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CONTRIBUCIONESVIDA Y OBRA DE EUGENE-HENRI-PAUL GAUGUINGac Méd Caracas 2006;114(3):226-255
HUMANÍSTICAS
Vida y obra de Eugene-Henri-Paul Gauguin

(1848-1903)
Dr. Juan José Puigbó
Individuo de Número
RESUMEN
La presentación tiene como objeto exponer aspectos la utilización de colores puros, intensos en superfi-
relevantes de la vida y obra de Paul Gauguin (1848- cies monocromáticas, amplias y planas,
1903), uno de los grandes pintores franceses del período perfectamente delimitadas entre sí. La profundidad
posimpresionista y quien también ha sido considerado no es espacial sino temporal, es el tiempo lo que
como una de los primeros representantes de la corriente
fluye, lo que desea captar y la temática se caracteriza
pictórica conocida como “el simbolismo”. En la
introducción del trabajo se exponen las principales por lo exótico, lo primitivo y lo salvaje. Su pintura
corrientes pictóricas dominantes en los siglos XVIII y contribuyó en forma decisiva a la creación del arte
XIX (neoclasicismo, romanticismo, realismo e moderno (1-3).
impresionismo). Luego se presenta la propuesta pictórica
de Gauguin, los rasgos biográficos de un artista que
consagró su vida a la búsqueda de su identidad pictórica,
Objetivos
vida azarosa que lo hace renunciar a la civilización
occidental para dedicarse a la búsqueda de lo primitivo, La presentación de este trabajo tiene como
de lo exótico, de un paraíso perdido e inalcanzable. De finalidad; suministrar información básica sobre la
una etapa inicial impresionista pasó a una etapa
vida y la obra de Paul Gauguin, así como exponer la
intermedia con elementos estilísticos mixtos, hasta entrar
de lleno dentro de la corriente del simbolismo. Se evolución que experimentó su arte pictórico, en el
presentan cerca de 95 lienzos y se discuten en detalle transcurso de su existencia, al cual se dedicó con un
aquellos que se han considerado como obras maestras profundo y perseverante empeño. Se consideró
dentro del arte moderno. Como ha ocurrido con otros especialmente dentro de su variada producción a
grandes pintores el reconocimiento de sus méritos se aquellas obras que han merecido ser consideradas
obtuvo solamente como un homenaje póstumo. en la historia del arte como obras maestras y que con
seguridad contribuyeron a la apertura del
Gauguin fue uno de los grandes pintores franceses modernismo en el dominio de las artes. Se estudiaron
del período pos-impresionista y uno de los primeros 94 lienzos y se hizo un análisis detenido de los
representantes del simbolismo. En su período inicial, lienzos más importantes.
Gauguin se inició dentro de los cauces del
impresionismo pero pronto se separa de esta corriente INTRODUCCIÓN
para entrar en la vía del simbolismo, y así, procede
a la búsqueda de la autenticidad en el mundo Corrientes pictóricas de los siglos XVIII y XIX
primitivo, se dispone a explorar su mundo interior,
Durante el transcurso de finales del siglo XVIII
para descubrir el origen de sus propias sensaciones
y durante el siglo XIX la pintura había transitado
y a las percepciones visuales procedentes del mundo
por los caminos del neoclasicismo, del romanticismo,
real las somete a una modificación por la memoria.
del realismo y del impresionismo.
Las ideas se expresan mediante símbolos. Desarrolla
un método de representación que se caracteriza por
226 Vol. 114, Nº 3, septiembre 2006

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El neoclasicismo dudas, ejercería una profunda influencia en el

Este movimiento había surgido como reacción desarrollo de este movimiento en toda Europa. “El
frente al rococó y al Barroco tardío a mediados del coloso”, 1812 es un lienzo en donde plasma una de
siglo XVIII, con el objetivo de recrear el estilo sus visiones más interesantes. Goya evolucionó
simple y digno del arte clásico que había surgido en desde el Barroco y el rococó, para pasar al
Grecia y Roma y conseguir que este movimiento neoclasicismo, hasta desarrollar un estilo personal
encarnase las ideas morales como las corres- muy difícil de clasificar, pero que indudablemente
pondientes a la justicia, el honor y el patriotismo condujo a la apertura de la pintura contemporánea.
(3,4). Influyeron en esta corriente los hallazgos
arqueológicos de la antigüedad clásica en Pompeya El realismo
y Herculano. El ejemplo que inicia esta tendencia,
Esta tendencia que ha estado siempre presente en
la encontramos en el famoso lienzo de Jacques-
la historia del arte, más que a una escuela, sirve para
Louis David (1748-1825) denominado “El juramento
designar, en sentido restringido al movimiento
de los Horacios”, (1784-1785) y en el “Marat
específico que comenzó también a mediados del
asesinado” (1793), a quien David pintó como un
siglo XIX y se caracterizó por la tendencia a plasmar
mártir que se había sacrificado por la revolución en
objetos y figuras feas, en contraposición a las bellas
un acto de heroísmo. Jean-Aguste Ingres (1780-
o a presentar obras que están dedicadas a describir
1867). “La bañista” (1808) fue otro de los
escenas banales de la vida cotidiana. Entre los
representantes de este movimiento junto con Johann
representantes de esta tendencia, se encuentran
J. Winckelmann, A. Mengs, A. Canova, Bertel
inicialmente, los artistas franceses, Gustave Courbet
Thorvaldsen y K. F. Schinkel.
(1819-1898), Honoré Daumier (1808-1879) y Jean-
Francois Millet (1814-1875). Courbet quien ha sido
El Romanticismo considerado como el “gran realista”, era un sujeto
Se desarrolla en el mismo período pero con un de temperamento inconforme y se molestó porque
enfoque antagónico al neoclasicismo, porque busca no le habían adjudicado un espacio adecuado en la
relacionarse con lo moderno, lo salvaje y por la “Exposición Universal de 1885”, por lo cual
tendencia a mostrar una actitud instintiva y estableció su propio pabellón que denominó “Le
apasionada, en contraposición a la serenidad clásica, Realisme”. La obra de Courbet está impregnada de
también por la intención de conmover mediante lo un fuerte realismo, tal como el que se observa en su
emocional y por la marcada inclinación por los obra maestra “El taller del pintor”.
valores sensitivos (color, musicalidad) o por los Honoré-Victorin Daumier, fue en su tiempo un
estados de ánimo. El Romanticismo admitía lo gran caricaturista del género satírico, muy cáustico
irregular y los aspectos salvajes de la naturaleza, a y además dentro de su condición como pintor serio,
diferencia del ideal fijo que se tenía sobre la belleza se caracterizó por su falta de sentimentalismo y por
en los temas clásicos que eran propios del desplegar un fuerte realismo en sus obras (“Consejo
neoclasicismo. Algunos eximios representantes de a un joven artista, 1860”) Jean Francois Millet se
este movimiento fueron Théodore Géricault (1791- estableció en Barbizon, un pequeño pueblo en las
1824), autor de “La balsa de la medusa”, 1899, afueras del bosque de Fontainebleau y se asoció al
verdadero símbolo del Romanticismo, Eugene grupo de pintores que constituían la llamada Escuela
Delacroix (1798-1863), de quien se puede tomar de Barbizon. Se hizo famoso por pertenecer su
como ejemplo el lienzo denominado “La muerte de pintura al tipo de “Realismo social”, que escogía
Sardanápalo”, 1827, “La libertad guiando al pueblo”, como temas lo simple, lo ordinario y aquellos tópicos
1830 se encuentran entre los más famosos pintores que reflejan el lado oscuro de la vida. Entre sus
franceses. John Constable (1776-1837) “El caballo obras más famosas se encuentra “Las espigadoras,
blanco”, 1819, J. M. W. Turner (1775-1851) 1857”.
“Tempestad de nieve”, 1842, entre los pintores
ingleses, quienes desarrollaron el “Paisaje
El impresionismo
romántico” y entre los españoles surge la figura del
genio Francisco Goya y Lucientes (1746-1828) a Se ha definido al impresionismo en el arte como
quien algunos autores han colocado entre los la corriente pictórica de origen francés que surgió a
pioneros del Romanticismo, pero que sin lugar a finales del siglo XIX como reacción ante el arte
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VIDA Y OBRA DE EUGENE-HENRI-PAUL GAUGUIN
académico. En el arte tradicional la pintura se Los temas pueden ser sencillos tomados de la
realizaba en el estudio del artista y la luz creaba vida diaria, y las escenas están plenas de
transiciones graduales de la claridad a la sombra espontaneidad, porque en Manet lo que debe privar
para así lograr los efectos de volumen (4-6). son los efectos de la luz, de los tonos y de los
a. El manejo del color al aire libre. Como colores.
contraposición en la pintura al aire libre (“a plein El pintor logra la transferencia de su experiencia
air”) los contrastes son violentos, las partes visual al espectador, lo cual constituye el propósito
iluminadas son más brillantes e incluso las sombras cimero del impresionismo.
carecen de uniformidad.
Edouard Manet (1832-1883). Es considerado La influencia de la estampa coloreada japonesa.
como “El padre del arte moderno” y pertenecía más Ukiyo-e
bien al género del realismo que al impresionismo,
Los impresionistas iban a encontrar otra fuente
pero fue el artista que pasaría a ejercer una poderosa
para su inspiración en la “Estampa coloreada
influencia sobre los impresionistas y se destacaría
japonesa”. El arte chino había ejercido una decisiva
por varios rasgos: 1. Por la utilización de colores
influencia en el arte del Japón, pero en este país a
claros y fuertes, sus pinceladas fragmentadas y la
partir de siglo XVIII se empezó a buscar un desarrollo
apariencia general de frescura que eran las
original. Los grandes maestros de esa época fueron
características que estaban presentes en sus famosos
Katsushika Hokusai (1760-1849) y Kitagawa
cuadros tales como: “Almuerzo campestre” o
Utamaro (1753-1806) que se destacaron en el arte
“Dejeuner sur l´ herbe” (1863); y el “Olimpia”
del grabado japonés. Las estampas japonesas (Ukiyo-
(1863), así como también en sus maravillosos
e) fueron muy apreciadas por Manet y sus seguidores
bodegones y en su última obra maestra titulada “El
y ayudaron a romper con la ortodoxia existente en el
bar del Folies-Bergere” (1882). El hecho esencial,
arte occidental, el cual pasó a valorar también la
consistía en pintar como lo ven los ojos, sin
espontaneidad en la pintura (7).
prejuicios.
2. A Manet y a sus seguidores se les debe
también una verdadera revolución en la trascripción Nacimiento del impresionismo (1874)
de los colores, al reconocer que en la naturaleza, es Este movimiento nace oficialmente en esta fecha,
decir, al aire libre no se ven los objetos aislados, con con ocasión de la primera exposición conjunta que
su color individual, sino que al contrario se ofrecen tiene lugar en el “Salón de los rechazados”. El
a la vista como una mezcla de tonos. Mostraron la nombre del “impresionismo” surgió de la
capacidad para poder captar la atmósfera verdadera observación irónica que hiciera el crítico Louis Leroy
y cambiante del paisaje, tal como la percibe el ojo al comentar la pintura de Monet que llevaba por
del pintor. Esto conduce a la difusión de los título “Impresión: amanecer”. Surgió así un grupo
contornos. de jóvenes artistas que fundaron la “Escuela
El “Salón de los rechazados” (Refusés). Cuando impresionista” que representaba la culminación de
en 1863, en el “Salón Oficial” fueron rechazadas la pintura francesa durante el siglo XIX. Se identifica
numerosas pinturas, tuvo lugar la inauguración del por la búsqueda del naturalismo en el arte, de la
“Salón de los rechazados” para darle cabida a las luminosidad y de la frescura en la pintura (4-6).
obras de estos artistas, entre los cuales se encontraban Pero, dado lo cambiante con que se presenta la
las de Manet y Cezanne. naturaleza al observador, según la variable incidencia
3. También al aire libre y a la luz del día, las de la luz sobre los objetos, intenta la captación de lo
formas voluminosas aparecen a la vista como si fugaz, de lo perecedero. El efecto se busca alcanzar
fueran planas y ofrecen el aspecto de manchas más por el contraste entre la masa de colores que por
coloreadas. los contornos que permanecen indefinidos en
relación con la desintegración de los colores. Dentro
b. El manejo de las formas en movimiento.
de ese viaje hacia la naturaleza, la temática busca el
Manet también propone que las formas estén paisaje y desea plasmar la vida plena de exuberancia
apenas sugeridas, como acontece ante nuestros ojos y de vigor.
con los objetos que se encuentran en movimiento y
se presentan a la vista como imágenes confusas.

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Los representantes grupo de los Nabis (quienes propugnan la función

Entre los grandes impresionistas que se decorativa del arte).
consideran como los iniciadores del movimiento Paul Cezanne (1839-1906), fue un pintor
descuellan: Claude Monet (1840-1926), Auguste posimpresionista y uno de los artistas más grandes
Renoir (1841-1919), Berthe Morisot (1841-1895), en la historia de la pintura y su influencia fue decisiva
Camille Pissarro (1830-1903), Alfredo Sisley (1839- en la génesis del cubismo (“Le Chateau Noir”, 1900-
1899) y Mary Cassatt (1845-1926). 1904). Se hizo famoso con los bodegones o con sus
Entre ellos, se destaca la figura del impresionista celebres naturalezas muertas (“Bodegas con
por excelencia Claude Monet “Mujer con sombrilla” manzanas y melocotones”, 1905), y por sus lienzos
(1875), “La catedral de Rouen”, (1894), “El estanque sobre las grandes bañistas.
de los nenúfares” (1899), “La estación de Saint Georges-Pierre Seurat (1859-1891). Otro
Lazare” (1887), para citar sólo algunas de sus obras posimpresionista, Seurat fue el creador de la corriente
más notables. Auguste Renoir con “El almuerzo de que se conoce como neoimpresionismo, puntillismo
los remeros” (1881), “Bañista peinándose”, (1893), o divisionismo, basado en la utilización de puntos
“Baile del Moulin de la Galette”. Camille Pissarro de color. Entre sus obras más sobresalientes se
con “Huerto en flor, Louveciennes”, (1872), encuentran “Una tarde de domingo en la Gran Jatte”,
“Mañana soleada en el Boulevard des Italiens” (1884-1886), “El faro de Honfleur” (1886), “Las
(1897), Alfredo Sisley con “Pradera” (1875), Berte modelos” (1888).
Morisot con “El puerto de Lorient” (1868) y Mary Vincent van Gogh (1853-1890) Otro de los
Cassatt norteamericana de nacimiento con la grandes posimpresionistas recibió la influencia del
“Muchacha cosiendo” (1880-1882). realismo de Millet y después la del impresionismo
cuya técnica llegó a dominar así como la del
Acompañantes del movimiento pero de corrientes puntillismo y del arte japonés.
diferentes Sus mejores cuadros los pinta durante los últimos
Otros celebres pintores acompañaron a los tres años de su vida, entre las crisis mentales que
impresionistas en sus exposiciones a partir de 1874 sufrió. Creó un nuevo lenguaje, pictórico convirtió
en el “Salón des Refusés”. Entre ellos se encontraban a sus pinceladas en el vehículo para expresar sus
Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834-1917) quien emociones y puso gran énfasis en el color. Utilizó
no pertenecía a la tendencia impresionista sino al las formas y los colores para expresar sus
género del clasicismo. En los últimos años de su sentimientos, sin preocuparse de la misma realidad,
vida este eximio pintor se quedaría casi ciego. En su es decir, de la reproducción exacta de la naturaleza
producción utilizó el tema de las carreras de caballos, a la que exagera, si así le conviene a sus fines. La
los desnudos (“Muchacho secándose”, 1885), pero pintura dejaba de ser la copia fiel de la naturaleza.
sobre todo se inmortalizó con sus famosas bailarinas. Entre sus más famosos lienzos se encuentran “Los
girasoles”, el “Sillón de Gauguin”, “Campo de trigo
con cipreses”, (1889). “La habitación del pintor en
Posimpresionismo Arles”, (1889). Su pintura iba a conducir al
A partir de aproximadamente del año 1884 expresionismo.
comienza a producirse un desafío frente al Henri de Toulouse Lautrec (1864-1901).
impresionismo que va a concretarse en dos tendencias Desarrolló un arte atractivo, caracterizado por la
evolutivas: 1) la de Cézanne que era la búsqueda de línea fácil, los colores fuertes y las formas planas.
la estructura (constructivismo) de los objetos cuya Entre sus lienzos se encuentran: “En el Moulin
intención se dirigía más que a la superficie, al Rouge comienzo de la cuadrilla”, (1892). “Rue de
volumen, al empleo de pinceladas diagonales y de Moulins: la visita médica”, (1894).
líneas rotas y la de Seurat con el empleo del
Pero hacia los finales de ese siglo surge en
puntillismo. 2) El uso del color y de la línea para
Francia un movimiento literario y de las artes
buscar expresar el mundo interior del artista, en
plásticas que se conoció con el nombre de
relación con su personalidad, su imaginación, sus
simbolismo.
sueños que es la tendencia simbolista, sintetista o
cloissonista. Estos presupuestos fueron introducidos El simbolismo literario. Se lo consideraba como
por Gauguin en la Escuela de Pont-Aven y en el el movimiento estético que impulsaba a los escritores

