ARTE BIZANTINA

El arte bizantino (siglos IV-XV) se caracteriza en general por un alejamiento del naturalismo
de la tradición clásica, hacia lo más abstracto y universal, por una clara preferencia por las
representaciones bidimensionales, y por un predominio de las obras de arte de contenido
religioso. Sin embargo, a partir del siglo XII, el arte bizantino se hace mucho más expresivo e
imaginativo, y a pesar de que muchos temas se repiten indefinidamente, hay diferencias en los
detalles a lo largo del período. Aunque es cierto que la gran mayoría de obras de arte que han
sobrevivido son de temática religiosa, puede que eso sea el resultado de una selección en los
siglos siguientes, porque abundan las referencias en fuentes bizantinas al arte secular, y hasta
bien avanzado el siglo X e incluso después se siguieron creando elementos paganos con
iconografía clásica. Mediante la utilización de piedras brillantes, mosaicos dorados, vívidas
pinturas murales, marfil esculpido de forma intrincada y metales preciosos en general, los
artistas bizantinos lo embellecieron todo, desde edificios hasta libros, y su principal legado, y
también el más duradero, son sin duda los iconos, que continúan decorando iglesias cristianas
en todo el mundo.

Influencias
Al ser Bizancio la rama oriental del Imperio romano en su primera fase, no es de extrañar que
en los trabajos bizantinos predomine una fuerte influencia romana, o más correctamente,
clásica. La tradición romana de coleccionar, valorar y enseñar en privado obras de arte
antiguo, continuó entre las clases más adineradas de Bizancio. El arte bizantino es a la vez
permanente y en evolución, con temas tales como las tradiciones clásicas y las escenas
religiosas convencionales apareciendo una y otra vez a lo largo de los siglos pero, al mismo
tiempo, un examen más concienzudo de cada obra revela los detalles de un enfoque artístico
siempre diferente. Lo mismo que el cine moderno, que repone de manera regular una historia
familiar, con los mismos escenarios y los mismos caracteres, los artistas bizantinos trabajaron
dentro de los límites de los objetivos prácticos de su trabajo, escogiendo cómo representar
mejor un tema, qué añadir u omitir de las nuevas influencias que aparecían y, al final del
período, personalizando su trabajo como nunca antes se había hecho.
EN EL IMPERIO BIZANTINO HABÍA MUY POCA O NINGUNA DIFERENCIA ENTRE
ARTISTA Y ARTESANO; AMBOS CREABAN OBJETOS BELLOS CON UN OBJETIVO
CONCRETO.

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Quizás es importante recordar que el Imperio bizantino fue, en muchos aspectos, mucho más
griego que romano, y que el arte helenístico siguió influyendo, especialmente la idea del
naturalismo. Al mismo tiempo, la extensión geográfica del imperio también tuvo sus
consecuencias para el arte. En Alejandría, el estilo copto, más rígido (y para algunos menos
elegante) comenzó a partir del siglo VI, reemplazando al estilo helenístico predominante. Se
evitaron los colores apagados, en favor de los más brillantes, mientras que las figuras eran
menos estilizadas y realistas. Otra zona de influencia artística fue Antioquía, donde se adoptó
el estilo orientalizante, es decir, la asimilación de motivos del arte persa y de Asia Central,
tales como las cenefas, el Árbol de la Vida, las cabezas de carnero, y criaturas con alas dobles,
así como los retratos completos frontales que aparecen en el arte sirio. A su vez, el arte de esas
grandes ciudades influiría en el producido en Constantinopla, que pasaría a ser el centro de
una industria artística que difundiría sus trabajos, métodos e ideas por todo el imperio.

Cáliz bizantino
Dimitris Kamaras (CC BY)
A lo largo de los siglos el Imperio bizantino estuvo en continua expansión y contracción, y esa
geografía influyó en el arte, conforme las nuevas ideas se fueron haciendo más accesibles con
el tiempo. Las ideas y objetos artísticos se intercambiaban continuamente entre culturas por
medio de regalos reales a gobernantes amigos, embajadas diplomáticas, misiones religiosas, y
la compra de recuerdos por parte de viajeros adinerados, sin olvidar el movimiento de los

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propios artistas. Desde principios del siglo XIII, por ejemplo, Bizancio experimentó la
influencia de un contacto mucho más estrecho con Europa occidental, igual que cuando los
bizantinos estaban más presentes en Italia durante el siglo IX. La influencia también fue en
dirección contraria, por supuesto, de forma que las ideas bizantinas se difundieron,
especialmente hacia el oeste, desde sitios tales como Sicilia y Creta, desde donde la
iconografía bizantina influiría en el arte del Renacimiento en Italia. Igualmente, en el
nordeste, el arte bizantino tendría influencia en lugares como Armenia, Georgia y Rusia.
Finalmente, el arte bizantino sigue totalmente en vigor como una sólida tradición dentro del
arte ortodoxo.

