Arquitectura y Vanguardia en el periodo de entreguerras

Tema 1. Planteamientos introductorios.

Índice de Contenidos.

Tema 1. Planteamientos introductorios................................................................................................ 1

INTRODUCCIÓN . ............................................................................................................................. 2
LA ARQUITECTURA MODERNA ................................................................................................. 11
EL RETORNO AL ORDEN.............................................................................................................. 13

La primera Guerra Mundial: la ruptura del paradigma antiguo y el inicio de una nueva época.
Las vanguardias y la consolidación de la modernidad. Manifiestos y proclamas.
Expresionismo, Cubismo y Abstraccionismo: su evolución y proyección en la sociedad posbélica.
La experimentación con nuevos materiales y lenguajes plásticos.

ARQUITECTURA Y VANGUARDIA EN EL PERIODO DE ENTREGUERRAS.

Planteamientos introductorios.

El alumno debe LEER Y ESTUDIAR ESTOS PLANTEAMIENTOS BREVES a modo de base

teórica sobre la cual construir más adelante los contenidos del resto de los temas de la asignatura.

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A comienzos del siglo XX se va a reflexionar

INTRODUCCIÓN . sobre las propuestas que han dejado los
pioneros de la modernidad; en 1900 se
Mª Dolores Antigüedad del Castillo-Olivares inauguró en París la exposición conmemorativa
Catedrática de Historia del Arte (UNED). de Seurat, en 1901 tiene lugar la de Van Gogh,
en 1903 la de Gauguin y en 1907 seguirá la
El escritor y crítico de arte británico Herbert dedicada a Cézanne. La visión de todas estas
Read (1893-1968) escribió en 1964, cerca ya de manifestaciones evidenciará la importancia de
su muerte una lúcida Historia de la Pintura la pintura en sí misma, su valor plástico, y
moderna∗1, una historia forzosamente distinta mostrará la imagen artística como reflejo de la
a la que hoy podríamos realizar, ya que sólo realidad interior del artista: ya no interesa la
abarcaba escasamente cincuenta años. Para copia del mundo real porque la fotografía
Read no revestían interés los artistas que puede dar una reproducción verídica y objetiva
seguían con más o menos fidelidad la tradición de la realidad; con ello desaparece el valor de
académica del siglo XIX. El concepto de crónica que en muchos casos había poseído la
modernidad estriba en la intención del artista pintura.
de hacer visible la realidad y no de reflejar lo Nacen posturas variadas que reflejan los
visible. Si la fotografía podía reflejar con más avatares de la propia sociedad y del momento
fidelidad la realidad, la pintura no necesitaba histórico, posturas que tienen siempre un
ser crónica del mundo visible. Read definía al carácter experimental. Surgen las vanguardias
artista como el hombre con la capacidad y el que se convierten en sinónimo de lo
deseo de transformar su percepción visual en experimental, su importancia es tan grande
una forma material. Según Read la primera que llega a parecer la única manera de
parte de su tarea es perceptiva y la segunda es valoración artística. La experimentación se
siempre expresiva, algo que en la práctica no es convirtió en método de trabajo para las
posible separar: el artista expresa lo que tendencias del arte moderno, todas ellas
percibe y percibe lo que expresa. El crítico unidad contra la tradición y el autoritarismo∗2.
británico señaló la idea de que a lo largo del En el Salón de Otoño de 1905 se expusieron
siglo XIX algunos artistas pretendieron ver el cuadros de Matisse, Dufy, Marquet, Derain,
mundo objetivamente, sin implicación de las Rouault, Vlaminck, Friesz, y la conmoción que
emociones. El ejemplo podría ser Cézanne. Por supuso su exhibición hizo que el crítico Louis
el contrario, otros como los impresionistas, Vauxcelles la denominara “Jaula de las Fieras”,
prefirieron verlo subjetivamente según se un calificativo realmente duro para describir a
ofrecían a sus sentidos. En torno a esas visiones aquellos que pretendían buscar una solución
diversas de la realidad, objetivas o subjetivas, plástica a los problemas de su arte. Sus obras
se va a formular el arte de la modernidad. El son una prolongación, pero también una
siglo XIX había supuesto en las artes el intento superación, del Impresionismo y de los
por superar o reinterpretar el canon clásico. El Postimpresionistas que, sobre otras
pasado es el ideal al que se regresa para buscar consideraciones, reconocían la primacía del
los orígenes, la esencia. Pero la vuelta al color. Los Fauves eran conscientes de la
pasado no proporcionó más que nuevos libertad que sus predecesores habían ganado
ingredientes formales para acceder a la lectura para la transformación artística de la realidad,
de una realidad que se antoja difícil, además pero, al mismo tiempo, estaban decididos a
esta aproximación podía hacerse desde otros emplearla de un modo más “naïf” y
presupuestos distintos a los establecidos por el espontáneo, confiando ciegamente en su
modo de representar renacentista. instinto pictórico3. De Van Gogh y Gauguin los

∗ ∗
1 Herbert READ:Historia de la Pintura Moderna. 2 Nikos STANGOS: Conceptos de arte moderno.
Barcelona, Thames & Hudson, 1964. Barcelona, Ed. Alianza, Madrid, 1996, pág. 10. 3 W. HOFMANN: Op.
Del Serbal, 1984. Cit. Pág. 220

