Sakura - The Beast Inside (2011 Belgium) @320
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The music of the five-piece group Sakura will certainly continue to
resonate once you have seen them live.
They bring swinging balfolk in a contemporary ja...
Juan Luna & Naia en La Boca Club
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Ola searei@s! Decía Fela Kuti que la música es el arma del futuro y
queremos demostrártelo el 28 de febrero en La Boca Club, la sala de
conciertos de moda ...
FolkEnLaRed 3.0 #1
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*Ciorras* - The Expensive Sneeze
*Rura* - Sorley's 5
*Silvia Quesada* - El Branu de Turón
*Beoga* - How to tune a fish
*Tabache* - Hellen of Kirconnel
*Sk...
Cambio de servidor
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Os recordamos que a partir de ayer, la web cambia de servidor, por lo que
nos podrás encontrar directamente, pulsando en WWW.ELPOZODESTIRLING.COM
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Stolen Notes: de ganar n'Ortigueira a Tapia
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La banda andaluza de folk célticu *Stolen Notes* alzóse col primer premiu
del concursu folk *Runas *nel Festival d'Ortigueira, eso fai que seya'l
primer ...
5 miles chase - "5 miles chase"
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Django Amerson: violín.
Brian Miller: guitarra, voz.
Trip to Cullenstown:
http://www.goear.com/listen/252b703/Trip-to-Cullenstown--5-miles-chase
Maids of ...
El sábado pasado se empezó a emitir la quinta temporada de "Camín de cantares" en la televisión autonómica asturiana TPA. La serie lleva ya emitidos 52 capítulos más dos especiales que representan a todas las zonas geográficas de Asturies así como a los diferentes estilos, repertorios y músicos tradicionales de esta región. Al final de cada programa músicos del panorama actual de la música tradicional asturiana realizan una reelaboración de uno de los temas del repertorio de cada protagonista por lo que a ese fondo documental histórico de la música tradicional hay que sumar la participación de todos esos músicos nuevos que continuan haciendo música tradicional y folk.
Esta nueva temporada consta de trece nuevos capítulos y habrá otros trece para una sexta que cerrará a la que Xosé Ambás define como "una aventura inolvidable que es llevar a la tele a los que fueron y son mis maestros de cultura tradicional".
El primer capítulo está dedicado a Benina de La Ren en la parroquia de Cardo, concejo de Gozón, de noventa y seis años. La reelaboración corre a cargo de Tuenda tocando dos de las xidandiyes del repertorio de Benina.
“La vida imita el arte mucho más de lo que el arte imita a la vida."
(Oscar Wilde)
El tango se desarrolla en Buenos Aires entre el año 1850 y 1900 como resultado de una mezcla de distintas músicas europeas. Esta primera frase da para escribir varios libros gordos, pero como no es el objetivo de crear polémica sobre el origen europeo o argentino, que realmente me da lo mismo, vamos a hablar hoy de la modalidad finlandesa, mucho más interesante y desconocida.
Aparecida en 1910 como una danza curiosa y exótica, el tango no alcanzó popularidad en Finlandia hasta el final de la década de 1930, época en la que nacieron las primeras composiciones importantes. Algunos historiadores se atreven a decir justo el momento exacto de su creación, allá por 1913 cuando una pareja bailaba en el restaurante Borgs de Helsinki. Esta forma de bailar llamó la atención a un periódico que empezó a incluir artículos sobre el tango e incluso hasta algunas lecciones acerca de cómo bailarlo.
La Segunda Guerra Mundial fue el acontecimiento que sirvió como punto de inflexión de este estilo y el tango empezó a ganar presencia según avanzaba la misma. El duro desarrollo de la guerra se cristalizó en las nuevas composiciones poniendo de manifiesto en las letras la separación entre las personas, a veces para siempre, e intensificando los sentimientos de nostalgia y de soledad.
El mayor exponente de tango finlandés en sus inicios fue sin lugar a dudas Toivo Kärki (1915-1992), uno de los compositores más prolíficos y el que le dió un definitivo carácter finlandés al género. Escribió un gran número de obras durante la guerra, mientras servía en el frente del sur de Karelia, influenciado por las orquestas europeas de tango, principalmente por la holandesa A.Malando y la alemana Gerhardt Winkler. Kärki combinó los romances rusos ejecutados en tonalidadades menores con las harmonías de jazz y con pequeños matices de la habanera. Durante la larga carrera de Kärki las letras de sus composiciones fueron escritas por un gran número de letristas entre las que destacan Kerttu Mustonen (1891-1959) en sus inicios y más tarde Reino Helismaa (1913-1965), cuyas letras llamaron poderosamente su atención y fruto de la colaboración entre ambos, surgieron una serie de tangos que se han convertido en grandes clásicos que nunca pasarán de moda. Canciones como Liljankukka llegaron a lo más profundo del alma de los finlandeses supervivientes de una guerra que había puesto un trágico fin a tantos amores y esperanzas.