a expresar sus ideas, sentimientos y valores mediante medio de comunicación con el misterio de las cosas.
símbolos. Había nacido en Francia con la poesía de 3. El espíritu es la única realidad, pensamiento éste
Charles Baudelaire, Stéphane Mallarme, Paul que se relaciona con los postulados de la teosofía y
Verlaine, Arthur Rimbaud. El simbolismo se iba a de la religión. 4. Incluye la representación de
difundir por todo el mundo y en el ámbito hispánico, visiones oníricas, de ensoñaciones y nutre su
tuvo influencia en la poesía de Rubén Darío, Anto- inspiración en temas literarios, religiosos o
nio Machado y Juan Ramón Jiménez. Estos poetas mitológicos. El crítico de arte, Albert Aurier había
simbólicos sostienen la tesis de la correspondencia definido la pintura simbólica en estos términos: 1.
entre los sonidos, el ritmo y las palabras. Ideista (la expresión de la idea). 2. Simbolista (la
El simbolismo pictórico. Los pintores van a expresión de la idea en formas). 3. Sintética (síntesis
plantear la tesis de la equivalencia, es decir, que del objeto y la memoria). 4. Subjetiva (utiliza las
existe una plástica equivalente a la emoción o al ideas percibidas por el sujeto). 5. Decorativa (arte
pensamiento. Gauguin va a constituir uno de los a la vez subjetivo, sintético, simbolista e ideista)
abanderados en la búsqueda de tales equivalentes y (1).
sostiene que los colores le van a permitir alcanzar el
“centro del pensamiento” y busca “una síntesis de La propuesta pictórica de Gauguin
las líneas y del color que le permita expresar ideas”.
Paul Gauguin estaba destinado a ser uno de los
Su intención por consiguiente es lograr “una síntesis
artistas que iba a ampliar el horizonte artístico de su
de la forma y del color derivada de la observación
tiempo y cuya pintura pasaría a ejercer después de
del elemento dominante”. Insistió en que “el arte es
su participación una influencia muy importante sobre
una abstracción”. El impresionismo era una
la cultura artística contemporánea.
tendencia estrictamente realista, en cambio, para el
simbolismo lo que constituye la realidad es la idea, Hay que señalar, algunos elementos que iban a
la cual hay que “vestir de una forma sensible” como ser fundamentales dentro de su propuesta pictórica.
lo expresaba el poeta Jean Moréas (1). De acuerdo Gauguin se coloca en una posición de abierta
con la concepción del simbolismo la obra de arte es contradicción contra la sociedad de su tiempo, in-
el producto de las emociones, del espíritu profundo dustrial, colonialista, pragmática y a quien acusaba
del artista más que de la técnica aplicada a la de ser supresora de la espontaneidad y de la
observación de la naturaleza. De acuerdo con esta imaginación. Consideraba además, que el arte
concepción la idea no se puede expresar sino a occidental se encontraba en peligro por haberse
través de analogías. vuelto rutinario y por ende carecía de la fuerza y de
la expresividad, tales como son las que brotan de las
Se ha precisado que fue el año de 1865 el punto
pasiones humanas, las cuales constituyen el único
de partida del simbolismo pictórico, año en el cual
medio para poder adquirir nuevamente el vigor
surge como una doctrina estética contraria al
necesario para lograr la expresión adecuada.
impresionismo. En el año 1889 se realiza la
exposición en el Café Volpini, por el grupo simbolista De esta posición se desprende su búsqueda
integrado por Paul Gauguin y los denominados obsesiva de lo primitivo, de lo exótico, de esa
pintores de la “Escuela de Pont-Aven”. Aparece autenticidad y espontaneidad perdidas, en el mundo
además el término de sintetismo que también se no contaminado, en fin, es la pesquisa del paraíso
aplica a los pintores simbolistas a partir de la tesis perdido. Ese estímulo generador de sensaciones lo
sostenida por Emile Bernard y P. Gauguin de pintar va a buscar en la Bretaña, Arles, Panamá, Martinica
no a partir de la misma vida sino a partir de la y la Polinesia.
memoria, no “ante el objeto” sino “volviendo a él Otro elemento que plantea consiste en dirigir la
con la imaginación”. Es decir, a través de la síntesis exploración de las sensaciones, no limitándose sólo
del objeto real con el producto de la imaginación. a las percepciones visuales sino a aquellas
Los primeros representantes del arte simbolista sensaciones que dimanan de lo más profundo de su
por excelencia, fueron tres grandes pintores ser. Así, considera que el artista debe pintar, además
franceses, Odilon Renon, Gustave Moreau y Pierre de partir de la percepción de lo real, también de su
Cécile Puvis de Chavannes. Este movimiento se interior, de lo que recuerda y almacena en su memo-
caracteriza por; 1. El empleo de colores vivos. 2. ria (sintetismo).
Una tendencia ideológica, que es la búsqueda de un El siguiente elemento es el agregado del factor

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temporal en la obra pictórica con sacrificio del impresionistas los productos de su creatividad, de la
relieve y de la profundidad. Gauguin introduce la influencia recibida de otros pintores así como de las
simplificación de los contornos, de las formas y estampas japonesas (Ukiyo-e) y empieza a utilizar
acude al empleo de grandes manchas de fuertes un método diferente de representación dándole
colores que hacen ver al cuadro como plano. Gauguin preeminencia a la expresión cromática.
va a intensificar los colores y a imitar el arte de los Etapa simbolista. En su estancia en la Polinesia
japoneses, que utiliza la simplificación así como la continua el progreso en ese sentido, hasta alcanzar
renuncia al volumen y a la sensación de profundidad. obras en donde prevalece su gran contenido
En este sentido evita la gradación tonal y el uso de simbólico.
la perspectiva para enfatizar en cambio la belleza e
intensidad de los colores. Además, según Gauguin,
el arte no debe ser una pura búsqueda intelectual Paul Gauguin
sino que debe cumplir un papel comunicacional, de Datos biográficos y obras
transmisión de mensajes.
El celebre pintor nació en París el 7 de junio de
La apología del color. La expresividad cromática 1848 y falleció el 8 de mayo de 1903, en el pueblo de
Veamos lo que al respecto expone textualmente Atuana, en las Islas Marquesas de la Polinesia
el propio Gauguin: “El color siendo en sí mismo francesa (8,9).
enigmático, en la génesis de las sensaciones que nos
proporciona, lo cual hace que uno no pueda Las raíces hispanas
lógicamente emplearlo sino enigmáticamente, en Su padre Clovis Gauguin era el redactor en Jefe
todas aquellas ocasiones que uno se sirve de ellos, de un diario republicano “El Nacional” y su madre
no para dibujar, sino para producir las sensaciones era Aline Marie Chazal, de ascendencia española, a
musicales que dimanan de su propia naturaleza, de P. Gauguin le tocó ser el primogénito. La abuela
su fuerza interior, misteriosa y enigmática. Por materna era Flora Tristan (1803-1844), escritora
medio de armonías sabias, se llega a la creación del socialista y feminista militante, quien era hija
símbolo. El color que es también vibración como la ilegítima de Don Pio de Tristán y Moscoso. El
música, logra lo que hay de más general y por tanto, bisabuelo era Don Mariano Tristan y Moscoso, natu-
aquello que es de lo más vago en la naturaleza: su ral de España.
fuerza interior”.
La trilogía constituída por Gauguin, Van Gogh y
Cezanne, fueron en su época artistas incomprendidos, El primer viaje. El contacto con el Perú o el
pero la insatisfacción que ellos experimentaron fue paraíso perdido (1849)
uno de los factores que contribuyó al surgimiento y La familia partió hacia el Perú debido a la posición
apertura del arte moderno (4). política antagónica al gobierno, asumida por Clovis
Gauguin en el año 1849. El padre de Gauguin muere
de un ataque cardiovascular durante la travesía en el
La evolución pictórica de Gauguin estrecho de Magallanes y es enterrado en Chile. La
Etapa impresionista. Gauguin empezó su madre Aline Gauguin y sus dos hijos Paul y Marie,
actividad pictórica siguiendo los lineamientos continúan el viaje hasta Lima. Esta estancia
trazados por el impresionismo, siendo su ductor y provocará un gran impacto emocional en Gauguin,
amigo Camille Pissarro que era uno de los en donde es dable encontrar las raíces de esa
abanderados y más ferviente defensores de esa búsqueda por lo exótico y lo primitivo que constituirá
tendencia artística. un rasgo fundamental de su existencia y de su pintura.
Etapa mixta o intermedia. Gauguin buscaba con Gauguin pasaría el resto de su vida en la búsqueda
tenacidad encontrar su identidad artística. Bajo el de ese paraíso perdido que disfrutó durante su
estímulo de sus viajes a las regiones tropicales, infancia.
Panamá y Martinica, así como en sus estancias en
localidades de Francia como Bretaña y Arles, de El retorno a Francia. Orleáns (1855)
poblaciones con características “sui géneris”, hace
que en sus lienzos introduzca además de elementos El viaje a la ciudad de Orleáns, a las orillas del

Loira, a las propiedades familiares fue determinada su tutor Gustavo Arosa, lo va a poner en contacto
por la muerte del abuelo paterno de Gauguin y por la con el agente de cambio, Paul Bertin en 1872 quien
necesidad de arreglar asuntos sucesorales. Inicia regentaba una “casa de cambio” con la cual Gauguin
sus estudios en el “Pensionado” y luego en el va a permanecer vinculado por el lapso de una
“Seminario de Saint-Mesmin” en Orleáns, (1859- década, donde trabaja como “corredor de bolsa” y
1862) en donde adquiere una sólida formación también traba amistad con el joven pintor Emile
clásica. Sin embargo, no mostró inclinación alguna Schuffenecker.
para cursar una carrera universitaria o eclesiástica, El segundo, es cuando conoce a la joven danesa,
pero si se sintió atraído por la marina. Mette-Sophie Gad, que pasaba sus vacaciones en
París y con quien contrae matrimonio el 22 de
La atracción por la vida marítima (1862) noviembre de 1873 y de cuyo unión nacerán 5
descendientes, el primero Emilio nació en 1874. El
Gauguin viaja a París para reunirse con su madre,
tercer acontecimiento importante es que a partir de
Aline Gauguin quien se había establecido como
1871, se pueden ubicar los comienzos de Gauguin
obrera costurera. Se prepara para el examen de
como pintor amateur.
ingreso a la Academia Naval, lo que no puede lograr
debido a razones de edad y decide entonces ingresar
a la marina mercante. La madre, Aline Gauguin, Los inicios del pintor (1871-1873): un pasatiempo
establece una relación sentimental con Gustavo y un coleccionista de obras
Arosa, fotógrafo y coleccionista de obras de arte y Las exposiciones
ella nombra a Arosa, como tutor legal de sus niños.
Gauguin, se distraía como “pintor dominguero”,
Este contacto, le permitirá a Gauguin familiarizarse
sin haber tenido la oportunidad de recibir una
con las obras de Delacroix, Courbet, Daumier, entre
formación académica y empezó a pintar oleos sobre
otros pintores y probablemente esto tuvo una favo-
tela. Además durante el año de 1874 sus medios
rable influencia en su vocación artística.
económicos le permitirían convertirse en un gran
coleccionista de obras de los futuros grandes maes-
La vida marítima (1865-1871) tros que influenciaron al impresionismo: Manet,
Gauguin se enrola como miembro de la marina Renoir, Degas, Monet, Sisley y sobre todo de otros
mercante a bordo del “Lusitano” y realizó el primer pintores como Guillaumin, Cezánne y Pissarro, los
viaje hacia Río de Janeiro (1865), el cual duró unos cuales todavía no habían alcanzado el éxito, pero
tres meses. que ejercerían una profunda influencia en la
evolución pictórica de Gauguin. En este año de
En el segundo viaje (1866-1867) también se dirige
1874 también tiene lugar la primera exposición del
hacia Río de Janeiro en el navío “El Chili”, en el
grupo impresionista en el “Bulevar de los
cual dará la vuelta al mundo y cuando se encontraba
capuchinos”. Este grupo estaba integrado por Eu-
en la lejana India es cuando recibe la infausta noticia
gene Boudin (precursor del impresionismo) Cézanne,
de la muerte de su madre. En este viaje tuvo
Degas, Guillaumin, Monet, Renoir, Morisot, Sisley,
oportunidad de conocer países como Panamá e
Pissarro.
incluso a la lejana Oceanía. En el tercer viaje (1868-
1869), se enrola en el barco “Jerome-Napoleón”,
que surca por el Mediterráneo y por los Mares del Otros medios de expresión plástica
Norte. Se retira del servicio de la marina en 1871. A partir de 1877, habiendo ya alcanzado un gran
Gauguin tenía para esa época 23 años y había llevado progreso en su formación pictórica decide abordar
una existencia marítima durante seis años. En 1869, otros campos, como el de la escultura con el escultor
había recibido junto con su hermana Marie, la Bouillot y también el de la cerámica. Para esa época
herencia de su madre y de su abuelo paterno (casa y se encuentra cómodamente instalado en una
propiedades en Orleáns). residencia parisina en la Rue Carcel con su familia
y gozaba de una sólida posición financiera. En este
Una nueva vida (1871-1874) período, es cuando Gauguin traba amistad con
Camille Pissarro (8) con quien desarrolla una gran
Tres acontecimientos importantes se van a
empatía y entre el maestro y el discípulo, se produce
producir en la vida de Gauguin. El primero, es que
una influencia mutuamente beneficiosa. Pissarro

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era un hombre dotado de una recia personalidad y es de 1876.

