Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más destacadas familias musicales de la

historia. Durante más de doscientos años, la familia Bach produjo buenos intérpretes y
compositores. En aquella época, la Iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban
una significativa aportación para la formación de músicos profesionales.
Bach era consciente de los logros musicales de su familia y hacia 1735 esbozó una genealogía,
Ursprung der musikalisch-Bachischen Familie (Origen de la familia musical Bach), buscando la
historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia.

Bach nació en Eisenach, alemania en 1685 (mismo año en que nacieron haendel y scarlatti).
Su padre, Johann Ambrosius Bach, fué director de los músicos de aquella cuidad: de él
probablemente adquirió sus primeras naciones tanto en violín como en teoría musical. Su tío
Johann Christoph Bach lo introdujo al aprendizaje del órgano.
A los diez años quedó huérfano por lo que se fué a vivir con sus tíos.

​Allí copiaba, estudiaba e interpretaba música, incluyendo la de su propio hermano, a pesar de

estar prohibido hacerlo porque las partituras eran muy valiosas y privadas y el papel de ese tipo
era costoso.9​10​Aprendió teoría musical y composición, además de tocar el órgano, y recibió
lecciones de su hermano, que lo adiestró en la interpretación del clavecín. Johann Christoph le
dio a conocer las obras de los grandes compositores del Sur de Alemania de la época, como
Johann Pachelbel (que había sido maestro de Johann Christoph)11​y Johann Jakob Froberger;
de compositores del Norte de Alemania;12​de los franceses, como Jean-Baptiste Lully, Louis
Marchand y Marin Marais, así como del clavecinista italiano Girolamo Frescobaldi. También en
esa época estudió teología, latín, griego, francés e italiano en el gymnasium de la localidad.

En enero de 1703, poco después de terminar los estudios y graduarse en San Miguel y de ser
rechazado para el puesto de organista en Sangerhausen, Bach logró un puesto como músico de
la corte en la capilla del duque Juan Ernesto III, en Weimar. En 1703 tomó un puesto como
organista en la Iglesia de San Bonifacio, y comenzó a componer sus primeros preludios para
órgano.
En 1706 comenzó a trabajar en la iglesia de San Blas, haciendo un gran trabajo para la
reconstrucción del órgano que tenían.
Transcurrido apenas un año, en 1708, le llegó una nueva oferta de trabajo como organista
desde la corte ducal en Weimar.
Este período en la vida de Bach fue fructífero y comenzó una época de composición de obras
para teclado y orquestales. Alcanzó el nivel de competencia y confianza para ampliar las
estructuras existentes e incluir influencias del exterior. A la muerte del príncipe Juan Ernesto en
1707, su hermano Guillermo Ernesto había asumido el poder de facto. Por su anterior cercanía
con el duque Juan Ernesto, que había sido a su vez un avezado músico y admirador de la
música italiana, Bach había estudiado y transcrito las obras de Antonio Vivaldi, Arcangelo Corelli
y Giuseppe Torelli, entre otros autores italianos, gracias a lo cual había aprendido a escribir
aperturas dramáticas y a emplear los ritmos dinámicos y los esquemas armónicos que se
encontraban en dicha música, asimilando su dinamismo y emotividad armónica, y aplicando
dichas cualidades a sus propias composiciones, que a su vez eran interpretadas por el conjunto
musical del duque Guillermo Ernesto. Absorbió estos aspectos estilísticos en parte mediante la
transcripción de conciertos para cuerda y viento de Vivaldi a clavecín y órgano; muchas de esas
obras transcritas son todavía interpretadas con frecuencia. Se sintió atraído especialmente con
el estilo italiano en e9l que uno o más instrumentos solistas alternan sección por sección con la
orquesta completa a través de un movimiento.
Continuó tocando y componiendo para órgano e interpretando música de concierto con el
conjunto del duque. También comenzó a componer preludios y fugas, posteriormente
recopilados en su obra monumental El clave bien temperado, impreso por primera vez en 1801,
que consta de dos libros compilados en 1722 y 1744,​cada uno de los cuales contiene un
preludio y fuga en cada tonalidad mayor y menor.