Toivo Kärki
El otro gran compositor y, de hecho el más popular fue Unto Mononen (1930-1968), cuya vida acabó trágicamente tras pegarse un tiro en la cabeza. Unto empezó a ser conocido a mediados de los años 50 y nadie ha llegado a alcanzar una calidad similar en sus composiciones, superando en el "sentimiento" de sus obras al propio Kärki. Musicalmente, se decantó por incluir más arpegios y distintas escalas y muchas de sus melodías presentan semejanzas con las estructuras de temas tradicionales fineses. Al contrario que Kärki, Unto escribía también sus propias letras. Sin embargo, las letras de sus tangos más populares fueron escritas por Sauvo Puhtila que, con muchos pseudónimos, ha sido el que más letras ha escrito en toda la historia del tango finlandés.
Unto Mononem
Unto compuso en 1955 el que tal vez sea el tango finlandés más popular de todos los tiempos: Satumaa (el mundo de los sueños). Este tango se hizo tan famoso que hasta propusieron cantarlo en las misas y se ha convertido en el segundo himno nacional del país. El texto habla de la nostalgia por una especie de paraíso perdido al que ahora sólo pueden acceder los pájaros que vuelan sobre el mar. Ya los primeros versos son muy evocadores para cualquier finlandés con cierta edad: "Aavan meren tuolla puolen jossakin on maa, jossa onnen kaukorantaan laineet liplattaa" (Detrás del mar abierto, en algún lugar, hay un país donde las olas acarician la lejana costa de la felicidad).
Satumaa (versión instrumental)
Satumma, cantada por Reijo Taipale (años 60)
Tanto como Kärki como Unto estuvieron presentes en el boom del tango al comienzo de los años 60. Mucha gente en Finlandia reaccionó en contra del nuevo movimiento pop y rock emergente y ocurrió que, mientras los Beatles triunfaban por el resto de Europa, en Finlandia tenían que competir con dureza con las grabaciones de tango para alcanzar el número uno en el Top Ten de
ventas. De hecho, el tango sobrevivió sin ningún problema a Elvis y a los Rolling. El siguiente boom ocurrió a mediados de los años 80. Uno de los más respetados cantantes de tangos, Eino Grön, grabó tres discos con el productor Jaakko Salo(1930-2002), añadiendo un excepcional toque argentino.
La nueva generación de músicos fineses ha tenido la oportunidad de abordar el tango desde una perspectiva mucho más abierta. Las influencias de ritmos más modernos, el gran número de grabaciones y los viajes y visitas por el mundo de intérpretes famosos y el intercambio de experiencias han hecho que los arreglos adquieran un aire distinto y los temas tomen una interpretación global. Como muestra este tema de 1937 de Michel Emer titulado L'Accordéoniste, que cantaba Edith Piaf por los años 50, y que laTango-Orkesteri Unto ha tenido a bien regrabarlo su propio toque personal:
"Para el finlandés todo es tango. Frank Sinatra es tango, por ejemplo. Y yo creo que eso tiene que ver con que los finlandeses somos muy tímidos. Necesitamos que el cantante diga lo que nosotros no nos animamos a decir. Sacar a una mujer a bailar ya es bastante difícil, así que imaginate el resto. Por suerte está el cantante ahí en el escenario que dice lo que todos callan: “Te amo”. Porque fijate qué curioso: a principio de los cuarenta, los finlandeses éramos sólo 3 millones. Ahora somos 5 millones. ¿Y por qué? Por el tango."
(M.A. Numminen)
Muchas gracias al amigo Hannu Rantannen músico de "Värttina" & "Tango Orchestra Unto" por descubrirme esta música, a Pekka Nissilä de la "Finnish Musician' Magazine" y a Manuel Velasco, autor del libro "Finlandia, Suomi para los amigos".
Cara Dillon, nacida en 1975 en Irlanda del Norte, y se ha convertido en una de las voces más representativas de toda la isla. Al principio se la conocía por ser hermana de Mary Dillon del grupo Deanta, pero tras cuatro discos y un DVD ha ido evolucionando y adquiriendo una identidad propia que la ha convertido en una las figuras más conocidas del mercado folk del Reino Unido. En este concierto presenta su primer disco en solitario editado en 2001 y le acompaña el violinista y guitarrista Seth Lakeman.
Hoy se cumplen 35 años de una revolución sin sangre pero llena de esperanza, que marcó el fin del fascismo portugués y que provocó la caída en Portugal de la dictadura salazarista que dominaba el país desde 1926, la más longeva de Europa.
