metaphorische Sprachgebrauch von Resonanz und Stimmung in den Blick g... more In diesem Beitrag wird der metaphorische Sprachgebrauch von Resonanz und
Stimmung in den Blick genommen und auf seinen »abstrakten Kern von Wahrheit
« hin untersucht. Dazu wird diesen beiden Begriffen zunächst in der philosophischen
Anthropologie Helmuth Plessners nachgegangen, bevor anschließend
anhand exemplarisch ausgewählter musikästhetischer und physiologischer
Schriften des 18. Jahrhunderts der Beginn der Transformationen von Resonanzund
Stimmungskonzepten aus dem Akustisch-Musikalischen ins Ästhetisch-
Anthropologische aufgezeigt wird. Abschließend werden Querverbindungen aus
dem 18. über das 19. zurück ins 20. Jahrhundert gezogen und Perspektiven für
aktuelle und zukünftige Forschung zum Sprachgebrauch von Resonanz und
Stimmung über die Fokussierung auf die gemeinsame musikalische Basis herausgearbeitet.

"Stimmung des Nervengeistes". Neurophysiologie und Musik im 18. Jahrhundert

Stimmungen und Vielstimmigkeit der Aufklärung, ed. by S. Moosmüller et al., Göttingen: Wallstein , 2017

Stimmung ist eine höchst vielstimmige Errungenschaft der Aufklärung. Das 19. Jahrhundert hat sie ... more Stimmung ist eine höchst vielstimmige Errungenschaft der Aufklärung. Das 19. Jahrhundert hat sie weitgehend verschüttet. In diesem Band wird sie reaktualisiert.

Die Spannung zwischen musikalischer Stimmung und Vielstimmigkeit trifft ins Herz der Aufklärung und ist angesichts der dichten globalen Vernetzung der heutigen Welt aktueller denn je. Müssen die einzelnen Individuen wie die Instrumente im Orchester aufeinander abgestimmt werden? Und wie können sich die einzelnen Stimmen dennoch individuell artikulieren und wahrgenommen werden? Im vorliegenden Band erkunden Musik-, Literatur- und KulturwissenschaftlerInnen verschiedene Positionen des 18. Jahrhunderts und deren Bedeutung für unsere Zeit.
Zunächst werden im breiten Feld der Musikpraxis und Musiktheorie, aber auch der Literatur die spezifischen Stimmungsdiskurse und »Temperaturen« der Aufklärung untersucht. Im zweiten Teil rücken die Übertragungen von der Musik auf die Physiologie in den Fokus: Nicht einfach der Mensch, sondern der Mensch als resonierendes Instrument wird zunehmend Gegenstand der aufklärerischen Diskussion. Im dritten Teil erweist sich die Leitkunst der Musik als wegweisend für eine gleichzeitig harmonikal simultane wie für eine sukzessiv melodiebasierte Wissensordnung in den ästhetischen Disziplinen. Schließlich stellen Aktualisierungen den Anschluss an das zeitgenössische Kunstschaffen exemplarisch her, um aufzuzeigen, wie sehr die Paradigmen der Aufklärung auch heute noch von Relevanz sind.

Das Gotteslob als emotional-musikalischer Erinnerungs(h)ort

Lied und populäre Kultur – Song and Popular Culture. Lieder/Songs als Medien des Erinnerns. Jahrbuch des Deutschen Volksliedarchivs Freiburg 59, ed. by M. Fischer/T. Widmaier, Münster: Waxmann, 2014

The Sound of Music – Ein "Great American Musical"?

“In Search of the ‘Great American Opera’”. Tendenzen des amerikanischen Musiktheaters (= Populäre Kultur und Musik 17), ed. by F. Döhl/G. Herzfeld, Münster: Waxmann, 2016

Die „große amerikanische Oper“ war und ist Gegenstand diverser Diskurse analog zur Diskussion um ... more Die „große amerikanische Oper“ war und ist Gegenstand diverser Diskurse analog zur Diskussion um „The Great American Novel“. Die Verlockung, den „großen amerikanischen Roman“ aufzuspüren, der gleichsam das Wesen seines Herkunftslandes zum Ausdruck bringe, scheint derart mächtig, dass bis heute mit Werken von Herman Melville bis Philip Roth stets neue Kandidaten angeführt werden. Bereits 1925 übertrug Benjamin Morris Steigman das Konzept auf die Musik und nannte Werke wie Horatio Parkers Mona (1912) oder Reginald de Kovens Rip van Winkle (1919) erste Versuche, eine „Great American Opera“ zu kreieren. Dieser Band folgt in zwölf Fallstudien dieser Idee einer „großen amerikanischen Oper“ von der Zeit des Ersten Weltkriegs bis heute, beleuchtet ihre Ideologeme, ihre produktiven Potenziale und die Vielfalt ihrer Erscheinungsformen vom Musiktheater des Broadway bis in die Avantgarde.

