SEGUNDO CURSO/CICLO EL GÓTICO

EL DÍPTICO DE MELUN Y JEAN FOUQUET

Fig. 1, Díptico de Melun. La Virgen de Melun, o Virgen con el Niño y Ángeles,

forma parte de un díptico elaborado por el pintor francés Jean Fouquet. Es una
pintura al óleo sobre madera, pintada hacia 1450. Mide 91 cm de alto y 81 cm de
ancho y se exhibe actualmente en el Real Museo de Bellas Artes de Amberes en
Bélgica.

Uno de los problemas más importantes de este período, en medio de graves

crisis políticas, fue que las formas tradicionales de vida religiosa comenzaron a
entrar en crisis. El sistema de poder y la ideología de la Iglesia Cristiana habían
sido sacudidos y sería a nivel personal y privado que la religión encontraría una
nueva fuerza motriz. Los cambios en la iconografía del arte cristiano y, en
conexión con esto, la aparición de un nuevo tipo de obra diseñada para
satisfacer las necesidades de la devoción privada, son evidencia de la demanda,
cada vez más extendida en círculos cada vez mayores, de que la vida religiosa
debería ser más profunda e íntima que antes. Igualmente, se intentaba
reconciliar la vida cortesana y aristocrática con la práctica religiosa y vincular lo
celestial con lo terrenal.

El autor del Díptico de Melun es Jean Fouquet, formado en la tradición francesa

del gótico internacional, quien desarrolló un nuevo estilo integrando las fuertes

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tonalidades cromáticas del gótico con la perspectiva y los volúmenes italianos,
así como la innovación naturalista de los flamencos. Sus obras maestras son el
Díptico de Melun y las miniaturas del Libro de horas de Étienne Chevalie. A
lo largo de su carrera, el genio de Fouquet fue alimentado por el “ars nova” de
los pintores flamencos, ya que se nutrió de las influencias italianas, sabiendo
cómo integrarlas sutilmente en su propio arte. El conocimiento de Jean Fouquet
de las novedades flamencas va mucho más allá de la simple asimilación de
patrones y figuras transmitidas por colecciones de dibujos que circulaban en los
talleres de iluminación. Fouquet ciertamente se ha beneficiado enormemente de
la presencia, en los lugares donde es contratado, de los pintores del norte, pero
la química de los ingredientes que constituyen el genio original de Fouquet sigue
siendo difícil, ya que el camino que adopta es totalmente personal, tanto que
hace su obra con lo que ve en los demás pero con ingredientes únicos de su
propia inspiración que añade a lo que absorbe por completo de esas
contribuciones. Sin embargo, no hay duda de que los ojos del pintor de Tours se
detuvieron largo tiempo observando las obras de los pintores flamencos.

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Fig. 2. Este es el ala izquierda del díptico, originalmente ubicado en Melun. El
ala derecha que muestra a la Virgen y el Niño rodeados de Ángeles está en el
Museo Koninklijk voor Schone Kunsten, Amberes. El retratado en este panel es
Etienne Chevalier, que vino de Melun, fue embajador de Francia en Inglaterra en
1445 y seis años después se convirtió en tesorero de Carlos VII de Francia.
Chevalier dio como regalo el díptico del que este panel forma el ala izquierda, a
su ciudad natal y en esta ala, se retrató junto a su santo patrón San Esteban. El
santo, vestido con una túnica de diácono, sostiene un libro, sobre el cual yace
una piedra dentada, como símbolo de su martirio. La arquitectura formal en el
fondo es del estilo del trecento italiano, con pilastras con paneles de mármol con
incrustaciones de colores. En la pared, retrocediendo en perspectiva, el nombre
de Etienne Chevalier está escrito varias veces. Originalmente, el donante y el
santo miraban hacia la Virgen, que ocupaba el ala derecha del díptico. Según

