Música

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte

de las musas») es, según la definición tradicional del término, el arte
de crear y organizar sonidos y silencios respetando los principios
fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la
intervención de complejos procesos psicoanímicos. El concepto de
música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia,
en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza
como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más Atenea (Minerva) y las Nueve Musas
inspiradoras. De la palabra «musa»
compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que
proviene «música».
destacados compositores en el marco de diversas experiencias
artísticas fronterizas han realizado obras que, si bien podrían
considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural con múltiples finalidades, entre otras,
la de suscitar una experiencia estética en el oyente, la de expresar sentimientos, emociones, circunstancias,
pensamientos o ideas, y cada vez más, cumplir una importante función terapéutica a través de la
musicoterapia.

La música cumple una función de vital importancia en el desarrollo cognitivo del ser humano. Está
relacionada con el pensamiento lógico matemático, la adquisición del lenguaje, el desarrollo psicomotriz, las
relaciones interpersonales, el aprendizaje de lenguas no nativas y a potenciar la inteligencia emocional, entre
otros. Por este motivo, la música debe estar presente en cualquier plan educativo moderno y ser reconocida
como una disciplina imprescindible dentro de la enseñanza obligatoria.

La música es un estímulo sonoro que afecta al campo perceptivo de la persona; así, el flujo sonoro puede
cumplir variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.). En muchas
culturas, la música es una parte importante del modo de vida de la gente, ya que desempeña un papel
fundamental en rituales religiosos, en las ceremonias de rito de paso (por ejemplo, la graduación y el
matrimonio), en las actividades sociales (por ejemplo, en el baile) y en las actividades culturales que van
desde el canto aficionado en el karaoke hasta tocar en una banda amateur de funk o cantar en un coro
comunitario. La gente puede hacer música por afición, como, por ejemplo, un adolescente que toca el
violonchelo en una orquesta juvenil, o trabajar como músico o cantante profesional. La industria musical
incluye a las personas que crean nuevas canciones y piezas musicales (como los cantautores y los
compositores), a las personas que interpretan música (que incluyen a los músicos de orquesta, de bandas de
jazz y de bandas de rock, a los cantantes y a los directores de orquesta), a las personas que graban música
(productores musicales e ingenieros de sonido), a las personas que organizan giras de conciertos y a las
personas que venden grabaciones y partituras a los clientes. Incluso una vez que se ha interpretado una
canción o pieza, la crítica musical, el periodismo musical y la musicología pueden valorar y evaluar la pieza
y su interpretación.

Etimología
La palabra «música» deriva del griego μουσική (mousike; «(arte) de
las musas»)1 ​ En la mitología griega, las nueve musas eran las
diosas que inspiraban la literatura, la ciencia y las artes y eran la
fuente del conocimiento plasmado en la poesía, los cantos y los
mitos de la cultura griega.
En la mitología griega, las nueve
Según el Diccionario etimológico en línea: musas fueron la inspiración de
muchos esfuerzos creativos,
El término «música» deriva de «musike, de mediados del incluidas las artes.
siglo xiii, del francés antiguo musique (siglo xii) y
directamente del latín musica "el arte de la música", que
también incluye la poesía (también la fuente del español
música, italiano musica, alto alemán antiguo mosica, alemán
Musik, holandés muziek, danés musik)». Se deriva del
«...griego mousike (techne) "(arte) de las musas", del
femenino de mousikos «perteneciente a las musas», de Mousa
«Musa».

La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia clásica, el término «música» se refiere a
cualquier arte en el que las musas presidían, pero especialmente la música y la poesía lírica.2 ​

Definición
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el
sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones
psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen
múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el
momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin
embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.
La música académica occidental ha
desarrollado un método de escritura
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad
basado en dos ejes: el horizontal
organizada (según una formulación perceptible, coherente y representa el transcurso del tiempo,
significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo que y el vertical la altura del sonido; la
consensualmente se puede denominar «música»— se pueden duración de cada sonido está dada
percibir ciertos patrones del «flujo sonoro» en función de cómo las por la forma de las figuras
propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los musicales.
humanos (hay incluso quienes consideran que también por los
animales). La definición que se atribuye a Edgard Varese de música
como sonido organizado,3 ​ y también la de la Enciclopedia Británica que en su 15a edición describe que
«aunque no haya sonidos que no puedan ser descritos como inherentemente no-musicales, en cada cultura
los músicos han tendido a restringir la gama de sonidos que estaban dispuestos a admitir». John Blacking
añadió este detalle importante a la definición de Varèse: «la música es sonido organizado humanamente».4 ​

