Cubismo

Andrea Imaginario
Especialista en Artes, Literatura Comparada e Historia
El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Nació en el año 1907 y
finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo Picasso y Georges Braque. Su impacto fue tal que
se le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido
contemporáneo.

El movimiento cubista establece, por primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte
occidental que, hasta entonces, se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza, lo
que supuso entonces un gran escándalo, sobre todo entre los más conservadores. Pero ¿en qué
consiste el cubismo? ¿Por qué se dice que es un movimiento revolucionario? ¿Qué aportó a la
historia del arte y a la cultura occidental? ¿En qué reside su importancia?

Características del cubismo

Pabl
o Picasso: Mujer con mandolina. 1910. Óleo sobre lienzo. 100.3 x 73.6 cm. Museo de Arte Moderno,
Nueva York.

El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos,

resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no se representan como “son” o como se "ven", sino
como han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas geométricas esenciales,
orientando la atención al lenguaje plástico, la observación y el análisis. Comprendamos cómo lo
hace.

Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte

A diferencia de los movimientos predecesores, el cubismo se distancia abiertamente de la
representación naturalista, es decir, del principio de imitación de la naturaleza como objetivo final del
arte. Esto lo convierte en el primer movimiento de vanguardia propiamente dicho. El cubismo da un
paso más allá al distanciarse, incluso, de la idea de representar la naturaleza según los modos de
“percepción” de la vista o la emoción, en decir, en los efectos o los afectos. Es así como logra la
deconstrucción plástica por la vía analítica, logrando crear en el cuadro una realidad propia
independiente de cualquier referente y de cualquier intento por lograr la verosimilitud.

Síntesis y geometrización
 Juan
Gris: Arlequín con guitarra. 1919. Óleo sobre lienzo. Colección privada.

Supresión de la perspectiva y el claroscuro

Toda vez que no interesa la imitación de la naturaleza o de los modos de percepción óptica, el
cubismo no se interesa en el claroscuro y en la perspectiva, elementos plásticos al servicio del
principio de verosimilitud.

Superposición de planos
El cubismo yuxtapone diferentes planos en uno solo. La síntesis se hace total: al tiempo que sintetiza
las figuras a su mínima expresión geométrica, sintetiza también en un solo plano los diferentes
puntos de vista del objeto.

Incorporación de técnicas no pictóricas

Geo
rges Braque: Violín y pipa, 'Le Quotidien'. 1913. Collage con tiza, carbón, papel. Centro Georges
Pompidou, París.

Además de usar la pintura al óleo y otras técnicas habituales, los cubistas fueron los primeros en
incorporar técnicas no pictóricas al introducir el collage, es decir, el uso de materiales diversos
adosados sobre la superficie del lienzo.

Predominio de la forma sobre el fondo

En el cubismo, el análisis visual y los elementos plásticos en sí mismos tienen el protagonismo. Por
ello, no se sienten obligados a representar temas trascendentes, sino que la cotidianidad se vuelve
causa de inspiración para poder desarrollar un concepto.

Preferencia por el bodegón y la figura humana

rges Braque: Violín y jarra. 1910. Óleo sobre lienzo. 117 x 73 cm. Kunstmuseum Basel, Basilea.

De lo anterior se desprende el interés en temas como el bodegón o naturaleza muerta. Son

frecuentes los instrumentos musicales, frutas y objetos cotidianos, así como la figura humana
despojada de cualquier valoración referencial (mítica, religiosa, histórica o filosófica).

Contexto histórico del cubismo

Las características del cubismo parten, como toda transformación, de un proceso histórico con
implicaciones políticas, económicas, culturales y artísticas. Muchas cosas estaban cambiando a
finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

El desarrollo tecnológico había llegado a un punto verdaderamente transformador. La invención

del automóvil en 1885 y del aeroplano en 1903 había cambiado la percepción de la distancia y del
tiempo. Las primeras transmisiones inalámbricas por radio en 1895 cambiaron radicalmente los
parámetros de comunicación. La creación de cinematógrafo en 1896 permitió una nueva
concepción de la imagen a la que se incorporaba el movimiento, con no pocas consecuencias para
las artes visuales.

Por si fuera poco, los sistemas monárquicos europeos comenzaron a ser reemplazados por
repúblicas democráticas, al tiempo que crecían el socialismo y el comunismo ante las dinámicas
socioeconómicas generadas por el capitalismo. Era evidente que la nueva era que se abría paso,
esta sociedad industrializada y masiva, no se veía reflejada en las artes plásticas tradicionales, que
seguían atadas a la imitación de la naturaleza y/o al contenido.