En 1723, Bach fue nombrado Thomaskantor y director musical de las principales iglesias de la
ciudad, San Nicolás.El trabajo de Bach le requería instruir a los estudiantes de la Thomasschule
en el canto y proveer semanalmente de música sacra a las principales iglesias de la ciudad.
Además, tenía que enseñar latín, pero le permitieron emplear a cuatro ayudantes para que lo
hicieran en su lugar, así como para ayudarle en la instrucción musical.​Le encargaron una
cantata para el servicio de los domingos y días festivos en la iglesia durante el año litúrgico.

Amplió sus horizontes compositivos más allá de la liturgia al hacerse cargo, en marzo de 1729,
de la dirección del Collegium Musicum, una sociedad musical de estudiantes fundada en 1703
por Georg Philipp Telemann. Esta era una de las docenas de sociedades privadas creadas por
estudiantes universitarios activos musicalmente que existían en las principales ciudades
germanoparlantes y que, lideradas por los músicos profesionales más destacados de cada
ciudad, se fueron haciendo progresivamente más importantes en la vida pública musical

Obras de Bach:

La obra de Bach se puede dividir en tres grandes períodos bien diferenciados, marcados por las
influencias y la asimilación de los estilos de su época, el desarrollo, búsqueda y evolución de su
estilo personal, y los puestos profesionales que desempeñó.

El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando ya en

Weimar; en él escribió música para teclado y cantatas sacras, y formó su estilo, que sintetizó
toda la tradición de la música clásica europea precedente: la polifonía clásica fijada en tiempos
de Giovanni Pierluigi da Palestrina; el primer Barroco de Girolamo Frescobaldi; la música
francesa del siglo xvii; y la de autores alemanes e italianos de su época como Dietrich
Buxtehude, Johann Pachelbel y Antonio Vivaldi.

El segundo período, ya de plena madurez, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740,

afincado ya en Leipzig. Bach dominaba los dos estilos principales de su época, el francés y el
italiano (progresiones armónicas) ya plenamente tonales, claridad melódica y dinamismo rítmico,
y, de hecho, su producción estuvo muy influida por el concierto italiano y la suite francesa.124​
Sintetizó en sus obras elementos de ambos junto a rasgos autóctonos alemanes como el
complejo contrapunto y textura interna y el coral, del que hace amplio uso en sus obras
religiosas.

El último período de su música va desde la publicación de Clavier-Übung III, en 1739, hasta su

muerte en 1750. En esta etapa compuso el El arte de la fuga. Durante los últimos años de su
vida —dominados ya en Alemania por la estética de la Ilustración— su obra fue considerada
anticuada, árida, difícil y saturada de adornos. En este período escribió obras instrumentales
singularmente densas, como haría más adelante Beethoven, y su estilo personal se volvió más
contrapuntístico, con apenas una leve influencia de la nueva música galante o estilo preclásico
naciente en aquellos momentos, que se caracterizaba por su carácter homofónico y apenas
utilizaba el cargado contrapunto que Bach usaba.
Este extraordinario compositor fue el creador del clave temperado, con lo que unificó la afinación
de los instrumentos de la gran orquesta Barroca, además de crear la forma Fuga, que se
convertiría en asidero importante para los nuevos compositores que en adelante se destacarían
en la música.

ESTILO MUSICAL:

La música de Johann Sebastian Bach es conocida por su complejidad y riqueza técnica. Una de
las características distintivas de su música es su uso de la polifonía, que implica la
superposición de varias líneas melódicas al mismo tiempo. Bach utilizó esta técnica de manera
magistral en sus obras, creando capas de sonidos que se complementan y contrastan entre sí.
Esto da a su música una sensación de profundidad y dinamismo que es única.

Otra característica distintiva de la música de Bach es su uso del contrapunto, que es la técnica
de combinar varias líneas melódicas de manera independiente pero armónica. Bach utilizó esta
técnica para crear patrones rítmicos y melódicos complejos que son una marca distintiva de su
estilo.

Además de su complejidad técnica, la música de Bach también se caracteriza por su

profundidad espiritual. Muchas de sus obras religiosas son intensamente emotivas y están llenas
de una gran pasión y devoción. Esto se ve reflejado en el uso de textos bíblicos y en su
habilidad para transmitir una amplia gama de emociones a través de su música.