probable, que su influencia debió ser importante El Sena con el puente de Iéna (1879), óleo sobre
sobre el joven discípulo, para que Gauguin se tela, París, Louvre. Este lienzo ofrece características
inclinara posteriormente por la pintura y la tomara fundamentales del impresionismo como la acentuada
como oficio. linearidad en la disposición y el énfasis puesto sobre
En 1876, le aceptan en el “Salón” un paisaje los tonos, pero muestra una factura menos
designado como “Maleza en Viroflay” (1876). En fragmentada que la que era utilizada por los
1879, nace Clovis y en 1883, Pola. Gauguin visita impresionistas.
el “Café de la Nueva-Atenas” (1879) donde se reunía La iglesia de Vaugirard, Vista desde la Rue Carcel
con los pintores Manet, Degas, Renoir, Pissarro y (1879), óleo sobre tela, Amsterdan Veendorp.
con el crítico Daranty. Nace su hija Aline. En 1880 Muestra a la iglesia dentro de un paisaje suburbano,
participa en la quinta exposición impresionista con de aspecto desolado, con variaciones contrastantes
7 lienzos y un busto y en 1881 en la sexta con 8 de la oscuridad a la luz.
pinturas y dos esculturas y en 1882 en la séptima con
Los manzanos en flor del Hermitage (1878,1879),
numerosas pinturas y esculturas.
óleo sobre tela, dos en colecciones privadas y uno en
Basilea, Raeber. Los árboles fueron pintados en los
Estancia en Rouen y Dinamarca alrededores de Pontoise. Es una pintura característica
La crisis bursátil (1882) de esta época impresionista y muestra la fragmen-
tación de la pincelada, la indefinición de las formas
La crisis bursátil estalla al producirse la
y el motivo escogido que es de una gran simplicidad.
bancarrota de la “unión general de bancos” y el
Hay 3 lienzos sobre este mismo tema.
hundimiento de la bolsa. Esto hace que la familia se
mude a Rouen (1884) a un pequeño apartamento, Jardín bajo la nieve (1879) Copenhage. Ny
pero rápidamente la situación económica se agrava, Carlsberg Glyptotek. Se trata de un paisaje parecido
lo que obliga a la esposa Mette a viajar a Copenhague a las realizados por Pissarro y Monet. La captación
en 1884, donde se ayuda dando lecciones de francés. del efecto provocado por las variaciones de nieve ha
representado un verdadero reto tanto para Gauguin
como para todos aquellos pintores que abordaron el
La crisis conyugal (1885) problema de las variaciones que experimenta el
Gauguin, presionado por la falta de recursos color blanco así como los grises del cielo y donde
económicos consigue un empleo como vendedor de sólo los troncos de los árboles contrastan por su
telas, pero la situación intrínseca del matrimonio oscuridad.
empeora y concluye en 1885 con la separación Estudio del desnudo o Susana cosiendo (1880),
conyugal. Gauguin se encuentra en la miseria y se óleo sobre tela, Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhage.
dedica de lleno a la pintura. Esta obra de Gauguin se inscribe dentro del marco
del realismo, porque se trata del desnudo de una
Período inicial de la obra pictórica. El dama en el momento de realizar una tarea doméstica.
impresionismo (1873-1886) En el cuerpo se destacan las curvas irregulares, los
Durante este período, que arranca en 1873, tonos gris-verdosos de la piel y la fragmentación de
empieza la producción pictórica de Gauguin con las pinceladas. Desde el punto de vista de la técnica
cerca de cien obras, que consisten principalmente en destaca la utilización del puntillismo de Seurat quien
pintura de paisajes, casas de campo, caminos en el ejercía una poderosa influencia sobre los jóvenes
bosque, claros del bosque, florero, naturalezas pintores de la época. Pero el lienzo, también ha sido
muertas (ostras, frutas) entre otros. En este lapso su objeto de críticas, por la escogencia, quizás
obra se encuentra profundamente influenciada por inadecuada, del sujeto para el estudio.
el impresionismo y en particular por la obra de su Vaso con tapa (1882), óleo sobre tela, Ny
amigo y mentor Camille Pissarro, aunque también Carlsberg Glyptotek, Copenhage. La naturaleza
recibe las de Monet, Degas y Renoir. muerta, otro de los temas favoritos de los
La maleza en Viroflay (1875), óleo sobre tela, impresionistas es tratado en este lienzo donde destaca
Bogotá, Uribe Holguin, que como ya mencionó este el dominio de la forma y el logrado con una gran
lienzo fue aceptado para la exhibición impresionista fluidez.

La familia del pintor en el jardín, Rue Carcel

(1881-1882), óleo sobre tela, Ny Carlsberg
Glyptotek, Copenhage. En este lienzo, Gauguin
plasma una escena de su vida familiar que tiene
lugar en la confortable casa situada en la Rue Carcel
de París. Era la época en que disfrutaba de una
holgada situación económica y de estabilidad
hogareña. En el lapso entre (1871-1881) había
logrado un inmenso progreso en el dominio del arte
pictórico.
La niña sueña, estudio (1881), óleo sobre tela,
colección Ordrupgaard, Copenhage. Otra obra de
carácter impresionista, pero en la cual el pintor
muestra un mayor uso de los matices de los colores.
Efecto de la nieve en la Rue Carcel (1883), óleo
sobre tela. Colección Neil A. Mc Connell. Se trata
de un paisaje de un jardín nevado, probablemente el
de la casa de habitación de Gauguin en la calle
Carcel. Se trata de un paisaje urbano, pero en el
plano posterior del lienzo se observan las chimeneas
humeantes como indicadores del mundo industrial.
Figura 1. Autorretrato 1885.
Representa una de las obras mejor logradas del
período impresionista del autor. En 1883, Pissarro,
Monet y Courbet habían señalado las dificultades
implícitas en lograr obtener la textura de la nieve y
el problema que se les planteaba con la pintura al donde muestra cuatro figuras femeninas sentadas en
aire libre en invierno. Para este lienzo, Gauguin la playa. Esta obra es similar a las debidas a Monet
realizó un esbozo al aire libre y luego en su taller, entre otros.
agregó las dos figuras femeninas y realizó una tela Notables naturalezas muertas (1885-1886). La
de gran formato. Naturaleza muerta con el perfil de Charles Laval
Mette Gauguin en traje de gala (1884), óleo (1886). En esos años el artista realiza algunas
sobre tela, Nasjonalgalleriet, Oslo. En este retrato naturalezas muertas muy bien logradas. En esta
se muestra a la esposa del pintor durante su estancia obra asocia los elementos de la naturaleza muerta
en Rouen en una pose durante un evento social. Las con el perfil de su amigo y pintor Charles Laval,
armonías cromáticas agradables son equiparables quien lo acompañaría posteriormente en el viaje al
con las de los impresionistas más notables. Caribe. Es notoria en esta obra la influencia de
Cézanne y de las estampas japonesas (la penetración
Autorretrato. Gauguin en su caballete (1885),
en el lienzo de la figura de Laval). Combina la
óleo sobre tela, Koerfer, Berna. Esta obra fue
naturaleza muerta con la vida, representada
realizada durante su estancia en Dinamarca. El
respectivamente por Cézanne y Degas. Pero el
artista se pinta a sí mismo en su taller, durante el
también se introduce en la obra con la pieza de
invierno. Muestra la estrechez física del sitio de
cerámica de su ejecución y así muestra un ejemplo
trabajo y en su rostro se refleja la constricción
de su creatividad.
espiritual en que se encuentra sumergido así como la
molestia que experimenta por su situación y la La naturaleza muerta con mandolina (1885).
desviación de la mirada acentúa la fuerza expresiva Reflexiones sobre la pintura. Nuevos horizontes.
del rostro. En los últimos días de su estancia en Copenhague,
Gauguin envió cartas a su amigo Schuffenecker.
Tiene ocasión de visitar a Londres y a Dieppe.
Gauguin expone sus ideas sobre el poder de las
La Playa de Dieppe (1885). En esta ciudad se sensaciones y como estas se expresan en la forma.
aloja en casa de un amigo. Realiza este lienzo de Las líneas a su vez son de diversa índole (nobles o
una marina en la cual utilizó la técnica impresionista, engañosas) y los colores que ejercen su poder sobre

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el ojo, presentan variados tonos (nobles o comunes) 1er. viaje a la Bretaña – Pont Aven (1886). La
que pueden despertar armonías tranquilas o provocar búsqueda del paraíso perdido
excitación. Gauguin entreveía la extensión del En 1884, Gauguin vende su primer cuadro por
mundo del artista fuera de las reglas tradicionales de 250 francos y en 1886 entra en contacto con el
la perspectiva y más allá de las imágenes logradas ceramista Ernest Chaplet. Decide alejarse de París
por la impresión instantánea. Se adentraba en los en busca del sosiego que le permitiese un trabajo
dominios del mundo subjetivo de la imaginación y ininterrumpido y escoge a la Bretaña, región situada
de la exageración. en el noroeste de Francia y cuyos habitantes, los
Durante su estancia en Rouen (1884) permaneció bretones le ofrecían motivos interesantes de estudio
en esta localidad durante siete meses. y como el mismo lo expresó iba en busca de lo
A esa época pertenecen los lienzos “Mette primitivo. Efectivamente, esta provincia había
Gauguin en traje de gala”. Óleo sobre tela. Oslo, permanecido aislada del resto de Francia, hasta la
Nasjonalgalleriet, “Mujer rubia en un sofá”, óleo entrada del siglo XIX y en ella se conservaban sus
sobre tela. (Ubicación actual desconocida); también costumbres tradicionales, los trajes típicos, el uso
pinta numerosos paisajes de los alrededores de Rouen de zuecos y hasta hablaban una lengua diferente. En
y algunos retratos. A esa época pertenece “Rouen noviembre de 1886 regresa a París y en Mortmartre
los techos azules”. Óleo sobre tela, Winterhur conoce a Van Gogh y además realiza cerámicas con
Reinhart, (1884). En un viaje al Sur de Francia, Chaplet. En la Bretaña se alojó en la pensión de
pinta una replica de la “Mujer mulata de Delacroix”. Marie-Jeanne Cloanec en Pont-Aven, un pueblo
Su esposa Mette desesperada por la situación pintoresco de esa provincia. Gauguin va a acumular
económica y por lo que consideraba que era una un número considerable de bocetos que le servirán
locura de su esposo, decidió como ya se mencionó para el desarrollo de los lienzos en París. En los
trasladarse con sus hijos a Copenhague. Gauguin parajes de Pont-Aven y en Le Pouldu iba a sentar las
presionado por la necesidad acepta el puesto de bases de un estilo propio que desarrollaría a plenitud
vendedor de toldos en una firma francesa para en Tahiti. Efectivamente, hasta ese momento
emplearse como representante en Dinamarca. Se Gauguin había seguido los lineamientos generales
traslada a ese país en noviembre de ese año para del impresionismo, ahora empezaba a desarrollar
reunirse con la familia, y se lleva su colección de una diferente y clara intención ideológica. Había
pinturas los cuales se quedarán en Dinamarca encontrado en el paisaje Bretón y en sus pobladores
definitivamente. Mette Gauguin daba lecciones de una estupenda fuente de inspiración.
francés para sobrevivir.
Durante su estancia en Dinamarca (1885) tuvo Inicios de la Escuela de Pont-Aven. “El
lugar la ruptura familiar. Gauguin expone en el cloisonnisme”
“Círculo de Arte de Copenhague” donde provoca un Paul Gauguin en unión de su amigo Emile Ber-
verdadero escándalo. Sus actitudes chocan con la nard trabajó en esa localidad donde entre los dos van
sociedad conservadora luterana de Dinamarca. Las a desarrollar un estilo caracterizado por los
relaciones conyugales se deterioran rápidamente y acentuados contornos negros que delimitan a las
culmina con la separación en junio de 1885. figuras y de esta manera “tabican” superficies planas
Vuelta a París (1885). El pintor Schuffenecker llenas de colores puros, en una forma parecida a la
Gauguin se encuentra completamente arruinado y se de los vitrales de colores. Se designó a este estilo
cobija en la casa del pintor Emile Schuffenecker a con el nombre de “cloisonnisme” (tabicamiento)
quien había conocido a través de Bertin y de quien que deriva de la palabra francesa “cloison” que
recibiría muestras de un gran sentimiento de amistad, significa tabique. El movimiento del “sintetismo” y
aun cuando Gauguin, no estimaba su pintura. Lo del “cloisonnisme” ejercerían una importante
acompañaba su hijo menor Clovis, que se enfermó influencia a lo largo del siglo XX.
de varicela. Se encuentra en la miseria y se ve También Gauguin, empieza a experimentar en
obligado a aceptar un trabajo de empapelador esa época la influencia japonesa (colores puros y
(pegador de afiches) y después el de secretario de contornos netos) (7). En Bretaña se empezaron a
una administración de ferrocarriles. reunir junto con Gauguin un grupo de pintores entre
los que se contaban: Charles Laval, Emile Bernard,

Paul Serusier. Este grupo fue el iniciador de lo que Se desconocen los detalles de este primer
más tarde a partir de 1888, llegaría a denominarse encuentro entre estos dos genios de la pintura que
como la Escuela de Pont- Aven. También en Bretaña, luchaban en ese momento por abrirse el paso hacia
Gauguin empieza a labrarse su propio destino, a la fama. Ambos buscaban expresar sus sentimientos
desarrollar su capacidad creadora, a conquistar la mediante el color. Volvieron a encontrarse en 1888,
originalidad y a concebir sus primeras: después del viaje que realizó Gauguin al mundo
caribeño.
Obras maestras
Efectivamente empieza, a experimentar con una El viaje a Panamá y a Martinica (1887)
paleta muy rica en colorido, con la exageración de Empujado por la falta de recursos económicos y
las formas, y comienza la separación con el con el afán y la nostalgia que le producían sus
impresionismo y el desarrollo de un estilo propio. recuerdos de la infancia, tomó la decisión de viajar
Las cuatro bretonas. 1866. El material de los a la región caribeña, a las Indias Occidentales en
dibujos que sirvió de base para este lienzo el cual 1887. El deseo de Gauguin de conocer nuevas
fue una de sus primeras obras bretonas y ha sido tierras, fue en él una constante vital. El 10 de abril
considerado como el de mayor relevancia de esa de 1887 partió en el barco acompañado con su amigo
primera estancia de Gauguin en Bretaña en 1866, Charles Laval a Panamá. Pero el trabajó allí fue de
fue pintado en París. En esta tela se muestra: 1. El corta duración, pero exhaustivo, porque lo
elemento dominante que son cuatro mujeres bretonas desempeñaban en el canal de Panamá que se
dispuestas en círculo, en tres de ellas, se perciben encontraba en construcción y trabajaban hasta 12
los contornos de sus rostros, perfectamente bien horas al día, pero las enfermedades que padecieron
delineados, también es de notar la precisión (malaria, disentería) fueron graves y los obligaron a
alcanzada en la pintura de las cofias y de la trasladarse a la bella isla de la Martinica, preciosa
vestimenta. 2. En un plano posterior se encuentra la perla caribeña. Allí Gauguin da rienda suelta al
figura más pequeña del labrador, ubicada en un “salvaje” que decía que llevaba por dentro y empezó
espacio estrecho dejado por el círculo femenino. 3. a vivir su sueño, que era vivir en un país tropical,
Se reconocen los elementos impresionistas en la libre de las ataduras impuestas por la civilización.
factura del cuadro, en el follaje, en las pinceladas
cortas. 4. Aparecen zonas de color homogéneo, y se En San Pedro de la Martinica
esboza el empleo de los denominados colores
Desembarcan en junio de 1887 lo cual provocó
arbitrarios y subjetivos que utilizará el pintor en los
una gran alegría a los pintores. Gauguin refiere con
lienzos bretones posteriores, tal como es el caso del
entusiasmo sus impresiones. Vive en una choza
empleo del rojo vibrante utilizado en la cabellera de
como las que utilizan los negros de la isla, el mar
la mujer del cuadro de “En las olas” (Ondina),
está rodeado de cocotales, los árboles frutales son
(1889) y en el rojo del suelo en la “Visión del
de todas las especies, los negros cantan y parlotean
sermón” (1888). 5. El cuadro de “Las cuatro
sin cesar, en fin, había encontrado el paraíso exótico
bretonas” constituye un ejemplo de simplificación
y primitivo que buscaba. Los dos pintores se dedican
la cual se muestra en los trazos simples y en las
a pintar. Aun cuando la producción pictórica va a
poses esquematizadas de las mujeres.
ser escasa, apenas de una docena de telas dedicadas
Se ha dicho con razón que este lienzo desde el a grandes paisajes, sin embargo, el pintor se siente
punto de vista de su estilo constituye una obra de revitalizado en su fuerza creadora (8,10-12).
transición (8) porque si bien contiene elementos
En este mundo tropical experimentaba la
impresionistas, ya anuncia el sintetismo de Gauguin,
sensación de liberarse de las limitaciones impuestas
es decir, el hecho de pintar no a partir de la vida
por el impresionismo y sentía que se hacía necesario
misma sino a partir de la memoria del artista.
un nuevo enfoque para poder captar los cambios
Gauguin también mostraba en esa época una cromáticos que son de gran riqueza y propios de los
fuerte influencia proveniente de la obra de E. de trópicos y así alcanzaba la deseada liberación de las
Degas. obligaciones impuestas por la civilización. Los
En 1886 ocurrió el primer encuentro entre paisajes logrados por Gauguin en la región tropical
Gauguin y Van Goh. prefiguran las celebres composiciones tahitianas.