"Grándola, vila morena" fué compuesta por José Afonso como homenaje a la "Sociedad Musical Fraternidad Operaria Grandolense" donde actuó el día 17 de Mayo de 1964. Quedó impresionado con ese colectivo: un "local oscuro, casi sin estructuras, con una biblioteca con claros objetivos revolucionarios, una gran disciplina entre todos los miembros, lo que revelaba una gran consciencia y madurez políticas". Esta canción se hizo famosa al ser escogida como señal para la revolución del 25 de Abril en Portugal. Hubo dos señales. La primera, a las 23h, fué la canción "Y después del adiós", de Paulo de Carvalho. Grándola, que fué la segunda, fué emitida en el programa "Limite" de Radio Renascença a las 0.20h del dia 25. Fué la señal para el arranque de las tropas de Lisboa y la confirmación de que la revolución ganaba terreno.
Según palabras del propio Jose Afonso: "Vivi el 25 de Abril una especie de deslumbramiento. Fui hacia el Carmen, anduve por ahí... Estaba entusiasmado de tal modo con el fenómeno político que no me fijé bien, o no le dí importancia, a lo de Grándola. Sólo más tarde, cuando se produjeron los ataques fascistas del 28 de septiembre o los del 11 de marzo y Grándola era cantada en los momentos de más grave peligro o de mayor entusiasmo, me dí cuenta de todo lo que significaba y, naturalmente, tuve una cierta satisfacción".
La editorial S.M. tuvo a bien publicar hace unos años un CD que acompañaba al libro de texto de la asignatura de música de 1º de la ESO, donde Eliseo Parra hace un recorrido por la variedad de ritmos que nos vamos encontrando por todas las comunidades de España.
ELISEO PARRA Apéndices para 1º de la ESO
01. Canto da pedra (Galicia) 02. La flor del agua (Asturias) 03. Arín arín (Euskadi) 04. Atzo tun, tun (Navarra) 05. El raptor pordiosero (Cataluña) 06. Jota segoviana (Castilla-León) 07. El galán carretero (La Rioja) 08. Bolero cantado (Valencia) 09. Sa ximbomba (Baleares) 10. Padre nuestro (Extremadura) 11. Ronda de Estremera (Madrid) 12. Seguidillas torras (Castilla La Mancha) 13. Aguinaldo (Murcia) 14. Polka de Fuerteventura (Canarias) 15. Coplas de vísperas (Aragón) 16. El rabel (Cantabria) 17. Anda jaleo (Andalucía) 18. Pandeirada de igrexa feita (Galicia) 19. La Juliana (Asturias) 20. Popourri navarro (Navarra) 21. María (Cataluña) 22. El galandún (Castilla-León) 23. Romance del prisionero (La Rioja) 24. Val de conters (Com. Valenciana) 25. La rama (Extremadura) 26. Na catalineta (Baleares) 27. Las profecías (Madrid) 28. La berlina del escobonal (Canarias) 29. Jota del raiguero (Murcia) 30. Seguidillas manchegas (Castilla la Mancha) 31. Amorosa (Euskadi) 32. Las marzas (Cantabria) 33. Romance del el Quintado (Andalucía)
Dúo Nua fue creado en Dublín en diciembre del 2008 a través de una reunión surgida en una session en el bar Conradh na Gaeilge. El violinista de Cork (Irlanda), Eoghan Neff, y el gaitero madrileño, César Pastor, se descubrieron a sí mismos tocando un nuevo tipo de dúo de música tradicional irlandesa. Al día siguiente, ambos músicos trajeron consigo este nuevo concepto al sótano del Archivo Nacional de Música Tradicional Irlandesa, donde Eoghan trabaja, para corroborar si esta idea era como la habían experimentado. Cuando Eoghan se traslada a Madrid en el 2009 graban en una demo sus ideas musicales. Dúo Nua se asienta rápidamente y ya tienen iniciado el proyecto de grabación de un primer disco para los próximos meses de verano.
Es interesante la innovadora manera de arreglar los temas del Dúo Nua, que da un giro a la manera que estamos habituados en duos de fiddle y uileann pipes, tan comunes dentro de la música tradicional irlandesa.
La maqueta contiene cinco temas interpretados únicamente por uileann pipes y violín. Los temas son tradicionales con algunas excepciones como el primer tema del set N'Alcordanza. Se trata de las Xirandiyes del Fresno, una composición de Igor Medio que Eoghan y César han arreglado como homenaje a su persona.
"Tras oir su demo puedo afirmar honestamente que nunca antes había escuchado algo como esto. Estos dos chicos saben arriesgarse y son conscientes de lo lejos que les puede llevar su propuesta. El dominio del fiddle y la uileann es increíble pero lo más emocionante es que han conseguido crear un nuevo estilo. He leído que Eoghan no es el típico intérprete de Irish Fiddle y ahora puedo comprobar porqué. Este violinista lleva el fiddle a sus límites produciendo una exquisita sensación a quien le escucha. Asímismo, César asimila, comunica y es capaz de dar un empujoncito a la música más allá de lo que estamos acostumbrados. No hay que pasar por alto la pasión que ambos sienten por la tradición y hacia los instrumentos que tocan. Basándome en lo que he escuchado, estoy seguro que será una de las propuestas más novedosas de los últimos tiempos."