En cuanto a su relación con la música de su época, Bach se encuentra dentro del Barroco, un
periodo en el cual se caracterizaba por el uso de la polifonía y contrapunto y se valoraba la
complejidad técnica y el virtuosismo. Sin embargo, su música se destaca por su profundidad y
complejidad en comparación con la de sus contemporáneos, y su legado ha sido esencial para
el desarrollo de la música clásica y el estudio de la teoría musical.

INFLUENCIA EN LA MÚSICA
La música de Johann Sebastian Bach ha ejercido una gran influencia en músicos y
compositores posteriores a lo largo de la historia. Su legado se extiende desde el siglo 18 hasta
nuestros días, y su impacto ha sido esencial en el desarrollo de la música clásica y en el estudio
de la teoría musical.

Una de las formas en que la música de Bach ha influenciado a músicos posteriores es a través
de su uso de la polifonía y el contrapunto. Estas técnicas son fundamentales para la música
barroca y clásica, y muchos compositores han seguido el ejemplo de Bach al utilizarlas en sus
propias obras. Además, Bach ha sido considerado como uno de los maestros del contrapunto y
su estudio ha sido considerado esencial para la formación de los músicos y compositores.

Otra forma en que la música de Bach ha influenciado a músicos posteriores es a través de su

uso de la estructura y la forma. Bach es conocido por su uso de estructuras complejas y bien
definidas en sus obras, y muchos compositores posteriores han seguido su ejemplo al utilizar
estas estructuras en sus propias composiciones.
Además, Bach ha sido un gran influencia en la música religiosa. Sus obras religiosas son
intensamente emotivas y están llenas de una gran pasión y devoción, y muchos compositores
han seguido su ejemplo al crear sus propias obras religiosas.

En el siglo XIX, Bach fue redescubierto y estudiado por compositores y músicos como Felix
Mendelssohn, Robert Schumann y Johann Brahms, quienes valoraron su música y su legado y
contribuyeron a la revalorización de su obra.

En el siglo XX, la música de Bach ha seguido siendo una fuente de inspiración para muchos
compositores, incluyendo a figuras tan destacadas como Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg y
Benjamin Britten, quienes han incorporado elementos de su música en sus propias obras.

QUONIAM TU SOLUS SANCTUS

Esta obra de Bach ha sido nombrada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. La misma es
un Aria cargada de excelsa belleza, e impregnada de un gran espíritu de alabanza, carácter
religioso que refleja la fé luterana del compositor. En el período Barroco, los músicos de Capilla
escogían oraciones o textos litúrgicos, y los arreglaban para orquesta, órgano, coros y solistas
vocales.

https://www.youtube.com/watch?v=I5DYhyiJtoE&t=1s

VARIACIONES DE GOLDBERG BWV 988

Esta obra de Bach es un Aria con variaciones diversas para clave para dos teclados. Fue
compuesta en el año 1741. Recibe el nombre de Goldberg ya que el compositor las escribiría
para que este joven, quien fue su alumno, las interpretara. Sería muy difundida en la época, y se
haría famosa en el siglo XX.

Fuga en C menor:

Entre las composiciones de Bach nos encontramos con muchas fugas.

La época barroca musical se destaca por su definición y se caracteriza por la unidad y

coherencia armónicas en la polifonía y el contrapunto. Existen además otras formas de música
contrapuntística, aparte de la gran variedad que nos ofrece Bach y Händel. En la Edad Media no
se valoraba la armonía de igual forma que la melodía. En la época de Palestrina, el problema de
la armonía se miraba desde un punto de vista distinto del de Bach. Pero la característica más
importante de todas las formas de música contrapuntística es el interés independiente de las
diferentes líneas melódicas en combinación unas con otras.

Esto ocasionó que muchos compositores encontrasen en la fuga el máximo exponente del
razonamiento musical barroco.