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Fauves cogen esa energía vital, a la vez que la preocupación por el análisis de la forma. Fue
armonía de colores intensos y la Apollinaire el que denominó cubistas a este
representación plana. Además de la lección de grupo que se desarrolló de forma rápida pero
Gauguin descubrieron lo primitivo, el arte de que fue menos permanente que la experiencia
los llamados pueblos bárbaros, del arte negro. fauvista. Guillaume Apollinaire en Los pintores
Al igual que los Fauves, los primeros Cubistas (1913) y Jean Metzinger en Del
expresionistas alemanes de Der Blaue Reiter y Cubismo (1912) sentaron la teoría de este
los de Die Brücke acogen esos nuevos criterios movimiento que recibía el nombre a partir de
estéticos y expresivos que el arte primitivo les la apariencia externa de los cuadros. Lo que
proporciona, para crear con leyes salidas del Picasso se planteaba entre 1906 y 1907 era
propio instinto. El tosco lenguaje elemental de cuestionar el sistema de representación
las estatuillas y las máscaras negras, anticlásico anterior, algo que tendría enorme
y antiacadémico, fascinó a una generación de trascendencia para el arte contemporáneo. No
artistas que ya no querían identificar lo bello pretendía renunciar a la representación
con el rigor formal y el sosiego, sino con la figurada, sino que emprende un proceso de
tensa plenitud vital. Matisse expresaba con destrucción del sistema de representación
claridad sus orígenes y sus intenciones: “Así tradicional para crear nuevas formas de
pues, uno rompe con todo y se marcha al entender la figuración. Sus obras de estos años
desierto, para crear medios sencillos que no nada tienen que ver con las formas que habían
ahoguen al espíritu. Entonces uno se encuentra venido funcionando como código establecido.
con Gauguin y Van Gogh. Allí hay ideas Al acabar con la norma implantada, Picasso
originales, construcciones de superficies convirtió la pintura en un fenómeno autónomo,
coloreadas, búsqueda del efecto más intenso con valores propios y sometido a sus propias
del color, el tema es secundario”. Nolde, leyes.
miembro de Die Brücke, se manifestó aún más
radical: “Deseo especialmente que mi obra
surja del material. No existen normas estéticas
fijas. El artista crea la obra al seguir a su
instinto. Él mismo se sorprende de ella, y otros
con él”. En unos y otros, líneas y colores son
considerados reflejo de la energía física pero
también fenómenos materiales. En Dresde los
miembros del grupo Die Brücke, Ernst Ludwig
Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff y Emil
Nolde, admiraron las tallas de los pueblos
primitivos, las obras del arte etrusco, como
manifestaciones del arte preclásico y las
incorporaron a sus obras, que realizadas sobre
planchas de madera, acentúan el sentido
arcaizante de una pintura que busca los
orígenes, lo primitivo.
En 1908 una exposición en la Galería “Les demoiselles d’Avignon” (1907) es para
Kahnweiler de París ponía a disposición de muchos historiadores el inicio del arte del siglo
público y crítica las obras llamadas cubistas de XX y también del cubismo. En la obra hay
Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque referencias a la escultura negra, al arte ibérico,
(1882-1963). La exposición retrospectiva de a la pintura de El Greco y a todas aquellas
Cézanne de 1907 y la visión del arte negro que formas heterodoxas distantes del clasicismo. En
Picasso había tenido ocasión de conocer en su composición Picasso valora obras que
casa de Matisse y en sus visitas al Museo vulneran las normas del clasicismo académico
Etnográfico de París, les llevan a una para crear un nuevo código abierto y libre.
Víctor Nieto dice que en “Las señoritas”

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confluyen la ruptura con el sistema de apariciones y evoluciones de los movimientos

representación perspectiva tradicional del vanguardistas, necesariamente breves. No
objeto y la reflexión en torno a la validez de obstante, el cubismo tuvo una enorme
modelos que tradicionalmente habían estado al influencia sobre toda la vanguardia
margen de la historia5. La primera etapa del internacional. Algunos llevaron el modo de
cubismo sirve a Braque y a Picasso para representación cubista hasta su etapa clásica,
superar la concepción estructuralista del como José Victoriano González, conocido como
cuadro que habían tomado de Cézanne, Juan Gris (1887-1927), y nos ofrecen en sus
reduciendo el cromatismo a las tonalidades bodegones, con una nitidez casi fotográfica, la
marrón, ocre, verde y gris. La descomposición descomposición en planos de una realidad,
en facetas cúbicas del cuerpo y del espacio, pero con un punto de vista casi tradicional.
deshace las formas y las cristaliza. En esta En Fernand Léger (1881-1955) el cubismo se
etapa de experimentación, con la descompo- geometrizó aún más para ofrecer una imagen
sición en planos de las formas, destruyen la del mundo moderno, de la máquina y de la
composición tradicional. En la fase sintética velocidad, que le relacionan con otros
Juan Gris, Braque y Picasso simplifican la movimientos que tratan de captar la actividad
estructura de sus cuadros, los planos de la sociedad moderna.
superpuestos permiten la unión entre el plano El sistema impuesto por el cubismo fue
pictórico y la profundidad espacial. La inclusión convertido por el purismo de Amédée
en 1911 de fragmentos de papel o letras, el Ozenfant (1886-1966) y Charles Edouard
collage, proporciona a los cuadros un nuevo Jeanneret (188-1966) (Le Corbusier), en un
sentido plástico. A la vez estos collages son sistema de representación que valora, sobre
citas de una realidad que se incorpora como todas las cosas, los factores constantes. Desde
recurso pictórico. Picasso, al añadir deter- su libro Aprés le Cubisme (1918) criticaron la
minados elementos a los cuadros, cartón, evolución que el cubismo había sufrido y
madera, cuerda, papel etc., comienza a crear teorizaron sobre la necesidad de establecer
una nueva modalidad de escultura que nada que las formas primarias son la base de la
debe al modelado tradicional. Su célebre composición, disciplinadas por el dominio
“Guitarra” de 1912 rompe con el concepto de constante de la vertical y la horizontal; definen
escultura tradicional, deja de ser un objeto que la composición como la elaboración secundaria
se mira para convertirse en un paso más en la de una forma primaria. Sus ideas de
investigación de lo real. abstracción, armonía y precisión parecen
El Cubismo fue un proceso de desfiguración de conducir a lo que luego será la arquitectura de
la mímesis a través del análisis intelectual de lo Le Corbusier.
representado; pero no siempre se le ha La técnica de descomposición en planos
considerado un movimiento de vanguardia también sirvió al representante del orfismo
aunque comparta muchas de las ideas de ésta, Robert Delaunay (1885-1941) para desarrollar
como poseer unos criterios de belleza entre 1910 y 1912 una pintura en la que el
totalmente distintos al arte tradicional. Porque color debía evocar la “vitalidad del mundo”.
la vanguardia es un fenómeno que entiende la Obras como “La ciudad de París” (1910-1912)
práctica artística como producto de una
determinada orientación estética6. El artista
vanguardista va a elaborar una reflexión
estética para resaltar el sentido de sus obras.
Por ello, siempre hay un sustrato teórico y
literario que intenta cambiar el arte a través de
la autorreflexión y de la autocrítica de sus
principios y técnicas. Sus obras son claros
manifiestos de sus concepciones. Otra de sus
muestran su entusiasmo por los progresos
características es el proceso sucesivo de
técnicos y los temas tradicionales liberados de

