TALLER DE PINTURA

La PINTURA es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o
sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La
práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un
fragmento de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc.
Composición pictórica es introducir determinados elementos dentro de un espacio pictórico, la forma de organizar los
elementos influyen en la forma de interactuar entre el espectador y la obra de arte.

GÉNEROS PICTÓRICOS

Es la denominación que se da en pintura a las representaciones según su contenido temático. En los siglos XVIII y XIX las academias
europeas acordaron una clasificación de estos en orden de importancia y jerarquizándolos:

 Pintura histórica
Son pinturas que no solo representan hechos históricos, sino tambien por narrar una historia, ya sea pasada o contemporánea al artista.

o Religioso: representan textos religiosos. Ejemplo: Adoración de los reyes magos.

o Sacro: Es el religioso que además tiene un destino ritual, tiene que servir para el culto divino, venera lo divino. Las
representaciones más frecuentes son: María Santísima, El bautismo de Jesús, la muerte de Jesús, la crucifixión, Jesús
resucitado, etc.
o Mitológico: La pintura mitológica se vale de figuras divinas que sirven para explicar el universo, el origen del mundo y los
fenómenos naturales. Se recurre a representaciones de los dioses clásicos con atributos para identificarlos. Por ejemplo, Zeus-
Júpiter es representado como un hombre con barba y un rayo, y Poseidón-Neptuno como un anciano con barba y un tridente
en la mano.
o Alegoría: Presenta un sentido moralizante, representando virtudes humanas como La Justicia o la Fortaleza. Los hechos se
representan de forma simbólica más que narrativa. Por ejemplo, una mujer con balanza y espada es una representación de la
Justicia.
o Relatos literarios.

 Retrato y autorretrato: Históricamente, se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase
media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones,
asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato

 Pintura de género: La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas
cotidianas y contemporáneas del pintor, generalmente de las clases populares o de la burguesía, mostradas en actividades
corrientes y habituales: fiestas campesinas, bailes en las aldeas, tabernas, calles, riñas, tareas domésticas, interiores de casas
burguesas, labores de campo o de los oficios y un largo etcétera, también se suele llamar «pintura costumbrista».
 Paisaje: Representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques, la pintura de paisaje
comprende también la pintura de marinas y la pintura de perspectivas urbanas o vistas de edificios.

 Naturaleza muerta o bodegón: Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en
general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. Como sub género
tenemos:
o Vanitas: los objetos representados son todos símbolos de la fragilidad y la brevedad de la vida, de que el tiempo pasa, de la
muerte, pues el mensaje que pretenden transmitir es la inutilidad de los placeres mundanos frente a la certeza de la muerte.
Así, además del cráneo humano, otros símbolos que suelen encontrarse en las vanitas son: fruta pasada, que simboliza la
decadencia; humo, relojes, pompas de jabón, y relojes de arena, que simbolizan la brevedad de la vida; e instrumentos
musicales, símbolos de la brevedad y la naturaleza efímera de la vida.
 Desnudo: consiste en la representación del cuerpo humano desnudo. El desnudo puede tener diversas interpretaciones y
significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e
ideal estético de perfección.

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TÉCNICAS

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el soporte a pintar.

ÓLEO: El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. La pintura al óleo se hace
básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal

CERA: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'),
es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy
cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. La terminación es un pulido que se
hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida

ACUARELA: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son
transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero
tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas
transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en
los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores.

TÉMPERA: La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco de zinc. Este
añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole
aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela «clásica» se considera incorrecto. Es a su vez un medio
muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma
arábiga, aunque muchas témperas modernas contienen plástico.

ACRÍLICO: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión
de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se
destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo.

PASTEL: La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están
mezclados con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva
de la pasta que así se forma; es pasta modela en la forma de una barrita del grueso aproximado de un dedo que se usa directamente (sin
necesidad de pinceles ni espátulas, ni de disolvente alguno) sobre la superficie a trabajar, como soporte es común utilizar papel de
buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para
que se pueda usar sobre otras superficies como madera. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es la adhesión del pigmento
a la superficie a pintar, por lo que se suele usar alfinalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se
usa como el «crayón» o el lápiz, su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se puede formar tramas, también suele usarse el
polvo, que tiende a soltar la barra del pastel, para aplicar el color.