Musical Pop Art: Cathy Berberian’s Stripsody (1966)

Music and Figurative Arts in the Twentieth Century, ed. by R. Illiano, Turnhout: Brepols (= Speculum Musicae 27), 2016

Der Weg (Herbert Grönemeyer)

Songlexikon. Encyclopedia of Songs, ed. by M. Fischer et al., 2017

Like a Prayer (Madonna)

Songlexikon. Encyclopedia of Songs, ed. by M. Fischer et al., 2017

Bridge over Troubled Water (Simon & Garfunkel)

Songlexikon. Encyclopedia of Songs, ed. by M. Fischer et al., 2017

Painting Emotions in Music: Conjoining medical and aesthetic knowledge in 18th century German music aesthetics

The History of Emotions Blog Conversations about the history of feeling from www.qmul.ac.uk/emotions, 2016

"With the harmony of the heart alone" - The Emotionalization of Religion in Heinrich Bone’s Preface to "Cantate!" (1847) / „Nur mit der Harmonie des Herzens“. Emotionalisierung von Religion in Heinrich Bones Vorwort zu Cantate! (1847)

Web Portal "History of Emotion - Insights into Research", 2015

„Antike Wurzeln bei Iannis Xenakis“, Doktorandenforum Literatur & Natur der Studienstiftung des deutschen Volkes in Marbach, Mai/Juni 2010.

„Everyone says I love you“, im Rahmen der Veranstaltung „Musik bei Woody Allen“ der Langen Nacht der Wissenschaft, Freie Universität Berlin, Juni 2010.

„Axiomatik, Mengenlehre, Modelltheorie. Schnittstellen zwischen Mathematik und Musikkomposition bei Iannis Xenakis (1921-2001)“, Doktorandenforum Literatur & Natur + Wissenschaft der Studienstiftung des deutschen Volkes in Köln, Dezember 2010.

„Iannis Xenakis' Komposition Nomos Alpha (1965)“, Doktorandenforum Gesellschaft, Kultur, Natur der Studienstiftung des deutschen Volkes in Frankfurt a. M., November 2011.

„Rebecca“, im Rahmen der Veranstaltung „Musik in den Filmen von Alfred Hitchcock“ der Langen Nacht der Wissenschaft, Freie Universität Berlin, Juni 2012.

„Cathy Berberian: Stripsody (1966)“, im Rahmen der Veranstaltung „Musik zu Cartoons“ der Langen Nacht der Wissenschaft, Freie Universität Berlin, Juni 2013.

„,Alte und neue Kirchenmusik’. Gefühlte Gemeinschaften durch religiöse Musik im 19. Jahrhundert“, Kolloquium des Instituts für Kirchenmusik und Musikwissenschaft der Universität Greifswald, Greifswald, Januar 2014.

"Between Sense and Sensibility: Emotional Aspects of Religious Chants in the 19th Century", Research Colloquium, Max-Planck-Institut für Bildungsforschung, Berlin, Mai 2014.

"New Vocality". Emotionen in elektroakustischer Musik (1950-1970), Research Colloquium MPFG "Felt Communities", Berlin, Dezember 2014.

Podiumsdiskussion zum "Science and Religion Day" der Veranstaltung "The Recording" mit Matthew Herbert und Band, Tischlerei der Deutschen Oper Berlin, September 2014.

"Musik und Architektur bei Iannis Xenakis", Vortragsreihe "Musikwissenschaft aktuell", veranstaltet von der Kunstuniversität Graz und der Karl-Franzens-Universität Graz, Dezember 2014.

Als das Wiegenlied salonfähig wurde. Lange Nacht der Wissenschaften, Max-Planck-Institut für Bildungsforschung, Juni 2015.

Forschung über Emotionen: Was löst Musik in uns aus?, Gespräch mit Mascha Drost, Sendung „Tonart“, Deutschlandradio Kultur, November 2015

“The Nerves of the Soul”. Emotional Knowledge between Music Aesthetics and Medicine (1740–1880), Centre for the History of the Emotions, Queen Mary University London, Juni 2016

"Music and Emotion in History", Centre for the History of the Emotions, Queen Mary University London, Oktober 2016

"Stimme, Performance und Werk in der elektronischen Musik", Podiumsdiskussion, Musikfestival „Heroines of Sounds“, Berlin, Dezember 2016