Reunidas por la violinista escocesa Catriona MacDonald para un concierto en el festival Celtic Connections de 2001, esta banda que reúne a las violinistas más brillantes de la música folk se volvió a juntar para una gira por Noruega en 2005 a petición de Annbjørg Lien. Las seis despliegan fuerza, delicadez, creatividad, encanto y misticismo. En el 2007 se volvieron a juntar de nuevo en el Celtic Connections, el mismo escenario que las vio nacer.
String Sisters' Band son:
Annbjørg Lien (Noruega) Catriona Macdonald (Shetland) Liz Carroll (USA) Liz Knowles (USA) Mairead ni Mhaonaigh (Altan) (Irlanda) Emma Härdelin (Garmarna) (Suecia) + Tore Bruvoll: guitarra Conrad Ivitsky: contrabajo James Mackintosh: Batería y percusiones David Milligan: piano
01. Shetland Fiddle Diva/Kinyon´s Jig /Kinyon´s Reel/Lad O´Beirne´s 02. The Champaign Jig Goes To Columbia / Pat + Al´s Jig 03. The Matchmaking Song 04. G-Strings 05. The Horsebell Tune 06. Saviour Of The World/Gabhaim Molta Bride 07. Luseblus 08. Rumble Thy Bellyful 09. Da Trowie Burn 10. The Fly And Dodger 11. The Hussar/Toss The Fiddles 12. Wackidoo 13. The April Child/The Joy Of It! 14. Fremont Center/Ahint Da Daeks O´Voe/ Come Awa In/Paddy´s Trip To Scotland/Dinky´s
La Asociación Amigos del Folk Plasencia en colaboración con la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Plasencia ha presentado el "I Certamen de Música Folk Amigos del Folk Plasencia", cuyo objetivo es difundir y proyectar nuevos grupos de música folk de toda la Península Ibérica a través del Festival Internacional Folk Plasencia, que este año llega a su edición XIV, ampliando actividades y siguiendo la línea renovadora iniciada hace un par de años.
Entre todos los candidatos (que deberán enviar una maqueta con cuatro temas antes del 15 de Junio de 2009), se seleccionarán tres grupos que realizarán un concierto en la final que se celebrará en el Teatro Alkázar de Plasencia el 19 de Agosto de 2009. El jurado seleccionará a un grupo que tendrá como premio participar en la próxima edición del festival del año 2010.
Todos los grupos participantes aparecerán en la página del festival al término del plazo de recepción de maquetas. Los visitantes de la web de festival (www.folkplasencia.es) podrán acceder a una reseña de cada grupo, escuchar algún tema suyo y votar por su favorito, da tal forma que el público participará como un miembro más del jurado de cara a la final de Agosto.
Es importante también el adelanto en una semana de las fechas del festival, que tradicionalmente se venía celebrando la última semana de Agosto. Este año será del 19 al 22 de Agosto de 2009 repartiéndose las actividades entre el escenario grande de Torre Lucía, el teatro Alkázar, el Centro Cultural Las Claras y las propias calles de la ciudad placentina. Se atiende así a la petición lanzada el año pasado por los estudiantes que solicitaban una fecha más temprana al ser el último fin de semana de agosto una fecha "muy cercana" a los exámenes.
El próximo sábado 18 de Abril a las 19:00 h y dentro del 2º Ciclo de Músicas del Mundo, "Las 10 y Una Noches", el Aula-Museo de Paco Díez en Mucientes (Valladolid) contará con la presencia de MORVAN TRÍO, una veterana formación francesa de excelentes músicos de Borgoña, con cornamusa , zanfona y acordeón diatónico.
Tras el lleno absoluto de los últimos conciertos es conveniente reservar con antelación a los tfs 983 587640 / 639 150779 y si al final se da un ambiente propicio es posible que nos echemos unos cuantos bailes. Se requiere puntualidad, ya que una vez comenzado el concierto el Salón de Actos permanecerá cerrado.
Raphaël Thiery .- Gaitero pero también narrador, cuentacuentos, conversador. y además danzante. Descubre la musique y la danza tradicionales en el seno del grupo creado por sus hermanos y cuñadas "Bois aux Moines". Desde hace 30 años recopila y cataloga testimonios y prácticas en torno a la música tradicional en los pueblos del Morvan, tocando en bares, fiestas familiares y allí donde pueda compartir y aprender de los mayores. Todos estos encuentros le han llevado a descubrir y a impregnarse de una práctica familiar viviente de la "bourrrée", su danza más tradicional, así como a identificar un estilo local y autóctono que no debe nada a los hábitos folclóricos ni al fenómeno folk del "revival".
