PRINCIPIOS BASICOS DEL DISEÑO GRAFICO.

El diseño gráfico es la creatividad hecha sobre un lienzo, plasmado en un dibujo, o

la edición sobre un programa, los colores, las formas y otros, salen de la mente de un creativo para
generar una respuesta, lo más esperado es que sea agrado, apego, persuasión. Pero la creatividad
tiene ciertos principios y leyes por los que deben seguir, para que haya un orden, para el resultado
sea seguro y no un intento fallido. Los principios básicos del diseño son herramientas que el
diseñador debe emplear en la producción de su imagen, dibujo, etc. Estos principios estarán en el
plano psicológico para que la llegada al público sea efectiva, se basa entonces en las leyes
de Gestalt, las leyes de la percepción.

Leyes de Gestalt
1.1 Conceptos previos
La principal función del diseño gráfico es la de "atraer" a las personas, con creatividad tiene que
atrapar a las personas por su atractivo.

Como también la de comunicar por medio de su composición, publicitar y persuadir a las personas
por una marca. Debe compartir una idea.

Por ello debe cumplir con ciertas normas o principios para que se cumpla, en algunas veces esto,
sin ningún texto. Pero ¿Cómo se cumple esto?

La respuesta es: Psicología. Esta ciencia es la que ayuda al diseño gráfico y es un aspecto
importante en todo lo que esta constituye por las percepciones y emociones que transmite.

"El todo vale más que la suma de sus partes", esta frase explica todo lo que conlleva a
la Escuela Psicológica Gestalt, esta rama de psicología es la que nos ayudará a crear nuestro
diseños mediante a sus principios de la percepción, mediante sus leyes de contraste,
jerarquización, etc. Lo importante en ello será la forma y el fondo.

1.2 ¿Qué es Gestalt?

Del verbo alemán gestalten (forma, dar forma, cuerpo, estructurar, trazar) y que no
tiene traducción exacta al castellano, es la Escuela psicológica formada a mediados del siglo XIX
por los científicos alemanes Wertheimer, Koffka y Kohler, solo calificada así por historiadores ya
que en un principio solo era visto como corriente, medio de estudio.

Según Saíz, Anguera, Molla, de la Casa: "Gestalt la forma o figura de una cosa, el modo como está
conformada, o configurada en el sentido de colocación o distribución de sus partes y la apariencia
resultante de dicha formación" (2011)

Quiere decir que algo o alguien son formados por medio de sus aspectos, de sus partes para crear
un todo, que será observado a partir de esa apariencia.

De igual manera nos indica que "es una psicología científica, el objeto de estudio es
la conciencia humana por medio de la experiencia, los procesos mentales, los sucesos conscientes"
(Saíz, 2011)

En pocas palabras, es una corriente empirista, su análisis está en lo observable, en lo que se

percibe por medio de los sentidos.

Otra definición es la que nos da Jorge Mendoza en su página que habla sobre terapias por medio
de Gestalt. Este autor nos indica que "es una escuela de psicología que interpreta los fenómenos
como unidades organizadas, estructuradas, más que como agregados de
distintos datos sensoriales"

Claramente refiriéndose al lema de los gestálticos "el todo vale más que la suma de sus partes", se
requiere por ende a la percepción del todo, y no a los detalles por separado.

Concluyendo, Gestalt es una escuela y terapia actualmente a generar conciencia sobre la

capacidad de uno mismo, según nuestras propias percepciones en el presente y recordándolo en
nuestra memoria.

1.3 Según Gestalt ¿Qué es Percepción?

La Percepción es un tema de discusión en muchas universidades a mediados del siglo XIX, siendo la
Gestalt la que más atención y sistematización le dio.

Para los autores principales de Gestalt, es por medio de la percepción la que afianzará a
nuestro aprendizaje, memoria, pensamiento y otros.
Así que se definirá para Gestalt a la percepción como "proceso de extracción
y selección de información relevante encargado de generar un estado de claridad y lucidez
consciente que permita el desempeño dentro del mayor grado de racionalidad y coherencia
posibles con el mundo circundante" (Oviedo, 2004)

Este autor nos lo define como la sensación de un todo ante una situación, del cual se
elegirá recursos que podrían ser útiles para resolver el momento con la mayor capacidad posible,
apelaremos a la memoria, y al poder de cada uno de ser sensitivos porque estos datos vendrán de
la luz, gestos, olores, sonido, temperatura, etc. Por ello, a partir de estas extracciones de la
realidad, se creara una imagen mental en la conciencia. Gestalt apela a todo conocimiento a
posteriori.

A partir del libro de Tabula Rasa de John Locke, se produjo un mayor énfasis al tema de la
experiencia, el empirismo había sido reconocido como un conocimiento valido, que los
conocimientos eran sustentados por medio de la mente, que mezclaba o unía a todas las ideas
sensoriales que aparecen en el entorno y las aprehende, expuesto por John Stuart Mill. (Boring,
1992)

Mill dice que la mente organiza datos, los jerarquiza dependiendo de la situación, generando un
solo dato complejo, definido, dejando de lado a las ideas simples como peso, color para crear un
solo estado mental.