Anthropologie und Ästhetik. Ringvorlesung „Was ist Anthropologie? II Die Frage nach dem Menschen und seinem Selbstverständnis in den Wissenschaften, a.r.t.e.s. Graduate School for the Humanities Cologne, Universität zu Köln, Mai 2017

Musical Metaphors in Phenomenology. Royal Musical Association Music and Philosophy Study Group Conference, London, Juli 2017

Vocality and Emotions in Electroacoustic Music. International Society for Cultural History Annual Con-ference 2017 “Senses, Emotions and the Affective Turn – Recent Perspectives and New Challenges in Cultural History”, Umeå, Juni 2017

Medizinische Schriften als Speicher musikalischen Wissens. Interdisziplinärer Workshop „Speicher musikalischen Wissens. Perspektiven aus Wissenschaft und Praxis“, a.r.t.e.s. Graduate School for the Humanities Cologne, Universität zu Köln, Mai 2017

Internationale Tagung „Melancholia | Empathy : [meta]physics of sorrow | [meta]perspectives on emotions“, Universität zu Köln, 23./24. März 2017.

by Marie Louise Herzfeld-Schild and Evelina Miteva

Panel “Musical and Vocal Expressions of Emotions”, International Society for Cultural History Conference: "Senses, Emotions and the Affective Turn - Recent Perspectives and New Challenges in Cultural History", Umeå university, Sweden, 26-29 June, 2017.

by Marie Louise Herzfeld-Schild and Carola B Bebermeier

The close relationship between music and emotions seems to be a commonplace. Although numerous at... more The close relationship between music and emotions seems to be a commonplace. Although numerous attempts have been made to better understand this relationship, however, there are still many unresolved questions regarding the manifold connections between these two human phenomena. Our panel wants to approach the relationship between music and emotions by understanding both – music and emotion – as expressions, and therefore as being very similar in character. Thereby the voice acts as link between music and emotions, since it is used expressively in both the musical (singing, declaming etc) as well as in the emotional realm (scream, shout, laugh etc) and thus is building a bridge between both the aesthetical and the affective side.
The panel wants to examine the relationship between music, voice and emotions from as manifold perspectives as possible. Thematic areas could include performance studies, aesthetical concepts, analysis or history of compositions, aspects of embodiment. Thereby, we are particularly interested to contrast examples that stem from different historical as well as different cultural areas and also invite proposals concerning the border between vocal sounds in music and vocal sounds in everyday life. The aim of the panel is to combine as manifold aspects of musical and vocal expressions of emotions and to thereby come as close as possible to the relationship of music and emotions in past and present.

Panel "Emotions and the Arts: An Interdisciplinary History", International Society for Cultural History: "Senses, Emotions and the Affective Turn - Recent Perspectives and New Challenges in Cultural History", Umeå University, Sweden, 26-29 June, 2017

What can the arts reveal to us about emotional experience in the past? Can we use music, visual a... more What can the arts reveal to us about emotional experience in the past? Can we use music, visual art, literature, theatre, and other aesthetic works to move beyond the study of historical discourses and classifications, and towards a deeper understanding of how emotion was felt, shared, and put to use in past times and places? How can we draw historical insights from not only the emotions that aesthetic texts represent and describe, but also from those that they make us, and others, feel?
This panel invites papers from researchers working on history, emotion, and the arts in all their forms. It seeks to explore the extent to which the study of the history of the emotions can in fact be emotional, not only in the object of its research but also in the methodologies that it deploys. Topics for discussion might include how methods from cultural anthropology, formalist criticism, philosophy of mind and body, phenomenology, or audience research might be put into conversation with more established approaches in historical emotion studies. Papers might consider how the ‘affective turn’ in critical theory offers new ways of moving beyond language, or how a sharper focus on embodied experience and aesthetics might reveal new insights into emotion, sensation, and cognition over time. Whatever their approach, papers in this panel will help further a discussion about the place and power of artistic evidence in the development of the history of the emotions as a field.

Interdisziplinärer Workshop "Speicher musikalischen Wissens. Perspektiven aus Wissenschaft und Praxis", Universität zu Köln, 8./9. Mai 2017.

