República Bolivariana de Venezuela.

Ministerio del Poder Popular para la Educación.

Unidad. Educativa. Colegio Virgen del Valle.
Arjona-Estado Táchira.

Desarrollo del taller de GHC

Realizado por:

Sthefany Hernández.
Año y sección: 2do B.
Docente: Mary Cárdenas.

Marzo;2020
 Desarrollo

1. Nombra los principales movimientos artisticos del siglo XX.

R=En este sentido, podríamos considerar los movimientos artísticos
del siglo XX, como una revolución en el mundo de las artes, donde la
constante búsqueda de nuevas formas de expresión, la mayoría de
ellos, muy marcados por una gran ruptura con la estética anterior, dio
como resultado la renovación total del concepto del arte y sus límites.
Algunos de estos son:
 Modernismo (1900)
 Fauvismo (1905)
 Cubismo (1907)
 Futurismo (1909)
 Expresionismo (1914)
 Constructivismo ruso (1914)
 Dadaísmo (1916)
 Bauhaus (1919)
 Abstracción geométrica (1920)
 Art Decó (1920)
 Surrealismo (1924)
 Realismo Socialista (1924)
 Expresionismo abstracto (1947)
 Pop Art (1950)
 Arte en acción (1960)
 Fluxus (1962)
 Minimalismo (1965)
 Arte Povera (1967)
 Hiperrealismo (1968)

2.¿Qué es la abstracción y muestra una imagen que lo represente ?