Marie-France Raillard (Zanfona y canto) .- Posee una experiencia familiar de la tradición del Morvan, pues ha sido acunada por el "patois", el dialecto de su tierra, y ha crecido en torno a la danza tradicional, convirtiéndose en una gran conocedora de la misma y enseñándola en escuelas y cursillos.
Daniel Raillard (Acordeón diatónico y canto) .- Pertenece, como sus dos hermanos, a la generación de músicos del Morvan que empiezan muy jóvenes a aprender la música y danza tradicionales en la escuela. Toca y canta el repertorio de su tierra, quitando el polvo a melodías olvidadas e interpretándolas con el espíritu de antaño.
23 DE ABRIL DE 2009 Villalar de los Comuneros (Valladolid)
De 11:30 a 15:00 Animación de calle
Hermanos Silva (Palencia) Capitonis Durii (Zamora) Armando Ruido (Valladolid) Tamborileros Manuel Perez (Salamanca) Asociación Cultural El Serano (Zamora) Banda de Gaitas Castro de Bergidum (Ponferrada)
Tsuumi Sound System es una formación de 8 músicos procedentes de Finlandia, que fusionan las numerosas influencias musicales de sus componentes con la tradición nórdica, creando sobre el escenario una combinación única e innovadora, siendo la diversidad su principal característica.
Su último trabajo (y quinto en su carrera), titulado Hotas ha sido producido por Roger Tallroth, del grupo Väsen y ha recibido muy buenas críticas por toda Europa. Según la revista Songlines Magazine, este album ha sido incluido en el Tof of The World Album y ha recibido críticas como "...esta es una lección de como hacer un Album perfecto" (Fionna Talkington, 2008).
El grupo surgió de la compañía de danza Tsuumi Dance Company, a la que pudimos ver actuar en Eurovisión en el año 2007 en los intermedios de las semifinales.
Tsuumi Sound System son:
Tommi Asplund: fiddle Esko Järvelä: fiddle & viola Hanny Kella: acordeón Pilvi Talvitie: harmonium & piano Jani Kivelä: guitarra Tarmo Anttila: contrabajo Joakim Berghäll: saxo Jussi Nikula: batería y percusiones
"No se sabe todo, nunca se sabrá todo, pero hay horas en que somos capaces de creer que sí, tal vez porque en ese momento nada más nos podría caber en el alma, en la conciencia, en la mente, comoquiera que se llame eso que nos va haciendo más o menos humanos."
José Saramago (Las pequeñas memorias, Lisboa 2006)
Cada 30 de junio se baila en honor a San Marcial el llamado Ball de Benás, Ball des Omes o Baile del Mayordomo [2] en el municipio de Benasque (Huesca). Éstos lucen un vistoso ramo en la cabeza y van portando castañuelas. Al ritmo de la música se van sumando todos los hombres de la localidad dando vueltas a la plaza y formando una fila. Al final, se levanta un mayordomo, como señal de triunfo sobre todos. Todo esto sería un ritual habitual que estamos cansados de ver, de una forma u otra en cualquier pueblo de España durante sus fiestas. Lo curioso es que la música que suena durante todo el proceso es el conocido Himno de Riego [1].
[1] Himno de Riego
[2] Ball de Benás
1. EL SIGLO DE LOS HIMNOS
En el siglo XIX es, en España, el siglo de los himnos. Ya en 1808 aparece el Himno de la Victoria, con letra del poeta Arriaza y música de Fernando Sor. En 1809 se impone el titulado Los defensores de la Patria y año tras año se van subrayando los diversos acontecimientos históricos con otros himnos, de los que se recuerdan: A las víctimas del dos de mayo, con letra de Juan Nicasio Gallego y música de Rodríguez Ledesma; A la entrada del Duque de la Victoria a Cádiz; Al pendón morado; Al restablecimiento de la Constitución, etc. Existió también, y fue muy popular, el Trágala, con el que los liberales zaherían a sus adversarios absolutistas y que tomó su nombre del estribillo: “Trágala, trágala, tú servilón” [3] y que ha dado lugar a un sustantivo registrado en el Diccionario de la Real Academia Española. Otro, la Marcha de Cádiz, se convirtió en himno popular durante la guerra de Cuba y no son pocos los que habrán oído el Gloria a España, de Clavé. Entre los himnos regionales, los más difundidos son el Guernikakoarbola, del versolari Iparaguirre, Els Segadors y el himno gallego de Pondal.
