Características del arte griego y sus etapas

El arte griego es un tema amplio e interesante, sus principales rasgos y características

son las siguientes:

 Utiliza el idealismo estético para dar una visión perfecta.

 Sus obras tienen proporcionalidad y equilibrio.
 Buscan representar la figura humana de una forma perfecta, tanto en el dibujo
como en la escultura, por lo que se enfocaron en gran parte en el atletismo para
mostrar cuerpos perfectos y musculosos.
 Se fundamenta en el antropocentrismo.
 Manifiestan la naturaleza como una forma idealizada llena de sencillez y
proporción, claridad y unidad.
 Su conocimiento en anatomía era amplio.
 Destacaron en todo momento a los dioses Zeus y Atenea.
 Se enfocaron en el uso de la mitología griega para realizar sus esculturas.

ETAPAS DEL ARTE GRIEGO

 Etapa Geométrica (del siglo X a VIII a. Cto.): no tenemos muchos datos de esta etapa,
se denomina así por la decoración de la cerámica, en la que la figura humana aparece
muy esquematizada.

- Etapa Arcaica (del siglo VIII a VI a. Cto.): Por su actividad comercial se producen
cambios, oriente aporta el naturalismo y el realismo en las representaciones. Aparecen
las primeras ciudades y templos, cambios también en la escultura y la cerámica. El
periodo arcaico del arte griego ubicado entre los años 650 y 475 aC. es un periodo de
búsqueda y experimentación con una impresionante evolución arquitectónica. En cuanto
al periodo clásico del arte griego se caracteriza por el equilibrio entre los órdenes
dóricos y jónicos, tomando lo mejor de ambos para fusionarlos en una síntesis
sublime. La naturaleza se transforma en abstracción manifiesta en dos conceptos
estéticos: el perfil y la serenidad griega, que connotaban la búsqueda del hombre
helénico de la conjugación entre la excelencia física, espiritual y moral. Se divide en
tres subperiodos. El periodo clasico alto del arte griego donde la escultura abandona la
sonrisa arcaica para adoptar más simplicidad en las formas. En cuanto a la arquitectura
el estilo de las construcciones es una rebelión contra los cánones anteriores más pesados
y menos esbeltos. Luego de la victoria griega sobre los persas, hay una necesidad de
reconstruir la devastación de la guerra. La mayoría de los templos de la alta época
clásica eran de orden dórico.

Etapa Clásica (del siglo V a IV a. Cto.): Grecia ha alcanzado la plenitud en todos los
campos, llegan a nosotros los nombres de los grandes artistas en los tres campos del
arte. Podemos distinguir dos períodos, El periodo clásico medio (c. 448 a.C.-400 a.C.)
se desarrolló bajo el liderazgo de Pericles. La arquitectura y la escultura de Atenas
alcanzaron entonces una perfección raramente igualada. El Partenón es la muestra
acabada de la arquitectura de la época. Se desarrollaron métodos para contrarrestar las
distorsiones ópticas; los muros se curvaban levemente hacia arriba y las columnas se
tallaban más anchas en el centro que en los extremos (éntasis) y se inclinaban
ligeramente hacia el interior. El Partenón se construyó en su totalidad de mármol. El
Erecteion es un templo jónico construido hacia el 421-405 a.C. en la Acrópolis de
Atenas y otra de las grandes construcciones de este periodo del arte griego. Fidias y
Policleto fueron los escultores más importantes del periodo clásico medio. Fidias, el
escultor de los dioses y Policleto el de los seres humanos o mortales. Fidias creó la
estatua de Zeus en Olimpia, considerada una de las siete maravillas del mundo antiguo
y la de Atenea en el Partenón, entre algunas de sus extraordinarias obras. La pintura no
posee grandes avances.