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza
sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si
tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del
lenguaje. En cuanto a la función «estética», se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un
«jingle» publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una
mercancía). Por otra parte, hablar de una función «estética» presupone una idea de la música (y del arte en
general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la
teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en
su Dictionnaire de la Musique,5 ​la definió como el «arte de combinar los sonidos de una manera agradable
al oído».6 ​

Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso
sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un
sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la música es el arte del
bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y
presupone que hay combinaciones «bien hechas» y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera
horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos para
ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo alemán Johann Wolfgang
von Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como
«música congelada». La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el
hecho de que la música implica una organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el
resultado deba ser placentero o agradable.

Parámetros del sonido

Véase también: Nota musical
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el
movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que
generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una
sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la

cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De
acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como graves y agudos. Cuanto mayor sea la
frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en
 la dirección de propagación de la onda, entre
dos puntos cuyo estado de movimiento es
idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y
mínimos en el mismo instante.7 ​
La duración corresponde al tiempo que duran
las vibraciones que producen un sonido. La
duración del sonido está relacionada con el
ritmo. La duración viene representada en la
onda por los segundos que esta contenga.
La intensidad es la fuerza con la que se produce
un sonido; depende de la energía. La intensidad Distribución de las notas musicales en el
viene representada en una onda por la amplitud. teclado de un piano. Cada nota representa una
frecuencia de sonido distinta.
El timbre es la cualidad que permite distinguir
los diferentes instrumentos o voces a pesar de
que estén produciendo sonidos con la misma
altura, duración e intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el
resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que
nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de
armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de
ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo.
Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una
onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras.
El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de
frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada
sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

Elementos de la música
La música contiene dos elementos: el material acústico y la idea
intelectual. Ambos no se hallan yuxtapuestos como forma y
contenido, sino que se combinan, en la música, para formar una
imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de la idea intelectual,
el material acústico experimenta una preparación pre-musical, Un ejemplo de las escalas de la
mediante un proceso de selección y ordenamiento.8 ​ antigua Grecia es la octava hipofrigia
de género enarmónico (en mi). Ya
existía el concepto fundamental de
La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, exhibe ya
octava. La nota varía según la
un ordenamiento que la predestina para ser el vehículo de la
armonía (αρμονία), transcritas como
intención intelectual. Con el fin de un entendimiento general previo, modos griegos. La polifonía y
dentro del material acústico para la organización de la música, variedad de instrumentos aerófonos,
encontramos diversas clasificaciones, dentro de las cuales la más cordófonos y membranófonos, han
habitual en ambientes académicos es la que divide la música en sido documentadas en infinidad de
melodía, armonía y ritmo.9 ​ La manera en la que se definen y grabados y dibujos.
aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay
variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular

— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se
percibe con identidad y sentido propio. Los silencios también forman parte de la estructura
de la melodía, poniendo pausas al «discurso melódico». El resultado es como una frase
bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una
 secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más
melodías simultáneas se denomina contrapunto.
La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el
acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su
enlace con sonidos vecinos.
El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy
notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste
en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos.
En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el
comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.
La articulación, refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición entre dos (o
más) notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas a lo largo de la historia,
destacan principalmente el legato, el staccato, el portato, el tenuto, el acento, el marcato y el
calderón.
Por otro lado, la idea intelectual (podemos incluir lo que hoy llamamos cerebro-cuerpo-mente) convierte el
material acústico en arte, y así la música adquiere historia, vinculándose con el tiempo y haciéndose
atemporal.