PUIGBÓ JJ
La enfermedad, sin embargo, lo obliga a retornar expresiva del estilo japonés y la pureza de la línea
a París en octubre de 1887, y solicita nuevamente la utilizada.
hospitalidad de su amigo Schuffenecker. Uno de los pintores que se incorporó al grupo fue
Vegetación tropical, óleo sobre tela. National Emile Bernard (1868-1941), joven pintor, filósofo y
Gallery of Scotland, Edimburg. crítico, recomendado a Gauguin por Van Gogh. En
Es una obra paradigmática de su estancia en Pont Aven se fue integrando un grupo todavía más
Martinica. Se trata del panorama de la bahía de numeroso, formado por Charles Laval, Henri Moret,
Saint Pierre, en su esplendor natural, en la cual el Paul Sérusier, Máxime Manfra, Cuno Amiet (suizo),
pintor elimina el paisaje de la ciudad, una estatua de Roderic OĆonnor (irlandés) Louis Anquetin,
Notre Dame y la presencia humana. Si bien el Charles Fliger, Emile Bernard, Emile Jourdan, Jacob
paisaje se basa a partir de una visión real, el Isaac Meyer de Haan, Daniel Monfried, Claude –
“sintetismo” crea un paisaje imaginario, típicamente Emile Schuffenecker, Fortune Armand Seguin y Jan
tropical y de gran colorido. Verkade. Emile Bernard llega a Pont-Aven en
compañía de su hermana Madeleine Bernard, quien
La Bahía de Saint Pierre, Martinica (1887). Es
después sería llamada “la musa mística de Pont-
otro paisaje en que utiliza los colores vívidos,
Aven” y quien sería plasmada en un lienzo por
cónsonos con el ambiente tropical.
Gauguin.
A los mangos (1887) óleo; Rijksmuseum Vincent
Esta segunda estancia de Gauguin en Bretaña fue
van Gogh, Ámsterdam.
extraordinariamente productiva y se constituye en
En este lienzo está represando un grupo de el líder de ese grupo que constituiría la cristalización
mujeres de color, agrupamiento éste que era del de la denominada Escuela de Pont-Aven.
agrado de Gauguin, mientras se dedicaban a sus
labores habituales o descansaban mientras
paladeaban la deliciosa fruta tropical de los mangos. Estancia en Arles
Gauguin notaba los colores vivos de los vestidos Debido a los buenos oficios de Theo el hermano
que portaban las nativas, así como, los movimientos de Vincent van Gogh, Gauguin pudo organizar una
graciosos que exhibían al caminar, y la entonación exposición en la Galería Boussod y Valadon. Recibe
de los diferentes cantos criollos. Esta tela, fue la una cordial invitación de Van Gogh el 20 de octubre
única que presentó el pintor en la exposición de 1888 para trasladarse a Arles, ciudad francesa, en
celebrada en el “Café des Arts” (Volpini) en 1889. las orillas del Ródano, quien deseaba fundar el
“Taller del Sur” (látelier du Midi). Pero las
relaciones entre estos geniales amigos se vuelven
Regreso a Francia. La segunda estancia en
tensas; el 24 de diciembre Van Gogh después de un
Bretaña (1888)
pleito, en una crisis de locura, se mutila la oreja.
En los primeros meses del año 1888, la obra Gauguin retorna a París, nuevamente a casa de
bretona de Gauguin mostraba especialmente dos Schuffenecker.
influencias: una, era la de E. Degas, y además, la del
impresionismo en general, otra, la proveniente de la
estampa japonesa que muestran en los paisajes, El credo simbolista. Un consejo de Gauguin: “No
grandes espacios monocromos, con un reborde negro copie demasiado a la naturaleza”
que acentúan las manchas de colores vivos. Pero no El 18 de septiembre de 1886 el poeta Jean Moréas
solamente esta influencia del estilo japonés se hacia había publicado en Le Fígaro una definición del
sentir sobre Gauguin sino sobre todo el grupo y uno simbolismo que rezaba así: “Vestir la idea de una
de los iniciadores de su empleo había sido el propio forma sensible”. Es decir, que para el simbolismo la
Van Gogh (7,13). Por este motivo, se encontraban realidad es la idea. En agosto de 1888, Gauguin le
en esa época, en sus obras una combinación de da a su amigo y pintor Schuffenecker este consejo:
estilos; las pinceladas fragmentadas se asociaban “No copie demasiado a la naturaleza, el arte es una
con los trazos continuos y con las superficies abstracción, extráigalo de la naturaleza, meditando
cubiertas de colores primarios intensos, radiantes, ante ella y piense más en la creación que en el
en oposición al empleo de tonos compuestos y resultado, porque este es el único medio de ascender
térreos. Los integrantes del grupo de pintores que se hacia Dios, y hacer como lo hace nuestro Divino
encontraron en Bretaña, admiraban, la audacia Maestro “crear”. Esta era la línea de pensamiento

que aplicaría Gauguin en adelante. Véanse las infero-izquierdo del lienzo coloca al grupo de
recomendaciones concretas que le hace Gauguin a mujeres bretonas con sus típicas cofias que han
su amigo y discípulo Paul Sérusier durante su asistido al oficio religioso y después de haber
estancia en Pont-Aven: “¿Cómo ve Ud esos árboles. escuchado el sermón tienen una visión sobre el
Son amarillos, en este caso use el amarillo. Esta mismo. Ellas representan al mundo real, al de las
sombra resulta más bien azul; píntela de azul marino mujeres que rezan con sus ropas negras y las cofias
puro. ¿Estas hojas son rojas? Póngalas en color blancas. El tronco de un árbol de manzano, de color
bermellón”. Es decir, que a partir de la realidad el violeta, corta la composición en sentido diagonal.
artista la trasforma, así surgió la idea del En el sector superior derecho del lienzo se ubica la
“sintetismo”. lucha de Jacob y del ángel, que constituye la visión.
Los personajes están representados con colores
fuertes, los trajes son de azul ultramar en el ángel,
Tercera estancia en Bretaña (1889)
que a su vez tiene las alas de color amarillo, las
Esta fue la más larga e importante. Al comienzo, cuales se destacan sobre el fondo bermellón y el
volvió a Pont-Aven en la ya conocida pensión de traje de Jacob es de color verde botella. Este sector
Marie-Jeanne-Gloanec, pero luego se trasladó a representa al mundo sobrenatural. El episodio de
Pouldu, al albergue de Marie Henry. Pertenecen a esta lucha que se encuentra en el Génesis (Gn. 22-
este período las siguientes obras. 32), ha sido objeto de diversas interpretaciones
El Corro de las niñas Bretonas (1888) óleo sobre teológicas, y podría representar el combate del
lienzo, Washington: National Gallery. Paisaje de hombre contra Dios, contra Satán o contra consigo
factura impresionista que muestra en el plano poste- mismo.
rior, el pueblo de Pont-Aven y en el plano anterior, En esta obra, Gauguin emplea el “cloisonnismo”,
presenta a tres niñas bretonas, que están dispuestas introduce un fondo de color denso, fuerte, elimina la
en corro, una de frente, otra de perfil y otra de línea del horizonte, inclina el nivel del suelo para
espaldas. producir ambigüedades de tamaño, perfila
Primeras flores o “Dos mujeres en el campo” acentuadamente las formas con fuertes contornos y
Bretaña (1888). Óleo sobre lienzo, Zurich: destaca el valor decorativo de las cofias bretonas.
Kunsthaus. Este lienzo plasma un paisaje primaveral Gauguin señala que en ese paisaje, la lucha sólo
con dos mujeres bretonas, también de factura existe en la imaginación de las mujeres que rezan.
impresionista en que la acentuada verticalidad de la Una vaca situada debajo del árbol, es pequeña en
pincelada hace desaparecer la profundidad del comparación con la realidad. Es una visión de tanta
paisaje. intensidad que parece ser tan real como la propia
Naturaleza muerta con frutas (1888). Oleo sobre naturaleza.
lienzo. Moscú: Museo Pushkin. En esta naturaleza
muerta se muestra la disposición de los objetos en el La ruptura con el impresionismo
espacio, las frutas acompañadas de sombras azuladas,
Esta obra está considerada como una obra maestra
el enfoque que obliga a cortar la mesa y la figura
y fue crucial en la evolución pictórica del autor, la
situada en el ángulo izquierdo de la composición,
que lo convierte en el líder del simbolismo moderno,
tiene los ojos rasgados y se ha interpretado como un
en ella se aparta el autor del impresionismo y crea la
personaje enigmático que aparece en otras obras del
primera imagen de la corriente que fue denominada
autor.
sintetismo. Esta obra maestra le valió a Gauguin el
Pequeño Pastor Bretón (1889). Óleo sobre lienzo. calificativo del “creador del simbolismo”.
The National Museum of Western Art, Tokio. Paisaje
La bañista (1887). Óleo sobre tela. Buenos
bretón con dos figuras incorporadas, el pastor y la
Aires, Di Tella. En este paisaje, Gauguin introduce
campesina.
motivos y articula la composición para lo cual utiliza
La visión del sermón o la lucha de Jacobo con el los recursos estilísticos desarrollados dentro del
ángel (1888). Óleo sobre lienzo. Edimburgo: Na- estilo del posimpresionismo francés.
tional Gallery of Scotland. Lienzo paradigmático
Jóvenes luchadores (1888). Óleo sobre tela.
del simbolismo y del sincretismo.
Colección Josefowitz. El autor manifiesta su interés
En esta obra el pintor desarrolla el tema místico por captar esta tradición que se conservaba en
de la lucha de Jacob con el ángel. En el sector

PUIGBÓ JJ
Bretaña, la de organizar luchas después del día del sentimiento interior y el paisaje constituye un
perdón. Pero su interés, le fue estimulado además, elemento secundario. El cielo es amarillo, el camino
por las estampas japonesas del autor Katsushika es de color anaranjado, los árboles son azules, con lo
Hokusai (1760-1849). Representa a dos niños cual muestra una marcada tendencia antinaturalista.
enfrascados en la lucha bretona, uno con un Hace una referencia cromática a las hojas de otoño
calzoncillo azul y el otro con uno bermejo, otro (Les Alyscamps de Van Gogh) (13-16).
arriba y a la derecha sale del agua con el pelo Autorretrato dedicado a Vincent Van Gogh. Los
verdoso degradado al amarillo. En la parte superior miserables (1888). Óleo sobre tela. Museo Vincent
la cascada burbujeante es de color blanco rosado y Van Gogh Amsterdan. Es conveniente que sea el
en el borde superior se muestra un arco iris. Hacia propio Gauguin quien haga las observaciones
el borde inferior se observan superficies abstractas pertinentes a este cuadro las cuales fueron expuestas,
del lienzo, como es la mancha blanca a cuyo lado en cartas dirigidas a Van Gogh: “Siento necesidad
está un sombrero negro y una blusa azul, elementos de explicar lo que he intentado hacer, no porque no
yuxta- puestos, mediante los cuales el autor recalca seas capaz de comprender la obra por tí mismo, sino
la importancia del elemento decorativo en la pintura. porque temo que no la interpretes bien. Es el rostro
Coloca las figuras en una plataforma de hierba de de un proscrito mal vestido y poderoso como Jean
color, bastante uniforme, que es cortada por la cuña Valjean, con cierta amabilidad y nobleza interior.
diagonal de la cascada. Gauguin declaraba La sangre hierve y los colores de fuego de horno que
refiriéndose a sí mismo que él era un “peruano envuelven los ojos sugieren las llamas volcánicas
salvaje”. Había producido esa visión japonizante que animan el alma del artista. La línea de los ojos
por que tenía la intención de rescatar el arte japonés y de la nariz, es evocadora de las flores de una
y trasladarlo a Francia (7). alfombra persa, resume la idea de un estilo abstracto
Auto retrato dedicado a Charles Laval (más tarde y simbólico. El fondo infantil, con sus flores
a Eugene Carriere) (1888). Óleo sobre yute. Na- ingenuas es una referencia a nuestra pureza artística.
tional Gallery of Art, Washington D.C. Colección El caso de Jean Valjean, a quien la sociedad había
privada. oprimido y expulsado a pesar de su amor y vigor.
Se observa en este cuadro, la atención prestada al ¿no es un símbolo del pintor impresionista
uso de colores brillantes y al carácter plano de la contemporáneo? Al dotarse de mis propios rasgos
composición, con disminución del contraste de luces ofrezco una imagen —un retrato tanto mío como
y sombras. nuestro— a todas las víctimas desgraciadas de la
sociedad que nos vengan, haciendo el bien” (8,13).
En este lienzo el rostro de Gauguin aparece
El rostro de Gauguin según el propio Van Gogh se
contento y sereno a diferencia de la expresión que
mostraba como “muy triste, es el rostro de un hombre
ofrece en otro autorretrato, el de “Los miserables”.
enfermo y atormentado”. O será la de un hombre
Madeleine Bernard (1888). Óleo sobre tela. que muestra el resentimiento frente al desprecio, la
Museo de Grenoble. La joven de este retrato era humillación por su trabajo, aunado a una expresión
Madeleine la hermana del pintor Emile Bernard y la de un carácter firme, dispuesto a triunfar, a persistir.
prometida de otro pintor amigo, Charles Laval quien Es su autojuicio de pureza.
en el año de 1888 fuese de vacaciones a Pont-Aven.
El río Aven en Pont Aven (1888). Óleo sobre
Era una encantadora e inteligente joven. En este
lienzo. Colección privada. La pintura y la música.
retrato Gauguin logra captar la fuerza del carácter
Debemos a Theo (Theo a Jo, 27 de enero de 1889) la
de la joven lo cual es sugerido por la angulacion de
analogía que hace de este lienzo, con una hermosa
los rasgos del rostro y por la oblicuidad de los ojos.
sinfonía. Destaca en el centro el color naranja rojizo
La joven con todo lo agraciada que era su
de un árbol de haya muerto, con las sombras azuladas
personalidad, estaba destinada a tener un final
y violetas de los árboles sanos “como dos melodías
trágico, el de morir de tuberculosis a la temprana
en contrapunto”; al lado del árbol rojizo hay una
edad de 24 años.
choza cubierta de rasgos azulosos. El naranja
Los árboles azules (les arbreus bleus) (1888). armoniza con los marrones y pardos de los campos
Óleo sobre yute. Ordrupgaard, Copenhague. En y caminos. Los azules y violetas se mezclan entre
este cuadro Gauguin se aleja del impresionismo y los verdes. Una nube blanca y dos campesinas con
utiliza el color como vehículo para transmitir su sus trajes típicos están envueltas en el verde del

