LIBRO 3

HISTORIA DEL
ARTE
DEL IMPRESIONISMO AL FUTURISMO
HISTORIA
LIBRO 2
14 Renacimiento Italiano
15 Renacimiento fuera de Italia

DEL ARTE
16 Manierismo
17 Barroco
18 Rococó
19 Neoclasicismo
20 Romanticismo
21 Realismo
LIBRO 1 22 Arte Japonés
1 Prehistoria
1.1 Paleolítico LIBRO 3 Fines del XIX y principios del XX
1.2 Neolítico 23 Impresionismo
2 Mesopotamia 24 Postimpresionismo
2.1 Sumerios 25 Simbolismo
2.2 Arcadios 26 Fauvismo
2.3 Hititas 27 Expresionismo
2.4 Asirios 28 Cubismo
2.5 Babilonios 29 Futurismo
3 Egipto
4.1 El Egeo LIBRO 4 Siglo XX
4.2 Grecia Arcaica 30 Dadaismo
4.3 Grecia Clásica 31 Surrealismo
4.4 Helenístico 32 Abstracción
5 Los Etruscos y Roma 33 Regionalismo y Realismo Norteamericano
5.1 Etruscos 34 Expresionismo Abstracto
5.2 Pintura Romana 35 Pop Art
5.3 Escultura Romana 36 Op Art
6 Arte paleocristiano 37 Minimalismo
7 Arte Bizantino 38 Arte Cinetico
8 Arte Carolingio 39 Nueva Figuración
9 Arte Vikingo 40 Informalismo
10 Arte Anglosajón y Celta 41 Arte Abstracto Contemporaneo
11 Arte Islámico 42 Neo Expresionismo
12 Arte románico 43 Street Art
13 Arte gótico 44 Neo Pop Art
45 Nuevos Medios

CONCEPTOS BÁSICOS:
- ARTE: Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo
material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como
Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios
patrones de belleza y estética. El artista para crear, requiere ante todo estar dotado de imaginación, a
través de la cual responde al vasto y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio
de palabras, formas, colores y sonidos.
- ARQUITECTURA: La Arquitectura es el arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus más
acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende
de la otra, pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina.
- ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres dimensiones reales, sean
volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean objetos en los que predomina el espacio,
apenas delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se emplean materiales que pueden
reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales transparentes. El escultor tradicional crea formas
volumétricas modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera y la arcilla húmeda, o
tallando materias duras como la piedra, el granito, la madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le
permiten reproducir en relieve lo que aquellos representan en hueco.
- PINTURA: Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o imaginario por medio del
dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y pinturas que los primitivos
habitantes del planeta dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres.
Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a paredes y techo
usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando ha sido elaborada con colores desleídos en
aceite secante, por lo general sobre una tela.

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HISTORIA DEL ARTE

23. IMPRESIONISMO
Los impresionistas tomaron muchas de sus ideas de Gustave
Courbet y sus colegas realistas que, en la década de 1850, se
habían rebelado contra el arte academicista y su énfasis en los
temas históricos, religiosos y mitológicos.
Visualmente, el grupo impresionista se inspiro en dos importantes
fuentes. Por un lado, admiraban particularmente la osadía y
simplicidad de la xilografía japonesa, recién llegara a Occidente.
La actitud informal hacia las leyes de la perspectiva, la ausencia
de modelado de las figuras y los colores puros y brillantes de las
Édouard Manet en 1867
estampas japonesas llevaron a un gran número de pintores a
replantearse su propio enfoque.
En su revuelta contra el academicismo, los impresionistas
desarrollaron sus propios temas, que celebraban la vida moderna
parisina. En vez de episodios del pasado con una elevada
moralidad, pintaron escenas de las diversiones y ocupaciones de
la gente de la ciudad y los suburbios, además de paisajes.