La incorporación de un material acústico ampliado en el siglo xx, produjo a veces dificultades de

información, por falta de un sistema válido de entendimiento previo, y es por eso que otros elementos se
toman en cuenta a la hora de analizar y estudiar el fenómeno de la música, como son la forma, la
instrumentación, la textura, etc. A partir de todos estos elementos, se originan nuevos principios de
ordenamiento y posibilidades de composición.8 ​

Historia

Prehistoria
La música prehistórica solo se puede teorizar sobre la base de los hallazgos de los sitios arqueológicos
paleolíticos. A menudo se descubren flautas talladas en huesos en los que se han perforado agujeros
laterales; se cree que se soplaban en un extremo como el shakuhachi japonés. Se piensa que la flauta de
Divje Babe, tallada en el fémur de un oso de las cavernas, tiene al menos 40 000 años. Se han recuperado
instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda, como el ravanahatha,
de los yacimientos arqueológicos de la civilización del valle del Indo.10 ​ La India tiene una de las
tradiciones musicales más antiguas del mundo; las referencias a la música clásica india (marga) se
encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la tradición hindú.11 ​ La colección más antigua y más
grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre el 7000 y el 6600
a. C.12 ​ El «Himno hurrita a Nikkal», que se encuentra en tablillas de arcilla que se remontan
aproximadamente al 1400 a. C., es la obra musical escrita más antigua que se conserva.13 14​ ​

Antiguo Egipto
Los antiguos egipcios atribuyeron a uno de sus dioses, Thoth, la invención de la música, y Osiris, a su vez,
lo utilizó como parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. La evidencia material y representativa más
antigua de los instrumentos musicales egipcios data del período predinástico, pero la evidencia está
atestiguada con mayor seguridad en el Imperio Antiguo cuando se tocaron arpas, flautas y clarinetes
dobles.15 ​ Durante el Imperio Medio se agregaron instrumentos de
percusión, liras y laúdes a las orquestas. Los platillos16 ​
frecuentemente acompañaban a la música y danza, como lo hacen
todavía hoy en Egipto. La música folclórica egipcia, incluidos los
rituales tradicionales sufíes dhikr, es el género musical
contemporáneo más cercano a la música del antiguo Egipto y han
conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos.17 ​
18 ​

Culturas asiáticas
La música clásica india
(marga) es una de las
tradiciones musicales más
antiguas del mundo.19 ​ La
civilización del valle del
Indo tiene esculturas que La flauta de hueso encontrada en
muestran 20
danzas ​ e Divje Babe (Eslovenia), con más de
40 000 años de antigüedad.
instrumentos musicales
antiguos, como la flauta de
Mujeres indias vestidas con
siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de
atuendos regionales tocando una
variedad de instrumentos musicales
cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo-Daro mediante
populares en diferentes partes de la excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler.21 ​ El Rigveda tiene
India. elementos de la música india actual, con una notación musical para
denotar la métrica y el modo de cantar.22 ​La música clásica india es
monofónica y se basa en una sola línea melódica o raga,
organizada rítmicamente a través de talas. Silappatikaram de Ilango Adigal proporciona información sobre
cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente.23
La música hindi actual fue influenciada por la música tradicional persa y por los mogoles afganos. La
música carnática, popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones
están dirigidas a las deidades hindúes. También hay muchas canciones que enfatizan el amor y otros temas
sociales.

La música clásica china, el arte tradicional o la música de la corte de China, tiene una historia que se
remonta a unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como afinación y
tono musical, instrumentos y estilos musicales o géneros musicales. La música china es pentatónica-
diatónica, con una escala de doce notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia
europea.

Referencias en la Biblia
El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias literarias en la Biblia y fuentes
posbíblicas. El historiador de religión y música Herbert Lockyer escribió que «la música, tanto vocal como
instrumental, fue bien cultivada entre los hebreos, los cristianos del Nuevo Testamento y la iglesia cristiana
a través de los siglos». Agrega que «una mirada al Antiguo
Testamento revela cómo el pueblo antiguo de Dios se dedicó al
estudio y la práctica de la música, que ocupa un lugar único en los
libros históricos y proféticos, así como en el Salterio».24 ​

Los estudiosos de la música y el teatro que estudian la historia y la

antropología de la cultura semítica y judeocristiana temprana han
descubierto vínculos comunes en la actividad teatral y musical entre
las culturas clásicas de los hebreos y las de los griegos y romanos
posteriores. El área común de actuación se encuentra en un
«fenómeno social llamado letanía», una forma de oración que
consiste en una serie de invocaciones o súplicas. Journal of
Religion and Theatre señala que entre las primeras formas de David componiendo salmos, Salterio
letanía, «la letanía hebrea estuvo acompañada de una rica tradición de París, c. 960 (Constantinopla).
musical»:25 ​