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su condición de objetos por el color. Delaunay Boccioni con “Formas únicas de continuidad en
intentaba ordenar la superficie de las cosas con el espacio” (1913) plantea el manifiesto
la omnipresencia de los colores, para poder escultórico del Futurismo, la idea de
obtener así la imagen de “una realidad dinamismo y velocidad.
universal del más profundo efecto”. El Cubismo
se traspasó a la escultura en propuestas como
las de Alexander Archipenko (1887-1964) o
Jacques Lipchitz (1891-1973) quienes aplicaron
a sus objetos escultóricos la simplificación de
planos. Pablo Gargallo (1881-1934) se sirvió de
la chapa metálica recortada para conformar
unas figuras en las que los planos llenos y
vacíos lograban dar una imagen de volumen de
apariencia cubista. El 20 de febrero de 1909, el
poeta y editor Filippo Tomasso Marinetti
(1876-1944), director de la revista milanesa
Poesía, publicó en el diario parisino Le Figaro el
manifiesto del Futurismo, en el que animaba a
volver la espalda al pasado y a los
procedimientos convencionales para ocuparse,
en cambio, de la vida agitada, ruidosa, de la
nueva ciudad industrial. En 1910, los artistas
reunidos en torno a Marinetti firmaron el
Manifiesto de los pintores futuristas explicando
En la composición algunos han querido ver un
sus ideas que, poco después, aclaraba más
remedo de la “Victoria de Samotracia” porque
Umberto Boccioni en el Manifiesto técnico de
a ella se refirió Marinetti en su manifiesto, al
la Pintura futurista.
considerar que un automóvil lanzado a toda
Con frecuencia la pintura futurista ha sido
velocidad era más hermoso que la escultura
considerada como una derivación del cubismo,
helenística, algo contradictorio con las palabras
quizá porque varios de los artistas del
de Boccioni en el Manifiesto técnico de la
movimiento, Umberto Boccioni (1882-1916),
escultura futurista (1912): “¿Cuándo
Carlo Carrà (1881-1966) y Gino Severini (1883-
comprenderán los escultores que esforzarse en
1966), adoptaron el lenguaje formal del
construir y crear con elementos egipcios,
cubismo aunque lo utilizaron para sus propios
griegos o heredados de Miguel Ángel es tan
fines. Lo cierto es que procedían del mundo del
absurdo como intentar sacar agua de una
divisionismo como atestiguan las primeras
cisterna vacía con un cubo desfondado?”. El
obras de Giacomo Balla (1871-1958), de gran
joven arquitecto Antonio Sant’Elia presentó
colorido, que tienen ese dinamismo
sus proyectos para una arquitectura futurista;
característico de todos los futuristas. El
sus diseños para una ciudad industrial fueron la
dinamismo, el énfasis en el proceso de pintar y
inspiración de otros arquitectos próximos al
no en las cosas, la importancia de la intuición y
expresionismo, movimiento en el que algunos
el interés por reflejar la simultaneidad,
futuristas terminaron. La Gran Guerra se llevó a
tuvieron una enorme influencia en
Boccioni y Sant’Elia y los supervivientes
movimientos posteriores, como el
siguieron un camino en el que dominaba la
constructivismo, que asimilaron el lenguaje de
práctica propagandística dirigida a la política.
los planos geométricos en los carteles de
Desde el Cubismo y el Fauvismo se abrió un
propaganda política, caso de Carlo Carrà en
nuevo camino en el arte que atacaba las reglas
“Manifiesto intervencionista” (1914), auténtica
convencionales de representación, un arte que
propaganda a favor de la participación de Italia
no guardaba relación con los objetos del
en la Gran Guerra.
mundo visible, de formas completamente