Influencias del cubismo

La conceptualización del cubismo respondió también a las ideas que, tanto en lo artístico como en lo
cultural, pululaban a principios del siglo XX, y que llamaban la atención de los jóvenes artistas. No
solo había ideas nuevas, sino que había disponibles nuevas formas de mirar el mundo disponible.

Influencia del postimpresionismo

 Paul
Cézanne: Casas en L'Estaque. 1880. Óleo sobre lienzo.

Los postimpresionistas habían despertado la atención a principios del XX. Los jóvenes artistas
residenciados en París se sintieron particularmente conmovidos por una exposición retrospectiva del
pintor francés Paul Cézanne, llevada a cabo en 1907. Cézanne se caracterizaba por reducir los
volúmenes de los objetos a elementos geométricos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera.
 Geo
rges Braque: Casas en L'Estaque. 1908. Óleo sobre lienzo. 73 cm × 59,5 cm. Kunstmuseum Bern,
Berna.

Los nuevos artistas quedaron prendados de la sentencia del postimpresionista Paul Cézanne, para
quien “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro”. Por lo tanto,
comenzaron a trabajar en la observación y análisis de la imagen, a fin de hallar sus elementos
geométricos esenciales.

Influencia de la escultura africana y del arte ibérico

Izqui
erda: Escultura íbera del siglo III o II a.C. Derecha: Máscara africana.

Hacia finales del siglo XIX y principios del XX crecía el imperialismo occidental en África y Asia.
Europa manifestaba un interés renovado por las expresiones culturales de aquellos pueblos, así
como una fascinación ante nuevos hallazgos arqueológicos. En París se llevaron a cabo diversas
exposiciones de arte africano y arte ibérico que Picasso y otros artistas tuvieron la oportunidad de
apreciar.

Influencia del desarrollo tecnológico

La imagen bidimensional ya no se limitaba solo a la captación de un instante. La cámara

cinematográfica había logrado hacer de la imagen una posibilidad temporal narrativa gracias a la
invención de la técnica del montaje, introducida por Edwin S. Porter y desarrollada por Griffith. Si la
fotografía liberaba a la pintura de la imitación de la naturaleza, el cine la liberaba de la obligación de
contar historias. ¿Qué hacer de allí en adelante?

Influencia del pensamiento científico

Los artistas que desarrollaron el cubismo se vieron influenciados por las teorías de Albert Einstein.
Para el conocido científico, era imposible determinar un movimiento; un objeto podía parecer estar
quieto o el movimiento según la perspectiva. De allí resultaría, pues, el concepto de las perspectivas
superpuestas.

El origen del cubismo

Pabl
o Picasso. Las señoritas de Avignon. 1907. Óleo sobre lienzo. 243.9 cm × 233.7 cm. Museo de Arte
Moderno. Nueva York.

El cubismo tuvo sus orígenes en un grupo de discusión artística instalado en el boulevard de

Montmartre, en un edificio al que llamaban “Bateau-Lavoir”. Este edificio era la residencia de Pablo
Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Max Jacob, Kees Van Dongen, Constantin Brancusi, Amedeo
Modigliani y otros artistas más.
El grupo de discusión llegó a recibir la visita de los pintores Henri Matisse, que ejerció gran influencia
en Picasso y Braque, y Diego Rivera. También lo frecuentaban los escritores Jean Cocteau y
Guillaume Apollinaire, este último creador del texto Los pintores cubistas (Les Peintres cubistes),
publicado en 1913. El investigador Blas Matamoro, en un ensayo titulado Apollinaire, Picasso y el
cubismo poético (1988), sostiene que:

Se dice que Matisse fue, observando un cuadro de Braque, en 1908, el que comparó la composición a
un amasijo de pequeños cubos. El crítico Luis Vauxcelles, retomando a Matisse, acuña la palabra
cubismo al comentar una exposición de Braque ese año, pero será Apollinaire quien intente las
primeras aproximaciones conceptuales a la pintura cubista, atribuyendo su paternidad a Picasso, del
cual los cubistas serían meros y chatos imitadores.

(Las negrillas son nuestras)

En efecto, el primer lienzo propiamente cubista fue Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso,
culminado en 1907, y este lienzo fue exhibido en el edificio Bateau-Lavoir por primera vez.