Artistas
En el Imperio bizantino había poca o ninguna diferencia entre artista y artesano; ambos
creaban objetos bellos para un objetivo concreto, ya fuera una caja para guardar un objeto de
valor o un icono para unir sentimientos de piedad y reverencia. Algunos nombres de oficios
que conocemos son zographos e historiographos (pintor), maistor (maestro)
y ktistes (creador). Además, muchos artistas, especialmente los que creaban manuscritos
ilustrados, eran sacerdotes o monjes. No hay evidencia de que entre ellos no hubiera mujeres,
aunque es probable que estas se especializaran en telas y sedas estampadas. La escultura, la
artesanía del marfil y el esmalte eran especialidades que requerían años de aprendizaje, pero
en otras formas artísticas era frecuente que un mismo artista produjera manuscritos, iconos,
mosaicos y pinturas murales.

Tapa de libro bizantino con icono

The Metropolitan Museum of Art (Copyright)
Antes del siglo XIII resultaba extraño que un artista firmara su trabajo, lo cual puede reflejar
una falta de estatus social, o que los trabajos eran creados por un equipo, o que esa

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personalización de la obra de arte se considerara que desmerecía su objetivo, especialmente
en el arte religioso. Los artistas eran apoyados por mecenas que les encargaban los trabajos,
sobre todo los emperadores y monasterios, aunque también personas particulares, incluyendo
mujeres, especialmente viudas.

Frescos y pinturas
El arte cristiano bizantino tenía el triple objetivo de embellecer un edificio, instruir a los
analfabetos sobre temas vitales para su bienestar espiritual, y animar a los creyentes
indicándoles que ya estaban en el camino correcto de la salvación. Por dicho motivo, los
interiores de las iglesias bizantinas estaban cubiertos de pinturas y mosaicos. El gran edificio
de la basílica cristiana, con sus techos altos y largas paredes laterales, era el medio ideal para
enviar mensajes visuales a la congregación, pero incluso los santuarios más humildes estaban
a menudo decorados con abundancia de frescos. Los temas eran necesariamente limitados –
los hechos y figuras clave de la Biblia – e incluso su posición se hizo convencional. La figura
de Jesucristo normalmente ocupaba la cúpula central, en el cañón estaban los profetas, los
evangelistas aparecían en las uniones de la bóveda y la cúpula, en el sagrario la Virgen y el
Niño, y las paredes tenían escenas del Nuevo Testamento y de vidas de los santos.

Mosaico de la Virgen y el Niño, Santa Sofía

Hagia Sophia Research Team (CC BY-NC-SA)
Además de paredes y cúpulas, los paneles pequeños de madera pintada eran otro medio
popular, especialmente en el período final del Imperio. Fuentes literarias describen pequeñas
pinturas portátiles con retratos, encargadas por una diversidad de personas, desde obispos a
actrices. Las pinturas para manuscritos también eran una aplicación muy valorada de las

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habilidades pictóricas, y cubrían temas tanto religiosos como históricos, tales como
coronaciones y batallas famosas.
LOS ICONOS – REPRESENTACIONES DE FIGURAS SAGRADAS – FUERON
CREADOS PARA SER VENERADOS POR LOS CRISTIANOS BIZANTINOS A PARTIR
DEL SIGLO III D.C.
Ejemplos destacados del estilo más expresivo y humanístico predominante a partir del siglo
XII son las pinturas murales de Nerezi, Macedonia, de 1164, que muestran escenas de la
Crucifixión, captando la desesperación de los protagonistas. A partir del siglo XIII se pintaba
a los individuos con su personalidad y una atención al detalle mucho mayor. La iglesia
de Santa Sofía en Trebisonda tiene galerías completas con pinturas de ese estilo, que datan de
ca. 1260, en las que los sujetos parecen haber sido inspirados por modelos reales. También
hay un uso más atrevido del color para lograr los efectos. Un buen ejemplo es la utilización
del azul en la Transfiguración, una pintura en manuscrito en las obras teológicas de Juan VI
Cantacuceno, realizada en 1370-1375 y actualmente en la Biblioteca Nacional de París. A
mayor escala, esa combinación de colores intensos y finos detalles se ve perfectamente en las
pinturas murales de las diversas iglesias bizantinas de Mistrá, en Grecia.