Genesis 4.21 indicated that Jubal is the El Génesis 4.21 indicaba que Jubal es el
"father of all such as handle the harp and «padre de todos los que manejan el arpa y la
pipe", the Pentateuch is nearly silent about flauta», el Pentateuco casi guarda silencio
the practice and instruction of music in the sobre la práctica y la instrucción de la música
early life of Israel. In I Samuel 10, there are en la vida temprana de Israel. En I Samuel
more depictions of "large choirs and 10, hay más representaciones de «grandes
orchestras". These large ensembles could coros y orquestas». Estos grandes conjuntos
only be run with extensive rehearsals. This sólo podían ejecutarse con ensayos extensos.
had led some scholars to theorize that the Esto había llevado a algunos estudiosos a
prophet Samuel led a public music school to teorizar que el profeta Samuel dirigió una
a wide range of students.25 ​ escuela pública de música para una amplia
gama de estudiantes.

Antigua Grecia
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la Antigua Grecia. Los músicos y
cantantes desempeñaron un papel destacado en el teatro griego.26 ​ Se realizaban interpretaciones de coros
mixtos para el entretenimiento, la celebración y ceremonias espirituales.27 ​ Los instrumentos incluían el
aulós de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo especial llamado
kithara. La música era una parte importante de la educación y a los niños se les enseñaba música a partir de
los seis años. La alfabetización musical griega creó un florecimiento del desarrollo musical. La teoría de la
música griega incluía los modos musicales griegos, que finalmente se convirtieron en la base de la música
clásica y religiosa occidental. Más tarde, las influencias del Imperio Romano, Europa del Este y el Imperio
Bizantino cambiaron la música griega. El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más antiguo que se conserva de
una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo.28 ​ La obra
escrita más antigua que sobrevive sobre el tema de la teoría musical es Harmonika Stoicheia de
Aristóxeno.29 ​

Antigua Roma
La música de la Antigua Roma fue parte de la cultura romana desde los tiempos más remotos. Las
canciones (carmen) eran una parte integral de casi todos los eventos sociales.30 ​ El Carmen saeculare de
Horacio, por ejemplo, fue encargado por Augusto e interpretada por un coro mixto de niños en los Juegos
Seculares del 17 a. C.31 ​ La música era habitual en los funerales y
la tibia (el aulós griego), un instrumento de viento-madera, se
tocaba en los sacrificios para protegerse de las malas influencias.32 ​
Bajo la influencia de la teoría griega antigua, se pensaba que la
música reflejaba el orden del cosmos y se asociaba particularmente
con las matemáticas y el conocimiento.33 ​

La música etrusca tuvo una influencia temprana en la cultura de los

romanos. Durante el período imperial, los romanos llevaron su Trío de músicos tocando aulós,
música a las provincias, mientras que las tradiciones de Asia Menor, cymbala y tympanum (mosaico de
África del Norte y la Galia se convirtieron en parte de la cultura Pompeya).

romana.34 ​

La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y era parte de la forma de artes escénicas
llamada pantomima (pantomimus), una forma temprana de ballet narrativo que combinaba danza expresiva,
música instrumental y un libreto cantado.35 ​

Edad Media
La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del
canto monofónico (línea melódica única) en los servicios de la
Iglesia católica. La notación musical se usó desde la antigüedad en
la cultura griega, pero en la Edad Media, la notación fue introducida
por primera vez por la Iglesia católica para que las melodías de los
cánticos pudieran escribirse, para facilitar el uso de las mismas
melodías para la música religiosa en todo el mundo católico.a 36​ ​El
único repertorio medieval europeo que se ha encontrado en forma
escrita desde antes del 800 es el canto llano litúrgico monofónico de
la Iglesia católica, cuya tradición central se llamaba canto
gregoriano.

Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante

tradición de canto secular. Ejemplos de compositores de este
período son Léonin, Perotín, Guillaume de Machaut y Walther von
der Vogelweide.
El introito de Gaudeamus omnes,
Renacimiento escrito en notación neumática en el
Graduale Aboense de los siglos xiv y
La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en xv, rinde homenaje a Enrique, patrón

temas seculares, como el amor cortés. Alrededor de 1450, se de Finlandia.

inventó la imprenta, que hacía partituras impresas mucho menos
costosas y más fáciles de producir en masa.b ​ La mayor
disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área más amplia.
Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia, las cortes y las ciudades. Los coros de la
iglesia crecieron en tamaño y la Iglesia siguió siendo un mecenas importante de la música. A mediados del
siglo xv, los compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban
simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen
Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de Victoria, Thomas
Morley y Orlando di Lasso. A medida que la actividad musical pasó de la Iglesia a las cortes aristocráticas,
reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores. Muchos compositores importantes
provenían de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia. Se les llama compositores franco-flamencos y
ocuparon cargos importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una gran actividad
musical fueron Alemania, Inglaterra y España.

Barroco
La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando
el estilo artístico barroco floreció en toda Europa y durante este
tiempo la música se expandió en su rango y complejidad. La música
barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música
vocal dramática solista acompañada de orquesta). Durante la época
barroca, la música polifónica contrapuntística, en la que se
utilizaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas,
siguió siendo importante.c ​ Los compositores barrocos alemanes
escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas, metales
y viento-madera, así como para coros e instrumentos de teclado,
como órgano, clavecín y clavicordio. Durante este período se
definieron varias formas musicales importantes que perduraron en
períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún
más, incluida la fuga, la invención, la sonata y el concierto.37 ​ El Johann Sebastian Bach fue un
estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente destacado compositor de la era
ornamentado. Entre los compositores importantes de la época barroca de la música.
barroca se encuentran Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich
Händel, Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi.

Clasicismo
La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se consideraba los elementos
clave del arte y la filosofía de la Antigua Grecia y Antigua Roma: los ideales de equilibrio, proporción y
expresión disciplinada.d ​ La música del período clásico tiene una textura más ligera, clara y
considerablemente más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal fue la
homofonía,38 ​donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinados son
claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables. Se
desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano, el precursor del piano moderno, reemplazó al clavicémbalo y
al órgano de la época barroca como principal instrumento de teclado, aunque este último siguió utilizándose
en la música sacra, como las misas.

Se le dio importancia a la música instrumental. Estuvo dominado por un mayor desarrollo de formas
musicales inicialmente definidas en el período barroco: la sonata, el concierto y la sinfonía. Otros tipos
principales fueron el trío, el cuarteto de cuerda, la serenata y el divertimento. La sonata fue la forma más
importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico
de la sonata es completamente distinto. Todas las formas instrumentales principales de la era clásica, desde
los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los
instrumentos tocaban música de cámara y la orquesta se volvió más estandarizada. En lugar del grupo de
 bajo continuo de la época barroca, que consistía en clavecín, órgano
o laúd junto con varios instrumentos bajos seleccionados a
discreción del líder del grupo (por ejemplo, viola, violonchelo,
tiorba o serpentón), los grupos de cámara clásicos usaron
instrumentos estandarizados especificados (por ejemplo, un cuarteto
de cuerdas sería interpretado por dos violines, una viola y un
violonchelo). La interpretación de acordes improvisados de la época
barroca del tecladista de continuo o el laudista se eliminó
gradualmente entre 1750 y 1800.

Uno de los cambios más importantes realizados en el período

clásico fue el desarrollo de conciertos públicos. La aristocracia
seguía desempeñando un papel importante en el patrocinio de
conciertos y composiciones, pero ahora los compositores podían
sobrevivir sin ser empleados permanentes de reyes o príncipes. La
creciente popularidad de la música clásica llevó a un crecimiento en
el número y tipos de orquestas. La expansión de los conciertos
orquestales requirió la construcción de grandes espacios para
espectáculos públicos. La música sinfónica, incluidas las sinfonías,
1. Luigi Cherubini el acompañamiento musical al ballet y los géneros
2. Carl Philipp Emanuel Bach vocales/instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio, se
3. Joseph Haydn
hicieron más populares.
4. Johann Christoph Friedrich Bach
5. Ludwig van Beethoven Los compositores más destacados del clasicismo son Carl Philipp
6. Franz Xaver Richter
Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach,
7. Wolfgang Amadeus Mozart
8. Luigi Boccherini
Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van
9. Carl Friedrich Abel Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert también se
10. Christoph Willibald Gluck consideran compositores de la última parte de la era clásica, ya que
11. Maria Anna Mozart comenzó a moverse hacia el Romanticismo.
12. Johann Christian Bach