prado. Hace la reflexión “Un músico que sintiera se agrega la fuerza creadora de Gauguin que
esta pintura como yo sería capaz de dar a cada color reaccionaba ante el motivo y modificaba sus estilos.
el nombre de un instrumento y hacer una composición Obsérvense los variados colores del cielo y las
musical con ella” El árbol muerto, insufla vida a la diferentes formas de tratamiento utilizadas.
composición. Les Alyscamps, Las tres gracias en el templo de
En la estancia en Arles se pone de manifiesto la Venus (1888). Óleo sobre lienzo. Museo d´ Orsay,
incompatibilidad de dos genios, octubre – diciembre París.
(1888). Arles había sido una importante ciudad romana,
El 21 de octubre de 1888, Gauguin dejó a Pont- conocida por su teatro, acueducto y anfiteatro que es
Aven con rumbo hacia Arles, ciudad francesa el mayor de Francia. Hay un antiguo cementerio
(Bouches – du – Rhone) a orillas del Ródano, después conocido como “Les Alyscamps” (Campos Eliseos)
de un viaje de cerca de mil kilómetros. ubicado al sureste de las murallas de la ciudad. La
A las pocas horas se reunió con Van Gogh en la ciudad era también conocida por las corridas de
“Casa Amarilla”, la vivienda de Vincent, durante toros. Las arlesianas, o sea, las mujeres de la
las nueve semanas que pasaron juntos, hasta el trágico localidad tenían fama por sus perfiles clásicos y
desenlace del 23 de diciembre, Van Gogh pintaría debido a su porte noble se las consideraba como
treinta y seis cuadros y Gauguin algo menos de la descendientes de la belleza griega y romana (las
mitad. Gauguin había encontrado a Vincent atenienses de Provenza), portaban un típico atuendo
“agitado”. Este experimentaba una gran necesidad y habían sido adecuadamente ponderadas por algunos
de comunicación y de compañerismo con Gauguin, poetas.
aun cuando ya se había formado una identidad Fue objeto de la pintura tanto de Van Gogh como
artística específica, pero Gauguin se encontraba de Gauguin la representación de los Alyscampos,
todavía en la fase de búsqueda de la misma. Además una hilera de álamos y de los antiguos sarcófagos de
Gauguin se resentía de la poca privacidad de que piedra, resto de la necrópolis romana, que conducían
disponía en la “Casa Amarilla.” Vincent le había a la iglesia de Saint- Honorat. (Allé des Tombeaux).
concedido a Gauguin el estatus de mentor y de Van Gogh pintó cuatro telas sobre el mismo tema.
crítico, pero mostraba una exacerbación de sus El cuadro muestra un paisaje otoñal con colores
excentricidades, a raíz de haber pasado ocho años de fuertes y acentuados que poseen un efecto decorativo,
soledad. Gauguin observó que Vincent manifestaba una vista parcial de la alameda a la derecha, el canal
una clara preferencia en sus obras por los colores a la izquierda, el sendero enfrente del pintor, el
complementarios, que tenían a su juicio menor valor camino hacia abajo amarillo rosado y el arbusto de
expresivo (le faltaba, según decía, el sonido de la un bermellón intenso. Al final se observa la torre
corneta). Este punto de vista debió ocasionar en ortogonal de Saint- Honorat. La composición incluye
Vincent un cierto resentimiento, debido a que había tres figuras femeninas similares y estáticas, poco
sido el resultado de sus propias investigaciones definidas, ubicadas en el punto de convergencia de
estéticas, las cuales revelaban que había alcanzado la perspectiva.
un gran progreso. Al mismo tiempo Gauguin notaba
Paisaje de Arles (Camino junto al canal Roubine
la conducta rara y caprichosa de Vincent.
du Roi) (1888). Óleo sobre yute. National Museum,
Divergencias importantes se fueron acumulando Estocolmo.
entre ambos que alcanzaron el clímax el 23 de
En este lienzo Gauguin incluye todos los colores,
diciembre con la mutilación de la oreja, la cual
los cuales adquieren una mayor luminosidad con el
entregó Van Gogh como regalo a una prostituta.
agregado de blanco de plomo.
Gauguin insta de urgencia a Theo que se disponga a
cuidar a su hermano y deja a Arles el 26 de diciembre. Las “lavanderas” en el canal Roubine du Roi”
(1888). Óleo sobre yute. The Museum of Modern
Entre las obras realizadas en esa estancia figuran:
Art. N.Y. La composición muestra el enclave del
La granja en Arles (1888). Óleo sobre tela. canal con las figuras de las lavanderas arrodilladas,
Indianápolis Museum of Art. Montones de henos con contornos sencillos y parecidos, siendo dable
amarillos (1899). Óleo sobre tela. En estas telas observar la armonía de los tonos.
resulta, evidente que habían actuado dos influencias,
Les Alycamps. (1888). Óleo sobre yute. Seiji
los estilos de Cézanne y de Van Gogh, a los cuales,
Togo Memorial Yasuda Kasai Museo de Arte, Tokio.

PUIGBÓ JJ
En este lienzo el artista fractura las pinceladas cuadro extraordinario capta la escena de un jardín
individuales, define los contornos y las áreas son local en Arles. Las dos figuras principales están
planas. Los colores son vivos, amarillos otoñales, ataviadas con sus pintorescos trajes provenzales,
naranjas y rojos que contrastan con el verde de la aparecen oscuras, monumentales y se presentan con
hierba y los azules que utiliza en los sarcófagos y los sus tocas como si fueran iconos, la de la izquierda
troncos. que parece identificarse con madame Ginoux, se
“Café de Noche”. (1888). Óleo sobre yute. acerca el chal a la boca, para protegerse del viento
Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes, Moscú. En (mistral). Otras dos figuras femeninas están ubicados
este lienzo reproduce la imagen de madame Ginou, en el plano posterior y cumplen un papel decorativo.
quien era la propietaria del “Café de la Gare”, en la También destacan las formas cónicas y el color de
plaza de Lamartine que era el sitio en donde Vicent los arbustos. En el plano anterior hay un grupo de
se había alojado inicialmente y M. Ginou consintió plantas en donde en el interior del arbusto a la
ir a la “Casa Amarilla”, en condiciones de modelo derecha, Gauguin incluye un ojo (Vincent había
usando el atuendo típico que portaban las arlesianas. incluido un girasol). A la derecha de la composición
El tema también fue abordado por Gauguin, quien utiliza un rojo fuerte para destacar la entrada al
siguiendo las líneas de Vincent, va a utilizar una jardín y para la hierba utiliza un verde intenso y
paleta agresiva de colores de acentuados contrastes. marca los contornos nítidamente.
La figura central es la de M. Ginou, de quien Gauguin, El cuadro sugiere un cortejo fúnebre y evoca la
había hecho un bosquejo al carboncillo, pero el belleza griega de las arlesianas. Gauguin dice al
pintor no estaba totalmente satisfecho porque respecto que el deseaba pintar su “reacción personal
consideraba la pose de la modelo como algo rígida. ante el jardín”. Insiste en la tesis del sintetismo de
Se la ve apoyando la cabeza inclinada en la mano pintar de memoria y dejar correr el libre curso de su
cerrada, su mirada ofrece un aire burlón que muestra imaginación y así lograr la interpretación personal
franqueza y un aire de complicidad con el pintor, lo de la escena observada.
que Gauguin logra haciendo que el ojo izquierdo sea La madre del artista (Aline Marie Gauguin).
mayor que el derecho. Al fondo se observan dos (1888). Óleo sobre tela. Staatsgalerie, Stuttgart.
amigos del pintor (Roulin y Millet) acompañados de Gauguin pinta el retrato de su madre a partir de una
prostitutas. Vincent gustaba aclarar y discutía este fotografía, aun cuando modifica y acentúa algunos
tema con Gauguin, diciendo que el “Café de Noche” de los rasgos faciales, con la intención de incluir un
no era un prostíbulo, sino que era un sitio en que se elemento de exotismo que recuerde la ascendencia
permitía que las prostitutas llevaran a un amante. peruana de la madre.
El cuadro fue vendido en París y luego fue Cristo en el Huerto de los Olivos. (1889). Óleo
adquirido por el coleccionista ruso Alexandre sobre lienzo. Norton Museum of Art. West Palm
Morosov. Beach, Florida. En este lienzo de carácter religioso
“El pintor de girasoles” (Le peintre de tournesol). aborda el tema de Getsemani, Gauguin representa la
Vincent van Gogh pintando girasoles (1888). Óleo imagen de Cristo en el jardín de los olivos, cuando
sobre lienzo. Museo Van Gogh, Amsterdam. En se prepara para enfrentar a su destino inexorable. La
este lienzo Gauguin representa a Vincent sentado en figura solitaria revela en su rostro la depresión y la
su caballete, pintando cinco girasoles, metidos en tristeza que lo embargan y que según el propio
un jarrón y este a su vez está colocado en una silla Gauguin expresa “una especie de tristeza abstracta”.
con asiento de paja. El fondo es imaginario. El Es un autorretrato de Gauguin en el cual agrega la
artista sostiene el pincel con su mano derecha, que particularidad de trasformar su pelo oscuro en
permanece inmóvil mientras se dispone a decidir su pelirrojo mediante el uso de un rojo brillante. De
próxima pincelada, con los ojos semicerrados. La acuerdo con su interpretación el rostro refleja el
cabeza está distorsionada y se destaca la barba rojiza abandono, la traición y el desconsuelo que sufre el
sobre una mandíbula prominente. El cuerpo (hombro maestro por parte de sus discípulos. La figura de
derecho) se encontraba constreñido entre la franja Cristo está envuelta en una vestimenta de color ocre
amarilla por un lado y el caballete y las flores por el oscuro. El ambiente muestra un cielo crepuscular
otro. azul verdoso, con los árboles de color verde púrpura
Las ancianas de Arles. Óleo sobre yute. The Art los cuales están inclinados sobre un fondo verdoso
Institute of Chicago. Colección privada. En este y rosado.

El símbolo de la soledad, de la resignación y del chirimía sobre la orilla de un sendero estrecho en las
sufrimiento que experimenta el artista ante la cumbres de un acantilado, en las vecindades de “Le
frecuente incomprensión por parte de la sociedad. Pouldu”. Hacia arriba, el horizonte y a la izquierda
Como lo dijo textualmente “lo que hice fue un la orilla del mar. Utiliza un fuerte cromatismo y una
autorretrato, es el aplastamiento de un ideal, un estilización lineal. Representa una síntesis entre la
dolor tan divino como humano, Jesús fue abandonado naturaleza y la abstracción.
por todos, sus discípulos lo dejaron, es un cuadro tan La vaca roja (1889). Óleo sobre lienzo. Los
triste como su alma”. Angeles, Country Museum of Art. Colección privada.
En cuanto a la identificación del autor con Cristo En este cuadro es dable observar: las bandas definidas
que podría parecer algo presuntuosa, hay que por zonas cromáticas (azul, verde oscuro, amarillo
recordar que al artista se le consideraba en esa verdoso, verde claro), el movimiento lineal es menos
época, como a un mártir o a un mesías. En esta obra acentuado que en el anterior, los árboles y las nubes
la identificación con Cristo muestra la afectación están estilizadas, la vaca es roja, cuya cabeza es sólo
que le ocasionó el rechazó de su pintura y un dolor visible parcialmente. La naturaleza está subordinada
que como bien decía, era a la vez divino y humano. a la creación pictórica.
Fue uno de los determinantes de su decisión de irse Paisaje con dos mujeres bretonas (1889). Óleo
para Tahití y de pasar el resto de sus días, en un sobre lienzo. Museum of Fine Arts. Boston. En este
ambiente salvaje y primitivo. lienzo se observan dos mujeres bretonas sentadas
La bella Angela (La belle Angele) (1889). Óleo que llevan sus atuendos típicos. Un árbol corta en
sobre lienzo. Musée dÓrsay, París. Gauguin diagonal la escena. Existen zonas cromáticas bien
deseaba según lo manifestaba “encontrar algo más”, definidas y una linealidad pronunciada.
reinventarse para acceder a “un rincón aún El Cristo amarillo (Le Christ Jaune). (1889).
desconocido de mí mismo”. El objeto de este retrato Óleo sobre lienzo. Albright-Knox Art Gallery, Buf-
con características ornamentales fue la esposa del falo. El símbolo del sacrificio.
alcalde de Pont-Aven Marie Angélique Satre, a quien
el artista prohibió que viera la pintura durante su
ejecución, sino hasta que estuviese concluida. La
curiosidad de la dama crecía mientras tanto a medida
que se pintaba la obra. Al verla, dicen que manifestó
su decepción y se sintió tan ofendida que no pudo
menos que exclamar “quelle horreur” y le pidió a
Gauguin que se la llevara. La composición muestra
a la mujer bretona vistiendo su traje regional con sus
manos juntas, los rasgos primitivos que le confieren
un aire campesino. La disposición del personaje que
lo ubica en un medallón de contorno circular, con
líneas curvas y acentuadas se corresponde con el
formato composicional japonés (lo cual fue señalado
por Theo) y logra un efecto llamativo. El fondo
decorativo es de un hermoso color azul lila con
flores blancas y rosadas, probablemente, también es
de inspiración en las estampas japonesas (7). A la
izquierda colocó una vasija de un ídolo peruano.
El lienzo representa una alusión a sus orígenes
“salvajes” del Perú y al arcaísmo de la Bretaña, en el
cual logra incorporar elementos japoneses para lograr
un conjunto decorativo.
Tañedor de chirimía en el acantilado, Bretaño
(1889). Óleo sobre lienzo. Indianápolis Museum of
Art. Colección privada. En este cuadro Gauguin
Figura 2. El Cristo amarillo. 1889.
coloca dos figuras campesinas, el hombre toca la

PUIGBÓ JJ
Tanto este lienzo como el siguiente son

representaciones de “Calvaires” que son crucifijos
tallados, ubicados en las plazas públicas y en los
cementerios en toda la Bretaña. En este casos
Gauguin utiliza como base el crufijo policromado
de una capilla de Tremalo, cerca de Pont-Aven, el
cual fue agrandado por Gauguin. La figura del
Cristo amarillo crucificado domina la escena. Los
contornos estaban totalmente simplificados, elimina
todos los detalles excepto en lo que concierne a las
figuras y sus rostros. Las bretonas arrodilladas
están absortas en la contemplación. Como lo observó
el propio autor “el escenario cromático era más
importante que el geográfico”. Es el Cristo más que
una representación real una proyección simbólica.
Cabe destacar el primitivismo del estilo y color
amarillo dominante, lo cual sugiere la influencia de
los retablos italianos “en pan de oro” de los siglos
XIII y XIV. La obra debe la intensidad de su efecto
a la combinación del efecto simbólico del Cristo del
calvario bretón con la religiosidad de las bretonas y
además con las asociaciones provenientes de la
historia del arte.
Figura 3. El Cristo verde. El Calvario breton 1889.
La ciudad se encuentra esbozada en el plano
posterior por detrás de las colinas. En el medio de
la composición un hombre salta la valla para
recordarnos que la vida sigue aún en presencia de la pátina de moho y liquen. El cielo esta oscuro y las
muerte. Ha sido considerado a este Cristo amarillo nubes tienen formas elípticas que conforman halos
como el símbolo del sacrificio, de una muerte eterna naturales sobre las tres mujeres. En el plano ante-
que no afecta a la vida y no suministra consuelo al rior se sitúa a una campesina cuyo rostro verde-
viviente y como símbolo tradicional de la mortalidad. amarillo, sugiere su relación con los integrantes de
Tanto en el Cristo amarillo como en el Segador de la pietá, su cuerpo se inclina a la par que el cuerpo
Vicent se hace uso de este símbolo de mortalidad, de Cristo, pero en cambio la oveja se mantiene
con “una paleta amarilla que trasmite el ciclo eterno aparte. En la mano de la campesina hay una cuerda
de alegría y pena, vida y muerte” (13). que sostiene posiblemente una cuna (alusión al fu-
Aun cuando Gauguin no era un hombre religioso, turo). En el paisaje costero utiliza una paleta de
escogió como temas preferidos, a la imagen del rosas, verdes, amarillo anaranjado como contraste.
Cristo doliente y de la pietá, desarrollados en un A partir de esta escena religiosa ligada a esta cultura,
estilo primitivo para demostrar que comprendía y Gauguin intenta simbolizar la continuidad de la
respetaba la devoción del pueblo bretón. miseria humana desde el pasado hasta el presente y
que continua en el futuro. Como el propio Gauguin
El Cristo verde (Calvario Bretón) (1889). Óleo
lo señalaría, buscaba sugerir la conexión entre el
sobre lienzo. Musées Royaux des Beaux-Arts de
sufrimiento humano y las fuerzas naturales, mediante
Bélgica, Bruselas. La miseria humana. El calvario.
la armonización del verde grisáceo del grupo de
Se trata de otro “Calvaire” (calvario) ubicado en figuras con el cielo oscuro.
la costa, con los brazos estirados. El artista utilizó
Paisaje bretón con sauces (1889). Óleo sobre
como base al grupo de la pietá, cercana a la iglesia
lienzo. Nasjonal galleriet, Oslo.
de Nixon, en una aldea cercana a Post-Aven. Las
tres santas mujeres sostienen el cuerpo de Cristo, En este lienzo, Gauguin abordó el tema de un
cuyo brazo derecho cuelga verticalmente e indica paisaje otoñal donde muestra campesinos bretones y
las rigidez de la muerte. Las figuras están animales en un camino estrecho bordeado de una
representadas con tonos verdosos que sugieren una hilera de sauces, las copas de los árboles y el cielo