TEMPLE: La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y yema de huevo y aceite. Conviene primero
hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la
emulsión o médium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o tres
partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar. También se puede agregar un poco de barniz «dammar» que
reemplaza la parte de aceite de linaza, con este procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado más rápido, sin embargo, el
acabado es más impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del agua se puede emplear leche desnatada, látex de higuera o cera
siempre con agua.
Collage.- utilización de pedacitos de papeles para formar formas o figuras en un soporte

Lápices de colores.- Son un conjunto de lápices con mina de diversos colores. Cómo aglutinante se emplean colas y ceras. Vienen
en diferentes presentaciones para su venta, por lo regular son de 6,12, 24, 36 ó 48 colores distintos. Existen lápices de colores de
distintas marcas y calidades. La característica que distingue a los lápices de colores profesionales de los escolares, es que los
profesionales son más grasos, pudiendo así dar más graduación en el tono con ellos. Existen también los lápices acuarelables, es decir
aquellos que una vez aplicados se puede utilizar el agua como medio de difuminar el color.

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Técnicas mixtas.- Cuando se emplean diversas técnicas en una misma obra, como ceras y témperas, collage, acrílicos, o la
incorporación de materiales que den cuerpo a la pintura, como los pigmentos u óxidos, cuarzos, cretas, papel triturado…
complementando dichos materiales con colas o aglutinantes.

TECNICAS DE APLICACIÓN DE LA MATERIA PICTORICA / técnica pictorica

 Puntillismo: El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el estudio practicado principalmente por el pintor
Georges Seurat, que consiste en colocar puntos pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre el
soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los colores, la interacción entre los primarios y complementarios, consiguen
con la posición de unos junto a otros la mezcla óptica, a partir de una cierta distancia del cuadro, que es capaz de producir el
efecto de la unión entre ellos.

 DRIPPING: es una pintura automática, que según los surrealistas se consigue con ella una pintura casual, hecha con gotas y
salpicaduras de pintura, es la técnica pictórica característica de la «action painting» estadounidense (pintura de acción). La pintura
se realiza por el artista caminando sobre la superficie a pintar con grandes brochas o con el mismo bote de pintura, dejando caer el
goteo del color, normalmente esmalte, que es el que forma las manchas sobre el soporte

 GRAFITI: Se realiza con una pintura envasada en aerosoles que se utiliza pulsando el botón superior por lo que sale en una
aspersión muy fina y permite pintar grandes superficies, normalmente los muros de las calles, a la pintura conseguida de esta
manera se le denomina grafiti. A finales del año 1970 se empezaron a ver muchas de estas obras urbanas firmadas y cada vez más
elaboradas, incluso se fabrican pintura en aerosol exclusivamente para estos artistas, a veces se utilizan plantillas para recortar la
superficie que se quiere pintar, así como también hay otras plantillas para letras en el mercado, aunque lo más corriente es que los
propios artistas se hagan las suyas.

Corrientes pictóricas:

 Pintura renacentista: Comenzó en Italia a finales de la Edad Media (s. XV), se propago rápidamente por toda Europa y
permaneció durante 2 siglos. La pintura renacentista es un estilo pictórico caracterizado por haberse desarrollado en el periodo del
Renacimiento, se caracterizó por la perfecta representación de los detalles, en cuanto al balance, la armonía y la perspectiva, en
base a la observación del artista. Surgió el concepto de perspectiva y punto de fuga para la concepción de los espacios. La nueva
técnica al óleo sobre el lienzo, que predominó sobre la clásica pintura al temple o témpera de secado rápido, permitió perfeccionar
el efecto de las luces y las sombras, permitiendo alcanzar mayor realismo en los retratos y cuerpos desnudos. Por primera vez los
artistas comenzaron a firmar sus obras y se hicieron famosos. Pintores: Leonardo de Vinci(la mona lisa, la virgen del huso), El
Greco: él expolio