Romanticismo
La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo xix tenía muchos
elementos en común con los estilos románticos en la literatura y la
pintura de la época. El Romanticismo fue un movimiento artístico,
literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción
y el individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado
y la naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los
estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones
expresivas más apasionantes y dramáticas. Compositores El piano fue la pieza central de la
románticos como Richard Wagner y Johannes Brahms intentaron actividad social de los urbanitas de
clase media en el siglo xix (Moritz
aumentar la expresión emocional y el poder en su música para
von Schwind, 1868). El hombre al
describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Con piano es el compositor Franz
poemas sinfónicos, los compositores intentaron contar historias y Schubert.
evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos
compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música
folclórica. Las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a prevalecer sobre la tradición.

Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de explorar
diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia (personajes históricos y
leyendas) o la naturaleza misma. El amor romántico o el anhelo fue un tema predominante en muchas obras
compuestas durante este período. En algunos casos, se siguieron utilizando las estructuras formales del
período clásico (por ejemplo, la forma sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías), pero estas formas
se ampliaron y modificaron. En muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y
funciones existentes. Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más adecuados para el
nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando música de ópera y ballet, explorando nuevos
estilos y temas.26 ​

En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert
introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos cortos, desarrollados
orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía como la unidad compositiva más significativa.e
Compositores románticos posteriores como Piotr Ilich Chaikovski, Antonín Dvořák y Gustav Mahler
utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear una tensión dramática. Generaron obras
musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores
exploraron las alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad, como los acordes extendidos y los
acordes alterados, que crearon nuevos colores de sonido. A finales del siglo xix se produjo una expansión
espectacular en el tamaño de la orquesta y la Revolución industrial ayudó a crear mejores instrumentos,
creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la
sociedad urbana acomodada. También vio una nueva diversidad en la música para teatro, incluida la
opereta, la comedia musical y otras formas de teatro musical.26 ​

El piano fue un instrumento representativo de esta época, no solo en el ámbito musical sino también en el
técnico ya que gracias a los avances logrados debido a la Revolución industrial su mecanismo fue mejorado
sustancialmente. De la misma forma que el capitalismo influyó en el modo de organización jerárquico de las
cadenas de producción, el piano se utilizó como herramienta para conseguir la expresión musical y como
ayuda a la composición.39 ​ En dicho período hubo importantes compositores como Félix Mendelssohn,
Frédéric Chopin, Franz Liszt, Robert Schumann, Franz Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac
Albéniz que realizaron obras para piano. Del romanticismo tardío destacan compositores como Aleksandr
Skriabin, Serguéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.40 ​

Siglo xx y xxi

En el siglo xix, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue
mediante la venta de partituras, que los amantes de la música aficionados de clase media tocaban en casa en
su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música del siglo xx, la invención de nuevas
tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad de discos de gramófono en el mercado
masivo significó que las grabaciones sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la
radio o en su tocadiscos) se convirtieron en la principal vía para aprender sobre nuevas canciones y piezas.
Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se
utilizaron para reproducir y distribuir música, porque mientras que en el siglo xix, el enfoque en las
partituras restringió el acceso de la nueva música a las personas de clase media y alta que podían leer
música y poseían pianos e instrumentos, en el siglo xx, cualquier persona con radio o tocadiscos podía
 escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de
estar. Esto permitió a las personas de bajos ingresos, que no podían
pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónico, escuchar
esta música. También significaba que las personas podían escuchar
música de diferentes partes del país, además de diferentes partes del
mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos lugares. Esto
ayudó a difundir los estilos musicales.

El enfoque de la música artística en el siglo xx se caracterizó por la

exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Las consecuencias
de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas de las artes,
incluida la música, y algunos compositores comenzaron a explorar
sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron estilos
musicales tradicionales como el jazz y la música folclórica como
fuente de ideas para la música clásica. Ígor Stravinski, Arnold
Enrico Caruso con un gramófono Schönberg y John Cage fueron compositores influyentes en la
música artística del siglo xx. La invención de la grabación de
sonido y la capacidad de editar música dio lugar a un nuevo
subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acusmática41 ​ y música
concreta. La grabación de sonido también fue de gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales
populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La
introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock, porque podía
hacer mucho más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una banda y su
productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos
sonidos que no serían posibles en una actuación en vivo.