llenan los espacios superiores. En esta obra reproduce la imagen del Cristo
Recolectoras de algas II (Ramasseuses de Varech amarillo, pero inclinado hacia la izquierda (imagen
II) (1889). Óleo sobre tela. Museum Folkwang en espejo). En el plano anterior coloca su autorretrato
Essen, Alemania. Trajes típico y oficios. que muestra una expresión de seriedad y de firmeza,
como dispuesto a cumplir su objetivo primordial de
Este lienzo lo realizó Gauguin cuando dejó a
llegar a ser un gran pintor. Arriba a la derecha,
Pont-Aven y se estableció en otro sitio de Bretaña
coloca también una vasija tabacalera de cerámica,
denominado“Le Pouldu”. En el se representan a los
con un autorretrato, que representa el tipo de
habitantes en sus trajes típicos, con ropas azules y
cerámica de su propia inventiva.
cofias negras. Las algas de color ocre con toques
rosados sirven para fertilizar la tierra. La arena es En esta obra, se reflejan dos tendencias en
rosada y el mar es verde oscuro. En esta obra se Gauguin: una, a la de identificarse con la figura de
plasma el trabajo cotidiano, la lucha por la vida, la Cristo (sufrimiento, abandono), la otra, a integrar en
tristeza y la obediencia necesaria a las leyes de la el lienzo dos obras de su producción, la del Cristo,
naturaleza. obra religiosa, sencilla, esquemática, la otra la
cerámica seglar, modelada e irregular. En cuanto a
Autorretrato (1889). Óleo sobre madera. Na-
los colores, contrasta el amarillo del Cristo, con el
tional Gallery of Art, Washington, Colección
azul de la ropa y el marrón rojizo de la vasija.
privada. La figura del autor está ubicada sobre un
fondo que ofrece una dualidad cromática: el “La pérdida de la virginidad o “El despertar de la
segmento superior es de color rojo y el inferior de primavera” (1890-1891). Óleo sobre tela. The
amarillo intenso que cubre el cuello del autor (cortado Chrysler Museum, Norfolk, Virginia.
por el verdugo), símbolo del martirio que se Fue pintado en París a su regreso de Bretaña y
complementa con el halo o “nimbo sobre la cabeza”. expone un paisaje bretón con una joven desnuda,
Hay también una alusión bíblica al colocar la cuyo modelo había sido una costurera de veinte y
serpiente y las manzanas. dos años. La joven tiene una flor en la mano y un
Buenos días Monsieur Gauguin (1889) (Bonjour zorro como “símbolo de la perversidad” apoya una
Monsieur Gaugin). Óleo sobre tela, Narodni galerie, de sus patas sobre el pecho. A lo lejos hay un cortejo
Praga. El símbolo del vagabundo. nupcial bretón y el pintor utiliza una paleta de
colores como los que va a utilizar posteriormente en
En esta tela el pintor hace referencia a la obra
Tahití.
maestra de Courbet, que se conserva en Montpellier.
(Bon jour monsieur Courbet). La escena muestra a La familia Schuffenecker (1889). Óleo sobre
Gauguin vistiendo un abrigo de color marrón y una tela, Museo dÓrsay, París. El retrato de un interior.
boina negra acompañado de su perro que se encuentra Gauguin se había alojado en varias oportunidades
parado frente a una verja. A la derecha, del otro lado en la casa del pintor, su amigo Emile Schuffenecker,
de la cerca, se halla la figura enigmática de una en París, quien le había arreglado un pequeño estudio
mujer bretona desconocida que se voltea hacia la en su casa. También había sido el organizador de la
izquierda para mirarle. El paisaje es otoñal, muestra exposición en el “Café de las artes” (Volpini) lo cual
un cielo encapotado que amenaza tormenta. La fue de una gran ayuda para proyectar a Gauguin en
imagen de Gauguin evoca la idea mítica del el medio artístico y contribuir a que fuera conocido
“vagabundo” probablemente sea el mismo o la figura y a obtener éxito. El cuadro es del género “Retrato
del judío errante. El estilo de la obra es naturalista, de un interior” que muestra a la Sra. Schuffenecker
porque se respeta la forma de los personajes. Cabe sentada, con trazos faciales que revelan una figura
que el observador se interrogue: ¿Quiénes son estas seria, severa y ruda, con su mano crispada. Los
personas? ¿De dónde vienen? ¿A que se debe el hijos se abrazan entre ellos como consolándose y el
encuentro? Es la frase que usaba Vincent van Gogh esposo se encuentra aislado en el lado izquierdo de
para referirse a Gauguin: “Es el hombre que viene de la composición mientras se frota las manos.
lejos y va lejos”. El peregrinaje fue una constante
realidad en la vida de Gauguin.
París (1890-1891)
Autorretrato del Cristo amarillo (1889-1890).
“Pintor simbolista admirable”
Óleo sobre tela. Colección particular. Identificación
con el sufrimiento. En 1890, desde diciembre de ese año hasta abril
de 1891, llegó Gauguin a París, donde se aloja otra

PUIGBÓ JJ
vez en la casa de Schuffenecker. También en ese y apreciado la elegancia natural de la reine viuda
año, Van Gogh había llegado a Aux. Marau, con la gracia que desplegaba la raza maorí.
En 1891, el grupo de escritores simbolistas se Sin embargo, se hizo la amarga reflexión de que
reunían con frecuencia en el Café Voltaire. Gauguin había llegado tarde al país. Tenía la impresión de
toma la decisión de marcharse definitivamente para que la cultura nativa yacía enterrada por la
Tahití. Logra una primera venta de treinta cuadros colonización francesa, la cual había actuado
en el Hotel Drouot el 23 de febrero, suma que lamentablemente como corruptora. Se preguntaba,
destinó a reunir el dinero necesario para el viaje. si después de venir de tan lejos, llegaría a desenterrar
Pero una semana antes, Mirbeau había escrito un el pasado de ese pueblo, a la vez tan lejano como
artículo que servía de introducción al catálogo de la misterioso (Noa Noa) (17,18).
exposición, donde hace una biografía completa de A su vez los tahitianos al contacto con Gauguin,
Gauguin y emite una serie de juicios de gran interés, lo veían como un personaje singular y lo habían
tales como: “Obra extrañamente cerebral, apodado “taatavahiné” (hombre-mujer) debido al
apasionante, todavía desigual pero precisamente por uso por el pintor de cabellos largos. Gauguin había
sus desigualdades, emocionante y soberbia. Obra intentado aprender el taitiano pero tuvo poco éxito.
dolorosa, pues para comprenderla hay que Decepcionado del centro de la ciudad de Papeete, se
experimentar el impacto y hace falta haber conocido fue a las afueras, al distrito de Mataiea, donde se
uno mismo el dolor y la ironía del dolor, que es el instaló en una choza, que tenía una excelente posición
umbral del misterio”. debido a que estaba situada entre el mar por un lado
Este juicio, así como otros artículos, cimentaron y una imponente montaña por el otro.
la posición de Gauguin como “el admirable pintor
simbolista”. Entre las pinturas vendidas se La primera vahiné (mujer, amante). Misión
encontraban algunas obras maestras como: “La visión oficial y científica
después del sermón”, “El Cristo amarillo”, “El Cristo
La primera compañía femenina que tomó fue la
en el jardín de los olivos”. Se le ofreció un gran
de una joven Anglo-Tahitiana, que la apodaban Titi
banquete en su honor, de despedida en el Café
y que gustosamente manifestó su deseo de
Voltaire, bajo la presidencia de Mallarmé y con la
acompañarlo y convertirse en su amante. Después
asistencia de 40 invitados. Gauguin formuló una
de un período inicial de adaptación, se consagró a
petición al ministro de Instrucción Pública y de
trabajar intensamente y ya hacia finales de año
Bellas Artes de que sea estimado su viaje a Tahití y
había logrado unas veinte escenas de la vida
se la considere como una misión oficial gratuita, lo
cuotidiana y realizado una serie de dibujos que eran
cual fue aceptado por el ministerio, con el fin de que
verdaderos documentos con lo cual daba
por medio de sus pinturas se pudiera “estudiar las
cumplimiento a la misión oficial encomendada.
costumbres y los paisajes de ese país”.
Pronto rompió su relación con Titi porque era
Viajó a Dinamarca el 7 de marzo de 1891 para
medio blanca y “consideraba que estaba contaminada
despedirse de su esposa e hijos. Este sería su último
por el contacto con esos europeos” y decía que no se
encuentro con la familia. Se embarcó el 1º de abril
ajustaba por consiguiente “al objetivo que me he
de 1891 en Marsella a bordo de l´ Oceanium.
impuesto”.
La segunda vahine. Gauguin buscaba una modelo
La primera estancia en Tahití (1891-1893) para su pintura y a la vez otra amante, para lo cual se
Pintor del trópico: Gauguin llegó el 8 de junio de dirigió a Faone, localidad ubicada en el lado este de
1891 a Papeete, la capital de Tahití. Había realizado la isla, donde traba conocimiento con la familia de
el sueño de su vida de adentrarse en el primitivismo, una jovencita de 13 años de nombre Tehaámana.
de revitalizarse, de sólo ver salvajes, de vivir a La familia consciente en la relación con la condición
plenitud su vida. Pero pronto se desilusionó al ver de tener un período de observación de ocho días para
como esa “trivialidad europea” había afectado a la ver si se avienen bien y la joven pasó a convertirse
cultura nativa. Había asistido a los funerales del en la esposa legítima. Gauguin encuentra la tranqui-
Rey Pomare V, el último gobernante nativo de Tahití, lidad, el Noa Noa tahitiano lo embalsama todo.
y de acuerdo con los objetivos que se había propuesto, Los objetivos. Gauguin va a dedicarse a la
hizo numerosos croquis de las exequias. Había visto pintura de la naturaleza, de los árboles tropicales, de

los paisajes, pero sobre todo, a la representación de amarillo, en donde se destacan las flores que parecen
la población nativa y de su cultura, en busca del flotar y caer en la mano de la joven. La cara de la
exotismo primitivo, pero tratando de alcanzar la modelo produce la impresión de estar “esculpida” y
autenticidad maorí. Pero Gauguin, vuelve da la sensación de alto relieve. El contorno utilizado
nuevamente a encontrarse en la miseria y atribuye es de estilo cloissonista.
su pobreza a los traficantes de cuadros y a sus Su nombre es Vairaumati (Vairaumati tei oa)
amigos a quienes tilda de negligentes. Su producción (1892). Óleo sobre lienzo. Museo Estatal Pushkin,
es abundante (44 pinturas en once meses), muestra de Bellas Artes, Moscú. La mitología polinesia.
en ella la capacidad creadora y el fruto de su trabajo Los pareos.
incansable (14-16).
Fue uno de los primeros desnudos pintados por
Las obras: las realizaciones en este período más Gauguin en Tahití. Vairaumati, es una de las figuras
importante fueron las siguientes: extraídas de la antigua mitología polinesia. Se trata
El árbol grande. (Te reau rahí). (1891). Óleo de una doncella mortal seducida por el rey de los
sobre lienzo. The Art Institute of Chicago. La dioses tahitianos, Oro, a quien se muestra en el
diversidad del paisaje tropical lienzo detrás de la doncella. De la unión nació un
Es un paisaje en el cual el pintor documenta la hijo que pasó hacer el ancestro de los Ariois, una
diversidad de los árboles tropicales (mangos, casta privilegiada que además no tenía restricciones
cocoteros, plátanos, hibiscos) que sirven de sexuales de ninguna clase y que según Gauguin
ornamentación y de alimento. Muestra un nativo estaba en la raíz de esa fuerza vital que antiguamente
“pelando cocos” y a la familia del mismo. El paisaje había tenido el pueblo tahitiano.
que muestra es muy similar al nuestro. El lienzo muestra un paisaje de colores vívidos
El hibisco (Te burao) (1892). Óleo sobre lienzo. con un tiki que sirven de fondo a la imagen de la
The Art Institute of Chicago. Árboles tropicales. En doncella que está a su vez sentada sobre un pareo
esta obra representa la naturaleza con un árbol de (especie de pañuelo grande) que se presenta como
burao, una variedad de hibisco, planta propia de los una pintura del antiguo Egipto con el rostro de perfil
países tropicales, muy ornamental y cuyas grandes y el torso desnudo y con un cigarrillo en la mano
flores son de todos los colores, más frecuentemente (alusión a la prostitución).
rojas. En el primer plano utiliza estilizaciones y las La semilla de Arioi (Te aa no areois) (1892).
hojas que parecen según el autor que hablaran en Óleo sobre tela. The Museum of Modern Art, Nueva
una lengua misteriosa que animan este paisaje tropi- York.
cal que constituye un hermoso espectáculo. Es una variante del lienzo anterior que muestra
Mujer con flor (Vahine no te tiare) (1891). Óleo un fondo brillante y exuberante, la pose de la nativa
sobre lienzo. Ny Carlsberg. Glyptothek. Copenhage. es diferente y en este caso la mano sostiene una
La belleza nativa. fruta, en lugar del cigarrillo.
En este lienzo que es el primer retrato tahitiano Mujeres de Tahití o mujeres en la playa (1891)
realizado poco después de su llegada al país trata de Óleo sobre tela. Museo d’ Orsay, París. La influencia
captar la belleza de la mujer nativa, en una forma europea y los oficios propios.
absolutamente original como no lo había hecho En esta obra se evidencia la tendencia del pintor
ningún pintor con anterioridad. a concentrarse en figuras femeninas y en sus
La bella nativa se presenta con un rostro impasible interrelaciones, las cuales ocupan gran parte de la
como si estuviere ocultando su realidad interior. La escena. Sus cuerpos voluminosos, de apariencia
ropa que lleva es la que ha sido impuesta por las monumental, están bien delineados y contrastan con
madres misioneras y sirve para mostrar la acentuada las bandas planas y horizontales de la parte superior
influencia europea en Tahití. La postura rígida que sirven de fondo. La mujer de la derecha lleva
pudiera inspirarse en los retratos de Cézanne una bata de color rosado del tipo usado por las
dedicados a su esposa y que Gauguin tenía misioneras y realiza una de las actividades propias
inclinación a pintar (Retrato de mujer con naturaleza de las mujeres tahitianas que era recoger fibras
muerta). La cinta del pelo serpentea sobre el fondo. vegetales en la playa, las cuales las utilizaban para
Este ofrece dos grandes manchas de colores, la tejer y sostiene con la mano, algunas de esas fibras.
inferior que es de color rojo y la superior de color La modelo para las dos figuras fue probablemente