 Impresionismo: es un estilo pictórico que se origina en Francia, en la segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por su
persistente experimentación con la iluminación. El manejo de la luz se considera como un factor crucial para alcanzar belleza y
balance en la pintura. Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas bastas de colores, las cuales
actúan como puntos de una policromía más amplia, que es la obra en sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario tomar cierta
distancia, para que aparezcan las luces sombras y figuras. Los colores son puros, poco mezclados y se conjugan en formas de un
naturalismo extremo. Las pautas que consuman esta tendencia son: el movimiento del paisaje, la naturalidad de las formas y la
pureza. Artistas: Camille Pissarro, Edgar Degas y Alfred Sisley.

 Expresionismo: es movimiento artístico y cultural nacido en la Alemania de principios del siglo XIX, busca la expresión de los
sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. La fuerza psicológica y expresiva se
plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la
perspectiva, que se altera intencionadamente. Artistas: Ernst Ludwig Kirchner (uno de los fundadores del movimiento) Fränzi
ante una silla tallada, Edvard Munch (el grito)

 Posimpresionismo: nace en Francia a finales del siglo XVIII, es representado como continuación y contraposición al
Impresionismo, toma elementos de este, pero a la vez rechaza de las limitaciones que supone. lo que caracteriza al
postimpresionismo son las pinceladas cortas y precisas, y los colores puros. Artistas: Vincent Van Gogh (la noche estrellada,
lirios, autorretrato)

 Fouvismo: Los artistas Fauvistas utilizaban colores puros e intensos. ¿Qué quiere decir esto? Significa que usaban colores
primarios (Rojo, Azul y Amarillo) y colores secundarios (Naranjo, Violeta y Verde). También se caracterizaba por tener un tinte
violento, con el que rechazaban los convencionalismos y tradiciones de los movimientos anteriores, especialmente contra el

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 impresionismo, por eso las pinturas cargadas de color, utilizándolo como un medio de expresión, busca es una gran intensidad
emocional con una simplificación de elementos. Las líneas gruesas, pinceladas vigorosas, sin mezclas ni matices de colores
también caracterizan a este tipo de arte. Principales Exponentes del Fauvismo: Henri Matisse (la raya verde, la alegría de vivir, la
habitación roja), André Derain (retrato de Matisse)

 Cubismo: Originado en París, el año 1908, de la mano de Pablo Picasso. El estilo se desarrolló en 2 fases bien diferenciadas, la
primera llamada cubismo analítico, pretendía representar cuerpos complejos en versiones simplificadas, mediante masas
fragmentadas en figuras geométricas. Aproximadamente desde 1912 se comenzó a manifestar la segunda fase del estilo: el
cubismo sintético, este ya ni siquiera utilizaba las figuras con volumen, sino que se entregó totalmente a la composición
bidimensional. Artistas: Picasso (Las Señoritas de Avignon, La mujer que llora), Juan Gris (retrato de Picasso)

 Modernismo: se produjo en Europa e Hispanoamérica a finales del siglo XIX y principios del XX se caracteriza por la presencia
de elementos inspirados en la naturaleza, los motivos exóticos y la cultura oriental. Las pinturas modernistas tienden a la
estilización de paisajes y personajes huyendo del realismo. También aparecen imágenes femeninas en actitud delicada y un tanto
erótica, con rasgos exagerados y vestimentas muy barrocas. Gustav Klint y su famoso cuadro El beso, Alfons Mucha y su Mujer
con vela o el catalán Ramón Casas y su Garrote Vil.

 Surrealismo: El surrealismo es un movimiento artístico fundado en 1944 por el escritor francés André Breton, el surrealismo
encajó bien en la pintura, ayudado por el ambiente post 1era. Guerra Mundial, donde se querían romper los límites que la razón
venía imponiendo durante siglos. El hombre estaba cansado de responder siempre los mismos cánones de creación, aquellos que
siempre habían gobernado los estilos anteriores: belleza, realismo, racionalismo, lógica, iluminación, composición, equilibrio y
color.