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abstractas cuyo origen había que buscarlo en la profesor en la Universidad de Moscú donde se
mente. relacionó con Pevsner y Gabo y otros
Vasili Kandinsky (1866-1944) y Piet Mondrian constructivistas y más tarde en la Bauhaus de
(1872-1944), artistas ambos que comenzaron a Weimar y Dassau, le consagra como uno de los
pintar en la madurez, consideraron a lo largo padres de la abstracción.
de sus escritos programáticos la posibilidad de Kasimir Malevich (1878-1935) asimiló
realizar obras de arte por medio del intelecto. la destrucción que de la forma convencional de
El arte construido de acuerdo con este ideal, representación había hecho el cubismo y
habiendo evitado toda contaminación del encabezó la escuela cubista rusa en 1912. Su
mundo material y estando libre de toda trayectoria creadora está expuesta en el
influencia personal del artista, sería manifiesto Del Cubismo al Suprematismo
completamente autónomo y obedecería sólo a (1915), que reducía la pintura a formas
leyes universales. En ambas figuras llama la geométricas; expuso una obra, un cuadrado
atención la estrecha relación entre teoría y negro sobre fondo blanco, que resumía la
práctica artística, los dos desean una teoría suprematista: “liberar al arte del lastre
renovación de la pintura pero también de la del mundo representacional”.
sociedad en la que el artista tendría el papel de
profeta.
Kandinsky funda en Munich, en 1909, la Nueva
Asociación de Artistas, para buscar la
superación del fauvismo alemán y de los
postulados del grupo Der Blaue Raiter del que
había sido creador junto con Franz Marc. Entre
1911 y 1919 desarrolla un amplio trabajo
teórico en el que va desentrañando la
evolución de su propia obra. De lo espiritual en
el arte (1911), Miradas retrospectivas (1913) y
Mi trayectoria (1914), son pasos de este La última etapa de esta teoría reduccionista fue
planteamiento artístico y personal que explica “Cuadrado blanco sobre fondo blanco”.
la génesis de la obra a partir de una fuerza
desconocida en el interior del artista. De 1912
es su primera acuarela abstracta, que algunos
han creído obra anterior, una creación en la
que la línea y el color son el único objeto de la
representación.

En la vanguardia rusa otros tomaron el camino

de la abstracción en construcciones en relieve
que Vladimir Tatlin (1885-1956) convirtió en
emblemas del mundo contemporáneo, del
maquinismo y del diseño de objetos
industriales fabricados en serie. Sus
planteamientos puramente abstractos venían
de la búsqueda de estructuras formales nuevas
Según dice los impulsos creativos son el único
y lógicas, consecuencia de las cualidades y
criterio para valorar cualquier manifestación
posibilidades expresivas de los nuevos
artística. Su trayectoria, primero en Rusia como
materiales. Hacían arte para una nueva
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sociedad proletaria porque creían que un aparecieron movimientos de vanguardia que se

nuevo orden social demandaba formas de implicaban en investigar la renovación de las
expresión novedosas. artes visuales. El holandés Piet Mondrian, a
Tatlin, El Lissitzky (1890-1940) y Alexander quien ya mencionamos, desarrolló hasta su
Rodchenko (1891-1956), desarrollaron un lógico extremo el concepto objetivo de
trabajo muy variado que abarcaba la abstracción, puso las bases teóricas de su
construcción, el diseño y la publicidad; los evolución desde el cubismo analítico a la
carteles propagandísticos de El Lissitzky abstracción geométrica, una abstracción que
abrieron las puertas a una concepción Herbert Read ha denominado objetiva para
innovadora de la publicidad. contraponerla a la abstracción subjetiva que
tendía a plasmar el sentimiento individual. En
contacto con los rusos y con la Bauhaus,
Mondrian, junto al pintor Theo van Doesburg
(1883-1931), al arquitecto Gerrit Thomas
Rietveld (1888-1964) y el escultor de origen
belga Georges Vantongerloo, con algunas
figuras más, intentaron una renovación radical
del arte. Fundan el movimiento De Stijl,
nombre que también llevaba su revista
programática que apareció en 1917. Casi todos
los analistas y críticos de la obra de Mondrian,
consideran que su planteamiento teórico
estaba condicionado e influido por la
“Matemática plástica” que el filósofo holandés
Schoenmaekers había descrito en sus textos e
investigaciones. Para este miembro de la
Asociación Teosófica de Amsterdam con el que
Mondrian tuvo un estrecho contacto, la
naturaleza funcionaba con una regularidad
plástica; era necesario penetrar en ella de tal
modo que se revelase la construcción interna
El "Monumento a la Tercera Internacional” de la realidad. Siguiendo este discurso
(1917-1920) de Tatlin, que nunca se construyó, Mondrian llamó Neoplasticismo al medio para
unificaba pintura, escultura y arquitectura, reflejar plásticamente la variedad de la
símbolo de una nueva era en la que la técnica, naturaleza; su obra pretendía ser un reflejo de
el progreso mecánico y la concepción cinética las leyes matemáticas que rigen el universo. De
de la obra -era una espiral que rotaba sobre su esta manera Mondrian crea un arte puro
eje- se ponía al servicio del ideal comunista, geométricamente abstracto, que hace del
pues sería su oficina de propaganda. Unos ángulo recto su base y que reduce el colorido a
nuevos planteamientos formales para una los tres colores primarios: rojo, azul y amarillo,
nueva sociedad. Las posiciones artísticas de los que combina con los neutros: blanco, negro y
constructivistas fueron rechazadas cuando gris; con tan sencillos elementos configura un
Lenin se hizo con el poder, limitó la libertad de espacio plano en composiciones carentes de
expresión de los artistas y condujo el arte simetría a las que sólo el juego de líneas y
oficial hacia formulaciones realistas. La llegada colores proporciona armonía.
a la Bauhaus de los artistas rusos, convirtió la Así, en palabras de Van Doesburg, el
escuela de artes en el enclave más importante movimiento De Stijl pretendía hacer un arte
de la abstracción. universal que escapase “al temperamento, al
Paralelamente al grupo constructivista fuego sagrado, a todos los atributos del genio
soviético, en otros países europeos también que no hacen más que enmascarar el desorden