Iconos
Los iconos – representaciones de figuras sagradas – fueron creados para ser venerados por los
cristianos bizantinos a partir del siglo III d.C. Se encuentran sobre todo en mosaicos, pinturas
murales y pequeñas obras de arte de madera, metal, piedras preciosas, esmaltes o marfil. La
forma más habitual eran pequeños paneles de madera pintada, que podían ser transportados o
colgados en las paredes. Dichos paneles se hacían usando la técnica de encáustica, en la que
se mezclaban los pigmentos con cera y se aplicaban en caliente sobre la madera, donde
quedaban incrustados.

Jesucristo Pantocrátor
Hardscarf (CC BY-NC-SA)

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Normalmente, las figuras se representan en los iconos de forma totalmente frontal, ya sea de
cuerpo entero o solamente cabeza y hombros, mirando fijamente al observador como si
estuvieran diseñadas para facilitar la comunicación con la divinidad. A menudo tenían un
nimbo o halo a su alrededor, para hacer énfasis en su santidad. Con menor frecuencia, se
muestran escenas narrativas. El estilo artístico de los iconos fue muy estable a lo largo de los
siglos, aunque eso no debería ser sorprendente teniendo en cuenta que sus temáticas debían
presentar una calidad intemporal e infundir la devoción a lo largo de generaciones de devotos
– la gente y las modas pueden cambiar, pero no el mensaje.
Algunos de los iconos bizantinos más antiguos que han llegado a nuestros días se encuentran
en el monasterio de Santa Catalina en el Monte Sinaí. Datados en el siglo VI y salvados de la
ola iconoclasta que se extendió por el Imperio bizantino durante los siglos VIII y IX, el más
refinado muestra un Cristo Pantocrátor, la Virgen y el Niño. La imagen del Pantocrátor, en la
que Cristo está en la clásica posición frontal sosteniendo un libro con los Evangelios en su
mano izquierda y bendiciendo con la derecha, fue posiblemente una donación de Justiniano
I (r. 527-565 d.C.) para conmemorar la fundación del monasterio.
Hacia el siglo XII, los pintores producían retratos mucho más intimistas, con más expresión e
individualidad. El icono conocido como la Virgen de Vladímir, actualmente en la Galería
Tretiakov de Moscú, fue pintado en Constantinopla en ca. 1125, y es un ejemplo excelente de
ese nuevo estilo, con su tierna representación del niño apretando su mejilla contra la de su
madre.

Hombre dando de comer a una mula, mosaico bizantino

Hagia Sophia Research Team (CC BY-NC-SA)

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Mosaicos
La mayor parte de mosaicos de paredes y techos que han sobrevivido muestran temas
religiosos y se encuentran en muchas iglesias bizantinas. Una de sus características es el
empleo de teselas doradas para crear un fondo brillante a las figuras de Cristo, la Virgen
María y los santos. Igual que con los iconos y las pinturas, los retratos muestran ciertas
convenciones, tales como la vista frontal, el halo, y un estatismo general. La iglesia de Santa
Sofía de Constantinopla (Estambul) tiene los ejemplos más destacados de dichos mosaicos,
mientras que uno de los más impactantes es el de Jesucristo en la cúpula del monasterio de
Dafni, en Grecia. Realizado hacia el 1100, muestra a Cristo con una expresión más bien seria,
en contraste con la inexpresiva representación habitual.
Los mosaicos del Gran Palacio de Constantinopla, que datan del siglo VI, son una mezcla
interesante de escenas de la vida cotidiana (especialmente de caza) con dioses paganos y
criaturas míticas, poniendo nuevamente de manifiesto que, en el arte bizantino, los temas
paganos no fueron totalmente reemplazados por los cristianos. Otro tema secular de los
mosaicos fueron los emperadores y sus consortes, aunque a menudo retratados en su papel de
cabeza de la Iglesia de Oriente. Entre ellos destacan los mosaicos de la iglesia de San Vitale
en Rávena, que datan de la década del 540 d.C. Dos paneles brillantes muestran al emperador
Justiniano I y su consorte, la emperatriz Teodora, con sus respectivos séquitos.

La emperatriz bizantina Zoe

Myrabella (Public Domain)
Los artistas de mosaicos bizantinos se hicieron tan famosos con su trabajo que el califato
árabe omeya (661-750 d.C.) les contrató para decorar la Cúpula de la Roca en Jerusalén y la
Gran Mezquita de Damasco. Finalmente, igual que en la pintura, en los siglos XIII y XIV los
temas de los mosaicos se hicieron más naturales, expresivos e individualizados. Excelentes

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ejemplos de ese estilo pueden verse en los mosaicos de la iglesia de San Salvador de Cora, en
Constantinopla.