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una descripción de las pinturas de Denis Godefroy en 1661, los marcos
originales estaban cubiertos de terciopelo azul y alrededor de cada imagen
había hilos de hilos de oro y plata, en los que las iniciales del donante estaban
tejidas en perlas. También había medallones dorados, en los que se
representaban historias de los santos. La tradición sostiene, y hay una
considerable evidencia de apoyo, que las características de la Virgen son las de
Agnes Sorel, la bella e influyente amante de Carlos VII. Los retratos conocidos
de ella ciertamente no entran en conflicto con esta hipótesis. Su relación con
Etienne Chevalier no fue del todo política, y una inscripción del siglo XVIII, en la
parte posterior del panel de Amberes, nos dice que el díptico de Melun fue
donado por Etienne tras un voto que hizo antes de su muerte en 1450. El díptico
estaba en el presbiterio de la Iglesia de Notre-Dame en Melun, al sur de París,
desde 1461 hasta aproximadamente 1775, cuando las dos mitades fueron
separadas. La fecha de la muerte de Agnes Sorel no es la única razón para
suponer que el díptico fue pintado alrededor de 1450. En cualquier momento
posterior, el corte de la túnica de Etienne ya no estaría de moda y unos años
antes, entre 1443 y 1447, Fouquet había estado en Italia y los antecedentes del
panel conservado en la Gemaldegallerie de Berlín, son claramente el resultado
de lo que vio allí. Después de regresar del sur, se instaló en su lugar de
nacimiento, la ciudad de Tours. A partir de entonces trabajó para Carlos VII en la
corte y se convirtió en el principal exponente del estilo cortesano francés o gótico
internacional.

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Fig. 3. Jean Fouquet. Madonna del Díptico de Melun. Este es el ala derecha del
díptico. el ala izquierda muestra a Étienne Chevalier y San Esteban y se
encuentra en la Gemaldegallerie de Berlín. En el ala de la derecha de lo que
alguna vez fue un díptico, hay una esbelta figura femenina de pie, con un pecho
desnudo. Ella tiene la frente afeitada abultada según la moda del período. Su
cara y su piel, así como el cuerpo del Niño Jesús, son de un color blanco
grisáceo pálido, como si estuvieran pintados en grisaille; el azul grisáceo de su
túnica da la impresión de fatiga y languidez. El trono, suntuosamente adornado
con paneles de mármol, perlas, piedras preciosas y grandes borlas de oro, está
rodeado de querubines pintados en vivo rojo y azul; sus figuras, que recuerdan
decoraciones bidimensionales, llenan completamente el resto del panel. Existe
una tradición de que sería un retrato de Agnes Sorel, famosa belleza de la
época, quien habría sido la modelo de esta Madonna, con su apariencia

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extraordinariamente elegante y algo frívola y que no corresponde para nada con
la iconografía de la Reina del Cielo, lo que da algo de razón a la creencia de se
trataría, efectivamente, de Agnes Sorel. En “El Otoño de la Edad Media”, el
historiador holandés Johan Huizinga describió esta pintura como el ejemplo más
terrible de una peligrosa mezcla de sentimientos amorosos y religiosos. "Hay un
sabor de audacia blasfema en todo el conjunto", escribió. El panel de la derecha
está hoy en la colección del Real Museo de Bellas Artes de Amberes,Bélgica.
Aunque Agnès Sorel no fue la primera amante de un rey, sin embargo fue la
primera a la que se le reconoció públicamente esa condición al otorgársele el
título de “maitresse en titre” (querida oficial), que luego llevarían otras. De
aquella relación nacieron tres hijas, Marie de Valois, Charlotte de Valois y
Jeanne de Francia. Murió en 1450, a los 27 años, de manera repentina, tras
haberse desplazado, en pleno invierno, a encontrarse con el rey en Rouen, que
estaba al frente de su ejército combatiendo a los ingleses, para advertirle de una
conjura contra su persona. Los testimonios de la época hablan de su
fallecimiento por un "flujo de vientre", sin embargo las sospechas sobre un
posible envenenamiento corrieron desde el principio. No le faltaban enemigos en
la corte. La extraordinaria belleza que le atribuían sus contemporáneos quedó
recogida por Jean Fouquet, el pintor francés más famoso de su época, al
tomarla como modelo para la Virgen rodeada de ángeles del Díptico de Melun,
obra maestra del estilo gótico internacional. La pintura nos muestra a una joven
de una gran belleza, de cabello claro y piel muy blanca, figura muy estilizada,
talle muy estrecho y el cuello sinuoso y hermoso como el de un cisne. La frente
despejada enmarca una cabeza de una forma ovalada que roza la perfección y
en el que Fouquet dibuja unas finísimas cejas que continúan su dibujo sobre el
perfil de la nariz, bajo el cual una boca diminuta aporta una fresca y radiante
nota de color.