La figura estratégica que ayudó a la difusión extraordinaria del cubismo fue el escritor, coleccionista
de arte y marchante Daniel Kahnweiler, un férreo defensor del cubismo y de sus más importantes
artistas: Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris y André Derain, aunque este último fue más
conocido por su obra fauvista. Kahnweiler jugó un papel fundamental al convertir a su galería en un
centro de difusión del cubismo.

Vea también: Análisis de Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso.

Etapas del cubismo

En tanto movimiento, se conocen tres etapas esenciales del cubismo, si bien es cierto que algunos
de sus postulados siguieron presentes tanto en sus creadores como en las generaciones venideras.

Cubismo primitivo o período cézannesco (1907-1909)

 Geo
rges Braque: Viaducto a L'Estaque. 1908. Óleo sobre tela. 72.5 x 59 cm. Museo Nacional de Arte
Moderno Centro Pompidou, París.

El período primitivo se caracteriza por la austeridad en el color (dominan los tonos neutros como
grises y marrones) y la renuncia a la perspectiva tradicional, enfocada en un punto único, a fin de
integrar múltiples perspectivas en un solo plano. Como temas, prefiere las escenas interiores,
aunque eventualmente acude al paisaje.

Cubismo analítico o cubismo hermético (1910-1912)

Pabl
o Picasso: Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler. 1910. Óleo sobre lienzo. 100.4 cm × 72.4 cm.
Instituto de Artes de Chicago, Chicago.

El cubismo analítico se enfocó en el análisis de la realidad y su descomposición en planos de los

volúmenes de un objeto. Abandonó por completo el interés por la verosimilitud e incursionó en una
propuesta conceptual. El cubismo analítico pretendió combinar la tridimensionalidad de la realidad
con la bidimensionalidad de la superficie pictórica.

Desde el punto de vista plástico abundan los ángulos y las líneas rectas. La iluminación no es real y
no tiene una fuente única, sino que el pintor la hace surgir de diferentes puntos. La tendencia
colorista se aproxima al monocromatismo y los tonos preferidos son castaños, grises, cremas,
verdes y azules. Los temas de representación suelen ser los bodegones con instrumentos musicales,
botellas, pipas, vasos, periódicos y, en menor medida, la figura humana.

Cubismo sintético (1913- 1914)

Juan
Gris: Hombre en el café. 1914. Técnica mixta. Óleo sobre lienzo y collage con papel periódico. 99.1 ×
71.8 cm. Museo de Arte Metropolitano, Nueva York.

El período sintético se caracterizó por la ruptura total de todo procedimiento imitativo. Empleó signos
plásticos; devolvió al color su protagonismo; las superficies se hicieron más amplias y decorativas, a
pesar de su fragmentación, y se incorporó el collage, lo que permitió la exploración de las texturas.
Así, sobre el lienzo se podía ver materiales no pictóricos como cajetillas de cigarrillos, páginas de
periódicos, trozos de vidrio, telas y, en no pocas ocasiones, arena. De este modo, el cubismo
sintético jugó con los límites entre la realidad y la ilusión pictórica.

El fin del cubismo y su importancia

El cubismo tuvo una muy corta duración como movimiento, pues desapareció en el año 1914 con el
inicio de la Primera Guerra Mundial. Aún así, la propuesta estética del cubismo penetró el imaginario
artístico y se convirtió en fuente de inspiración para artistas y comunicadores visuales.

Influencia del cubismo en el arte contemporáneo

Cub
ofuturismo.
Izquierda: Kazimir Malévich: El Molinillo de Cuchillo (Principio de Glittering). 1913. Óleo sobre lienzo.
79.5 x 79.5 cm. Galería de Arte Universitario, Yale.
Derecha: Marcel Duchamp: Desnudo bajando una escalera Nº 2. 1912. Óleo sobre lienzo. 1,47 m x
90 cm. Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia.

Lo primero que hay que decir es que el cubismo logró un cambio fundamental en el arte occidental:
que se consolidara la valoración del arte como una realidad autónoma de todo contenido o tema al
que estuviera consagrada.
 Si bien el impresionismo había abierto este camino cuando hizo girar la atención del tema hacia los
modos de representación, aún la imitación de la naturaleza estaba presente. Los postimpresionistas
se acercaban en la medida en que daban curso a su mundo interior, a su particular modo de ver o de
sentir.