Édouard Manet (Páris 1832-1883)

Manet, Édouard (París, 23 de enero de 1832 - 30 de abril de 1883)
Pintor y grabador francés. Figuró entre los precursores del
impresionismo. En 1863 provocó un gran escándalo cuando su Olympia, 1863
tela, El almuerzo campestre -realizada con una técnica
revolucionaria en la que se suprimen los tonos intermedios y los
sombreados-, fue rechazada por el jurado de la Real Academia. El
cuadro, que fue exhibido en el Salón de los Rechazados,
significaba un gran paso adelante en el estilo realista: la
representación de dos estudiantes vestidos junto a dos jóvenes
desnudas, bañándose y comiendo en el campo, fue considerado
indecente por los críticos burgueses, pero fue aprobado con
entusiasmo por los jóvenes pintores que experimentaban con la
pintura al aire libre y que formarían el grupo de los impresionistas.

Un bar del Folies-Bergère, 1862

El almuerzo sobre la hierba, 1863 Amazona de frente, c.1882

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Claude Monet (Francia 1840-1926)

Claude Monet, fue un pintor francés, uno de los creadores del
impresionismo. El término impresionismo deriva del título de su
obra Impresión, sol naciente (1872).
Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de
estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París.
A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras
impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era
marcado por las academias de arte, empeoró su situación
económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese
azaroso camino.
En la década de 1870 formó parte de las exposiciones
impresionistas en las cuales también participaron Pierre-Auguste
Renoir y Edgar Degas. Su
obra Impresión, sol naciente
formó parte del Salón des
Refusés de 1874. Su carrera
fue impulsada por el
Claude Monet
marchante Paul Durand-
Ruel, pero a pesar de esto su
situación financiera
permaneció siendo difícil
hasta mediados de la década
de 1890. En esta época,
Monet desarrolló el concepto
de las «series», en las que un
motivo es pintado repetidas
veces con distinta
iluminación. Al mismo tiempo
comenzó a trabajar en el
famoso jardín de su casa en
Giverny con estanques de
nenúfares que luego utilizó
como motivo para sus La Catedral de Rouen, 1894
pinturas.

Mujer con sombrilla, 1875

Impresión, sol naciente , 1872 El Parlamento de Londres, 1905

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Pierre-Auguste Renoir (Francia 1841-1919)

Fue un pintor francés impresionista, que en la segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de
cuerpos femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas.
Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la
belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet o Van Gogh.
Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban
la sociedad galante del Rococó, como Watteau.

Almuerzo de remeros. Óleo. 1881 En la terraza (dos hermanas) 1881

Edgar Degas (Francia 1834-1917)

Fue un pintor y escultor francés.
C onsiderado uno de los fundadores del
Impresionismo, aunque él mismo rechazaba el
nombre y prefería llamarlo realismo o arte realista,
Degas fue uno de los grandes dibujantes de la
historia por su magistral captación de las
sensaciones de vida y movimiento, especialmente
en sus obras de bailarinas, carreras de caballos y
desnudos. Sus retratos son muy apreciados por la
complejidad psicológica y sensación de verdad
que transmiten.

Clase de danza, 1871 La pequeña bailarina de catorce años - 1880

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Auguste Rodin (Francia 1840-1917)

Auguste Rodin, fue un escultor francés. Considerado el padre de la
escultura moderna, su importancia se debe a la ruptura con el canon
académico que imperaba en el siglo XIX en Francia. Lo anterior no
significa que el artista no conociera o dominara las reglas de la estética
de su tiempo, sino que su concepción del arte le permitió inaugurar una
nueva etapa en el ámbito de la escultura.

Olympia, 1863
El pensador 1881 El beso 1882 La edad de bronce 1877

Joaquín Sorolla (España 1863-1923)

Joaquín Sorolla Bastida, fue un pintor español.
Artista prolífico, dejó más de 2200 obras
catalogadas. Su obra madura ha sido
etiquetada como impresionista,
postimpresionista y luminista.

Niños en la playa, 1910

Paseo por la playa, 1909 Corriendo por la playa, 1908

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24. POST IMPRESIONISMO

Posimpresionismo o postimpresionismo1 es un término
histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos a finales
del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo.
Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una
exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y
Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este
término engloba diversos estilos personales planteándolos
como una extensión del impresionismo y a la vez como un
rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas
continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta
de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real,
pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.
Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar
fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva
del mundo.