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Fig. 4. Fouquet, Jean, Retrato del Carlos VII, ca. c. 1445, óleo sobre madera, 86
x 72 cm, Colección del Museo del Louvre de París. El rey está pintado entre
cortinas dibujadas. Su rostro delgado y ascético, ojos melancólicos y simplicidad
puritana son evidencia de la profunda penetración psicológica del pintor y la
economía de los medios utilizados para expresarlo. El sombrero azul está
adornado con un patrón dorado en forma de V; y este es prácticamente el único
signo de pompa en la pintura. Su sencillo doblete de terciopelo rojo oscuro está
bordeado de piel marrón en el cuello y los puños. La cara bastante triste, algo
tímida, los ojos estrechos, la nariz larga, los labios gruesos, parecen tallados por

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el cincel de un escultor. El artista ha pintado al rey de perfil de en tres cuartos y
nada más que la inscripción "le trés victorieux roy de France" indica que este
fue el gobernante que puso fin a la Guerra de los Cien Años. Es posible que
Fouquet haya pintado este retrato inmediatamente después de su regreso de su
viaje a Italia, tan discutido por los estudiosos, ya que es una de sus obras de
espíritu más medieval de sus retratos. Fouquet fue reconocido desde muy
temprano como un maestro del retrato: fue por esta razón que se le encargó,
durante su estancia en Roma, una efigie del papa Eugenio IV, una obra perdida,
pero conocida por dos copias parciales donde su enfoque ya se revela muy
personal del género, distinto del de los italianos y los flamencos, descuidando el
boato pero insistiendo en la posición social y la psicología del modelo y
presentándolo en un ambiente espacioso. El retrato del rey Carlos VII y el del
canciller de Francia Guillaume Jouvenel des Ursins, ambos en el Louvre, y el
retrato del Canon de la Pietà de Nouans, dan testimonio de su talento
incomparable como retratista, así como su autorretrato en esmalte, también en
el Louvre.

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Fig. 5. Fouquet, Jean, El Libro de Horas de Étienne Chevalier. San Juan, apóstol
y evangelista, exiliado a la isla de Patmos durante las persecuciones de
Domiciano, escribió allí el Apocalipsis o Libro de la Revelación. En compañía de
un águila, su símbolo, Juan escribe sentado en el centro del islote. La frágil
vegetación se destaca contra un paisaje fantástico con una perspectiva

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atmosférica donde el agua, el cielo y las montañas se mezclan en una
progresión. Las iniciales y el nombre de Etienne Chevalier aparecen en el
cartucho a la izquierda y abajo en un escudo llevado por dos putti, entre ramas
de naranjo. Es una de las pocas miniaturas que se conservan de la obra.

Durante la Guerra de los Cien Años contra los ingleses y más allá, los reyes
franceses desde Carlos VII (1422-61) hasta François I (1515-47) tuvieron su
corte en el valle del río Loira. Fue allí donde construyeron muchas de sus
mejores residencias y Jean Fouquet trabajó allí, presumiblemente después de
haber realizado su aprendizaje como miniaturista en París. Un viaje que
emprendió a Roma le proporcionó más inspiración, que incorporó a sus
ilustraciones con gran ingenio. Lo más significativo de su producción son las
miniaturas del “Libro de Horas de Étienne Chevalier” (c. 1410-1474), fue
secretario y ministro de finanzas del rey Carlos VII de Francia, quien reinó del
1422 al 1461, y sería uno de esos funcionarios de la corte que, debido a sus
grandes capacidades y lealtad había aumentado su rango e influencia en París y
como resultado adquirido una considerable fortuna. El creador de las miniaturas
del “Libro de Horas” de Étienne Chevalier fue Jean Fouquet, con quien la pintura
francesa del siglo XV alcanzó su cenit indiscutible.