Los cubistas, en cambio, fueron más lejos al romper totalmente con la dependencia del referente y
dieron otra perspectiva a la valoración del concepto. Ese principio de máxima autonomía y máxima
libertad, abrió la compuerta de la creatividad y la originalidad en el arte occidental.

Izqui
erda: Robert Delaunay: La ville de Paris. 1911. Cubismo. Óleo sobre lienzo. 1722 x 1195 cm. Museo
de Arte Toledo, Toledo, EE.UU.
Derecha: Robert Delaunay: Homenaje a Blériot. 1914. Orfismo. Temple sobre lienzo. 250 × 251 cm.
Museo de Arte de Basilea, Basilea.

La difusión del cubismo inspiró la creación de nuevos grupos como:

 Cubismo órfico u orfismo, del francés Robert Delaunay, centrado en la importancia al color y el uso
de elementos compositivos creados por el artista.
 Grupo de Puteaux, relacionado también con el orfismo. Algunos artistas fueron el propio Robert
Delaunay, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Francis Picabia y Alexander Calder.
 Cubofuturismo, que implicó una combinación del cubismo con el futurismo italiano. Algunos
nombres importantes de esta corriente fueron Kazimir Malévich, Oleksandr Arjípenko, Vladímir
Baranoff-Rossine y Sonia Delaunay.
 Neoplasticismo del holandés Piet Mondrian.
 Suprematismo ruso de Kazimir Maliévich.
 Constructivismo escultórico de Vladimir Tatlin.
 Purismo, un movimiento estético racional y geométrico impulsado por los franceses Amadeé
Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret (Le Corbusier).

Influencia del cubismo en el diseño gráfico

 Cas
sandre: Le Nouvelliste. 1923. Cartel, estilo art déco. Se percibe la influencia del cubismo y el
futurismo.

La más importante influencia del cubismo en el diseño gráfico se registra particularmente en el

diseño tipográfico. Esto fue posible mediante la invención del collage y la integración de la tipografía
al arte, lo que además de producir un efecto formal, logró nuevas significaciones a través de la
asociación de ideas.

De esta manera, el cubismo favoreció el desarrollo del diseño independiente de la naturaleza. En su

fase sintética, fomentó la utilización de signos en lugar de figuras reconocibles. Aportó también el
uso de secciones planas de color, motivos urbanos y precisión en los ángulos. Finalmente, el
cubismo creó el desafío de la interpretación del tema por medio de la atracción hacia la nueva
estructura pictórica.

Artistas representantes del cubismo

El cubismo acobijó a muchos artistas como André Derain, Fernand Léger, Albert Gleizes, Jean
Metzinger, María Blanchard, Henri Le Fauconnier, y muchos otros. Dentro del grupo, las
personalidades más importantes, tanto en su creación como en su desarrollo, fueron Pablo Picasso,
Georges Braque y Juan Gris.

Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, 1973)

Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid hasta que en 1900 se
trasladó a París, donde estudió y pasó la mayor parte de su vida. Se le atribuye la creación del
cubismo a partir del lienzo Las señoritas de Avignon de 1907. En su edad madura fue
aproximándose una vez más al figurativismo. Una de sus obras más célebre es el cuadro Guernica,
inspirado en la guerra civil española.

Vea también: Obras esenciales de Pablo Picasso.

Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 1882 - París, 1963)

Geo
rges Braque. Fotografía de David E. Scherman.

Fue pintor y escultor. Estudió en París en la Academia Humbert y en la Escuela de Bellas Artes. Tras
conocer a Picasso y su cuadro Las señoritas de Avignon, su obra dio un giro y trabajó codo a codo
con el pintor malagueño, desarrollando el máximo potencial del movimiento cubista. Fue el creador
del collage.

Juan Gris (Madrid, 1987 - Boulogne-sur-Seine, 1927)

Su nombre verdadero era José Victoriano González-Pérez. Fue pintor e ilustrador. Se mudó a París
huyendo de la milicia y encontró residencia en el mismo edificio que Picasso y Braque. Se integró al
cubismo a partir de 1910 y dejó la ilustración. Trabajó con una técnica de collage específica conocida
como papier collé, que usa papel, cartón y periódico. Dio gran desarrollo al colorismo dentro de su
obra cubista, a la que se apegó toda su vida.

André Derain (Chatou, 1880 - Garches, 1954)

Pintor, ilustrador y escenógrafo francés, inicialmente conocido por su relación con el fauvismo,
movimiento en el que alcanzó un reconocimiento indiscutible. Tuvo un período cubista que inició
hacia 1908, año en el que destruyó muchas de sus obras anteriores. Al terminar la Primera Guerra
Mundial, Derain retornó al arte tradicional. Su paso por el cubismo fue transitorio.