Paul Cezanne (París 1839-1906)

Paul Cézanne, fue un pintor francés postimpresionista,
considerado el padre de la pintura moderna y cuyas obras
establecieron las bases de la transición entre la concepción
artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX,
nuevo y diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un
pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento.
Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y hasta 1895
expuso solo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,
que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado solo por Los jugadores de naipes, 1885
algunos impresionistas y al final de su vida por la nueva
generación.

Piramides de calaveras, 1901

Las grandes bañistas, 1898 Naturaleza muerta con cráneo, 1898

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Henri de Toulouse Lautrec (Francia 1864-1901)

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa,
conocido simplemente como Toulouse-Lautrec, fue un pintor
y cartelista francés, que destacó por la representación de la
vida nocturna parisina de finales del siglo XIX

Troupe de Mlle Églantine

Marcelle Lender Dancing in the Bolero in Chilperic, 1895 Baile en el Moulin Rouge, 1890

Georges Pierre Seurat (Francia 1859-1891)

Georges-Pierre Seurat fue el fundador del llamado neo-
impresionismo (o puntillismo), que lleva la ciencia a la
pintura mediante el estudio del color. El artista teorizó sobre
la aplicación científica del color, que como cualquier otra ley
natural, podría llevarse a la pintura. Podría ser el ojo quien
mezclara los colores, y no el artista. Es el propio espectador
quien hace la función de paleta.

Las modelos, 1888

Paseo por la playa, 1909 “Bañistas en Asnières”, 1884

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Vincent Van Gogh (Francia 1853-1890)

Menos de diez años de dedicación a la pintura bastaron para
otorgar a Van Gogh un lugar entre los genios de la historia del
arte, y es difícil imaginar cuál hubiera sido su aportación de
no haber truncado él mismo su trayectoria. Debe decirse, sin
embargo, que su dedicación fue tan breve como ardiente:
componen su legado más de ochocientos cuadros, además
de numerosos dibujos y aguafuertes. Las obras realizadas
antes de su estancia en París conforman lo que podría
llamarse el periodo oscuro del pintor; de hecho, sus primeras
telas importantes datan de los dos años inmediatamente
anteriores a su llegada a la capital francesa (1884-1885).
Admirador entusiasta de Millet, Van Gogh retrató con rudeza
en estas primeras obras el sufrimiento de los trabajadores
humildes sometidos a considerables esfuerzos físicos y sus
miserables condiciones de vida.

Autorretrato 1886

Los comedores de patatas (1885)

La noche estrellada (1889).

Sembrador a la puesta de sol (1888).

El dormitorio en Arlés (1888). Campo de trigo con cuervos (julio de 1890)

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Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848-Atuona, Islas
Marquesas, 8 de mayo de 1903) fue un pintor
posimpresionista reconocido después de su fallecimiento. El
uso experimental del color y su estilo sintetista, fueron
elementos claves para su distinción respecto al
impresionismo. Su trabajo fue gran influencia para los
vanguardistas franceses y muchos otros artistas modernos
como Pablo Picasso y Henri Matisse. El arte de Gauguin se
volvió popular después de su muerte, parcialmente debido a
los esfuerzos del comerciante de arte Ambroise Vollard,
quien organizó exhibiciones de su obra casi al término de su
carrera y póstumas en París. Muchas de sus obras se
encontraban en la posesión del coleccionista ruso Sergei
Shchukin así como en otras colecciones importantes.

Autorretrato 1893

¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, 1897

El Cristo amarillo (Le Christ jaune), 1889

¿Cuándo te casas?), 1892 Primavera sagrada, dulces sueños, 1894

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25. SIMBOLISMO
El Simbolismo es un movimiento literario y de artes
plásticas que se originó en Francia en la década de 1880,
paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción
al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el
Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo
académico se habían identificado con los problemas
contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los
artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la
sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos
valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura
no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo
que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad
industrial y la degradación.
Gustav Klimt (París 1862-1918)
Fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más
conspicuos representantes del movimiento modernista de
la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un
estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a
través de objetos de artesanía, como los que se encuentran
reunidos en la G alería de la S ecesión vienesa.
Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt
encontró en el desnudo femenino una de sus más
recurrentes fuentes de inspiración