- Etapa Helenística (del siglo III a I a. Cto.): La cultura griega sale de sus fronteras
originales y se extiende por el Mediterráneo. Es la etapa más barroca del arte, todo se
lleva a sus últimas consecuencias. Roma ya es una potencia mediterránea, y toma las
características principales de su arte de Grecia. Grecia acabará siendo parte del Imperio
Romano en el siglo I a. Cto.
Características del arte romano
Las principales características del arte romano son las
siguientes:

 En general, fue utilitario. Tendía a expresar la idea de

Roma como centro del mundo y a exaltar el poder del
Estado romano.
 Su gran influencia griega, que se inició a partir del
contacto de Roma con las ciudades griegas instaladas
en el sur de Italia, se intensificó con la conquista de los
reinos macedonios.
 La mayoría de los artistas que trabajaban en Roma
eran griegos y los coleccionistas adquirían o hacían
copiar esculturas de ese origen.

 Alcanzó su máximo desarrollo a partir de la constitución

del Imperio, bajo el reinado de Augusto, en el año 27
a. C. Entre las clases altas se desarrolló un intenso
consumo de obras que estimuló el comercio artístico.
 Se destacaron de su arte la arquitectura y
la escultura. En ambas disciplinas los romanos
introdujeron nuevas tipologías y géneros.
 Simultáneamente al arte estatal y monumental, existió
un arte popular que se manifestó en los relieves de las
tumbas. Estos relieves muestran un gusto por la
representación minuciosa de situaciones de la vida
cotidiana.
Arquitectura romana
La arquitectura romana es la disciplina en la que mejor se
manifestó el poder del Estado, a través de la construcción de
grandes obras para uso público. También es la que ha
quedado mejor documentada. No solo perduraron numerosas
construcciones, sino que se conserva un tratado teórico, De
architectura, escrito por Vitruvio en el siglo I a. C.
La arquitectura romana se caracteriza por:

 El uso del arco de medio punto y, como derivación,

la bóveda de cañón corrido y la cúpula.
 El empleo de hormigón (también llamado mortero) y el
elaborado uso de ladrillos de distintas formas.
 La incorporación del diseño de amplios espacios
interiores.
 La planificación del espacio urbano.
 El desarrollo de nuevas tipologías arquitectónicas.
La influencia griega en la arquitectura se manifestó en el uso
de los órdenes de arquitectura griegos (dórico, jónico y
corintio) o sus adaptaciones, pero con un fin ornamental.

DIFERENCIAS ENTRE ARTE GRIEGO Y ROMANO

La arquitectura romana fue más evolucionada que la griega, ya que
incorporó el uso del arco de medio punto, la bóveda de cañón y la
cúpula (heredados de los etruscos).
 Los griegos hacían sus esculturas idealistas, los romanos las
preferían realistas.
Las esculturas griegas eran para lugares públicos, mientras que las
romanas eran para servir necesidades privadas.
Los griegos creían que las características de una persona podrían
quedar bien plasmados con las características faciales y su expresión,
mientras que los romanos consideraban las cabezas o bustos
incompletos.
Los romanos construyen con cualquier material, a diferencia de los
griegos que utilizaban fuertes materiales para que los edificios
perdurasen en el tiempo. Los romanos embellecen sus edificios a
base de pintarlos o de mármoles

Manifestaciones Artisticas de la edad media

A través de las manifestaciones artísticas la exposición pretende acercarse al modelo de

la belleza femenina en la edad media, al poder de las mujeres en la época y a su papel en
la educación, salud, economía y en la vida política.

Corinne Charles, comisaria de arte independiente y responsable científica del proyecto,

ha investigado durante más de cuatro años hasta lograr reunir un sorprendente conjunto
de obras que comprende valiosas pinturas, esculturas, textiles, orfebrería, manuscritos,
mobiliario y otras piezas de artes aplicadas procedentes de destacados museos europeos.

El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, el Museu Nacional d’Art de Catalunya, el

Musée du Louvre, la Biblioteca Nacional de Francia y el Museo de las Artes
Decorativas de París, el Musée Nacional du Moyen Age de Cluny, la National Gallery
de Londres, el National Museum of Denmark en Copenhague, la Accademia Carrara de
Bérgamo o el Historisches Museum de Basilea, entre otros, han colaborado a la
exposición con sus prestamos.