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Tehaámana, la joven amante de trece años de edad cerca de la orilla y está realizado siguiendo el estilo
de Gauguin. Se pueden observar los rasgos faciales impresionista. En suma, nos ofrece una síntesis
típicos y la larga cabellera ondulada. Una variante espiritual y una combinación de estilos: la
de este cuadro lo tituló Parau Apí (Mujeres en la esquematización, el uso expresivo del color y el
playa) (1892), o “Les nouvelles du jour” o “Las naturalismo.
noticias del día” en donde cambió el vestido de La comida o Las bananas (1891). Óleo sobre
misionera por el “pareo tradicional”. tela, Museé dÓrsay, París.
Ave María (Ia Orana María) (1891). Óleo sobre Se trata de una combinación de naturaleza muerta
tela. Metropolitan Museum of Art. Interpretación y de figuras, por la cual sentía Gauguin una particu-
de una imagen bíblica. lar devoción. El alimento y la vajilla están colocados
Representa la simbiosis de la iconografía cristiana en el primer plano donde se destaca el racimo rojo de
y del exotismo tahitiano, donde no vacila en las bananas que representa a las frutas exóticas y
introducir también un elemento de la religión budista. que Gauguin se inclinaba a usar por su bello y
Ave María, son las palabras que dirige el ángel brillante color y por el efecto decorativo. En el
Gabriel a la virgen María. En el primer plano, a la centro se encuentra una gran escudilla y el mantel de
derecha se encuentra María, una tahitiana con el color claro sirve para destacar a la vajilla y a los
niño sobre sus hombros, que llevan nimbos sobre alimentos, al mismo tiempo que arroja cierta luz
anchas cabezas. Lleva la vestimenta típica que es sobre el rostro de los tres niños que están ubicados
una tela de algodón floreada (pareo). Las dos figuras en el plano posterior, que se muestran atentos y que
tahitianas que están frente a María tienen colocadas visten ropas modernas. A la derecha se encuentra
sus manos en la forma de la plegaría budista. El una puerta abierta.
ángel Gabriel con las alas amarrillas a la izquierda, La malhumorada (Te Faaturuma), (1891). Óleo
está oculto entre los árboles. La decoración se sobre lienzo. Worchester Art Museum, Worchester
completa con las frutas tropicales, bananas y (Mass). La situación anímica interior.
plátanos, el camino es violeta oscuro, la grama
La figura central en el lienzo representa a una
verde esmeralda y en el fondo están las montañas
joven tahitiana en donde además de cumplir con el
oscuras y los árboles floreados que terminan la
objetivo de estudiar a la nativa desde el punto de
configuración de este paraíso exótico. Al contenido
vista antropológico, la joven se encuentra sentada
simbólico religioso se agrega además el de las
con su cabeza apoyada sobre la mano y el brazo
diferencias religiosas.
El hombre del hacha (1891). Óleo sobre lienzo,
Colección particular.
La figura masculina aparece blandiendo un hacha
mediante los dos brazos. Gauguin se dedicó
especialmente a pintar figuras femeninas y este lienzo
constituye una excepción. El objeto hacia el cual se
dirige el hacha no figura en el lienzo, pero Gauguin
lo identifica en Noa-Noa, su diario, como un cocotero
caído (17-19). El hacha azulosa se proyecta en el
cielo plateado. La mujer en el plano posterior se
dedica a sus tareas habituales, dentro de la piragua.
El suelo es de color púrpura – violáceo en donde se
observan una hojas rojo-amarillentas que evocan,
según el pintor, un vocabulario oriental, son letras
de una lengua desconocida y misteriosa (alusiones a
las religiones de Polinesia e India). El hombre del
hacha es una figura inspirada en los bajo-relieves
budistas de Java, pero además su postura fue extraída
de una escultura clásica del Partenón y parece tener
una sexualidad ambigua. En la parte superior y Figura 4. La comida o las bananas. 1891.
posterior, debajo del ciclo plateado, un velero navega

izquierdo. En su cara se refleja su estado de ánimo riqueza ornamental de formas y colores vivos en el
de malhumorada. Gauguin al principio encontró plano anterior. La obra es una de las creaciones de
dificultades de diversa índole en aquel medio y a mayor colorido y de espontaneidad, con la
veces lo invadía cierta melancolía cosa bastante introducción además de un elemento de erotismo.
frecuente en los hombres creativos y es probable Gauguin propone una expresión pictórica a la unión
que proyectara su estado anímico en los rostros de del hombre con la naturaleza como ambos formando
los habitantes tahitianos. En la construcción del parte del proceso de la creación y a la fusión del
espacio, coloca los otros elementos hacia los bordes cuerpo con el espíritu, como se observa en este
y las esquinas. Desde el interior de la casa se mundo primitivo, que es lo contrario de la disociación
visualizan los alrededores de la cabaña y el tallado que se ha producido en el mundo occidental.
de la pared del fondo. El espíritu de los muertos vigila (Manaó Tupapaú)
¿Cuándo te casas? (Nafea faaipoipo?), (1892). (1892). Óleo sobre tela. Albright-Knox Art Gallery,
Óleo sobre lienzo. Kunstmuseum, Basilea. Colección Buffalo. Un desnudo. La pintura del terror.
privada. La belleza de los rostros. Gauguin describe el episodio, en Noa-Noa,
Representa a dos mujeres tahitianas, una se (17,18) de la crisis que sufrió la joven Theha ámana,
encuentra sentada y la otra está en cuclillas, en las su joven amante (vahiné) en el curso de la noche,
cuales resalta el intenso colorido de los típicos desencadenada al prender Gauguin un fósforo,
pareos, de tonos rojo, rosado o naranja así como la cuando esta fue presa de una crisis de terror que le
belleza y serenidad de sus rostros, especialmente el produjeron los tupapaú (demonios o espectros).
de la que se encuentra colocada en un plano anterior Quiso plasmar en el lienzo las creencias de los
que lleva una flor blanca en la oreja. Parecen habitantes del Tahiti, entre las cuales se encontraba
expresar también cierta ansiedad en sus caras, quizás el miedo del espíritu de los muertos. Gauguin, lleva
provocada por la pregunta ¿Cuándo te casas? la escena a términos plásticos.
Conversación que el pintor parece haber captado. La joven desnuda se encuentra acostada boca
En el plano anterior, dominan grandes manchas de abajo sobre el lecho, con los ojos desmesuradamente
color verde, amarillo o azul que contrastan con el abiertos por el terror que experimenta ante la creencia
paisaje del plano posterior el cual ofrece ciertas de que llegaba un tupapaú o espíritu de la muerte
modulaciones. que está situado de pie detrás de la joven y además
Mujer con mango. (Vahine no te vi) (1892). por la presencia de flores fosforescentes (espíritus)
Óleo sobre lienzo. Baltimore Museum of Art. Bal- que se encuentran esparcidas por la habitación. La
timore. La influencia japonesa. joven aprieta las piernas y apoya las manos sobre la
La mujer ocupa gran parte del espacio pictórico, almohada como preparándose a huir. La figura
el resto del cual aparece como un fondo plano, lo siniestra, tiene los contornos bien marcados y las
cual refleja la influencia del grabado japonés, pero visiones centellantes acusan la influencia maligna
al mismo tiempo también se observa que se ajusta a de Tupapaú, el espíritu de los muertos. También en
la tradición pictórica occidental. Lleva en su mano el paraíso tropical, todo lo que tiene vida está
la fruta tropical, símbolo de la fertilidad. destinado inexorablemente a morir. La armonía
general es sombría, como corresponde a la evocación
A la orilla del mar (Fatata te miti) (1892). Óleo
de la muerte. Esta obra de Gauguin es un desnudo
sobre lienzo, National Gallery of Art. Washington.
oriental pero que sigue la tradición europea (Tiziano,
Una visión unitaria.
Goya) como es el caso de la Olympia de Manet y en
En esta obra Gauguin coloca dentro de un paisaje nuestro medio los desnudos de Reverón.
tropical a tres jóvenes bañándose en la playa y
¿Cómo? ¿Estas celosa? Aha oe feii? (1892). Óleo
aborda el tema clásico de las ninfas. Las dos mujeres
sobre cartón. Museo Pushkin, Moscú. Bellezas y
están colocadas de espalda: una tiene los brazos
diferentes fuentes.
levantados y la otra se desviste frente a la figura
masculina que se encuentra frente a ellas. La Con este título enigmático, como era el que
sinuosidad de los trazos que definen los contornos utilizaba a veces en otros lienzos, Gauguin representa
de las mujeres, parecen fusionarse con las olas, el a dos figuras femeninas al borde de la playa. La
follaje, las flores y con el árbol oblicuo que se figura sentada no proviene del natural sino que la
encuentra a la izquierda. Esto conduce a una gran extrajo de un friso del teatro de Dionisio de Atenas

PUIGBÓ JJ
y la otra que se encuentra acostada no tiene una de música, de sinfonía o de gran armonía. El cuadro
filiación definida, pero Gauguin se inclinaba con logra captar y trasmitir el encanto de la naturaleza.
frecuencia por esta asociación de fuentes histórico- Tehaámana tiene muchos parientes (Merahi
artísticas y de elementos étnicos. La bella mezcla de metua no Teha´mana) (1893). Óleo sobre tela. The
colores, como la que se observa en los reflejos Art. Institute of Chicago. Colección Privada. Culto
producidos en las aguas estancadas y la sensualidad a la cultura Mahorí.
que emana de los cuerpos femeninos, los cuales se
Este lienzo es un retrato de la joven esposa de
destacan sobre el fondo rosado de la arena. Para el
Gauguin de trece años de edad, que tuvo durante su
propio Gauguin se trataba de unas de sus obras más
primera estancia en Tahiti. En su obra Noa Noa, la
acabadas, donde el autor refleja la fascinación por la
describe como una criatura “poco habladora,
belleza de las tahitianas.
melancólica y burlona”. Además desde el punto de
El mercado (Ta matete) (1892). Óleo sobre vista psicológico la reconoce como “impenetrable”
lienzo. Offentliche Kunssammlung, Basilea. (17,18).
Reminiscencia de Egipto
La figura de la joven es presentada en forma
En esta tela están dispuestos cinco figuras escultural, el pintor ha precisado sus típicos rasgos
femeninas alineadas y sentadas sobre un banco, las faciales así como las características del vestido y el
cuales no están presentadas en forma natural sino en encaje del cuello. En el fondo introduce a los
un estilo hierático que está tomado de un friso del ancestros religiosos tahitianos, con una divinidad
antiguo Egipto y mas precisamente de una tumba (Hina la diosa de la Luna) que parece respaldar a la
tebaica de la VIII dinastía. Las figuras, por ende, se joven.
presentan en poses rígidas y tienen rasgos estilizados
¿A dónde vas? (Ea haere ia oe) (1893). Óleo
y esquematizados, en posiciones de frente y perfil.
sobre tela. Colección privada.
Una de las interpretaciones que se le ha dado es
Otro paisaje que refleja la vida placentera y
que se trataba de prostitutas, a la espera de clientes,
relajada de Tahiti con varias jóvenes vistiendo los
en el mercado de Papeete. Otra que se basa en el
típicos pareos. La mujer muestra casi uno al lado
color y el tipo de batas, no tradicionales que usan es
del otro a la deliciosa fruta tropical y el seno de la
que al parecer la figura de la derecha con el pareo
mujer, placeres que eran ensalzados con entusiasmo
tradicional invita a las mujeres a ir al mercado, dos
por Gauguin.
de ellas que llevan color verde rehúsan, la del centro
duda (de color gris) y las dos que aceptan la invitación
visten colores vivos (rojo y amarillo). Intermedio en Francia (1893-1895)
Pasatiempo (Arearea) (1892). Óleo sobre lienzo. Gauguin, carente de recursos económicos, y
Museo dÓrsay, París. El mundo de la utopía. La enfermo decide volver a Francia en 1893 en donde
sinestesia. pasara cerca de diez y ocho meses. Viaja a Orleáns,
En este lienzo (pasatiempo, diversión o felicidad) para recibir una herencia de su tío Isidore de quince
Gauguin nos expone una escena paradisíaca, pastoril. mil francos, que pensó en invertir en su carrera
Dos jóvenes están sentadas bajo un árbol en las artística. Busca luego, con está ayuda instalar un
vecindades de una laguna. La de la izquierda toca la taller de trabajo y se busca una amante exótica, que
flauta (asociación con la música) y la otra está resultó ser Annah la javanesa, personaje singular,
oyendo mientras mira al espectador. En el fondo un una joven modelo y danzarina de trece años que
grupo de nativos reza y practica danzas rituales ante siempre iba acompañada por un monito. Realiza
la estatua de Hina, la diosa de la Luna. Lo más una exposición en la galería de Durand-Ruel.
llamativo fue el empleo de colores intensos no Buscaba presentarse como el embajador de los
naturalistas, como el perro de color rojo que según trópicos. Pero tuvo escaso éxito en lo material. De
algunos es símbolo del mal, lo cual provocaría 46 telas sólo consiguió vender once cuadros y fue
numerosas críticas en París en 1893. A lo cual objeto de burlas y escarnio, que lo hacen sentir de
Gauguin respondió que se trataba del proceso nuevo como un paria. Sin embargo, participa en la
creativo en el uso de líneas y de colores a partir de exposición de Bruselas donde obtiene éxito con el
la naturaleza o de la realidad modificándolos, para cuadro “El espíritu de los muertos vigila” y empieza
así lograr mediante el uso adecuado del color y la a mostrar su influencia sobre el grupo de los Nabis.
excelente composición, que constituyan una especie Noa-Noa: (17,18) Gauguin aprovecha su tiempo en

París, para pasar en limpio las notas de Noa-Noa, o

sea el diario del artista, ilustrado, que trata sobre la
vida y la cultura en la Polinesia. En enero de 1894
viaja a Copenhague donde se entrevista por última
vez con su esposa. Luego, entre los meses de abril
a diciembre hace una estancia en Pont-Aven y en
Pouldu en compañía de Annah. El 18 de febrero, se
realiza otra exposición en el Hotel Drouot que resultó
ser un fracaso completo, vuelve a París y Annah lo
abandona y desvalija el taller y sus bienes. Durante
un paseo a Coricorneau, tuvo un altercado y sufrió
una fractura del tobillo que sería causa de enormes
malestares, pues no se curó nunca totalmente.
A este período corresponden algunas obras
importantes, entre ellas dos autorretratos, el
violoncelista y algunos lienzos en los que el pintor
desarrolla los motivos paradisíacos del Pacífico Sur,
del hechizo que produce el mundo perdido y donde
se hermanan el hombre y la naturaleza en una unidad.
Autorretrato con sombrero (1893). Óleo sobre
lienzo. Museo dÓrsay, París.
Este autorretrato fue ejecutado mirándose al
espejo, en su estudio en París en la calle
Vercingetorix. A la derecha hay un recuerdo de la
Polinesia (el cuadro “El espíritu de los muertos, Figura 5. El violonchelista. 1894.
siempre está atento”. En sus rasgos faciales se
presenta como más anguloso, sombrío y “salvaje”,
acentuadamente modelado con planos de relieve y
en conjunto se destaca por su simplicidad. la música y otras artes, con activación de todos los
Autorretrato de la paleta (1894). Óleo sobre tela sentidos.
En este lienzo el autor se pinta con un llamativo El día de los dioses, (Mahana no atua) (1894).
gorro de astracán con el que el pintor solía pasearse Óleo sobre tela. The Art Institute of Chicago.
por las calles de París. Esta tela fue dedicada a su Colección privada. Una visión que evoca el paraíso
amigo y poeta Charles Morice, abanderado del perdido.
simbolismo. En esta tela el pintor nos ha querido suministrar
El violoncellista Upaupa Schneklud (1894). Óleo una visión idílica, caracterizada la composición por
sobre tela. Baltimore Museum of Art, Baltimore. En la simetría en la colocación de las figuras. La figura
esta obra considerada como una de las más logradas central de la deidad está ubicada en el plano poste-
de este período francés, pinta al cellista sueco, Fritz rior (evocación budista), el trío también simétrico
Schneklud, un amigo que asistía con frecuencia al de bañistas desnudas, que evocan las tres Gracias de
estudio del pintor. la mitología clásica, las cuatro figuras femeninas de
Analogías entre la música y el color. La pie al fondo, las de la izquierda llevan canastos
sinestesia. La figura del cellista que toca el cello, el sobre sus cabezas (evocación egipcia), la figura
cual se destaca por su forma decorativa y su solitaria del joven toca la flauta en el plano poste-
espléndido color rojizo-naranja, sostiene el arco del rior. Se destacan las grandes bandas de colores,
instrumento que se desliza sobre las cuerdas. En el sinuosas, que atraviesan transversalmente,
fondo hay un diseño abstracto y dos líneas parecen contribuyen junto con el resto de la composición a
establecer una conexión entre el sonido emitido y el provocar la seducción del observador y a crear un
diseño del fondo. Es la sinestesia de los simbolistas ambiente fantástico, que ha hecho que esta obra sea
que busca establecer equivalencias entre la pintura, una de las predilectas del público.

PUIGBÓ JJ
Agua deliciosa, Dulces ensueños (Nave nave moe) prisión.