[3] El Trágala
Pero de todos estos himnos, nacidos la mayoría de ellos en los azarosos días del absolutismo y por tanto invocaciones a la libertad perdida, el de Riego (Himno a Riego, como escribieron sus autores), es el que ha tenido una mayor fortuna. Tanta, que muy pronto, el 7 de abril de 1822, fue declarado de forma oficiosa himno nacional. Himno que no sólo entonaron los liberales durante la Primera Guerra Carlista y luego los republicanos, sino también el propio Fernando VII, desde uno de los balcones del Palacio Real de Madrid ante una enfervorecida multitud. Es curioso esto último, ya que estuvo prohibido durante la Década Ominosa de Fernando VII y parte del reinado de Isabel II. El himno de Riego, nació cuando el teniente coronel Rafael de Riego se alzó contra el absolutismo de Fernando VII el 1 de enero de 1820 en la localidad de Las Cabezas de San Juan (Sevilla) para instaurar el régimen constitucional (“la Pepa”), probablemente una de las más modernas y liberales en su tiempo.
Rafael de Riego (1785-1823)
2. SOBRE LA LETRA DEL HIMNO
El Himno de Riego nació con letra incorporada, y fue adaptando muchas más a lo largo del tiempo. El primer autor de la letra fue el compañero de Riego y figura relevante a lo largo del siglo XIX, Evaristo San Miguel. Asturiano como Riego, liberal y escritor, tenía como el autor del levantamiento en las Cabezas de San Juan, alma ardiente y un espíritu exaltado.
Esta letra [4] que ha llegado hasta nosotros, se encuentra recogida en el opúsculo que “el ciudadano Mariano Cabreriza dedica al ciudadano Riego y a los valientes que han seguido sus huellas”, donde se recopilan una colección de canciones patrióticas de la época.
"Serenos y alegres, valientes y osados, cantemos soldados el himno a la lid. De nuestros acentos el orbe se admire y en nosotros mire los hijos del Cid. Soldados la patria nos llama a la lid, juremos por ella vencer o morir. El mundo vio nunca más noble osadía, ni vio nunca un día más grande el valor, que aquel que, inflamados, nos vimos del fuego excitar a Riego de Patria el amor. Soldados la patria nos llama a la lid, juremos por ella vencer o morir. La trompa guerrera sus ecos al viento, horror al sediento, ya ruge el cañón a Marte, sañudo, la audacia provoca y el ingenio invoca de nuestra nación. Soldados la patria nos llama a la lid, juremos por ella vencer o morir."
Existía otra letra de Alcalá Galiano que decía: “Patriotas guerreros/blandió los aceros”, pero según la maliciosa suposición de este último, a Riego no le gustó este texto porque su nombre no se mencionaba expresamente.
En 1836, se escribió una nueva letra titulada La moderación:
“Que mueran los que claman / por la moderación / para atacar los fueros / de la Constitución”.
Muchos años después, ya en vida de Baroja, un diario donostiarra reprodujo como auténtica la famosa letra anticlerical:
"Si los curas y frailes supieran la paliza que les van a dar, subirían al coro cantando: ¡libertad, libertad, libertad!"
Versión que rápidamente se transformará en otras gracias al pueblo:
"Si los Reyes de España supieran lo poco que van a durar, a la calle sadrían gritando: ¡libertad, libertad, libertad!"
"La Reina vol corona que vingui a Barcelona corona li darem i el coll li tallarem. "
"Si el Rei demana corona corona li donarem que vingui a Barcelona i el coll li tallarem."
"Un hombre estaba cagando y no tenía papel. Pasó el Rey Alfonso XIII y se limpió el culo con él."
"Si los curas y Franco supieran la paliza que van a llevar, a la calle saldrían gritando: ¡libertad, libertad, libertad!"
3. LA MÚSICA DEL HIMNO SEGÚN LOS LIBROS
La mayoría de los historiadores, siguiendo a Mesonero Romanos, da como autor a José María de Reart y Copons, militar heroico que había servido en el ejército español y que perdió una pierna durante la Guerra de la Independencia. Había nacido en Peronan en 1784 y muerto en Madrid en 1857. Parece ser que se sentía asombrado del éxito de su contradanza. Pero se ha atribuido a otros muchos autores. Así, Grimaldi, en la revista El Averiguador, de 1871, la atribuía al profesor Don Manuel Varo, que la compuso en Morón y que era músico mayor de la charanga de la caballería que Riego llevaba en su columna.
Otra atribución de esta popular musiquilla aparece en la Historia de la Revolución española desde la Guerra de la Independencia hasta la Revolución de Sagunto, que dejó inconclusa Blasco Ibáñez. Aquí se dice que el autor musical del Himno fue José Melchor Gomis, músico mayor del regimiento de Barcelona y autor de óperas, que se trasladó a Madrid en 1820 como director de músicos de la Guardia Real. Pero lo cierto es que el tal Gomis fue sencillamente el adaptador del himno para banda. Su autoría, en cambio, está clara en la ópera Riego en Sevilla, que fue repuesta en Barcelona en 1854. Pero no queda ahí la cosa. Adolfo Salazar, en su libro Los grandes compositores, dice que “entre los papeles inéditos de Barbieri se encuentra una carta en la que se da como autor del Himno de Riego a un tal don Antonio Hech, músico mayor del regimiento de Granada”. El señor Hech, de origen suizo y llegado a España durante la Guerra de la Independencia, habría escrito el himno en 1822, por lo cual recibió una recompensa de las cortes que se trocó después en persecuciones.