El título de la exposición ‘Hay más en ti’, que recoge la divisa de Louis de Bruges,
célebre y culto coleccionista flamenco de manuscritos del siglo XV, quiere reflejar esa
multiplicidad de papeles e imágenes: la iconografía mariana del gótico tardío, las
escenas galantes de la literatura cortesana, la literatura satírica, que insiste en la
naturaleza pecaminosa de las mujeres, las heroínas, las mujeres de letras o las mujeres
de placer.

Arquitectura PaleoCristiana Romanica y Bizantina

ARTE PALEOCRISTIANO
Arte que se desarrolló durante los primeros cinco siglo, desde la aparición del Cristianismo
durante la dominación romana, hasta la aparición de los bárbaros en Occidente pasando a
Oriente tras la división del Imperio.

El arte bizantino en Oriente permaneció casi intacto y sin cambios, ya que por el contrario
en Occidente fue donde se desarrolló y evolucionó con mayor rapidez.

El arte paleocristiano es un arte muy vinculado a la religión del cristianismo que surge en

Palestina. El cristianismo, ponía en cuestión la esclavitud y durante muchos tiempo hubo
culto al emperador pero los cristianos se negaban.

Pese a que la vida, predicación y muerte de Cristo, así como la formación de las primeras
comunidades cristianas tuvieron su escenario en la zona oriental del Imperio, el espíritu
evangelizador de los discípulos de Cristo desplazó de inmediato Roma el centro de sus
actividades en un deseo de transformarla de capital del paganismo en símbolo de la
Cristiandad. De ahí que se encuentren en esta ciudad las primeras manifestaciones
artísticas de la etapa paleocristiana, por lo que los artista no pudieron evitar el influjo
romano en sus obras.

Se divide pues, la manifestación artística cristiana en dos periodos; -Desde la fundación

del cristianismo hasta el año 313 d.c, periodo en el que la iglesia no gozó de libertad de
culto y del año 313 hasta 476, que fue la etapa del la Iglesia triunfante.

La Basílica Bizantina toma todos sus aspectos constructivos del estilo romano.

La caída del Imperio de Occidente alrededor del año 476 de nuestra era, influye sobre Bizancio
quien acoge  para sí la herencia espiritual y filosófica de Roma en relación al poder político y
artístico alcanzando su mayor apogeo con el famoso Justiniano que fue un  gran benefactor de
las artes y bajo quien se ejecutaron  muchas construcciones tanto en Constantinopla como en
Rávena. En Constantinopla hizo construir la iglesia de Santa Sofía dedicada a la Sabiduría divina
la construcción más importante de la arquitectura bizantina; la obra maestra de este arte. Sus
arquitectos fueron dos destacados exponentes de este arte que ya habían trabajado para el
emperador en construcciones militares.

La Iglesia de Santa Sofía posee cuatro minaretes que fueron agregados en 1453 por los turcos, cuando
convirtieron esta iglesia en una mezquita musulmana.
En el periodo intermedio (segunda edad de oro) predominan las iglesias de planta de cruz griega, cubiertas con
hermosas cúpulas que se ubican sobre tambores poligonales sobre los que descansan.
Los países con los que Bizancio estuvo más en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica
y cultural, inspiran las bases de ingeniería constructiva con que se llevan a cabo sus construcciones. Por
supuesto que encontraremos elementos tomados de los romanos, de los griegos, de Siria o de Persia,
combinados con otros de su propia invención; no menos importantes que muestran ingeniosa creatividad
constructiva.
Las iglesias de planta centralizada se encuentran más en la parte oriental del imperio bizantino. Tal es el caso
de La Iglesia de La Natividad de Belén y el Santo Sepulcro en Jerusalén.
 En el periodo final; (tercera edad de oro)  el arte bizantino se sigue extendiendo por los valles del Danubio, por
Rumania y Bulgaria, llegando incluso a las tierras rusas. Dejaron en esta región su huella cultural en obras
arquitectónicas importantes como la Iglesia de la Asunción del Kremlin en Moscú.