Algunos músicos expositores del jazz. En sentido horario, desde arriba a la izquierda: Louis Armstrong,
Charlie Parker, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin.

El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo xx y durante la
segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical
estadounidense que se originó a principios de siglo en las comunidades afroamericanas del sur de Estados
Unidos a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí de África
Occidental del estilo es evidente en el uso de notas de blues, improvisación, polirritmos, síncopa y la nota
swing.42 ​
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a partir del rock and
roll de la década de 1950, el rockabilly, el blues y la música country.43 ​El sonido del rock a menudo gira en
torno a la guitarra eléctrica o acústica y utiliza un fuerte ritmo de fondo establecido por una sección rítmica.
Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos
solistas. La sección rítmica tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la
batería. Algunas bandas también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde la década de
1970, sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a usar sintetizadores
digitales, como el Yamaha DX7, cajas de ritmos electrónicas como el Roland TR-808 y dispositivos de bajo
sintetizado (como el Roland TB-303) o teclados de bajo sintetizado. En la década de 1990, se utilizó una
gama cada vez más amplia de dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizado y software
(por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital). En la década de 2020, los sintetizadores de software y
las aplicaciones de música de computadora permiten crear y grabar variados tipos de música, como música
electrónica de baile en su propia casa, agregando instrumentos muestreados y digitales y editando la
grabación digitalmente. En la década de 1990, algunas bandas de géneros como el nu metal comenzaron a
incluir DJ en sus bandas. Los DJs crean música manipulando música grabada en tocadiscos o reproductores
de CD, usando un mezclador de DJ.

Cultura y música
Todas las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. La
mayoría de las especies animales también son capaces de producir
sonidos de una forma organizada para comunicar una gran variedad
de mensajes. Lo que define a la música de los hombres no es tanto
el ser una combinación «correcta» (o «armoniosa» o «bella») de
sonidos en el tiempo como el ser una práctica de los seres humanos
dentro de un grupo social determinado.
Violinista en la catedral de Dublín. Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de
diversos pueblos y culturas tengan en común, es importante no
perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos utilizados
para producir música, en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la
melodía, y, sobre todo, en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes sociedades: no es
lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa, que la música que se escucha en un
anuncio publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones que una
música determinada desempeña en un contexto social determinado, podemos ser más precisos a la hora de
definir las características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que
no son las de nuestra sociedad.

La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas producidas durante
determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características son «universales», es decir, comunes a
todos los seres humanos de todas las culturas y de todos los tiempos. Dice Schopenhauer, «(la música)
repercute en el hombre de manera tan potente y magnífica, que puede ser comparada a una lengua
universal, cuya claridad y elocuencia supera a todos los idiomas de la tierra».44 ​
Muchos piensan que la música es un lenguaje «universal», puesto
que varios de sus elementos, como la melodía, el ritmo, y
especialmente la armonía (relación entre las frecuencias de las
diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o
menos matemáticas, y que los humanos en mayor o menor medida,
estamos naturalmente capacitados para percibir como bello.
Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad de los
fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que La Música, representación alegórica
la armonía es un hecho musical universal cuando en realidad es de la música, diseñada por Józef
exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor Gosławski en un edificio en
aún, se ha creído que la armonía es privativa de la cultura Varsovia.
occidental[cita requerida] porque representa un estadio más
«avanzado» o «superior» de la «evolución» de la música.

La división del trabajo en la práctica musical occidental contemporánea distingue a esta cultura de otras.
Históricamente, los compositores e intérpretes solían ser una misma entidad.45 ​ Sin embargo,
investigaciones recientes (Scientific Reports, 2024) indican un cambio hacia patrones musicales más
repetitivos y accesibles en respuesta a su consumo a través de plataformas de streaming preferidas por la
sociedad actual. En paralelo, los intérpretes contemporáneos tienden a estar más orientados hacia la
autoexpresión.46 ​