R= La abstracción está vinculada al verbo abstraer que consiste en
separar las propiedades de un objeto a través de una operación mental, dejar
de prestar atención al mundo sensible para centrarse en un pensamiento. La
abstracción, por lo tanto, es alguna de estas acciones o sus efectos.
Para la filosofía, la abstracción es una actividad cerebral que permite aislar, a
nivel conceptual, una cierta cualidad de algo con la intención de entregarse a
una reflexión sobre la misma sin considerar el resto de las propiedades del
objeto en cuestión.
Se conoce como arte abstracto, por otra parte, el estilo que no intenta
reproducir las formas de la naturaleza u otros modelos, sino que se centra en
las características de la estructura, la forma y los colores de la propia obra.
Este estilo se desarrolló como una especie de oposición al realismo y a la
fotografía.
Dentro del arte abstracto es posible destacar al expresionismo abstracto,
un movimiento de la pintura que tuvo su origen en la década del ’40 en el
territorio estadounidense. Entre sus características principales, puede
señalarse su preferencia por el óleo (y no por el lienzo) y por los formatos de
gran tamaño.
En el arte, la abstracción surge en el siglo XX al comenzar una nueva
tendencia en la que se exploran nuevas formas. Hasta ese momento las
obras de arte imitaban a la naturaleza con sus paisajes, personas y objetos
que habitan en ella; se creía que cuanto más se asemejara una pintura a
la realidad, más perfecta era. La pintura abstracta se basa en los elementos
de la naturaleza pero no se rige por ninguna norma; el artista manifiesta su
mundo interior y el arte se convierte en algo absolutamente subjetivo. En
este período el arte se caracteriza por transmitir sentimientos, utilizando la
mezcla de colores sin límites y del mismo modo las formas geométricas, en
una palabra, el arte se libera.
En 1964 aparece en Estados Unidos la abstracción postpictórica, como
sucesora del expresionismo abstracto. Quien primero mencionó el término
fue, Clement Gutenberg, para describir un estilo artístico que rechazaba la
gestualidad y aplicaba de forma uniforme el color, pero sin deseos de
transmitir un mensaje a priori. Además, la pintura ocupaba superficies muy
amplias y no debía ser justificada con ideas o sentimientos, ella misma era
su propia justificación. De esta corriente surgió posteriormente
el minimalismo que buscó un planteo formal y cromático más básico que las
anteriores tendencias.
3. ¿Quién es el principal exponente del arte abstracto en Venezuela y
mencionar sus obras?
R= El Abstraccionismo es una forma de Arte Abstracto impulsada hacia
los años 20, cuyo principal exponente a nivel mundial fue Wassily Kandinsky.
Este tipo de arte abstracto es lo opuesto al arte figurativo, rompiendo con el
lenguaje tradicional de la realidad para crear uno plagado de significados. A
través de trazos, bien sean horizontales, verticales o diagonales, con
intensos colores o monocromáticos, el abstraccionismo geométrico crea la
sensación al espectador de intersección o superposición, de fuerza o
debilidad, ilusión de movimiento, etc., así como también profundidad o
perspectiva. En Venezuela, tiene sus principales raíces en artistas como
Alejandro Otero, Mateo Manaure, Pascual Navarro, Armando Barrios, Jesús
Soto, Carlos Cruz-Diez, Omar Cardeño, Elsa Gramcko, Mercedes Pardo,
Ángel Hurtado, Humberto Jaime Sánchez y otros.
Entre las obras más destacadas se encuentran:
 Dialogo sagrado, Elsa Gramcko
 La llegada de los pájaros, Humberto Jaime Sánchez
 Los cerritos, Alejandro Otero y Mercedes Pardo
 Coloritmo 42, Alejandro otero
 La claridad que nunca se detuvo, Ángel Hurtado
4. ¿Qué es el cinetismo y menciona algunas obras?
R= El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen
movimiento o parecen tenerlo.
Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas
creadas para producir una impresión de movimiento. El arte cinético y el arte
óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento.
Escultura cinética:
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la
estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la
escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las
obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las
ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo
de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente
contrastadas. Op Art. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan
en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel
Duchamp. Más adelante Alexander Calder inventó el móvil, un tipo de
escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que
son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire en el ambiente. La
expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de
arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y un mecanismo
motorizado.
El arte cinético fue una corriente muy de moda desde la mitad de los 60
hasta mediados de los 70.
Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas
creadas para producir una impresión de movimiento. El nombre tiene su
origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre
los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan. Este término apareció por
primera vez en 1920 cuando Naum Gabo en su Manifiesto Realista rechazó
“el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el
único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los ritmos
cinéticos: “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”. Utilizó
esta expresión coincidiendo con su primera obra cinética, que era una varilla
de acero movida por un motor y da valor al término utilizado hasta ese
momento en la física mecánica y en la ciencia, pero comienza a utilizarse de
forma habitual a partir del año 1955. Hoy en día se conoce como arte
cinético, aquellas obras que causan al espectador movimiento e
inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el
punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban (un ejemplo
pueden ser los anuncios luminosos). También están incluidos dentro de este
movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con
movimiento mecánico.
Características:
 El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la
mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual.
 Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura
rigurosamente planificada.
 La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del
plano bidimensional.
 Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el
viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.
Tipos de arte cinético:
Existen diferentes tipos de obras cinéticas de acuerdo con la manera que
produzca sensación de movimiento
 Los estables: Son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos
de tal manera que el espectador deba rodearlos para percibir el
movimiento.
 Los móviles: Son obras que producen un movimiento real debido a
diferentes causas, cambiando su estructura constantemente.
 Los penetrables: Generalmente es un ensamblaje en un espacio real que
requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida
que la recorre.
la esfera de caracas

Coloritmo
Ambientación cromática

Inducción cromática
 Couleur Dans L'Espace

5. ¿Realiza una biografía de Carlos Cruz Diez y muestra imágenes de

sus principales obras?

R= El artista franco-venezolano, Carlos Cruz-Diez (Caracas, 1923 - París,

2019) vivió y trabajó en París desde 1960. Considerado uno de los
protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, corriente artística que
reivindica "la toma de conciencia de la inestabilidad de lo real”. Sus
investigaciones lo revelan como uno de los pensadores del color del siglo
XX.

El discurso plástico de Carlos Cruz-Diez gravita alrededor del fenómeno

cromático concebido como una realidad autónoma que evoluciona en el
espacio y en el tiempo, sin ayuda de la forma ni del soporte, en un presente
continuo.