EL CUBISMO

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia
y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert
Delaunay y Juan Gris. Es una corriente clave en la historia del arte pues supone una
ruptura definitiva de las artes tradicionales. El cubismo descompone las formas, y trata de
mostrar las caras de los objetos desde todos sus ángulos, incluso los que deberían
quedar ocultos a la vista del expectador.

Es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista

vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la
perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras
geométricas, fragmentando líneas y superficies.»

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que
había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y
sus pinturas de L’Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura
compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo.

El cubismo es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello

explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por
parte de la «crítica», llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la
misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de
vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

PICASSO
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 – Mougins, 8 de abril de 1973) es
considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que
participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y
ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.

Pasando por diversas etapas en la realización de su trabajo, su estilo va cambiando tras

evolucionando de estilos como el de Cézanne, y tras su encuentro con la cultura africana
a través de las máscaras, que lo lleva a crear su estilo más característico, propiamente
cubista, evidenciándose primeramente en obras como Las Señoritas de Avignon.  Entre
sus obras maestras figuran «Guernica» de fuerte contenido social,  pintado entre los
meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el
26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española.
 Guernica,

1937. Toro (Grabado)

Gallo, 1938.
Expresionismo abstracto |
características, artistas y
concepto
El expresionismo abstracto surge en el año 1940 en Estado Unidos, se caracteriza
por ser un movimiento de pintura contemporánea abstracta, esta no acepta la
copia fiel de las formas, se remite simplemente a la imaginación del artista.
Características del expresionismo abstracto
Este movimiento se caracteriza principalmente porque no aceptan las formas, lo opuesto al arte abstracto es lo
figurativo, a su vez estas pinturas eran plasmadas en lienzos grandes y eran pintados al óleo. Los colores utilizados
eran el negro o el blanco combinados con los colores primarios como el amarillo, el azul y el rojo. Estas pinturas
tenían una profundidad en cuanto a que no tenían un límite dentro del cuadro del lienzo, la pintura era un todo
dentro del mismo, se dicen que los cuadros de esta época reflejaban el período que estaba viviendo la sociedad.
Los colores opacos y los trazos fuertes querían significar la angustia y la crisis que sentían las personas debido al
momento que estaban atravesando, ya que este movimiento surge después del crack de 1929 y se extiende
después de la Segunda Guerra Mundial

Autores destacados
Según Wikipedia, en la época de los años 30, hubo dos agencias que fomentaron el expresionismo abstracto, el FAP
(Federal Arts Proyect) y la WPA (Works Progress Administration), estos lugares dieron origen a pintores abstractos.
Existieron también museos y galerías de arte que promovieron la exposición de cuadros expresionistas, como por
ejemplo las obras de Jackson Pollock o Mark Rothko, ambos expusieron en la galería de arte de la coleccionista
Peggy Guggenheim, quien en 1942 fundó su galería de arte llamada Arts of this Century, la misma duró hasta el año
1946. Las figuras abstractas, tomaron gran influencia a comienzos del siglo XX y se fue extendiendo gracias a la
llegada de inmigrantes debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, se desarrolló principalmente en Estados
Unidos durante veinte años y luego se divulgó por Europa, Japón y América del Sur.

30 Octubre, 2019 en Arte  por Candela Vizcaíno

 

Antes que el pop art se hiciera tan famoso que sus características fueran conocidas incluso por los no amantes
del arte, el expresionismo abstracto dominó las galerías de Norteamérica. Fue el primer movimiento de
vanguardia que coloca el epicentro cultural en New York, arrebatando la supremacía de París. Eso fue en la
década de los cuarenta y cincuenta del siglo XX al tiempo que, en Europa, predominaba el surrealismo en toda
su amplitud.  