La notación musical occidental

Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental)
existen formas de notación musical. Sin embargo, es a partir de la
música de la Edad Media (principalmente canto gregoriano) que se
comienza a emplear el sistema de notación musical que
evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los rasgos
más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como
todo lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de
los usuarios.
Fragmento de uno de los himnos
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa dedicado al dios de la música Apolo,
gráficamente el transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa en Delfos, Grecia. El templo oracular
gráficamente la altura del sonido. Las alturas se leen en relación con era una acrópolis y fue construido en
su honor. Este fragmento contiene la
un pentagrama (del griego «πεντα», «penta»: cinco; y «γραμμa»,
notación musical introducida por los
«grama»: líneas), que al comienzo tiene una clave que tiene la
helenos, situando las notas por
función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una sobre las estrofas (a modo de
determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la «cancionero popular»).
«clave de sol en segunda línea» nosotros leeremos como sol el
sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo),
como la el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la
tercera línea, etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves
más usadas son las de:
 do en tercera línea (clave que toma como referencia al do4 de 261,63 Hz, el do central del
piano),
sol en segunda línea (que se refiere al sol que se encuentra una quinta por encima del do
central), y
fa en cuarta línea (referida al fa que está una quinta por debajo del do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases: cada línea vertical que
atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del
pentagrama habrá una fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que
tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.

Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda (representada como un círculo
blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero
con un círculo negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en la punta
de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos horizontales), etc. Cada una vale la
mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra, etc.

Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en determinada partitura,
debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a
un tiempo; si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una
3
negra, etc. Así, una partitura encabezada por un 4 estará dividida en compases en los que entren tres negras
4
(o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de
ellos representados por una corchea, etc.

Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio de redonda, de
blanca, etc.

Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé la
subdivisión por tres, que será indicada con tresillos. Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue
la mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure,
además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une por medio de una línea
arqueada llamada ligadura de prolongación.

En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más o menos
convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se indican mediante el uso de
una «f» (forte, fuerte) o una «p» (piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se
indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de velocidad: largo, lento, adagio,
moderato, andante, allegro, presto.

Beneficios de la música a nivel psicológico y neurológico

La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento, promueve un mejor rendimiento a nivel
cerebral. Las lecciones musicales activan ambos hemisferios cerebrales. Por esta actividad, la concentración,
memoria y disciplina de un estudiante se ven a duelo al ejercitarse, y este ejercicio suele mejorar la
capacidad de las aptitudes mencionadas. En el momento en el que el cerebro se ve retado a dividirse en
varias funciones que requieren concentración y precisión, como al tocar instrumentos ya sea piano, guitarra,
violín, contrabajo, entre otros, mejora sus funciones. Estudios realizados por la Universidad de Harvard y la
Universidad de California han comprobado que la práctica de
instrumentos musicales hace que los dos hemisferios cerebrales
formen nuevas conexiones, cuya realización produce que el cerebro
tenga un mejor rendimiento en los campos de la concentración,
memoria y aprendizaje. El legendario científico español de la
neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que la
única actividad que hacía más conexiones en las células cerebrales
era tocar el piano, ya que en este instrumento se emplea cada dedo
en una tecla distinta, enfocándose cada mano en distintos ritmos y
velocidades, y en adición, los pies, que también tienen una
importante función al utilizarse los pedales.47 ​

A nivel mental, también se considera muy útil la teoría musical para

facilitar el aprendizaje de otros idiomas. Características importantes
de la música, como el tono, el timbre, la intensidad y el ritmo, tienen
mucho que ver con las variaciones del habla en los distintos
idiomas. Cada uno de estos tiene un acento distinto, y en la música El canto de los ángeles (obra de
descubrimos los diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían William Bouguereau), siglo xix.

acoplar a los diferentes idiomas.48 ​

Véase también
Portal:Música. Contenido relacionado con Música.
Música clásica
Música navideña
Mujeres en la música
Música surrealista
Solfeo
Cultura de Europa#Música
Historia de la ópera

Notas y referencias
Notas

a. Véase Historia de la notación en la música occidental.

b. Antes de la invención de la imprenta, toda la música anotada se copiaba a mano.
c. El contrapunto era importante en la música vocal de la época medieval.
d. La música del período clásico no debe confundirse con la música clásica en general, un
término que se refiere a la música de arte occidental desde el siglo v hasta la década de
2000, que incluye el período clásico como uno de varios períodos.
e. Un ejemplo es la figura distintiva de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía.

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Enlaces externos
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