Forschungsgruppe "Transformations of Knowlegde" a.r.t.e.s. Graduate School for the Humanities Col... more Forschungsgruppe "Transformations of Knowlegde" a.r.t.e.s. Graduate School for the Humanities Cologne Universität zu Köln [email protected] VERANSTALTUNGSORT a.r.t.e.s. Graduate School for the Humanities Cologne Aachener Str. 217 | 50931 Köln | Raum 3.A06 (3. OG) Musikhandschriften, -drucke oder -partituren gelten gemeinhin als prominenteste Speicher musikalischen Wissens, denn sie vermögen nicht nur den Willen des Komponisten / der Komponistin abzubilden, sondern fungieren zugleich selbst als Speicher schriftlich tradierter Musikkultur. Ausgehend von dem Bewusstsein, dass musikalisches Wissen jedoch auf zahlreiche andere Weisen gespeichert werden kann, rückt der Workshop solche Wissensspeicher in den Fokus, die erst auf dem zweiten Blick ebenso zentral zur Festigung, Speicherung und Vermittlung von musikbezogenem Wissen Bedeutung erlangen. Dabei stehen folgende Fragen im Mittelpunkt: Wie manifestiert sich musikalisches Wissen im jeweiligen Speicher? Wie kann dieses Wissen wieder abgerufen und aktualisiert werden? Auf welche Art und Weise transformiert sich das musikalische Wissen im Speicherungs-, Tradierungs-und Aktualisierungsprozess? Und was können wir aus all diesen Aspekten über musikalisches Wissen, und letztlich auch über Musik selbst, herausarbeiten? Ziel ist es, den wissenschaftlichen Diskurs eng mit der in der Praxis gemachten Erfahrung und dem dort umgesetzten Wissen zu verzahnen. So nehmen einerseits Wissenschaftler/Wissenschaftlerinnen aus dem In-und Ausland, andererseits Experten/Expertinnen aus der Musikproduktion, dem Rundfunk, dem Geigenbau und dem Konzertbetrieb an dem Workshop teil. a.r.t.e.s.

International Symposium: Music, Medicine and Emotions, Friday 27th May, 2016, Centre for the History of the Emotions, Queen Mary University London

by Marie Louise Herzfeld-Schild and Helen Stark

CfP Workshop: Emotionsgeschichte und Musik: Forschungsperspektiven und Methoden

by Lena van der Hoven and Marie Louise Herzfeld-Schild

Speicher musikalischen Wissens. Interdisziplinäre Perspektiven aus Wissenschaft und Praxis (= Die Tonkunst, 2/ 2019)

by Evelyn Buyken and Marie Louise Herzfeld-Schild

GOING VIRAL: Music and Emotions during Pandemics (1679-1919)

This project provides a comparative history of the imbrication of music in the emotional expe rie... more This project provides a comparative history of the imbrication of music in the emotional expe riences of pandemics. It develops a conceptualisation and methodology for studying music and emotions across history, generates historical knowledge about music's emotional dimensions in three major pandemics-the Plague, Cholera and Spanish Flu-, highlighting both differ ence and continuity and provides a solid conceptual, methodological and historical foundation for comparative studies on music, emotions and pandemics across a vast range of disciplines. The results will not only be applicable in related historical settings but also enable a meaning ful interdisciplinary discourse with the Social and Natural Sciences about music and emotions in pandemics, including Covid19. Dieses Projekt untersucht die Rolle von Musik in der emotionalen Erfahrung von Pandemien im Rahmen einer vergleichenden historischen Untersuchung. Dazu entwickelt es Konzepte und Methoden für die Erforschung von Musik und Emotionen im Verlauf der Geschichte, erarbeitet geschichtliche Erkenntnisse über emotionale Dimensionen von Musik in drei Pandemien-der Pest, der Cholera und der Spanischen Grippe-, indem es sowohl Unterschiede als auch Konti nuitäten aufzeigt, und schafft eine solide konzeptionelle, methodologische und historische Grundlage für vergleichende Studien über Musik, Emotionen und Pandemien in zahlreichen anderen Disziplinen. Die Forschungsergebnisse sind nicht nur für verwandte historische Zu sammenhänge relevant, sondern werden auch einen fruchtbaren interdisziplinären Diskurs mit den Sozial und Naturwissenschaften über Musik und Emotionen in Pandemien, einschließlich Covid19, ermöglichen.

Introduction: Emotion, History and the Arts

by Marie Louise Herzfeld-Schild and Erin Sullivan

Cultural History, 2018

This introduction surveys the rise of the history of emotions as a field and the role of the arts... more This introduction surveys the rise of the history of emotions as a field and the role of the arts in such developments. Reflecting on the foundational role of the arts in the early emotion-oriented histories of Johan Huizinga and Jacob Burkhardt, as well as the concerns about methodological impressionism that have sometimes arisen in response to such studies, the introduction considers how intensive engagements with the arts can open up new insights into past emotions while still being historically and theoretically rigorous. Drawing on a wide range of emotionally charged art works from different times and places—including the novels of Carson McCullers and Harriet Beecher-Stowe, the private poetry of neo-Confucian Chinese civil servants, the photojournalism of twentieth-century war correspondents, and music from Igor Stravinsky to the Beatles—the introduction proposes five ways in which art in all its forms contributes to emotional life and consequently to emotional histories: firs...