Entre los elementos constructivos más  importantes tenemos:

 La cúpula,
 Las trompas
 Las pechinas,
 La bóveda,
 El arco,
 Los contrafuertes
 Las columnas
 Las torres.
Las características distintivas de la arquitectura bizantina son:
–       Por supuesto la construcción de las cúpulas,
–       El uso del ladrillo como material constructivo en sustitución de la piedra,
–       El uso intensivo de los mosaicos sustituyendo a las esculturas.
–       Una mayor elevación en la altura de los edificios por el uso de las cúpulas,
–       La utilización del soporte de planta cuadrada que permite terminar el extremo mediante un tambor
(elemento arquitectónico estructural situado en la base de una cúpula redonda a modo de prolongación).

Arte Renacentista:
Características, Pintura,
Arquitectura
El arte renacentista es un estilo artístico que incluye la pintura, la
escultura y la arquitectura surgida en Europa alrededor del año 1400;
específicamente en Italia. El arte fue uno de los principales exponentes
del Renacimiento europeo. En esta etapa se empezó a reconocer a
artistas que aún tienen renombre, como Boticelli, Giotto y van der
Weyden.

A esta etapa de la historia de la humanidad se le denomina

Renacimiento porque fue un período que presentó una serie de mejoras
significativas en las obras literarias, filosóficas, musicales y científicas.
Fue un período que se originó en Italia a finales de la etapa medieval
europea, antes de esparcirse por el resto del continente.
 

El movimiento se basó principalmente en una combinación de los
aspectos medievales de la época y las ideas modernas que empezaron a
surgir a principios del siglo XV.

El período originó un cambio en Europa que alteró el rumbo social de la

humanidad de manera positiva, y sentó las bases para el desarrollo de
las sociedades modernas.

Índice del artículo [Mostrar]

Características generales

Influencia del arte griego

Uno de los factores principales que influyó en el cambio cultural de la
percepción del arte fue la influencia de la escultura y pintura griega. De
hecho, muchos aspectos del Renacimiento son bastante similares a los
que estaban presentes en las obras artísticas de Grecia.

Esto ocurrió luego de que los artistas italianos de la época estudiaran

textos, obras y arte griego para usarlo como inspiración para sus
creaciones. Quien influenció este cambio en la percepción del arte fue
Petrarca, un famoso artista italiano del siglo XIV.

Esto dio origen a un movimiento que no solo estaba basado en la

adaptación de la cultura humana a una época pos medieval, sino que se
apegaba a los principios tradicionales de obras antiguas que marcaron
un antes y un después en el arte.

Humanismo
La mayor cantidad de arte producido en el Renacimiento fue inspirado
por la creencia filosófica del humanismo. De por sí, el humanismo ya
había jugado un papel importante en el alcance de incontables logros en
la antigua Grecia, como por ejemplo, el surgimiento de las ideas
democráticas en la política.

Esta creencia ayudó a los artistas a dejar a un lado la influencia religiosa

que usualmente se plasmaba en las obras de la época.

De hecho, la introducción del humanismo al mundo artístico ocasionó

que se diera más importancia a la representación de acciones
consideradas como pecados y se hablara más abiertamente de la
religión.

El humanismo también hizo que se prestara más atención a los detalles

de los rasgos de las personas en la pintura.

Las obras del Renacimiento estaban enfocadas en la creencia humanista

de que las acciones correctas eran la clave para la felicidad, pero se
dejaba a un lado la influencia religiosa que podía tener este concepto.

La mejora de la pintura
Durante el siglo XV varios pintores holandeses de renombre
desarrollaron mejoras a la manera en la que se creaba la pintura al óleo.
Durante el período renacentista los artistas italianos utilizaron las nuevas
técnicas holandesas para mejorar sus pinturas.

Este fenómeno tuvo efectos en la calidad y duración de las obras

artísticas, además de haber traído cambios significativos a la pintura a
escala mundial.

Además, el Renacimiento se dio en gran parte gracias a la presencia de

personajes italianos brillantes. Muchos de estos llegaron a ser
considerados como los mejores de todos los tiempos en términos de
influencia, como Piero della Francesca y Donatello.

La presencia de estos artistas hizo que la calidad del arte en general

mejorara increíblemente, pues incluso pintores con menos renombre se
inspiraban del surgimiento de nuevas técnicas para mejorar sus propias
creaciones.

Renacimiento comercial
El Renacimiento se vio potenciado por la nueva capacidad que tenían las
regiones de comerciar con bienes naturales propios de estas.