 Hiperrealismo: El hiperrealismo es la tendencia realista más absoluta de la Historia. Se basa en la representación fidedigna de los
elementos. No podemos hablar de un origen en concreto de ésta intencionalidad pues desde las pinturas rupestres encontramos
indicios de querer representar la realidad de los acontecimientos en pintura. El arte hiperrealista se originó hacia finales de 1960
en respuesta a los planteamientos abstractos, conceptuales y no objetuales del arte contemporáneo

MATERIALES

 SOPORTES: los más tradicionales son el papel (para usarlo en acuarela, pastel, tinta china etc), el cartón, la madera, el lienzo y
los muros, a los que se puede añadir el metal, el vidrio, el plástico o el cuero entre otros. Todos necesitan de una imprimación
especial según el procedimiento pictórico que se quiera seguir.31
 PINCELES: Los pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad. Los materiales de los componentes de los
pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos. El pincel consta de tres partes: el pelo, la férula o virola y el
mango. Se distinguen por el pelo y su forma, los planos y los de «lengua de gato» suelen ser de pelo duro y los
redondos de pelo fino. Las cerdas de los pinceles suelen ser naturales provenientes de diferentes animales ( caballo,
marta, cerdo etc.) o de crines artificiales. Los pinceles, requieren ser tratadas con cuidado para así prolongar su vida
útil; esto incluye su limpieza continua. Una forma eficaz de mantener las cerdas de los pinceles en buen estado, es
quitar el excedente de pintura, limpiarlos con disolvente y lavarlos con jabón, secar la humedad con una franela y
guardarlos horizontalmente o con las cerdas hacia arriba.
 LA PINTURA: La pintura como materia está compuesta por dos elementos fundamentales: los pigmentos y el aglutinante. Los
pigmentos son sustancias minerales o químicas en forma de polvo con colores diversos. Los aglutinantes son los elementos que
dan cohesión y fijan los pigmentos. Las técnicas de la pintura están determinadas por el aglutinante, ya que los pigmentos son
aproximadamente los mismos. Dependiendo pues del aglutinante, encontraremos mayor o menor luminosidad.

Paleta de colores

 Monocromático: un matiz con variedad en el valor y saturación, ejemplo rojo.

 Análogos: selección de intervalos que estén muy próximos unos a otros, ejemplo: rojo, rojo anaranjado, naranja.

 Alternos o adyacentes: selección de intervalos pasando un intervalo, ejemplo: rojo, naranja, amarillo.

 Complemento directo: selección de intervalos opuestos, ejemplo: amarillo y violeta.

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 Complemento dividido: en lugar de seleccionar el complementario se elige los intervalos de ambos lados, forma una Y, ejemplo
amarillo, azul violacio, violeta rojizo.

 Doble complemento dividido: forma una X, se elige 4 intervalos complementarios, ejemplo, amarillo, violeta, rojo y verde

 Complemento aproximado: se selecciona el intervalo más aproximado, ejemplo, amarillo y violeta azulado.

 Doble complemento aproximado: se selecciona dos intervalos próximos al complementario: ejemplo amarillo y azul verdoso.

 Triada: selección de tres intervalos con distancias regulares, ejemplo los colores primarios

 Triada aproximada: selección de dos intervalos con distancia regular y otro intervalo más aproximado a alguno de ellos, ejemplo,
amarillo, rojo y violeta azulado.

 Discordante: no son vecinos ni contrario del intervalo elegido como predominante.

La psicología cromática: O psicología del color tiene como objetivo analizar cómo nos influyen emocionalmente los colores y qué
efectos producen en la conducta. Algunos colores pueden tener efectos fisiológicos, como aumentar el ritmo cardíaco o la adrenalina,
mejorar la memoria o influirnos al tomar decisiones. Pero, no todos percibimos los colores de la misma manera. Un ejemplo serían los
daltónicos o las personas con sinestesia (capaces de sentir u oír los colores). Ya que se sabe que los colores influyen en nuestro estado
de ánimo, se suele utilizar en distintos ambitos de nuestra vida para causar determinados efectos en una persona: Diseño gráfico, de
interiores, de moda… Marketing y publicidad. Arte (pintura, cine, etc).