 
Condiciones históricas que propiciaron el
expresionismo abstracto
El pistoletazo de salida de esta nueva estética tiene una fecha y lugar fijas: tiempo, 1936, lugar, el Museo de
Arte Moderno de Nueva York y su exposición sobre el cubismo. La situación al otro lado del Atlántico no era
precisamente tranquila y la más propicia para la creación. España está envuelta en una cruenta guerra civil
mientras los fascismos (Alemania e Italia) amenazan con invadir el Viejo Continente. Ante esta panorama,
numerosos filósofos, artistas e, incluso, empresarios de éxito se mudan a la nueva urbe que miraba al océano
desde el otro lado: New York. Allí se crean los grandes museos a la par que se ponen las condiciones de paz
necesarias para el progreso desde todos los ámbitos (aunque Estados Unidos entró en la Segunda Gran Guerra
allí no cayeron las bombas sobre la población civil). Hasta aquí llegaron Mondrian, Breton o Dalí
(representantes del surrealismo), Marc Chagall o Leger.  

Para seguir entendiendo el expresionismo abstracto hay que tener en cuenta otra fecha: otoño de 1942 con la
apertura de la galería Art of this Century promovida por Peggy Guggenheim. Aquí expusieron no solo las
grandes glorias del arte surrealista europeo sino también las jóvenes promesas americanas. La galería, además,
fue un punto de encuentro cultural, con tertulias y debates. Todo ello desembocó en un espíritu de grupo que se
plasmó en la Federación de pintores y escultores modernos. 

Expresionismo abstracto y la Escuela de Nueva

York 
Que así se llamó en un primer momento el movimiento artístico, conscientes de su importancia en el nuevo
panorama del arte internacional. Y si algo los caracterizaba, los definía y los diferenciaba de las distintas
escuelas europeas era su abrazo hacia la abstracción pura dejando de lado cualquier atisbo de figuración,
aunque esto no se consiguió, del todo, en el 100% de las obras. 
 

Estos pintores, sobre todo, eran conscientes de su singularidad y de su poder como grupo. Por eso, no dudaron
en exponer en las mismas galerías, cuando se cerró en 1947 la de de Peggy Guggenheim y de rodearse de
críticos afines que los ensalzaban como la vanguardia artística. Aparte de su abrazo incondicional a la
abstracción este nueva fórmula surgida del expresionismo “tradicional” tiene puntos en común.  

Características del expresionismo abstracto

1.- Para los artistas del movimiento la libertad absoluta era santo y seña renegando cualquier influencia de la
tradición. Esto que puede parecer novedoso, no obstante era lo que venían haciendo todos los grupos de
vanguardia desde el futurismo hasta el dadaísmo. 

2.- Como los creadores del expresionismo alemán se declaraban existencialistas y buscaban temas, inspiración
y objetivos de creación en la posibilidades comunicativas del alma humana. 

3.- Fascinados por los avances del psicoanálisis muy pronto se ponen a estudiar las teorías de Jung sobre el
inconsciente colectivo y, a través de sus trazos abstractos intentan llevarlo a la obra. 

4.- En este sentido, los artistas del expresionismo abstracto, a pesar de ser conscientes de su posición histórica
en una fecha y un lugar concretos, se declaran abiertamente humanistas, sin cerrazón por motivos patrióticos o
similares. Si a eso unimos que el grupo estaba formado por creadores de diversas procedencia, el afán
cosmopolita estaba servido.

5.- Rechazan la forma en el sentido amplio del término tanto en la que se refiere a las normas establecidas
como a la representación de la realidad. 

6.- Por eso, algunas obras, como las de Rothko y Pollock, basan toda su significación casi exclusivamente en
el color. 

7.- A pesar de que dicen abrazar nuevos valores e idearios (como si de un final e inicio del mundo se tratara)
no se entretienen en hacer manifiestos tal como había sucedido en las vanguardias europeas. En este sentido,
solo recuerdo el gusto por estos panfletos de los artistas del futurismo que crearon más documentos de este
tipo que obras propiamente dichas.  
8.- Hay críticos que ponen en relación la expansión del expresionismo abstracto con la filosofía de la
Fenomenología (que busca la expresión directa de la conciencia) y el Existencialismo que se haría fuerte tras la
guerra, especialmente en literatura.  

9.- Por eso, la vida es concebida en su situación, en su emplazamiento, en sus circunstancias sin dejar ningún
lado a la reflexión o a la maduración de las ideas. En esta línea se explican los cuadros que se ejecutan
automáticamente sin filtros como si fueran el hilo comunicativo entre el inconsciente del autor y la percepción
del espectador.  

Más características del expresionismo abstracto con respecto a la

posición de los artistas y las obras 
10.- Es en el hacer donde la obra toma su singularidad y su sentido. 

11.- La materia y el gesto mismo de pintar se convierten en obras de arte como si de un exorcismo se tratara
donde se trata de plasmar en la obra aquello que ocurre en el inconsciente de su creador.  