El beso, 1907

En 1911, gracias a La vida y la muerte, Klimt es

galardonado con el primer premio de la Exposición
Universal de Roma. En 1915, murió su madre, Anna. Tres
años más tarde, tras haber pasado un infarto, neumonía y la
llamada gripe española, Klimt falleció. En su taller dejó
inacabadas gran cantidad de obras. Un número
considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura
nazi. Al avance de las tropas enemigas, y al ver que sus
obras se convertirían en botín de guerra, decidieron quemar
el castillo donde estas permanecían confiscadas.
Retrato de Adele Bloch-Bauer I,, 1907

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EL SIGLO XX

Se ve fuertemente influenciado por la política y la sociedad del momento. No escapa a la realidad sino que
brota de ella. Luego de la [ilustración], que había creado un sentimiento de confianza en el ser humano, la
razón y la ciencia entraron en crisis. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable. La
crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en los años 1930 impactan en la sociedad creando
movimientos artísticos de protesta. Es una época de profundos y acelerados cambios, donde el progreso
científico y tecnológico deja avances impensados como el automóvil, el avión, la televisión, la llegada del
hombre a la Luna, etc. Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos
como el futurismo. El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el arte,
por ejemplo en el arte pop. Se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias
y luego el arte postmoderno.

26. EL FAUVISMO
Fue un movimiento pictórico originado en Francia, alrededor de 1904 a 1908. Luego se expandió a otros
países, en años posteriores. Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del color. Su
nombre procede de la expresión les fauves ‘las fieras’, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al
conjunto de obras presentadas en la Sala VII de la tercera exposición del Salón de Otoño, en el Gran
Palacio de París, en 1905. Lo usó por primera vez en su crítica de arte publicada en el periódico Gil Blas, el
17 de octubre de 1905, en un artículo dedicado al salón artístico.

Henri Matisse (París 1869-1954)

Henri Émile Benoît Matisse fue un pintor francés conocido por
su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como
dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor,
es reconocido ampliamente, junto con Pablo Picasso, como
uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera,
se le identificó con el fovismo y para los años 1920 ya se había
destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y
del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se
extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación
como una de las figuras centrales del arte moderno. Durante
su trayectoria, supo conjugar en sus obras la influencia de
artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas
persas, el arte africano o las telas moriscas.
Retrato de Henri Matisse

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Notre-Dame, une fin d'après-midi, 1902 La Danza, 1910

La raya verde, 1905 Habitación roja, 1908 La blusa rumana, 1940

La gerbe, 1953 Desnudo Azul, 1952

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André Derain (Francia 1880-1954)

Fue un pintor, ilustrador y escenógrafo francés,
representante del fauvismo.
Derain tenía dieciocho años de edad cuando entró a la
Academia Carriere, lugar donde conoció a Henri Matisse y
a Maurice de Vlaminck. En 1905 dichos pintores
expusieron en el Salón de Otoño junto a sus colegas
Georges Rouault y Henri Manguin, siendo la primera
exposición del grupo fovista, en la que se expresaba la
emoción con el color. Fue también decorador y figurinista
para el ballet y el teatro y coleccionista de obras de arte.
Fue el alma del fovismo con su inclinación a los matices,
su juventud impetuosa y su febril perseverancia. Derain
demostraba su receptividad al nuevo dogma de “forma a Paisaje de Chatou, 1904
través del color” admirando a Vincent van Gogh y a Paul
Cézanne. Realizó una serie de pinturas de este estilo,
primero en Collioure, en 1905, y luego en Londres en
1906, entre las que pintó “Una Esquina de Hyde Park”, ”El
Puente de Westminster” y “El London Bridge”. A principios
de 1908, sin razón ni explicación, destrozó sus obras, y se
dedicó a pintar paisajes similares a los de Cézanne.

Barcos en Collioure , 1905

El puente de Charing Cross, 1906

Los bañistas, 1907 Retrato de Matisse, 1905

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Maurice de Vlaminck (Francia 1876-1958)

Vlaminck fue uno de los pintores que causaron escándalo en
el Salón de otoño de 1905, que recibió el apelativo de «jaula
de fieras», dando nombre al movimiento del que formaba
parte junto a Henri Matisse, André Derain, Raoul Dufy y
otros.