Glosario:

Trabajo practico 1, rostros:

Simetría de traslación: es la repetición de una forma a lo largo de una línea en cualquier posición, vertical, horizontal, diagonal o
curva, que se desplaza a cualquier distancia constante sobre el eje.

Esquema compositivo: organizan los espacios donde van a estar situados los elementos visuales.

Trabajo Practico 2, torsos:

Yuxtaposición: la disposición de las formas o figuras unas junto a otras, sin superposición, de modo que unas no oculten parcialmente
a otras. Es propia del arte arcaico.

Superposición: Significa que uno de los planos "tapan" parcialmente a otro, o que otros objetos representados ocultan en parte a otro.
Con esto se genera una sensación de un "detras" y un "delante".

Transparencia: Es la representación de objetos o planos transparentes. Donde las figuras no quedan "cubiertas" o resguardadas de la
vista,, sino que puede percibirse, también "detrás" de la ubicada en primer plano.

Mímesis o mimesis es un concepto estético. A partir de Aristóteles, se denomina así a la imitación de la naturaleza como fin esencial
del arte. El vocablo castellano proviene directamente del latino mimēsis, que a su vez deriva del griego μίμησις [mímesis], y puede
también traducirse como 'imitación'.

Simetría axial: los elementos se disponen de forma especular con respecto a un imaginario (o no) eje central que se conoce como eje
de simetría

Trabajo 4: Las meninas

Linealismo: utilizar líneas para crear formas

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Planismo: se basa en grandes planos de color casi puros, con un dibujo sin detalles ni volumen ilusorio, en donde es tan importante el
fondo como la figura. Por ejemplo: El recreo, La costa azul de Petrona Viera

Trabajo 5:

La “pareidolia” que es un fenómeno psicológico donde un estímulo vago y aleatorio (habitualmente una imagen) es percibido
erróneamente como una forma reconocible, es decir que mediante la representación de distintos objetos en el espacio, podemos crear
una nueva percepción de una imagen que realmente no está ahí.

Otros

El Contraste Cálido y Frío: El uso de estos colores generan una dinámica espacial: un "avance" y un "retroceso" de las figuras. Este
fenómeno psicológico hace que los colores cálidos se "acerquen" al espectador, mientras que los fríos se "alejen" de él.

Contraste de Tamaño: Es la posición entre tamaño grande y chico, de forma tal que los objetos más grandes están ubicados en
"primer plano" y los objetos más chico en el fondo de la obra.

Disminución de Detalle: Ocurre una correlación entre la agudeza visual y la distancia. La cantidad y la nitidez en el detalle se pierden
progresivamente a medida que la distancia aumenta.

Contraste de Saturación: Siendo el grado de pureza del color. Cuando mas puro los colores, tanto más estridentes y más llamaran la
atención, "avanzando" hacia nosotros. En cambio los colores desaturados tienden a "alejarse" de nosotros. La desaturación (blanco,
negro, grises o mezclados con su complementario) esta asociada, en parte con la perspectiva atmosférica.

Contraste de Valor: Con los valores se produce una dinámica de "avance-retroceso" similar a la que acontece con la dinámica de la
temperatura de color. Los valores altos se aproximan al espectador mientras que los valores bajos (próximos al negro) tienden a
retroceder. Precisamente entonces, el uso deliberado del contraste del claroscuro se constituye así en una eficaz herramienta para
generar profundidad espacial.

Movimiento Diagonal: Consiste en crear diagonales que guíen la mirada en el recorrido en la profundidad en la imagen. Uno de los
recursos que se emplea en el arte de oriente, para organizar la imagen espacial tridimensional.

Perspectiva atmosférica: esta se refiere específicamente a la cantidad de luz en la atmosfera de nuestro campo visual del espacio real.

Partes del cuerpo en escultura: Posición:

Busto: representa la cabeza y la parte superior del tórax, Sedente: sentada.

Torso: tórax sin cabeza y brazos. Yacente: tumbada.

Mediocuerpo: cabeza hasta la cintura Orante: de rodillas.

De trescuartos: cabeza hasta las rodillas. Oferente: ofreciendo presentes.

Cuerpo entero. Ecuestre: a caballo.

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