Escultura
La escultura realista de retratos fue una característica del arte romano tardío, tendencia que
continuó en los inicios del bizantino. Por ejemplo, el Hipódromo de Constantinopla era
conocido por sus esculturas de bronce y mármol de emperadores y aurigas populares.
También se utilizaba el marfil, aunque solamente sobrevive un ejemplo de escultura exenta, la
Virgen y el Niño, actualmente en el Victoria and Albert Museum de Londres. Otra aplicación
del arte escultórico fueron los sarcófagos de mármol y piedra caliza. Sin embargo, a partir del
siglo VI, son raros los retratos tridimensionales, incluso para emperadores, y la escultura en
absoluto recuperó la popularidad que había tenido en la antigüedad.

Caja de marfil con relieve de San Menas

Osama Shukir Muhammed Amin (Copyright)

Artes menores
Las artistas bizantinos eran excelentes orfebres, a la vez que dominaban la técnica del
esmaltado. Un ejemplo soberbio del uso de ambas habilidades es el cáliz del Tesoro de San
Marcos de Venecia, de ca. 1070. Con un cuerpo de piedras semipreciosas y un tallo de oro, la
copa está decorada con placas esmaltadas. Los esmaltes alveolados (cloisonné) (objetos con
múltiples compartimentos con borde metálico y rellenos de un esmalte vítreo) eran muy
populares, una técnica probablemente traída de Italia en el siglo IX. También se produjeron
grandes cantidades de bandejas de plata estampadas con imágenes cristianas, para uso

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doméstico. Otro uso de los metales fue la acuñación de moneda, una forma de retrato imperial
y, a partir del siglo VIII, también con imágenes de Jesucristo.
Se realizaron biblias con textos maravillosamente escritos con tinta de oro y plata sobre
páginas teñidas con púrpura de Tiro, con magníficas ilustraciones. Uno de los mejores
ejemplos de manuscrito ilustrado que han sobrevivido son las Homilías de San Gregorio de
Nisa, realizadas en 867-886 d.C., actualmente en la Biblioteca Nacional de París. Los libros,
en general, lucían cubiertas exquisitas con oro, plata, piedras semipreciosas y esmaltes. Los
relicarios – contenedores para reliquias sagradas – fueron otra expresión de las artes
decorativas.

Brazalete enjoyado bizantino

Metropolitan Museum of Art (Copyright)
Los objetos portátiles se decoraban a menudo con imágenes cristianas, incluyendo los joyeros,
piezas de joyería y símbolos de los peregrinos; los objetos de marfil, como paneles y cajas,
eran una especialidad de Alejandría. Los paneles se usaban para decorar casi todo,
especialmente los muebles. Uno de los ejemplos más destacados es el trono de Maximiano,
arzobispo de Rávena (545-553 d.C.), que está recubierto con paneles de marfil que muestran

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escenas de las vidas de José, Jesucristo y los Evangelistas. Las telas – de lana, lino, algodón y
seda – en las que los diseños eran bordados en la propia tela o estampados por inmersión de la
tela en colorantes, con algunas partes cubiertas para crear el diseño.
Finalmente, la cerámica bizantina no ha adquirido demasiada relevancia, aunque se crearon
piezas con técnicas como el policromado (escenas de colores pintadas sobre un fondo blanco
con un barnizado transparente posterior) – una técnica transferida a Italia en el siglo IX. A
veces los diseños eran grabados y con barnices de colores, como en una preciosa bandeja de
los siglos XIII - XIV con dos palomas, actualmente en la Colección David Talbot Rice de la
Universidad de Edimburgo. Las formas más comunes incluían bandejas, platos, tazones y
copas con un asa. Los azulejos se pintaban a menudo con representaciones de figuras sagradas
como emperadores, a veces formando una imagen compuesta con varios azulejos.

Bibliografía
• Arnott Hamilton, J. Byzantine Architecture & Decoration. Batsford, London, 1956.
• Bagnall, R. The Encyclopedia of Ancient History. Wiley-Blackwell, 2012.
• Cormack, R. Byzantine Art. Oxford University Press, 2018.
• Herrin, J. Byzantium. Princeton University Press, 2009.
• Mango, C. The Oxford History of Byzantium. Oxford University Press, 2002.
• Shepard, J. The Cambridge History of the Byzantine Empire c.500-1492. Cambridge
University Press, 2009.
• Talbot Rice, D. Art Of The Byzantine Era -. Frederick A. Praeger, 1963.
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