Restaurante en Marly-le-Roi, 1905

El circo, 1906 La chica de la cafereria

Raoul Dufyk (Francia 1877-1953)

Raoul Dufy (Francia 1877 - 1953) fue un pintor fauvista y
cubista , artista gráfico y diseñador textil francés. Desarrolló
un estilo colorido y decorativo que se hizo popular en diseños
para cerámica, tejidos y esquemas decorativos de edificios
públicos. Destaca por sus escenas de acontecimientos
sociales al aire libre.

Interior con ventana abierta, 1928

Barcos marcados, 1946 Interior con mujer india, 1930

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 Pag. 15

27. EXPRESIONISMO
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania
a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de
campos: artes plásticas, arquitectura, literatura, música, cine,
teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el
terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición
del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos
artísticos en los primeros exponentes de las llamadas
«vanguardias históricas».

Edvard Munch (París 1863-1944)

Noruega (1863-1944)
El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo
da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado
cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más
frecuentes en sus obras fueron los relacionados con los
sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad Edvard Munch
(Melancolía), la angustia (El grito), la muerte (Muerte de un
bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso). Se le considera
precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los
rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor
noruego de todos los tiempos.

Tarde en Karl Johan, 1892

Melancolia, 1892

El grito, 1893 Naturaleza muerta con cráneo, 1898

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 Pag. 16

Ernst Ludwig Kirchner (Alemania 1880-1938)

Ernst Ludwig Kirchner Piper (Alemania 1880 - Suiza 1938) fue un pintor
alemán y uno de los representantes más importantes del expresionismo
pictórico. Fue uno de los cuatro estudiantes de la Escuela Técnica
Superior de Dresde que fundaron el grupo expresionista Die Brücke en
1905.

Mujer reclinada con la camisa blanca, 1909 Doris con cuello alto, 1906 Fränzi ante una silla tallada, 1910

Egon Schiele (Austria 1890-1918)

Egon Schiele (Austria 1890-1918), fue un pintor y grabador austriaco
contemporáneo y discípulo de Gustav Klimt. Fue junto a Oskar Kokoschka,
el mayor representante del expresionismo austriaco.
Edith Schiele (embarazada de seis meses) contrajo la gripe española, una
de las mayores epidemias que diezmó la población del planeta de 1918 a
1920. El virus (que había terminado con el ya debilitado cuerpo de Klimt) la
mató y, tres días más tarde, también falleció Schiele.
El cuadro “La Familia” es, por tanto, tremendamente doloroso al ver a la
pareja sentada y el bebé entre la piernas de la madre, bebé que nunca llegó
a nacer y familia que desapareció para siempre por culpa de la llamada
“gripe española”.

Autorretrato con hombro desnudo, 1912

Autorretrato con brazo girando sobre Mujer sentada con la pierna izquierda La familia, 1918
la cabeza, 1910 levantada (1917
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 Pag. 17

Oskar Kokoschka (Austria 1886-1980)

Oskar Kokoschka (1886 - 1980) fue un pintor y poeta de origen
austríaco, conocido principalmente por sus retratos y paisajes
expresionistas.

Caballero errante, 1914 Conte Verona, 1910

Otto Dix (Alemania 1891-1969)

Otto Dix (Alemania 1891-1969) fue un
pintor de la Nueva Objetividad y el
Expresionismo alemanes.
Su trabajo pictórico abarca una gran
diversidad de estilos, aunque el gran
público conoce, principalmente, sus
pinturas sobre la guerra. Dibujante
excepcional, dejó 500 bocetos y diversos
retratos, además de lienzos y acuarelas,
que evocan la época renacentista. La
mayor parte de su obra se halla expuesta
en el Museo de Arte de Stuttgart.

Las tropas de choque avanzan bajo gas, 1924

Calle de Praga, 1920 Soldado herido, 1924

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28. CUBISMO
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914,
creado por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores
por Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume
Apollinaire. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las
vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de
la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

Pablo Picasso (España 1881-1973)

La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo,
revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la
representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista
único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró Pablo Picasso
incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte
del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad
del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su
personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los
problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el Guernica
(1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido.