A pesar de tantos nombres y posibles autores, al final, en la proposición presentada en las Cortes en abril de 1822, para que se declarara oficial el Himno, no se menciona a su autor. El acta dice simplemente que se trata de una marcha verdaderamente española. Tampoco se menciona al compositor en el decreto que lo vuelve a instituir como himno nacional en 1931.
4. EL HIMNO DE RIEGO EN LA SEGUNDA REPÚBLICA
El Himno de Riego fue proclamado himno y marcha oficial de la Segunda República española, a pesar de ciertas resistencias que consideraban su música ramplona y poco adaptada a las circunstancias. En un principio, no estaba pensado que éste fuese el himno oficial ya que la noche del 27 de abril de 1931 se dio a conocer en el Ateneo madrileño una composición con letra de Antonio Machado y música de Óscar Esplá, dos hombres prestigiosos, con el de que fuera declarado, en un principio, himno nacional. Lo interpretaron ante la presencia de Don Manuel Azaña, ateneísta de pro y futuro presidente de la República, la entonces famosa cantante Laura Nieto y la prestigiosa Banda Real del Cuerpo de Alabarderos, ya suprimida y cuyos maestros vestían el clásico esmoquin.
Al día siguiente del estreno, el diario El Sol, de tan destacada influencia, opinó que “si se desecha el actual himno (la Marcha Real) no debe ser aceptado ninguno de los conocidos y propuestos hasta ahora, pues son muy malos. El que ayer ejecutó la Banda de Alabarderos, convertida en una banda republicana, original del maestro Esplá, es una pieza poco inspirada, basada en la operetea El desfile del amor”.
La realidad es que este nuevo himno carecía de esa solemnidad marcial y de esa garra popular y cierta pegadiza sonoridad que debe tener toda composición que aspire a convertirse en himno de una colectividad. Por ello, y gracias a la insistencia de Azaña, el himno de Riego fue proclamado himno de la República española. Fue una elección exclusivamente suya y con ella quiso homenajear a los liberales del siglo XIX. Así, y por dos períodos liberales y progresistas, ha sido el himno de todos los españoles.
“El Himno de Riego –escribió Pío Baroja-, no cuajó en la segunda república porque carecía de relación, exacta o aproximada, con ella. El himno, decía, es callejero y saltarín; la República fue sesuda y jurídica. La República no era heredera de los hijos del liberalismo –Mina, Riego, el Empecinado-, sino más bien obra de los hijos espirituales de Salmerón, Pi y Margall y Ruíz Zorrilla”. El novelista vasco atribuye este fracaso a la letra. Los liberales, escribe, no supieron adaptar las palabras a cada momento histórico y pecaron de académicos o ramplones. Además, esta letra es conocida por muy pocos por lo que llega a sentenciar: “Hay que reconocer que oficialmente y popularmente, no tiene letra”. Es por ello, que la izquierda más radical prefiere La Internacional, que es por lo que sumado al desconocimiento de la letra oficial comienzan a circular distintas versiones populares, algunas ya mencionadas anteriormente.
5. EL BALL DE BENÁS O BALL DES OMES
Con motivo de la festividad de San Marcial, patrón de Benasque (Huesca) cada 30 de Junio se saca al santo de la iglesia y comienza la procesión. Todos los mozos realizan este pasacalles mirando al santo con lo que muchos de ellos van andando de espaldas. Llevan castañuelas con cintas. Los mayordomos adornan la cabeza con unas flores mientras sujetan un clavel con la boca. Por fin llegan a la iglesia y dejan al santo en medio de la plaza.
Comienza el baile conocido como Ball des omes. Primero serán los cuatro mayordomos quienes de uno en uno bailarán frente al santo. Después lo harán los demás en grupos de cuatro iniciándose una fila india que formará un gran corro en torno a la plaza. Se colocan por parejas frente a frente. Sin romper la alineación. Darán dos vueltas en torno a la plaza y, a continuación, los mayordomos salientes buscarán a los que van a ser los mayordomos entrantes y les entregarán el clavel. Se colocarán al principio de la fila. Continuarán bailando. Luego cambia la música a ritmo de vals y realizan un zigzag por la plaza hasta convertirse de nuevo en un círculo que se irá cerrando en espiral. La música va acelerándose. Finalizarán todos alrededor del santo alzando al mayordomo primero. Solo lo bailan los hombres, tanto los casados como los solteros. Antiguamente no solo se bailaba el día de San Marcial, sino que también lo bailaban cuando finalizaba la época de trabajo o cosecha.