Es decir, cada región desarrolló un sistema de comercio de exportación

que hizo que sus riquezas aumentaran significativamente.

Además, Florencia se convirtió en un centro cultural muy importante en

la época gracias a la inauguración del Banco Medici, que potenció
increíblemente las riquezas de la ciudad y abrió incontables puertas a los
artistas italianos.

El reencuentro de textos clásicos

Una de las principales influencias de la literatura renacentista fue la
reaparición de textos medievales que se habían perdido en la Edad
Oscura de la humanidad.

Los literarios que estudiaron estos textos utilizaron influencias de estos

para mejorar sus obras y dar un toque antiguo al movimiento, que para
ese entonces era contemporáneo.

Influencia del cristianismo

Si bien las obras creadas durante el período renacentista no estaban
atadas a las críticas de la Iglesia católica, la religión cristiana sirvió como
influencia positiva para varios de los exponentes de este movimiento
cultural.

Entre ellos estaba Erasmo, el literario holandés, quien utilizó el

cristianismo de los primeros cuatro siglos como inspiración para sus
obras.

Principios estéticos
Además de imágenes sagradas, muchos de los trabajos de los artistas
del renacimiento trataban temas como el matrimonio, el nacimiento o la
vida diaria familiar. 
La clase media de Italia buscaba imitar a la aristocracia para elevar el
estatus social, y una de las formas era comprando arte para sus
hogares.

Aunque las obras arquitectónicas y las esculturas estaban estrechamente

ligadas a la antigua cultura griega y romana, la pintura renacentista
presentaba una serie de características particulares que la hizo única.

Una de estas es la proporción como herramienta principal del arte.

Anteriormente, era común ignorar las proporciones reales de los seres
humanos al momento de componer una pintura, pues se daba más
relevancia a otros aspectos. Sin embargo, esto cambió con la
incorporación del humanismo a la filosofía de los artistas.

La técnica de la perspectiva también estuvo acompañada del escorzo.

Esta técnica consiste en pintar un objeto mucho más cerca de lo que
realmente está, para cambiar el enfoque visual de quien esté apreciando
la obra.

Da Vinci fue el primer artista italiano en acuñar el término conocido hoy

en día como sfumato. Esta técnica se aplicaba para dar una perspectiva
tridimensional a la pintura renacentista. Esto se lograba haciendo una
transición de colores sutil entre los bordes de cada objeto y el paisaje de
fondo.

La última técnica emblemática del Renacimiento fue el claroscuro, que

combinaba tonos de luz fuertes con tonos de luz bajos para crear una
perspectiva tridimensional, al igual que el sfumato.

Pintura

Características

Clasicismo y realismo
El clasicismo era una de las tendencias que utilizaban los artistas de la
época renacentista para determinar el método de sus obras.

El clasicismo era una técnica que abogaba por apegarse a las artes
clásicas, buscando crear obras simples, balanceadas estéticamente,
claras para la vista y utilizando las tradiciones de Occidente.
Además, las obras abogaban por el realismo físico, una característica
fundamental traída por la filosofía humanista.

Manierismo
Cuando la época renacentista se acercaba a su fin, los pintores
empezaron a abandonar el clasicismo y se apegaron al manierismo.

Esta técnica buscaba expresar un poco más de complejidad en las obras,

por lo que las formas físicas de los objetos tendían a pintarse más
distorsionadas que como se acostumbraba a principios del movimiento.

Catolicismo
Una de las razones por las cuales existen tantas obras de arte con
escenas del catolicismo es porque durante este período la Iglesia católica
encomendó varias pinturas a artistas italianos.

El movimiento de la pintura renacentista se caracterizó por tener varias

obras alegóricas de la religión católica.

Representantes
Los principales pintores del renacimiento eran italianos. Sin embargo,
conforme el movimiento se fue expandiendo por Europa, surgieron otras
figuras importantes, particularmente en Holanda y España.
 

Leonardo da Vinci, principal exponente del Renacimiento

Leonardo Da Vinci
Posiblemente el artista más reconocido del Renacimiento hoy en día. Da
Vinci creó obras únicas que se convirtieron en patrimonios importantes
de la humanidad, como la Mona Lisa o La Última Cena.