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del espíritu”. La obra “Composición en blanco y “desnudo” a coloración de madera, de modo

negro” de Mondrian de 1918 es un manifiesto que no pudiera plantearse perse la cuestión de
de las ideas del grupo, mientras que la casa pintura. Hay, lo admito, muchas maneras de
Schröeder, de Utrech (1924), es su ejemplo en expresar esa idea. (...) No hago con este cuadro
la arquitectura. Las piezas escultóricas de una naturaleza muerta. Cuando tuve de pronto
Vantorgerloo “construcciones de relaciones de la visión del “desnudo”, comprendí que iba a
volumen” (1921) se caracterizan por la romper para siempre las cadenas esclavi-
asimetría y el rigor geométrico en el juego de zadoras del naturalismo”. Ha sido habitual
bloques llenos y vacíos. considerar que el “Desnudo” procede de las
investigaciones en la cronografía de Étienne-
Jules Marey, porque sus experiencias en la
captación del movimiento rompían con el
concepto estático de la pintura cubista. Su
trayectoria se encaminó a hacer desaparecer la
función mimética del arte para crear una nueva
realidad. Así se va apartando de las concep-
ciones cubistas y futuristas, que quizá se
podrían aún rastrear en sus obras de estos
años, para desarrollar otra realidad, la de unas
Al tiempo que cubistas, fauvistas y abstractos figuras a mitad de camino entre la corporalidad
planteaban una nueva manera de acercarse al física y el funcionamiento mecánico; “La
arte y a la vida, Marcel Duchamp (1887-1968) casada” y “El tránsito de la virgen a la esposa”,
se planteó ir más allá de la pintura; al escribir obras de 1912, muestran el deseo de
sobre su “Desnudo bajando la escalera” (1912) “yuxtaponer elementos mecánicos y formas
viscerales” y manifiestan unos nuevos valores
en el arte: por una parte la desaparición de la
expresividad personal en contraposición a la
precisión técnica que presentan, por otra la
introducción del azar en las obras como en
“Tres zurcidos, patrón”.
Su aversión hacia la pintura física le hizo buscar
inspiración en su capacidad especulativa, en la
posibilidad de realizar arte en función de un
concepto que, en la mayoría de las veces, se
oculta. Prescinde de los materiales artísticos
tradicionales para elegir objetos del mundo
real que, una vez descontextualizados,
convierte en obras de arte: es la creación de los
“ready mades” en los que la ironía cumple un
importante papel para hacer lo que se
consideró antiarte, como “Rueda de bicicleta”
(1913), “La fuente”, “Portabotellas”, etc.
Duchamp acaba con las concepciones artísticas
de la modernidad para generar un mundo
enigmático de formas en el “Gran vidrio” (La
dice: “Es una organización de elementos mariée mise à nu par ses célibataires, même),
cinéticos, una expresión de tiempo y espacio que en 1923 consideró definitivamente
por medio de la presentación abstracta de inacabada, con lo que culmina su carrera como
movimiento. Un cuadro es, necesariamente artista. Representa una máquina de amor que,
una yuxtaposición de dos o más colores sobre como no puede funcionar, frustra
una superficie. Yo limité deliberadamente el
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perennemente el deseo de sus protagonistas. habían colaborado en la Exposición

Con ello rompe el concepto del futurismo y Internacional de Arte Moderno de 1913,
rechaza el progreso, la ciencia, tal y como Armory Show, además del fotógrafo Alfred
hicieron los Dadaístas. Marcel Duchamp, al que Stieglitz, constituyeron el dadaísmo americano
han considerado el temprano genio de la “no con Marius de Zayas, Paul Haviland, Ernst-
pintura”, inició un nuevo ciclo que le facilitó el Mayer, Gleizes, Crotti, Man Ray, Schamberg,
cubismo; tras él vendrán Dadá, maquinismo, Arthur Dove o Walter Pach. Su consagración
pop, conceptual, minimal, arte povera, llegó en 1917 en la exposición de la Central
instalaciones, happening. Gallery en la que Duchamp presentó su
En paralelo a la actividad de Duchamp, en 1916 “Fuente”.
apareció en Zúrich, en el luego famoso Cabaret
Voltaire, una tertulia de artistas y escritores
que vindicaron la teoría del absurdo, la
negación de los nuevos esquemas de
modernidad de la vanguardia y que tenían la
pretensión de hacer irrisorio cualquier objeto,
acción o comportamiento artístico. Eran la
opción más radical de la vanguardia, un
movimiento cuyo fin principal era destruir el
arte. Dadá nació en torno a las figuras de Hugo
Ball, Richard Hülsenbeck, Marcel Janco,
Tristan Tzara y Hans Arp que se unieron en el
rechazo a la propaganda patriótica y a la
crueldad de la contienda bélica que estaba
produciendo enormes bajas en la población
europea, incluso entre los artistas. Su deseo
era configurar una postura de repudio de todo
tipo de normas, una postura ante la vida. Los En Alemania donde el Dadaísmo arrasó, se
manifiestos del poeta rumano Tristan Tzara constituyeron grupos en Berlín, Colonia y
(1886-1963) reflejan las propuestas nihilistas Hannover; a Hans Arp y Hüselbeck, se unieron
del movimiento. La primera aventura celeste Richter, Grosz y Baalgeld. En Francia, Dadá tuvo
del señor Antipirina, el manifiesto de 1919, y su momento de gloria después de la guerra,
años después Los siete manifiestos Dadá pero prontamente desapareció a manos del
(1924), recogen la postura revolucionaria del empuje de André Breton y del Surrealismo.
grupo, incluso en los caracteres tipográficos Mientras, Tzara advirtió que la palabra Dadá
que se emplean en las publicaciones y que era sólo un símbolo de rebelión y de negación.
suponen un golpe visual y un reto a la tradición No se aceptaba ningún tipo de esclavitud, ni
literaria. Desde el punto de vista plástico, Dadá siquiera la de Dadá sobre Dadá. Para vivir, Dadá
es el producto de un rechazo a los plantea- debía destruir a Dadá. Todo tipo de materiales
mientos positivistas del cubismo, futurismo o se dan cita en los objetos de Kurt Schwitters, a
de la abstracción; aunque se sirve de sus los que Grosz llamó “pintura de la inmundicia”.
métodos, no crea obras, sino que fabrica Ya Duchamp y Picabia habían hecho suyo
objetos con procedimientos polémicos en los cualquier objeto cotidiano por el simple hecho
que el azar está muy presente, hasta llegar a de firmarlo y descontextualizarlo. Man Ray
convertirlos en obras de arte sin pretensiones (1890-1976) experimentando con la fotografía
estéticas. Verdaderamente, la actitud de los obtendrá grandes logros con obras que se
dadaístas es una provocación a la mentalidad denomirarán “rayografías” en alusión al
pequeño-burguesa, académica y reaccionaria. nombre de su creador. Cuando en 1924 el
En Nueva York, exiliados de la guerra como poeta André Breton (1896-1966) dio a conocer
Francis Picabia y Duchamp, junto a artistas que en París el Manifiesto del Surrealismo, no hizo