En un pasado bastante reciente, los danzantes bailaban al son de una banda de música. Hoy lo hacen acompañados por la gaita de boto, el acordeón y los chiflos, lo que ha supuesto recuperar la tradicional formación musical de montaña.
En cuanto al dance no ofrece complicaciones técnicas. Se puede definir como un baile sencillo pero movido, con saltos, giros y las típicas castañetas. No se ensaya. Este es un saber que se pasa de padres a hijos, como otras muchas tradiciones (por ejemplo, la colocación del ramo de flores en la cabeza de los maiodoms). Los más pequeños pueden aprender unas nociones básicas del ball en la escuela, e incluso bailar su propio “ball de Benás” infantil con motivo de la festividad de San Sebastián (20 de febrero).
La danza del Ball de Benás no tiene letra como el Himno de Riego. Además, el himno tiene una tercera parte que no existía en la danza original. A la pregunta de cual fue antes, los historiadores parecen no ponerse de acuerdo. Unos defienden - y este es el caso de J.A. Llanos Almudévar en su libro “Pequeña Historia d Huesca. Glosas I” – que complació tanto a Riego cuando estuvo en este lugar, que decidió adoptarlo como himno de sus tropas, mientras que otros identifican una pieza de autor, muy musicada y con un esquema rítmico distinto a la música popular, cosa discutible.
Para los habitantes del Altoaragón, la respuesta es indudable: Riego fue sargento en el destacamento de Benasque y aquí se enamoró de esta música.
Luar Na Lubre (Galicia) 16 Abril 2009 Teatro Fernán Gómez (Madrid)
Luar Na Lubre es hoy por hoy el grupo de música folk más importante del país. Sus últimos seis discos para Warner han vendido más de 500.000 copias. Después de 24 años recorriendo los cinco continentes. Después de 26 países visitados. Después de dar las gracias en 12 lenguas diferentes vienen a presentar su primer disco en directo “Ao Vivo” que recoge 20 canciones registradas en A Coruña el 23 de enero en el Teatro Colon de A Coruña en el concierto final de la gira “Camiños da fin da terra”. EL disco será editado en marzo de 2009 en formato CD/DVD.
Dissidenten (Alemania-Marruecos) 17 Abril 2009 Teatro Fernán Gómez (Madrid)
Desde que el término “World Music” empezara a formar parte del léxico de la música en los años 80, Dissidenten ha sido sinónimo, y siempre han estado en la vanguardia, de la world music; después de todo el New York Times los denominó “padrinos del World-Beat” mientras que Rolling Stone los aclamaba como “Los Profetas de Internet". Dissidenten presentará su nuevo álbum, Tanger Sessions . Este disco ha sido grabado entre Marruecos y Alemania con la colaboración del grupo marroquí Jil Jilala. Guitarras frenéticas se mezclan con ritmos norteafricanos en una energética propuesta global.
Tony Allen (Níger-UK) 18 Abril 2009 Teatro Fernán Gómez (Madrid)
Afro Beat, dos palabras formaron una cuando un joven llamado Fela Kuti le pidió a otro joven, Tony Allen, que se juntara con él y su grupo que tocaba una mezcla de jazz americano y highlife nigeriano. Fue en Lagos, Nigeria, en 1964, y un nuevo capítulo de la historia de la música estaba a punto de ser escrito En estos momentos Tony Allen prepara la salida de su nuevo disco en 2009 “Secret Agent”, dividiendo así su tiempo entre la súper-banda “The Good, The Bad and The Queen”, junto a Damon Albarn (Blur), Paul Simonon (The Clash) y Simon Tong (The Verve) y su propio grupo, que es el que nos viosita con el adelanto de l que será su nuevo trabajo.
Terrafolk (Eslovenia) 19 Abril 2009 Teatro Fernán Gómez (Madrid)
La fama de la banda eslovena Terrafolk comenzó en el Festival de Edimburgo, al que llegaron para tocar en la calle en el verano del 2002, y continuaron tocando por toda Inglaterra, reclamados por clubes y festivales. Se fueron del Reino Unido con el Premio de la Audiencia de la BBC - Radio 3 en el 2003. Desde entonces, han hecho más de 1500 conciertos por toda Europa. Un ritmo arrollador, una actitud desenfadada, un gran sentido del humor, una notable capacidad de comunicarse con la audiencia y un extraordinario dominio de sus instrumentos hacen de sus conciertos una auténtica fiesta de la buena música. Para este concierto Terrafolk traerá una formación de lujo acompañados por invitados y amigos.
Paralelamente, también en el Parque del Lago, se celebra la feria de Artesanía ARTELAGO 2009 y los pasacalles de LA ZARABANDINA y los DULZAINEROS DEL BAJO ARAGÓN