Periodo Azul (1901-1904)

La habitación azul (1901) Arlequin pensativo, 1901

El Viejo guitarrista ciego (1904) La muerte de Carles Casagemas (1901) La vida (1903)

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 Pag. 19

Periodo Rosa (1904-1907)

El período rosa o época rosa de Pablo Picasso es considerado la segunda gran etapa en la carrera
artística del pintor, durante la cual instaló su residencia definitiva en París. El período ocurrió entre 1904 y
1907. La obra hecha en este lapso de tiempo destaca por la calidez de sus colores pasteles y la frecuencia
de los temas circenses. El desarrollo del estilo, técnica y temática de Picasso durante este período y la
subsiguiente etapa primitiva africana desembocarían eventualmente en la creación del cubismo, cuyas
primeras obras, aún guardan ciertas características residuales del período rosa.

Muchacho con caballo, 1906 Acrobatas madre e hijo, 1905 Las señoritas de Avignon, 1907

CUBISMO PICASSISTA (1907)

El cuadro Las señoritas de
Aviñón (1907) marcó el fin del
periodo Rosa y el comienzo del
cubismo. El pintor se inspira en el
geometrismo y en el arte negro
para descomponer las figuras en
esquemas geométricos y
conseguir la sensación de
profundidad mediante la
superposición de planos. En esta
obra Picasso rompe con todas las
normas tradicionales de la pintura
figurativa fragmentando la
perspectiva en volumenes
cuadrados y angulosos.
Mujer con peras, 1909 El embalse, Horta de ebro , 1909

Toros, 1945 Guernica, 1937

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Georges BRAQUE (Francia 1882-1963)

Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un
principio, Georges Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de
Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo, bajo la
influencia de su amigo Othon Friezs, con obras como El embarcadero
del puerto de l'Estaque.
En 1907, una exposición de Cézanne y el encuentro con Picasso
pusieron a Braque en la senda del cubismo, tendencia de la que es
cofundador. Desde entonces hasta su movilización en la Primera
Guerra Mundial, trabajó en estrecha colaboración con Picasso, dando
vida a la fase llamada cubismo analítico (Naturaleza muerta con
instrumentos musicales), y más tarde a la denominada cubismo
sintético (Vaso y violín).
A diferencia de Picasso, que plasmó con frecuencia la figura humana,
Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza
muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo
del collage o la incorporación de letras y números.

Georges Braque

Viaduc de l'Estaque, 1908 Big nude, 1908 Puerto en Normandia, 1909

Bodegon con pipas, 1911 Balaustre y craneo, 1938

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Juan GRIS (España 1887-1927)

(José Victoriano González; Madrid, 1887 - Boulogne-sur-Seine,
Francia, 1927) Pintor español, máximo representante del cubismo
sintético. Cursó estudios en la Universidad de Madrid, pero pronto
se consagró a la pintura; en 1906 se trasladó a París y se instaló en
el Bateau-Lavoir, donde fue vecino de Pablo Picasso y conoció a
intelectuales y artistas como Guillaume Apollinaire, Max Jacob y
Georges Braque, entre otros.

Guitarra y periodico, 1925 Bodegón con una guitarra, 1913 Botellas y cuchillo, 1912

Fernand Léger (Francia 1881-1955)

P intor de las máquinas, de
industria y la vida urbana,
Fernand Léger fue un cubista muy
personal, que además se
adelantó al futurismo. El artista
nace en el seno de una familia
campesina francesa y empieza a
trabajar como dibujante de
arquitectura. No consigue una
plaza en Bellas Artes, pero visita
asiduamente el Museo del Louvre
y las galerías impresionistas,
donde aprendió más. Al igual que
Picasso y Braque, su vida cambia
al descubrir a Cézanne, pero se
aleja del cubismo ortodoxo para
dotarlo de un colorido propio y una
temática orientada a la
iconografía de la máquina. Mujer con gato, 1921 Los constructores, 1950

La parte del grafico, 1917 Tres mujeres, 1921

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29. FUTURISMO
Se conoció como futurismo a una de las muchas corrientes
artísticas que compusieron las vanguardias europeas del siglo
XX, surgido en Italia en 1909, cuando el poeta, dramaturgo y
editor italiano Filippo Tommaso Marinetti publicó en el diario Le
Figaro de París su Manifiesto Futurista.
Se trataba de un movimiento ávido por romper con la tradición, el
pasado y lo considerado hasta entonces como rasgos principales
del arte y la poesía, postulando en su lugar la exaltación de lo
sensual, lo nacional y la irreverencia.
El futurismo se ofrecía como un movimiento actual, feroz y Umberto Boccioni
agresivo, tal y como se expreso en el Manifiesto Futurista.