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sino expresar con sus palabras las inquietudes Arte revolucionario independiente que
que agobiaban a buena parte de los proclamaba la independencia del artista y su
componentes del movimiento moderno que negativa a servir de propaganda política.
intentaban encontrar una senda que condujera Breton definió al movimiento así: “El
a un mundo nuevo, un mundo en el que el Surrealismo es un automatismo psíquico con el
hombre fuera libre material y espiritualmente. que se trata de expresar verbalmente, por
Tenían el deseo de buscar un camino virgen escrito o de cualquier otra manera, el funciona-
que rompiera con el nihilismo de Dadá, aunque miento real del pensamiento. Surrealismo es
muchos de los firmantes del manifiesto habían también el dictado del pensamiento sin inter-
defendido antes tesis próximas a los dadaístas. vención de la razón y al margen de toda
Además de Breton, estaban Paul Elouard, Louis preocupación estética y moral, (...) se basa en
Aragon, Philippe Soupauld, que colaboraban la creencia en la realidad superior de ciertas
con él en la revista Littérature; este grupo de formas de asociación desdeñadas hasta ahora,
intelectuales lamentaba la ausencia de valores en la omnipotencia del sueño y en el libre
de la sociedad salida de la Gran Guerra, ejercicio del pensamiento”. En los inicios
desilusionados por lo equívoco de la idea de Breton y Aragon, que tenían estudios de
progreso que incluso las vanguardias habían medicina, vieron en las investigaciones de
defendido antes de la contienda. Los surrea- Sigmund Freud con el psicoanálisis un
listas -mejor utilizar el término en general instrumento adecuado para indagar en lo más
aunque se trate de una serie de individua- recóndito del inconsciente del hombre.
lidades, ya que podríamos decir que hay tantos Emplearon la técnica del psicoanálisis sobre
surrealismos como surrealistas- estaban unidos todo en la interpretación de los sueños o la
por un espíritu nuevo, la rebelión ante el orden asociación de ideas incontroladas, pero sin los
social, intelectual y moral imperante, pero no fines para los que Freud las concibió; pero
con una postura de negación de la realidad sobre todo se libraron de las presiones de la
como había hecho Dadá, porque consideraban lógica o de la moral para poder recuperar la
que la actitud de provocación permanente que potencialidad original de la mente.
el movimiento dadaísta había mantenido había Así la pintura y la escultura surrealista tratarán
agotado la capacidad de estupefacción de la de crear un mundo de representación libre de
sociedad. Desde su punto de vista la rebelión inhibiciones o normas, auténtica expresión del
contra lo establecido debía hacerse por medio inconsciente sin el corsé de la razón, que al
de una renovada actitud vital. Frente al romper las tradicionales relaciones entre
predominio de lo racional, ellos opondrían objetos y conceptos, provoque al espectador y
aquello que era lo más profundamente lo escandalice para cambiar la conciencia y la
individual, como el instinto o los sentimientos. escala de valores de la sociedad. Desde el
Integrados y comprometidos con su tiempo, los punto de vista plástico las obras surrealistas
surrealistas defendieron incluso políticamente siguen unas pautas que las alejan de la
la libertad del hombre. Algunos como Breton, tradición artística occidental, mientras que
Aragon o Elouard se integraron en el Partido crece el interés hacia todos los ámbitos
Comunista Francés, pensando que la rebelión marginados hasta entonces por la cultura
surrealista no debería hacerse sólo al nivel de dominante, como pueden ser la pintura
las ideas sino que debería asociarse con infantil, las obras de dementes o la producción
objetivos selectivos. En el Segundo Manifiesto artística de las culturas primitivas; todas ellas
Surrealista (1929), Bretón defiende el papel del se ofrecen a los ojos de los surrealistas como
Comunismo como ruptura con la política que se inocentes, liberadas y escasamente
considera correcta; años después los procesos manipuladas por la sociedad.
en la Unión Soviética y la política estalinista En el lento proceso de investigación llevado a
alejaron las posturas. El espíritu revolucionario cabo por los surrealistas no olvidaron el estudio
de los surrealistas triunfó en 1935 con la de artistas o escritores que habían abordado
publicación en México del manifiesto Por un las pasiones, los temas oníricos, lo mítico o lo