Además, fue una de las figuras más importantes del Renacimiento al

aportar conocimientos innovadores en diversas áreas de las ciencias y
estudios sociales.

Sandro Botticelli
Botticelli fue uno de los principales artistas del comienzo del
Renacimiento. Era de la escuela de Florencia y formó parte de la Edad de
Oro de los pintores italianos del siglo XVI. Se dedicó a pintar obras
mitológicas y religiosas.

Miguel Ángel
Miguel Ángel fue un pintor, escultor y arquitecto italiano que es
posiblemente uno de los autores renacentistas con las obras mejor
preservadas desde ese entonces.

Creó obras como El Último Juicio y pintó una de las más imponentes
creaciones artísticas de la historia: el techo de la Capilla Sixtina.

Bruegel
Pieter Bruegel era un pintor holandés y uno de los principales
exponentes de la pintura renacentista de su país. Se dedicó a crear
paisajes y escenas del día a día, representando diversas escenas
cotidianas y las estaciones del año.

El Greco
El Greco era un pintor greco-hispano que acostumbraba a firmar sus
pinturas en griego. Fue el principal y más importante representante del
Renacimiento español, y utilizaba un estilo dramático y expresionista. Es
considerado el precursor tanto del cubismo como del expresionismo.
Obras principales
–La Adoración del Cordero de Dios, Hubert y Jan Van Eyck, 1430.

–Casamiento de los Arnolfini, Jan Van Eyck, 1434

–Primavera, Sandro Botticelli, 1470s.

–La Última Cena, Leonardo Da Vinci, 1496.

-El techo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel, 1510.

–La Escuela de Atenas, Rafael, 1511.

Arquitectura

Características

Diferimiento con el estilo gótico

Las ideas de los arquitectos renacentistas iban en contra de las ideas
góticas de crear estructuras con un alto nivel de complejidad en su
diseño y gran altura.

En cambio, se apegaban a las ideas clásicas de elaborar estructuras

limpias que fuesen lo más simple posibles. Esto conllevó a la creación de
arquitectura redondeada.
 

Edificación renacentista

Motivos
El exterior de las edificaciones renacentistas solía ser adornado con
motivos clásicos como columnas y arcos.

Para lograr crear estos motivos, los exteriores acostumbraban a ser

bastante planos, sirviendo como una especie de lienzo para luego ser
adornado. En estas superficies se reflejaban claramente las ideas del
arte tradicional antiguo.

Edificaciones
Las edificaciones más comunes de la época eran las iglesias, las
mansiones urbanas y las mansiones exclusivas de zonas campestres.
Muchos de los diseños más conocidos de la arquitectura renacentista
fueron creados por el artista italiano Palladio.
Representantes

Brunelleschi
Este autor es reconocido como uno de los arquitectos más importantes
de la historia, además de ser considerado como el primer ingeniero de la
época moderna.

Fue uno de los padres fundadores del Renacimiento y uno de los

primeros artistas en actuar como planeadores y constructores de sus
propias obras.

Es reconocido principalmente por desarrollar una técnica capaz de

representar con extrema eficacia la perspectiva lineal, común en la
época renacentista.

Alberti
Alberti es llamado el hombre ejemplar de la época renacentista. Aportó
diversas ideas a varios campos humanistas, complementando unas con
otras para crear un estilo único de la época.

Usualmente es reconocido por su trabajo en las fachadas

arquitectónicas, pues fue el área en la que más destacó.

Bramante
Donato Bramante fue el primer arquitecto en introducir el estilo artístico
de la arquitectura renacentista a Milán, además de llevar el estilo del
último período del Renacimiento a Roma. Diseñó incluso la Basílica de
San Pedro, obra que luego ejecutó el mismo Miguel Ángel.

Antonio da Sangallo
Sangallo creó una de las obras más importantes de la época renacentista
en Italia; de hecho, es reconocido principalmente por crear el Palazzo
Farnese, el edifico donde vivía la prestigiosa familia Farnese.