12.- Para conseguir ese estado que se conecte con el inconsciente estos autores no dudan en recurrir a
sustancias como las drogas y el alcohol. El resultado, por tanto, de estas obras del expresionismo abstracto es el
reflejo del interior de un espíritu atormentado cuando no de una patología.  

“Cuando estoy pintando no tengo conciencia de lo que hago. Solo después de

una especie de periodo de toma de conciencia caigo en la cuenta de lo que estoy
haciendo. Entonces me atemoriza hacer cambios, destruir imágenes, pues la
pintura tiene una vida propia. Mi misión es hacer surgir esa vida…”

Pollock, 1952

13.- Tal cual es una de las características del Romanticismo, el artista se erige en una especie de chamán, de
demiurgo o de hilo comunicativo entre el otro lado desconocido y este donde sucede la cotidianidad.  

14.- La crítica entiende que el expresionismo abstracto tiene dos tendencias. La primera, abanderada por
Pollock y de Kooning, utiliza el dripping especialmente para crear obras que quieren seguir las bases de la
escritura automática. Son enérgicas, con trazos gestuales y a veces repetitivos que pretender conectar
directamente con el inconsciente. La segunda se basa en el color e intenta desentrañar los símbolos universales a
la par que es más meditada. En esta última el rey indiscutible es Rothko.  
15.- El expresionismo abstracto entroniza la pintura como la primera de las artes y esta se hace una con el
artista de tal manera que el acto de pintar (no la obra ya creada) se convierte en esencia y ser del artista
transformándolo con cada nuevo título. En este sentido, el arte se convierte en objeto sagrado casi o con poderes
tan fuertes que quien se adentra en él no podrá salir indemne.  

16.- Esta forma de abordar la creación artística por parte del expresionismo abstracto se granjeó las críticas
negativas que tachó a estas artistas de caóticos cuando no de fraude al no entender las posibilidades expresivas
del arte de crear desgajado de la obra creada. 

17.- Se ha conservado un pequeño documental en el que se ve a Pollock inmerso en una de sus creaciones en
el que se entiende perfectamente ese principio de espontaneidad o de conexión con el inconsciente (como si de
un chaman se tratara) que caracteriza al expresionismo abstracto.  

18.- Para 1956, con la muerte de Pollock en un accidente de coche totalmente ebrio, el movimiento se da por
concluido dando paso a otras formas expresivas totalmente contrarias que se encargarían de entronizar
los artistas del pop art.  

Artistas del expresionismo abstracto 

1.- Arshile Gorky, el creador atormentado 

Si bien buena parte de los artistas del expresionismo abstracto sufrían de un psiquismo tan frágil que llegaron a
experimentar con drogas y sustancias alucinógenas, el caso de Arshile Gorky es extremo. Tanto que en 1948
acaba con su vida cuando tan solo contaba 44 años. Nacido en Armenia fue uno de los creadores que recalaron
en New York huyendo de persecuciones o guerras. En un principio su obra se inspira en las de Cezanne y
Picasso y también en las pinturas surrealistas. Más tarde, confiere un estilo propio a sus creaciones en las que
se vislumbran un dramatismo extremo.  

2.- Jackson Pollock, el representante del expresionismo abstracto más

conocido 
Nace en el interior de Estados Unidos, en Wyoming, en 1912 y sus primeros años están marcados por
constantes mudanzas familiares. Comienza sus estudios de arte en 1930 y ya en 1935 su vida se encuentra
marcada por el alcoholismo con todos sus demonios inherentes. Logra exponer en la galería Art of this
Century, la misma que creó la afamada Peggy Guggenheim en 1943. Tras la muestra, llegaría un encargo de
importancia: un mural de más de seis metros para el hall de su casa neoyorquina donde se manifiesta la
influencia de los símbolos del inconsciente colectivo propuesto por Jung. 
 

Para 1947 ya se había introducido en la técnica del dripping y, algo muy importante, da a conocer sus trabajos
(con su modus operandi tan característico) a través del crítico Clement Greenberg. Crea obras sin títulos
totalmente abstractas formadas por una escritura automática en un estado casi en trance. A partir de aquí
comienza a ser el niño mimado del arte contemporáneo con artículos en las revistas punteras del momento (y de
hoy en día incluso). Y todo ello a pesar de que una parte de la crítica no dudaba en tacharlo incluso de fraude y
de ser un alcohólico con una potente campaña de marketing detrás. Algo de razón no le faltaban a sus
detractores ya que muere en 1956 (con 44 años) tras un accidente de coche en el que iba totalmente borracho. A
partir de aquí comienza una leyenda que aún no ha terminado. 