Carlos Cruz-Diez nació el 17 de agosto de 1923, es uno de los grandes

artistas cinéticos venezolanos, quien creó otra noción del color y su relación
con el espacio y el tiempo. La extensa obra del maestro Cruz-Diez, que viene
desarrollando desde mediados de los años 50, es una invitación al juego y la
razón. A sus más de 90 años –y radicado en París– se mantiene activo
investigando. El pasado 2014 publicó sus memorias, bajo el título “Vivir en
Arte, recuerdos de lo que me acuerdo”.
Carlos Cruz-Diez cursó estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas
de Caracas, institución a la que se incorpora como docente, además
incursiona en el diseño, las artes gráficas y la publicidad. En 1945 se
residenciará un breve tiempo en Nueva York, donde estudia diseño y
publicidad. En 1954 incursiona en la abstracción geométrica; ámbito del arte
que afianzará con la definición de una plataforma conceptual fundamentada
en el color.

A partir de 1955 trabajará entre Caracas y París, tanto en el ámbito

académico como en el desarrollo de su propio lenguaje plástico en torno al
color. El año 1959 marca el inicio de sus series Color aditivo y Fisicromías.
En 1960 se residencia en París, sin perder contacto con su Venezuela natal.
En 1963 desarrolla las Inducciones cromáticas, las Cromointerferencias y
las Transcromías Aleatorias. Al año siguiente crea las Cámaras de
Cromosaturación, y para 1969 instala el “Laberinto de Cromosaturación” en
el Boulevard Saint-Germain, en París.

La producción de Carlos Cruz-Diez ha sido exhibida en el Museo de Arte

Moderno de Nueva York, la Bienal de Venecia, el Museo de Bellas Artes de
Houston, así como galerías y museos europeos. En nuestro país se
encuentran importantes obras de integración a la arquitectura que se
despliegan en edificios públicos, como la Sede del Sistema de Orquestas, el
Aeropuerto Internacional de Maiquetía y la Central Hidroeléctrica Raúl Leoni.
6. ¿Qué es la pintura espontánea?

R= La producción de la pintura espontanea en Venezuela, data de los

inicios de la colonia; no obstante, hasta mediados del siglo XIX no fue
reconocida oficialmente como valor estético, fue Feliciano Carvallo (1920-
2012) quien irrumpió con una pintura no académica de rico imaginario y
temas sobre su realidad vivencial (selvas con vegetación y temática popular,
religiosa, anecdótica y festiva); se distingue su pintura por los colores
vibrantes que destacan sobre un fondo oscuro. Fue galardonado con el
premio Nacional de pintura del XXVII Salón oficial.

Nuestros artistas espontáneos son portadores de la cultura colectiva; más

que obras particulares, crean e interpretan el patrimonio común, los valores y
la identidad de los pueblos. Durante muchos años se subestimó a estas
producciones y luego se les explotó, desvinculándolas de su raíz popular.

Algunas obras de pintura espontánea son:

 Placita de Petare, Bárbaro Rivas

 Proclamación de la reina, Salvador Valero
 La guaira, Víctor Millán
 La guerra y la paz, Elsa morales
7. ¿Consulta imágenes pintura figurativa no realista en Venezuela y
muestra 4 de ellas?

Primero que todo, aclaremos que la pintura figurativa es totalmente lo

opuesto a la pintura abstracta, es decir, busca representar exactamente la
realidad de los objetos. Básicamente, podemos comparar con una fotografía,
que busca recrear la realidad tal cual es.
Ahora, hablando de la pintura figurativa no realista, se describe como la
representación de objetos, pero con algunas características abstractas, como
su tamaño o color, generalmente.
En cuanto a la relación de este estilo con Venezuela, se puede decir que
inició entre los años 20 y 30 con la innovación del pintor Armando Reverón. A
partir de allí surgieron varias corrientes del arte figurativo en Venezuela,
como la pintura figurativa no realista.

Elser, Alirio Rodríguez. Pintura

El gallo, Mario Abreu
coto de casa Regulo Pérez

Homenaje a la necrofilia, Carlos contramaestre