Sangallo era uno de los principales discípulos de Bramante, y su

arquitectura estaba influenciada por este artista.
Palladio
Andrea Palladio era un arquitecto que se desenvolvió en la Venecia
renacentista. La influencia que tenía del antiguo arte romano y griego lo
convirtió en una de las figuras más importantes en la historia de la
arquitectura.

Obras
-Catedral de Florencia, Di Cambio y Brunelleschi, 1436.

-Basílica de San Pedro, Bramante, Miguel Ángel, Maderno y Bernini,

1626.

-Palazzo Farnese, Antonio da Sangallo, 1534.

-La Rotonda, Palladio, 1592.

-Basílica de San Lorenzo, Brunelleschi, Miguel Ángel, 1470.

Escultura

Características

Apego a lo clásico
Tal como la pintura, la escultura renacentista generalmente estaba
definida por las mismas características que tenían las esculturas previas
a la Edad Media.

Los rasgos de cada una estaban claramente inspirados por la escultura

clásica y se buscaba encontrar un mayor grado de realismo en cada obra
mediante un tallado anatómicamente proporcionado.
 

David, de Miguel Ángel

Incremento de la inversión
En la época renacentista los gobiernos locales de cada ciudad
(particularmente Florencia) realizaron una importante inversión de
dinero en la escultura.

A su vez, las personas que tenían una gran capacidad económica

también invirtieron grandes cantidades de dinero, contratando escultores
para crear obras personalizadas.

La cantidad de nuevos patrones interesados en invertir en esculturas

potenció significativamente la creación de estas, lo que a su vez hizo que
el ser escultor fuese una profesión más lucrativa.

La creación de bustos también era común en esta época, con artistas de

renombre creando obras de este estilo a partir de 1450.

Cabe destacar que la Iglesia también tuvo una alta influencia en la

escultura, tal como ocurrió con la pintura renacentista. Por esto, muchas
de las obras creadas, al ser solicitadas por la Iglesia, eran de temáticas
cristianas.
Pionerismo renacentista
La escultura fue la primera de las grandes artes en dar el paso hacia lo
que hoy se conoce como Renacimiento. Se dice que la creación de las
puertas esculpidas para la Catedral de Florencia fue la primera obra con
claras influencias clásicas que se creó en Italia.

El potencial creativo de la escultura, a inicios del Renacimiento, fue

incluso mayor que el de la pintura. Esto se debió en gran parte gracias al
potencial creativo de uno de sus primeros exponentes: Donatello.

Representantes

Donatello
Donatello fue uno de los artistas más influyentes del Renacimiento
gracias a la gran cantidad de ideas originales que aportó a la escultura.

Tenía un talento artístico inigualable, lo que le permitió trabajar

cómodamente con diversos materiales como el bronce, la madera y la
arcilla.

Trabajaba con varios asistentes y fue capaz de desarrollar un nuevo

método para esculpir piezas pequeñas, aunque su trabajo principal fue la
creación de obras para trabajos arquitectónicos.

Miguel Ángel
Aunque Miguel Ángel fue un influyente pintor, el área en la que más
destacó fue la escultura.

Esculpió dos de las obras esculturales más influyentes en la historia de la

humanidad: La Piedad y David. La influencia de Miguel Ángel fue
bastante substancial en todas las ramas principales del arte renacentista

Lorenzo Ghiberti
Ghiberti fue uno de los primeros artistas influyentes de la época
renacentista. Fue el encargado de crear originalmente las puertas de la
zona baptista de la Catedral de Florencia, las cuales fueron denominadas
por el mismo Miguel Ángel como las Puertas del Paraíso.
Giambologna
Giambologna era un artista originario de lo que hoy es Bélgica, pero que
residía y trabajaba en Italia. Es altamente aclamado como uno de los
principales artistas manieristas del Renacimiento. Su trabajo con el
bronce y el mármol tuvo una alta influencia en los artistas de la época.

Andrea del Verrochio

Del Verrochio fue uno de los artistas renacentistas cuya influencia fue
bastante significativa, pero más allá de sus obras, es reconocido por la
cantidad de artistas que entrenó.

Era dueño de una importante escuela de arte en Florencia, y esto

conllevó a que entrenase a artistas importantes como Leonardo Da Vinci
y Pietro Perugino.