(1894) Óleo sobre tela, Museo del Ermitage, San El 8 de mayo de 1903, Gauguin muere
Petersburgo. posiblemente a causa de una crisis cardíaca, después
Otra visión idílica. Obra del mismo género. de haber recibido una fuerte dosis de morfina. El 9
de mayo fue enterrado en el cementerio católico de
Atuona. Entre las pinturas de este período figuran
Segunda estancia en Tahití (1895-1903)
algunas de sus obras maestras, entre las cuales se
Gauguin parte para Tahití en 1895 y en este viaje encuentran:
hace una escala en Australia para llegar a Papeete y
Autorretrato o el Golgota, (1896). Óleo sobre
termina por instalarse en la Costa Occidental en el
lienzo. Museo de Arte. Sáo Paulo. La soledad: el
distrito de Panaauia. En 1896 toma una amante
propio calvario
tahitiana de edad de catorce años de nombre Pahura
y empieza en octubre de 1896 a experimentar Es el autorretrato del artista en su madurez; con
sufrimientos físicos atroces y lo invade una sensación mirada acusadora trata de mostrar la singularidad
de gran soledad. Para 1897, el estado de salud del artista, su propio martirio, ahora ya no está
empeora, se hospitaliza, pero interrumpe la acompañada del Dios de la cristiandad (autorretrato
hospitalización. Recibe la noticia de la muerte de su con el Cristo amarillo) o de la figura del proscrito
hija Aline e interrumpe la correspondencia que Jean Voljean. Según lo expresa el artista, nuestro
todavía mantenía con su esposa. En este año se calvario es nuestra sociedad que “permite el triunfo
publica el manuscrito Noa Noa en la Revue Blanche de los mediocres a costa de los grandes”. El fondo
(17,18) y empieza a sufrir de crisis cardíacas es negro en su mayor extensión, excepto en el campo
recidivantes. Es el año cuando crea alguna de sus superior izquierdo donde emergen dos figuras
obras maestras tales como “Never more” (o sea espectrales que evocan a la muerte.
“Nunca más”) y “Dóú venons-nous? Que sommes- ¿Por qué estas enfadada? (No te aha oe riri?),
nous? Ou allons-nous? (¿De dónde venimos? (1896). Óleo sobre lienzo. Art Institute of Chicago,
¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?). En 1898 intenta Chicago.
suicidarse con arsénico. Tiene que emplearse como Una figura femenina central muestra su enojo,
dibujante en la oficina de trabajos públicos (catástro). usa el típico pareo. El conjunto es una escena del
También se enreda en altercados con las autoridades idilio tropical.
locales y cambia de domicilio acompañado con
No trabajar (Elaha ohipa) (1896). Óleo sobre
Pahura a Paofai ubicado en un suburbio de Papeete.
lienzo, Museo Puschkin, Moscú
Pahura termina por abandonarlo, pero le dará un hijo
que llamará, Emile. Empieza a enviar artículos a un Capta un aspecto del modo de vivir del nativo, el
periódico satírico publicado en Papeete conocido de no trabajar, lo cual refleja la falta de preocupación
con el nombre de “Les Guepes” (“Las avispas”) y por el porvenir, sin complejo de culpa.
publica la “Sourire” (La sonrisa). Bodegón con mangos. (1896). Óleo sobre lienzo.
En agosto de 1901 parte a las islas Marquesas y Colección privada. El motivo escogido es la
se instala en la isla de la “Dominique”. Comienza a exquisita fruta tropical.
construir su “Maison du jouir” (Casa del placer) y Ramo de flores, (1896). Óleo sobre lienzo.
toma como amante a Vaeoho Marie-Rose que le dará National Gallery of Art, Londres. “Never more” o
otro hijo. Pero para 1902 le enfermedad del corazón Desnudo de Pauúra acostada, (1897). Óleo sobre
ha progresado, sus piernas están cubiertas de un lienzo. Courtauld Institute Galleries, Londres. Las
eczema que lo hace sufrir atrozmente, su cuerpo se sombras amenazan.
encuentra devastado y experimenta grandes La figura central, monumental es la de un desnudo
dificultades para pintar. En 1903, provoca irritación de la joven tahitiana Pahura que se extiende a todo
a las autoridades coloniales, ya que rehúsa pagar los lo ancho de la composición. Es un desnudo
impuestos e incita a los indígenas a la rebelión y así, influenciado por el cuadro de la Olympia de Manet
se enfrasca en querellas con el obispo, la y al que Gauguin había plasmado en otras de sus
administración, la policía, en defensa de los telas. La joven parece estar atenta a los ruidos que
marquesinos. Lo condenan injustamente el 31 de le llegan de atrás, su rostro está parcialmente oculto
marzo a tres meses de prisión y a pagar mil francos por su mano y se aparta del cuervo. Los colores
de multa. La pena le fue reducida a un mes de

utilizados son sombríos y tristes y el artista a los temas del nacimiento, la paternidad y la
enriqueció la habitación con elementos productos creación.
de su imaginación. Un enorme cuervo amenazador, ¿De dónde venimos? ¿quiénes somos? ¿Adónde
se apoya en una ventana del fondo y dos figuras vamos? (1891)
siniestras se le acercan para darle mensajes que
Dóú venom-nous? Que sommes-nous? Oú allons-
presagian desgracias.
nous?. Óleo sobre tela. Museum of Fine Arts,
Este es el desnudo tahitiano más famoso de Boston. El testamento: una alegoría sobre el misterio
Gauguin, con una temática similar a la expuesta en de la vida. Un fresco del simbolismo.
“El espíritu de la muerte siempre observa”, que se
En este famoso lienzo el pintor intenta plasmar el
refiere al temor de la joven ante la creencia en un
misterio de la vida y ha sido considerado como su
espíritu corporizado en el cuervo siniestro, ubicado
testamento artístico y filosófico pues su contenido
en la ventana. El título de “Never more” (Nunca
engloba a toda la humanidad. La composición la
más) es una referencia al famoso poema de Edgar
describe Gauguin en estos términos: los dos ángulos
Allan Poe.
superiores (como el friso de un muro) son de un
El nacimiento de Cristo (Te Tamari no Atua), amarillo cromo, con la inscripción a la izquierda del
(1896). Óleo sobre lienzo. Bayerische Staats título de la obra y a la derecha, el autor coloca su
gemäldesammlung, Neue Pinakothek, Munich. firma. A la derecha y abajo, la figura de un recién
Nacimiento, paternidad y creación nacido adormitado se encuentra ubicado sobre el
En este lienzo se aborda el tema bíblico del prado, el primer día de la vida que marca así el
nacimiento de Cristo, en este caso ubicado en la comienzo de la existencia humana.
Polinesia. En la figura femenina, acostada sobre el En el extremo izquierdo se encuentra la figura de
lecho utiliza como modelo a su amante que reposa una anciana que representa el pasado, se encuentra
en él, destacándose debido al fondo amarillo de ya cercana a la muerte, cierra el ciclo vital, el cual
cromo intenso; porta una aureola que evoca a la se desarrolla entre ambos extremos. En el medio se
madre de Cristo, que también la tiene la cabeza del muestra el mundo de los adultos, con sus alegrías,
niño recién nacido. Este se encuentra en los brazos sus penas y temores. A la derecha y abajo se
de la niñera en un plano posterior. encuentran tres mujeres sentadas. Dos figuras
La escena está ubicada en una choza polinesia en vestidas de púrpura se entregan a sus reflexiones,
cuyo fondo se encuentra el establo con los animales quizás sobre su destino, pudieran ser una pareja de
del pesebre. El autor hace referencia en este lienzo enamorados. O quizás dos figuras siniestras, con
Figura 6. Nerver more. Desnudo de Pau’ura acostada.

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Figura 7. ¿De donde venimos, quienes somos, a donde vamos? 1897.
sus vestidos que sugieren tristezas que comentan a tral y es mostrado al natural, sin riendas, el color
cerca del árbol de la ciencia el dolor causado por la blanco se ha vuelto verdoso por el reflejo del follaje.
misma ciencia, en comparación con la vida de los Se resalta la unidad del hombre con la naturaleza, el
seres simples. Una figura se encuentra agachada hombre cabalga en el fondo del cuadro. En esta obra
con los brazos levantados y dirige su mirada a la el autor toma su inspiración en el caballo de Fidias,
pareja dedicada a escudriñar su destino. Otra figura del friso del Partenón (elemento clásico), también
central trata de alcanzar una fruta. El ídolo al fondo en la obra de Degas y en las estampas japonesas. Sin
y a la izquierda se lo presenta con los brazos embargo, el tema permanece inexplicado y
levantados, parece dirigirse al más allá. En el plano enigmático.
frontal se encuentra un niño consumiendo una fruta Muchachas con flores de mango (Mujeres
y con animales en su alrededor, y una bella joven tahitianas) 1899. Óleo sobre lienzo. Metropolitan
está echada plácidamente, quizás influenciada por Museum of Art, Nueva York. Belleza y erotismo.
la presencia del ídolo. La escena se desarrolla en el
Las dos jóvenes tahitianas ocupan el primer plano,
bosque con un arroyo, en el fondo se ve el mar y las
la de la derecha dirige la mirada al pecho de su
montañas de la isla vecina. Si bien hay variedades
compañera. Las flores del mango se encuentra
de colores y de tonos, hay un empleo abundante
cercanas a los pezones de las jóvenes que parecen
desde un extremo al otro de azul y verde y las figuras
ofrecerse al espectador.
se destacan por un color anaranjado intenso. La tela
debe leerse de derecha a izquierda. Se trata de una Girasoles sobre una silla. 1901. Óleo sobre
alegoría que toma como base las grandes cuestiones lienzo. Ermitage, Leningrado. Una visión
existenciales, sobre el nacimiento de la vida y la retrospectiva
muerte, pero con el agregado de un tono enigmático Gauguin había solicitado a su amigo Daniel de
y mágico que impregna esta obra maestra. Fue Monfreid que le enviara algunas semillas de girasol,
efectivamente la obra más ambiciosa de Gauguin, la las cuales logró cultivar en su jardín. Recuerda a
cual fue realizada durante el diciembre de 1897, Vincent van Gogh y Gauguin había hecho un retrato
cuando se encontraba muy enfermo y deprimido. del holandés pintando girasoles. Un ojo misterioso
Poco después de su ejecución realizó el intento de observa desde el fondo la escena. El lienzo es una
suicidio. notable visión retrospectiva, de una gran belleza.
El caballo blanco, 1898. Óleo sobre lienzo. Autorretrato. 1903. Óleo sobre tela. Colección
Museo dÓrsay, París. La fusión del hombre con la privada.
naturaleza. Es el último autorretrato del pintor con anteojos
En esta obra el caballo constituye la figura cen- y cuya mirada es la de un hombre cansado, en las

postrimerías de su existencia, los colores son 1902. Museo Folkwang, Essen; Contes Barbares
apagados a diferencia de los vividos colores (Leyendas exóticas), 1902, Museo Folkwang, Essen.
anteriores.
Durante ese lapso también son de recordar otros La cerámica de Gauguin
lienzos notables como: La canoa (Te vaa), 1896,
Aun cuando el propósito de este trabajo fue el
Museo del Ermitage, Sant Peterburgo; El sueño (Te
análisis de la pintura de Paul Gauguin, debemos
riora), 1897. Courtauld Institute, Londres; El mes
mencionar que Gauguin realizó una obra muy
de María (Te a vae no Maria), 1899. Museo del
importante en el campo de la cerámica, donde
Ermitage, Sant Peterburgo; Tres tahitianos (Plática
también demostró su talento excepcional. Cabe
en Tahití), 1899, National Gallery of Scotland,
citar entre las más importantes las siguientes:
Edimburgo; y el Oro de sus Cuerpos (Et l ór de leurs
corps), Museo dÓrsay, París; La llamada, 1902, El fauno (1886), el cual fue su primer trabajo de
Cleveland Museum of Art, Cleveland; Idilio en Tahití, cerámica sobre un tema de la mitología griega. Es la
1901, Zurich, Colección privada; Jinetes en la playa, simbología de la sexualidad libre. Vaso con retrato
El fauno. 1896. Leda y el cisne.

1887.
Jarrón con autorretrato. Soyez amoudeuses

et vous sedez heudeuses.
1889.
Figura 8. Cerámica y talla de Gaugin.

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de Jeanne Schuffenecker (1887-1888). Jarrón con REFERENCIAS

Cleopatra (1887-1888). Leda y el Cisne (1887-
1888). Dos Jarros con autorretratos (1889). Salomé
1. Azmar JC. Pintura Moderna. Simbolismo.
(1889) Obra que es conocida como la Venus negra. Modernismo. Barcelona: Ed. Plaza-Janes, S.A; 1977;I.
Jarra con autorretrato, estampa japonesa y flores
(1889). Mujer desnuda con flor (conocida como la 2. Azmar JC. Pintura Moderna. Impresionismo.
Barcelona: Ed. Plaza-Janes. S.A; 1977;II.
lujuria) (1889-1890).
3. Beckett W, Wright P. Historia de la Pintura. Barcelona:
Blume, Naturart, S.A; 1995.
Comentarios finales
4. Gombrich E. H. La Historia del Arte. Buenos Aires:
Los objetivos de la presentación sobre Paul
Editorial Sudamericana S.A; 1999.
Gauguin fueron los de exponer los aspectos más
relevantes de la biografía y de la vida de este eximio 5. Walter FF. La Pintura del Impresionismo. Colonia:
pintor, que logró alcanzar un merecido sitial dentro Taschen, 2002.
de la historia del arte. 6. Kelder D. The Great Book of French Impressionism
Fue un artista que se caracterizó por la búsqueda Nueva York: Abbeville Press. Publishers; 1980.
en forma perseverante, casi obsesiva de sus metas, 7. Fahr-Becker G. Grabados Japoneses, Colonia: Taschen,
hasta que logró alcanzar su propia identidad dentro 2002.
del mundo del arte. Peregrino permanente persiguió
8. Vance P. Gauguin. París: Editions Hazan; 2003.
incansablemente el “paraíso perdido”.
9. Leymarie J. Gauguin. Aquarelles, pastel et dessins.
Sujeto de personalidad polifacética, bohemio,
Genéve Editions dÁrt Albert Skira S.A; 1988.
soñador, romántico y extravagante pero a quien
debemos una representación de la realidad a través 10. Walter J. F. Paul Gauguin. Colonia: Taschen; 1999.
de una nueva visión de la misma. Demostró una 11. Mannering D. La vida y obras de P. Gauguin. Florida,
gran capacidad para la invención de imágenes, para Buenos Aires: Librería Técnica S.A; 1997.
la comunicación y la transmisión de mensajes, aun
12. García-Bermejo JME. Paul Gauguin. Barcelona:
cuando en algunos casos estos revestían un carácter Ediciones Polígrafa S.A; 1995.
enigmático o sugerían significados ocultos.
13. Druik DW, Kort-Zegers P. Van Gogh y Gauguin. El
Perteneció a la categoría de los artistas
Estudio del Sur. The Art Institute of Chicago y el
incomprendidos por la sociedad de su tiempo quienes Museo Van Gogh, Amsterdan: Electa (Grijalbo-
logran el merecido reconocimiento en forma Mondadoni S.A.) 2001.
póstuma.
14. Amann P. Paul Gauguin. Barcelona: Editores, S.A.
Su obra reviste un carácter trascendente y se lo Oficinas Gran de Sant Andreu; 2000.
puede considerar como uno de los agentes promotores
de cambio dentro de la historia de las artes plásticas, 15. Spence D. Grandes Artistas Gaugin. Huida al Eden.
Madrid: Celeste Ediciones; 1998.
pues logró ampliar el horizonte artístico de su tiempo
y ha ejercido una influencia importante sobre la 16. Carvalho de Magalhaes R. Paul Gauguin. París: Edi-
cultura artística contemporánea. tions Gründ; 2002.
17. Gauguin P. Noa Noa. The Tahitian Journal. Nueva
York: Dover Publications, Inc.; 1985.
18. Gauguin P. Noa Noa. México, D.F: Ediciones Coyoacan
S.A. de C.V; 1999.
19. Paul Gauguin. Gauguin´s Intimate Journals (Diarios
Intimos). Nueva York: Dover Publications, Inc.
Mineola; 1996.
20. Cachin F. Gauguin. The quest for paradise. Nueva
York: Harry N. Abrams, Inc., Publishers; 1992.

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