Características de la fuga musical

Como mencionamos, la fuga se reconoce por la exploración del contrapunto. Durante una fuga
las líneas melódicas de las voces van jugando, desarrollándose y alternándose en protagonismo
para crear dinámica. En su mayoría las fugas poseen 3 o 4 voces, pero también las hay con más
voces e incluso con solo 2, aunque esto es poco común. Por basarse en el estudio de las
ilimitadas relaciones entre las notas, la fuga se considera una de las formas musicales más
maduras.

La parte característica e inicial en la fuga es el sujeto, que es una frase musical que se utiliza
como tema y punto de partida. Durante la fuga, el sujeto irá alterándose, alternándose o
reproduciéndose en las distintas voces. A veces existe directamente un contrasujeto que es un
sujeto secundario que contrasta con el primero.

Algunas técnicas relacionadas a la fuga son:

Canon: Cuando un tema principal se mantiene idéntico pero desplazado en tiempo.
Stretto: Cuando una voz es interrumpida durante el tema para ser continuado por otra voz.
Pedal: Cuando una nota de bajo se mantiene mientras las voces superiores cambian incluso de
acorde.

SUITES PARA VIOLONCHELO

El Violonchelo en principio no era muy destacado dentro del conjunto orquestal en el período
Barroco. Bach le daría un nuevo enfoque a este maravilloso instrumento musical, creando
composiciones donde dicho instrumento se destacaría como solista, ya que hasta entonces sólo
se utilizaba como un instrumento para acompañar. Así de esta forma el compositor pudo
estudiar las cualidades y potencialidades del mismo, y así crear obras maravillosas para
Violonchelo, tal es el caso del Preludio de la Suite No 1 en Sol Mayor.

Para comenzar, el preludio es uno de los géneros más destacados del período Barroco. Los
preludios fueron compuestos por el compositor como una antesala a una fuga, o a una Suite de
danzas.

https://www.youtube.com/watch?v=AfBMJmSw_cI&t=1s

J. S. Bach: Coral nº 1 Aus meines Herzens Grunde.

https://www.youtube.com/watch?v=KxFrP2nDP_s

El coral protestante es un género musical a cappella o con acompañamiento instrumental

generalmente a cuatro voces mixtas, introducido por la Iglesia Luterana en el siglo xvi para ser
usado en las ceremonias religiosas.

Es un canto sacro adoptado por Lutero para ser cantado por la congregación. La melodía es
armonizada generalmente de manera sencilla a cuatro partes. Esta melodía es utilizada como
canto principal o cantus firmus en la voz superior. El texto se canta en lengua vernácula, no en
latín. La melodía puede ser nueva o estar basada en cantos conocidos y es armonizada de
manera que los fieles puedan participar.

El compositor más conocido por hacer uso de corales alemanes es sin duda Johann Sebastian
Bach

Cantata:

https://www.youtube.com/watch?v=3n7OPLY5-_0
Herz und Mund und Tat und Leben, BWV 147

La Cantata de la iglesia alemana fue escrita para el servicio luterano, donde seguía el Evangelio
o, en el caso de obras de dos partes, enmarcaba el Sermón.4​Se entendía como proclamación
de la palabra a través de la música, y secundariamente como sacrificio de alabanza. Por lo
tanto, la declamación del texto lo más penetrante posible fue decisiva para su desarrollo.

Una cantata de iglesia típica de la época de Johann Sebastian Bach consta de:

Audición instrumental (opcional)

Coro de entrada (opcional)
Secuencia de recitativos, arias, ariosi y corales, posiblemente también coros
Coral de clausura
Textos bíblicos, paráfrasis sobre éstos, poesía contemporánea libre y corales, que también
fueron frecuentemente parafraseados como en los movimientos medios de la Cantatas Corales
de Bach de 1724, sirvieron como base textual.

También fue importante la Solo cantata para una sola voz cantante y acompañamiento de
continuo u orquesta.

Oratorio:
El oratorio comprende generalmente una obertura, recitativos, arias y coros. Basado en textos
religiosos.

A diferencia de la ópera, el oratorio es interpretado en forma de concierto, sin representación

escénica: su trama se narra a partir de los textos y la música. Además, mientras que las óperas
se ponen en escena habitualmente en un teatro construido especialmente para este género, el
oratorio suele representarse en iglesias.