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mágico, todo aquello que se salía del lógico obras. Lo cierto es que hay una confluencia
ordenamiento. Por ello analizaron las obras de entre pintura y arquitectura en aquellas
Rimbaud, de Baudelaire, de Mallarmé o del tendencias derivadas del cubismo, la primera
Marqués de Sade, además de toda la de ellas el purismo, nacido del manifiesto Après
producción de los románticos alemanes o le Cubisme que redactaron en 1918 Ozenfant y
ingleses que mejor parecían reflejar los estados Le Corbusier.
del alma. Las pinturas de Goya, de Füssli, del La vanguardia aporta a la arquitectura un
Bosco o de Archimboldo parecen la justi- mismo alejamiento respecto a la naturaleza.
ficación para explorar en las posibilidades Casi por evolución la nueva lectura de la
olvidadas del hombre. realidad pasa del impresionismo a la
El surrealismo, en conclusión, se define como abstracción, de las composiciones cerradas y
una actitud del espíritu hacia la realidad y la simétricas (factores de origen naturalista) se
vida, no como un conjunto de reglas formales llega a una configuración sin adornos, desnuda,
ni de medidas estéticas. Los pintores artificial y asimétrica. En arquitectura esta
surrealistas habían asimilado los aspectos pérdida de la simetría es uno de los elementos
oníricos que Giorgio de Chirico ya había más característicos, que deriva de las
planteado en la pintura metafísica, pero concepciones cubistas y neoplasticistas. La
desarrollaron una forma de representación arquitectura racionalista, la arquitectura del
personal y particular. Max Ernst (1891-1976) movimiento moderno, se sirvió de estos
reflejó una visión de la realidad en la que caracteres programáticos de la vanguardia para
predomina lo heterogéneo e incongruente. proyectar sus edificios con plantas abiertas,
René Magritte (1898-1976) y Paul Delvaux (n. asimétricas y una distribución libre, a partir de
1897) prefirieron recurrir a un modelo de las funciones y necesidades de la sociedad.
representación académico para reflejar un Así, esta arquitectura moderna que se hace
mundo onírico y mágico. Salvador Dalí (1904- evidente después de la Primera Gran Guerra,
1988) también se sirvió de un estilo académico adoptará modelos nuevos caracterizados por
para transmitir su mente fantástica y obsesiva. no ser naturales ni históricos, sino tecnoló-
Joan Miró (1893-1983), por el contrario, liberó gicamente adecuados para su función. Porque
sus visiones infantiles con un lenguaje que, si hay algo característico en el racionalismo es
surgido del cubismo, camina hacia la creación su compromiso social, su deseo de hacer una
de un universo de alegre colorido no exento de arquitectura que responda a las diferentes
decorativismo. Las muchas obras de Ives condiciones sociales, culturales y técnicas. No
Tanguy (1900-1955), de Alberto Giacometti es preciso construir edificios representativos,
(1901-1966), de Constantin Brancusi (1876- sino bloques de viviendas, fábricas y equi-
1957), de Julio González (1876-1942) o pamientos para la nueva ciudad que nace de lo
Alexander Calder (1898-1976), todos excepto el que se ha llamado segunda Revolución
primero escultores, llevan a sus obras un Industrial. En consecuencia, la arquitectura se
mundo de signos, de elementos biomorfos, que convierte en un producto industrial más
recogen su concepción surrealista. realizado con los materiales propios de la
industria.
LA ARQUITECTURA MODERNA Walter Gropius (1883-1969) fundó en 1919 la
Bauhaus, una escuela de arte que, bajo su
Si hacemos caso a las palabras de Le Corbusier, dirección, se convirtió en el centro más activo
“hoy la pintura ha precedido a las restantes del Movimiento Moderno. Los programas
artes”, podríamos creer que los movimientos docentes conducían a una dignificación del
de vanguardia son sólo etapas en la trabajo artesano y a la creación de modelos
modernidad que apenas tienen eco en la formales que se ofrecían a la producción
arquitectura o la escultura; pero ya hemos visto industrial. Sus diseños se alejaban de toda
que en esta última no es así independien- referencia al pasado y recogían los ideales de la
temente del material en que estén hechas las vanguardia para realizar objetos cotidianos

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adecuados a las necesidades de la sociedad modernidad. Desde sus mismas producciones

industrial y, en consecuencia, integrarse con la pictóricas genera unas plantas arquitectónicas
arquitectura. novedosas. Pero, al igual que otros arquitectos
del momento, sus manifiestos conducen a la
necesidad de actuar contra la vivienda antigua
que empleaba mal el espacio, para edificar
auténticas “machines à habiter”, una concep-
ción maquinista de la arquitectura con ele-
mentos realizados en serie con los medios que
la técnica proporciona. Su concepción de la
arquitectura parece encaminarle hacia un
nuevo clasicismo: “La arquitectura es el juego
sabio, correcto y magnífico de los volúmenes
reunidos bajo la luz. Nuestros ojos están
hechos para ver las formas bajo la luz. Los
cubos, los conos, las esferas, los cilindros o las
El edificio de la Bauhaus en Dessau (1925-1926) pirámides son las grandes formas primarias que
que Gropius proyectó, ha sido objeto de la luz revela bien; la imagen de ellas es clara y
innumerables análisis por su valor de programa tangible, sin ambigüedad. Por esta razón son
de los planteamientos de la nueva arquitectura. formas bellas, las más bellas”. Con estas
Un autor, ya clásico, como es Sigfried Giedion palabras Le Corbusier enlaza con las teorías de
en su obra Espacio, Tiempo y Arquitectura los arquitectos utópicos del siglo XVIII, como
(1941) ha creído verlo relacionado con la obra Boullée o Ledoux; pero frente al mito de la
cubista de Picasso “L’Arlésienne” (1911-1912) y cabaña primitiva de Laugier, que contiene los
escribe: “Encuentran aquí su realización dos de elementos esenciales para la arquitectura,
las necesidades más apremiantes de la aporta como principio básico la Maison Domino
arquitectura moderna: el agrupamiento (1914),
suspendido y vertical de los pisos, que satisface
nuestro sentido de las relaciones espaciales, y
la transparencia, conseguida por completo,
hasta el punto de que es posible contemplar al
tiempo el exterior y el interior, “en face” y “en
profile” como L’Arlesienne de Picasso, de 1911-
12; la multiplicidad de niveles de referencia o
de puntos de vista y la simultaneidad es, en
resumen, la concepción del espacio-tiempo”.
El edificio es una combinación de cubos
yuxtapuestos de medidas, disposición y un módulo compositivo a partir del cual se
materiales diversos que no tienen, por tanto, puede construir una ciudad. Al igual que los
un solo punto de vista. En realidad parece más arquitectos utópicos atribuye a la arquitectura
un símbolo arquitectónico de la vanguardia que un poder sobre la existencia de los hombres, un
manifiesto de un movimiento concreto; recoge sentido ético capaz de transformar la sociedad.
todos los postulados del movimiento moderno. En la exposición de las Artes Decorativas de
De la Bauhaus salieron hacia Estados Unidos a París de 1925 expuso, en el Pavillon de l’Esprit
comienzos de los años 30, Gropius y Mies van Nouveau, la sucesora de la Maison Domino.
del Rohe, figuras señeras de lo que se ha Ésta era una célula habitable, hecha en serie,
llamado Estilo Internacional. muy práctica, confortable y bella, una
El otro adalid del Movimiento Moderno fue verdadera máquina para vivir. Era el modelo a
Charles-Edouard Jeanneret, Le Corbusier pequeña escala de un gran bloque de
(1887-1965), que pasa del purismo derivado viviendas. En 1926 Le Corbusier enunció los
del cubismo, a un nuevo estilo de la “cinco puntos de una arquitectura nueva”, un