3.- Robert Mortherwell, genuinamente americano

Fue el más longevo de los artistas del expresionismo abstracto. Nacido en 1915, en la misma década que el resto
de los representantes del movimiento, en Washington, dejó este mundo en 1991. De sólida formación
académica con estudios de Filosofía (licenciándose en Harvard) también tenía una amplia cultura humanística
formada a través de sus viajes por Europa. Junto a Rothko funda la escuela Subjects of artists. Sus amplios
conocimientos teóricos (junto con sus preocupaciones políticas) le lleva a hacer grandes obras pictóricas de un
fuerte impacto. Gran parte de ellas, como la conocida Elegía para la República Española, están realizadas en
blanco y negro o siguiendo esa gama de tonalidades.  

4.- Mark Rothko, el creador del expresionismo abstracto que ensalzó

el color supremo
Nacido en Rusia en 1903, fue otro de los artistas del movimiento que recaló en New York huyendo de guerras y
persecuciones.  Como Robert Mortherwell, también tiene una sólida formación académica, ya que logra
ingresar y licenciarse en la elitista Universidad de Yale.  Se asienta en New York en 1925 donde desarrollará
toda su carrera artística. Sus obras de gran formato en las que predomina el color y nada más que el color son
únicas en la historia del arte. Son famosos sus lienzos en los que solo hay dos o tres rectángulos con tonos
contrastados que no dicen (en las reproducciones en papel u online) del impacto en vivo. Como buena parte de
los miembros del expresionismo abstracto mantuvo durante toda su vida un espíritu atormentado y un
psiquismo frágil que acabó en 1970 con el suicido. 

5.- Willem de Kooning, entre la figuración y la abstracción

De origen holandés (nacido en 1904), su formación temprana se hizo en su país de origen.  En 1926 logra entrar
en Estados Unidos y en 1927 está instalado en Manhattan. Sus primeras obras, como es frecuente en estas
décadas, mantienen una clara influencia de Picasso, para pasar, alrededor de 1940 a la abstracción, aunque no
abandona del todo la figuración. Aunque también fue longevo y murió de enfermedad, toda su vida también
estuvo marcada por el alcoholismo. 

 
 6.- Franz Kline de difícil clasificación como artista del expresionismo
abstracto
Comienza su carrera en la figuración y, además, sus primeras obras están realizadas en Londres donde se
traslada a vivir y a trabajar como profesor. No es hasta la década de los cincuenta, fecha en la que el
movimiento está casi liquidado, cuando se adhiere al expresionismo abstracto volviendo a instalarse en New
York donde fallece. 

7.- Adolph Gottlieb, el artista del expresionismo abstracto que busca

la expresión del inconsciente colectivo
Nacido en New York en 1903, donde muere en 1974, comienza sus primeros estudios en la Ciudad de los
Rascacielos. Eso no quita para que se traslade a París donde completa su formación. A partir de 1933 comienza
una serie de obras en las que se aprecian símbolos complejos, caligrafías  o jeroglíficos que pretenden ser un
lenguaje nuevo y directo con el inconsciente colectivo propuesto por Jung y que por esas décadas revolucionó la
concepción de la humanidad. Esta obra tan particular se mantiene (con sus debidas modificaciones y
evoluciones personales) a lo largo de toda su carrera creando un opus artístico novedoso y original. 

Elegía de la República Española nº 34



Expresionismo abstracto


Expresionismo abstracto

Los esponsales -Arshile Gorky (1947)
Mark Rothko

 Mujer - De Kooning







 

En definitiva, y resumiendo muchísimo, el expresionismo abstracto fue un movimiento radicado en Nueva York
predominante durante las décadas de los cuarenta y cincuenta del siglo XX. Sus integrantes pretendían, con
obras pictóricas de gran formato, crear un lenguaje nuevo alejado de la figuración que enlazara directamente
con los mandatos del inconsciente colectivo. Buena parte de ellos estaban atrapados en el alcohol y/o con
problemas psicológicos diversos que, de alguna manera u otra, trasladaron a sus obras. Ese dramatismo es
inherente en la producción total de un movimiento que dio paso a uno radicalmente distinto: el pop art o arte
pop.