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Fig. 6. Fouquet, Jean, Libro de Horas de Étienne Chevalier, Manuscrito ca.
1452-60. Lat. 1416, 201 x 148 mm Bibliothèque Nationale, París. La imagen
muestra a un grupo que abre la oración de súplica a Santa Ana, madre de la
Virgen, figura que se acentúa en tamaño con su tocado amarillo con forma de
turbante. A la izquierda está María con el Niño Jesús. José se puede ver detrás
de ella y a su derecha. María Cleofas, la hija de Ana en su segundo matrimonio,
representada a la derecha, rodeada por sus cuatro hijos, los futuros apóstoles:
Santiago el Menor, Barnabás, Simón el Canaanita y Tadeo. La hija de Ana de su
primer matrimonio, Maria Salomé, cuyo vestido es similar al que usa la Madre de

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Dios, es la madre de Juan Evangelista y de Santiago el Mayor.

Fig. 7. Fouquet, Jean. Libro de Horas de Étienne Chevalier, Manuscrito

Colección del Museo del Louvre, París. La miniatura que vemos está en el
Louvre y representa a Santa Margarita, una de las santas favoritas del rey
francés Carlos VII. Es una de las mejor conservadas del famoso “Libro de las
Horas de Étienne Chevalier” ilustrado por Jean Fouquet.

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Fig. 8. Fouquet, Jean, Libro de Horas de Étienne Chevalier, Manuscrito 1452-60
(Ms.. 71), 201 x 148 mm, Colección del Musée Condé, Chantilly. La imagen
muestra la miniatura de “La Madonna ante la Catedral”, en el “Libro de Horas de
Étienne Chevalier” (folio 4r).La Virgen ante la Catedral y la miniatura que la
precede, juntas, forman un todo orgánico, de hecho, son una sola composición.
En la miniatura de la Virgen amamantando a su hijo, la vemos a ella sentada en
un nicho enmarcado por un arco gótico y lleva una corona en la cabeza, su capa
azul se extiende en pliegues angulares a la alfombra con dibujos dorados y

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rojos. Los colores, la arquitectura elaboradamente dorada y el manejo
monumental del espacio le dan a la composición, a pesar de su pequeño
formato, una grandeza y solemnidad únicas

En estas pocas miniaturas que se conservan vemos paisajes típicos del

renacimiento italiano temprano de, trecento, junto con representaciones de
palacios y castillos típicos de los hermanos Limbourg o de la escuela parisina.
Originalmente, este “Libro de Horas” era un manuscrito suntuoso que rivalizaba
con los manuscritos más bellos del siglo XV. Sin embargo, ha sufrido un destino
triste. En el siglo XVIII se dividió en secciones, con la pérdida de todas las
páginas de texto, excepto dos. Las páginas iluminadas se dispersaron en todas
las direcciones en el siglo XIX. De los 47 folios iluminados supervivientes, 40 se
conservan en el Museo Condé, Chantilly, 2 en el Museo del Louvre, París, 1 en
la Biblioteca Nacional, París, Biblioteca Británica, Londres, Museo Metropolitano
de Arte, Nueva York, Fundación Wildentein, Londres, y otra en una colección
privada. Con Fouquet, que trabajaba para la casa real francesa de Carlos VII,
junto con otros artistas, la gran era de la iluminación francesa llegará a su fin.
Francesco Florio, Florentino residente en Francia, considera en un texto
probablemente escrito en 1478 a un amigo humanista, que "Jean Fouquet
supera por su arte a los pintores de muchos otros siglos. Este Fouquet del que
hablo, escribe, es un hombre de Tours que, por su facilidad en el arte de la
pintura, se elevó no solo por encima de sus contemporáneos sino por encima de
todos los Antiguos ". Y concluye: "Realmente fue a través de una visión
transparente que logró dibujar estos retratos. No lo dudes, porque es la verdad
que escribo: este Fouquet tiene el poder , con su pincel, para dar vida a los
rostros y casi imitar al mismo Prometeo.”

La aparición de Robert Campin, Jan van Eyck y Rogier van der Weyden significó
que el centro de gravedad del arte gótico europeo se trasladó desde Francia a
Flandes y los Países Bajos.

PRÓXIMO CURSO: LOS HERMANOS LIMBOURG Y LAS MUY RICAS HORAS

DEL DUQUE DE BERRY

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