Umberto BOCCIONI (1882-1916)

En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el
movimiento de las formas y la concreción de las materias.
Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su
estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la
línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un
efecto de vibración.

Idolo moderno, 1911

Umberto Boccioni

Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913 El cargo de los lanceros, 1915

Volumenes horizontales, 1912 Elasticidad, 1912 Antigrazioso, 1913

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Giacomo Balla (1871-1958)

Giacomo Balla fue uno de los principales componentes del
movimiento futurista italiano.De formación artística autodidacta,
estudió durante un tiempo en la Accademia Albertina de Turín y en
1895 se trasladó a Roma. En 1900 residió durante unos meses en
París, donde visitó la Exposición Universal. Allí se sintió impresionado
por la vida de la gran metrópoli y estudió las pinturas
neoimpresionistas de Georges Seurat, Paul Signac y Henri-Edmond
Cross. A su regreso a Roma, difundió la técnica divisionista entre
jóvenes artistas como Umberto Boccioni, Gino Severini y Mario Sironi.
En 1910 se adhirió al movimiento futurista al firmar La pittura futurista
Manifesto técnico, pero no expuso con este grupo hasta 1912. En las
obras de ese periodo, Balla intentaba representar el movimiento y la
velocidad, tomando como base las cronofotografías de Étienne-Jules
Marey. A partir de 1913 sus composiciones se hicieron más
abstractas, y la representación de la descomposición del
desplazamiento dio paso a unas nuevas estructuras espirales y el
estudio del movimiento al análisis de la descomposición de la luz. En
1915 firmó junto a Fortunato Depero el manifiesto Reconstrucción
futurista del universo, en el que se extendían los principios futuristas a
todos los aspectos de la vida diaria. Giacomo Balla

Puerto en Normandia, 1909

Velocidad de una motocicleta, 1913 Dinamismo de un perro con correa, 1912

Muchacha que corre en el balcón, 1912 El vuelo de las golondrinas, 1913

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Joseph Stella (1877-1946)

Fue un pintor de origen italiano que perteneció a la corriente artística
futurista estadounidense. Sus pinturas más reconocidas son las
representaciones que realizó sobre temas relacionados con la
industrialización en los Estados Unidos. También ha sido asociado con
el movimiento artístico del precisionismo que surgió en la década de
1910 hasta su culminación en los años 1940.

Botellas y cuchillo, 1912

Luna park, 1913 El puente de Brooklyn La voz de la ciudad de Nueva York, 1939

Benedetta Cappa (1897-1977)

Benedetta Cappa (14 agosto 1897 a 15 mayo 1977) fue una artista
italiana futurista que ha tenido retrospectivas en el Centro de Arte Walker
y el Museo Solomon R. Guggenheim . Su trabajo se ajusta dentro de la
segunda fase del futurismo italiano.
Aunque era una artista activa en los círculos futuristas, Cappa sintió que
las etiquetas eran restrictivas e inicialmente rechazó la designación. A
pesar de entrar en su matrimonio con una independencia tan decidida,
las considerables contribuciones hechas por Cappa a menudo se ven
ensombrecidas por la figura de su esposo Marinetti. El cuerpo de trabajo
de Cappa abarcó una variedad de medios que incluían bolígrafo, papel,
pintura, metal y textiles. Escribió poesía, firmó y habló individualmente,
pero solo recientemente obtuvo reconocimiento independiente. Benedetta Cappa

Naples, 1936

Lancha motora, 1923 Visione di porto, 1933 Síntesis de comunicaciones

por radio, 1933
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LIBRO 3
HISTORIA DEL
ARTE
DEL IMPRESIONISMO AL FUTURISMO