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sistema de cinco órdenes que, libremente las propuestas de la vanguardia. En esta línea
combinados, podían dar respuesta a cualquier están las propuestas del denominado “estilo
edificio: Arts déco”, en cierto modo una revancha
1º. Es la utilización de “pilotis”, soportes burguesa respecto a la vanguardia, aun
cilíndricos que sustituyen a las columnas, reconociendo su existencia y sintiéndose parte
hechos en hormigón que permiten separar el de la modernidad.
edificio del terreno. La Exposition des Arts Déco de París en 1925,
2º. Tejado plano sobre el que se dispone una supuso la consagración de un estilo que trataba
terraza-jardín. de aunar arte y técnica, vulgarizando en cierto
3º. Empleo de la planta libre para colocar los modo el lenguaje de la vanguardia y llevando a
tabiques sin tener que ajustarse a la situación la vida cotidiana las formas plásticas modernas
de los pilares. que la industria podía fabricar en serie. Las
4º. Ventanas longitudinales, en cinta, que formas esquemáticas del cubismo y algunas
pueden recorrer la fachada dando luz a todo el formas sólidas de la abstracción geométrica se
interior. llevan a las artes decorativas, a la publicidad, al
5º. La fachada libre para abrir huecos sin las cine y a la moda para dar respuesta a una
limitaciones de los muros de carga. Su sociedad deseosa de lujo. En algunos casos este
aplicación sería la Villa Savoye en Poissy (1929). regreso al orden se produjo merced a la
imposición política, caso de la Unión Soviética y
Alemania, pero en otros fue una elección
puramente personal que no anulaba la postura
crítica. Quizá sería interesante analizar la
trayectoria de un Picasso que, con un espíritu
verdaderamente ecléctico, puede cultivar en
los mismos años un cubismo libre, casi
expresionista, la abstracción y simultánea-
mente un neoclasicismo monumental de raíz
estatuaria.
En México el establecimiento de un gobierno
socialista propició los encargos oficiales con
una intención propagandista. Nacieron así los
Le Corbusier desarrolló su concepción urbana grandes muralistas como Diego Rivera (1886-
en la Villa Radieuse (1931), una “ciudad 1957), David Siqueiros (1896-1974) y José
radiante” con una distribución en bandas Clemente Orozco (1883-1949), que habían
paralelas, con bloques de planta quebrada para aprendido en París y de los fresquistas italianos
facilitar el paso de la luz. El IV CIAM (1933) se del Renacimiento; llevaron a sus murales
dedicó a la ciudad funcional y en él Le ideales didácticos y humanitarios, además de
Corbusier redactó la Carta de Atenas que se los artísticos, aunque hubieron de renunciar al
publicó en 1941. Sus resultados se extendieron vanguardismo en aras del fin propagandístico
en las propuestas urbanas de los años 30 y en de sus obras.
España tuvieron su eco en el Plan Macià para Por su parte el Estado Soviético había
Barcelona. rechazado los esfuerzos que en la investigación
de la forma y el contenido del arte habían
EL RETORNO AL ORDEN. llevado a cabo suprematistas y constructivistas
para, en su lugar, apoyar obras retardatarias de
A mediados de los años veinte se produjo un un realismo prerrevolucionario. En la Alemania
regreso a la figuración, a lo establecido por el del nacional-socialismo se produjo también una
academicismo, si bien cargado de matices, no reacción política contra los ideales de la
siempre regido por las normas convencionales modernidad. En 1933 se cerró la Bauhaus,
de representación y en ningún modo alejado de muchos de cuyos miembros se exiliaron, y se

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atacó todo lo que ésta defendía, todas sus

manifestaciones como la nueva arquitectura, el
arte moderno o la música dodecafónica. En su
lugar se volvió al arte académico y clasicista,
con temas de historia y de género que ya eran
decadentes a finales del siglo XIX y a una
arquitectura monumental de regusto clásico
que pretendía, a través de las obras de Albert
Speer el arquitecto de Hitler, servir de vehículo
de propaganda para reflejar la fuerza de la
nación alemana.
El expresionismo alemán siguió pujante en
las obras de crítica corrosiva de Otto Dix
(1891-1969), de Georges Grosz (1893-1959) y
en el clasicismo monumental de Karl Hofer
(1878-1955) y de Max Beckmann (1884-
1950), que fueron considerados
“degenerados”. En 1937 se inauguró la
exposición itinerante “Arte degenerado” que
pretendía retratar los males del arte
moderno frente a los logros del dócil
naturalismo impuesto desde el poder.

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