De aquí se basa el lema gestalt "el todo vale más que la suma de sus partes".

1.4 La Forma
Partiendo de lo anteriormente hablado, la percepción en su todo es lo que nos dará el dato de su
complejidad.

"Hablamos de una estatua, si lo analizamos no encontraremos nada de calidad o esbelto ni

belleza, solo encontraremos colores, de que esta hecho o la manera en cómo ha sido creado, pero
en su totalidad sigue siendo bello" (Gondra, 1996)

Y es lo que la percepción gestáltica quiere lograr, cualidades según su totalidad y así convertirse en
una estructura mental.

1.5 Leyes de Gestalt

Wertheimer realizó un estudio llamado Fenómeno Phi (1912), el cual es la sensación
de movimiento por medio de la luz. Colocó dos barras una a cada costado y se encendían por
intervalos pequeños de tiempo, muy rápido creando la ilusión de que ellos se movían.

Explicando que a partir de sensaciones básicas como lo es la luz, se puede crear un concepto como
lo que es el movimiento.
De igual forma se comenzaron a crear varios tipos de ilusiones para probar la misma idea, a estos
se les llamo Leyes de Percepción o Gestalt, incluyendo a la forma, pregnancia, etc.

El contraste y el balance en el diseño gráfico

2.1 El contraste o énfasis
El contraste es un efecto que permite diferenciar elementos, resaltando su peso visual y
organizándolos en un orden jerárquico en el diseño. Crea un efecto visual penetrante y dirige la
atención al mensaje clave ya sea al contrastar los colores, tamaños, texturas o fuentes; la
diferencia de los elementos debe notarse para que el diseño sea efectivo.

Luz del Carmen Vilchis se refiere que: "Diseñar es la actividad objeto de estudio del diseño que en
tanto disciplina estudia el comportamiento de las formas, sus combinaciones, su coherencia
asociativa, sus posibilidades funcionales y sus valores estéticos captados en su integridad"

Jorge Frascara se refiere al gráfico como: "La Producción de objetos visuales destinados a
comunicar mensajes específicos"

2.1.1. Contraste de valor

Se llama contraste de valor cuando se utilizan valores opuestos o extremos de claridad /
oscuridad. Esto quiere decir, que el elemento de color más oscuro tendrá mayor peso tonal,
destacando así el más claro, a medida que se disminuye el valor del elemento más oscuro respecto
al claro, el contraste disminuye, con lo cual, si se pretende mantener la fuerza expresiva de la
diferencia de luz, habrá que aclarar más el elemento contrapuesto o ampliar su tamaño.

2.1.2 Contraste de color

El contraste de color se basa en las propiedades del color (tono, valor, saturación), el tono es el
responsable de ofrecer mayor contraste. Dos elementos de colores complementarios se potencian
el uno al otro, lo mismo que el caso de un color cálido frente a uno frio.

El efecto de contraste creado entre dos colores aumentara cuanto más contrapuestos se hallen
dentro del circulo cromático, al contrario que los análogos, más cercanos en el círculo cromático.

Abraham Moles y Luc Janiszewski se refieren al color como: "El color fabrica todo
un universo imaginario. Nos hace viajar a las islas, nos sumerge en el mar o nos sostiene en pleno
cielo."

2.1.3 Contraste de texturas

Un elemento con textura grafica fina contrastara respecto a otra con textura gruesa, resaltando la
de mayor grano. Además del tamaño de la textura, la densidad, la direccionalidad o el tipo de
variante generan contrastes de textura según la disposición y la amplitud de los elementos.

2.2 EL EQUILIBRIO O BALANCE

El equilibrio es un hecho físico propio de nuestra anatomía y nos permite sentir orientación de
nuestro cuerpo respecto al entorno, así como la situación de los elementos que manejamos o
vemos en relación a nuestra simetría humana. Pero también es una ciencia que nos ofrece
información acerca de la colocación de pesos, magnitudes y masas en el mundo que vivimos.

Trasladando estas percepciones, se alcanza a comprender que el equilibrio compositivo no es más

que una aplicación razonada de nuestras sensaciones intuitivas.

Xerox Publishing Standards "El fin principal del diseño de páginas es el reconocimiento visual y la
legibilidad. Estos fines se logran a través de tipografía consistente, uso efectivo de espacios en
blanco y gráficos, y el uso controlado de líneas"

El equilibrio es un concepto muy importante en el mundo de las artes visuales y, por supuesto, del
diseño gráfico, una composición basada en elementos que se combinan e interaccionan entre si
sobre un plano debe tener presente el peso visual.

La zona superior ejerce un mayor peso visual que en la zona inferior, mientras que en la zona
izquierda tiene menor peso que la zona de la derecha. No obstante, hay otros condicionales, que
pueden variar este principio general: el color o la textura de los objetos, el tamaño, el color del
fondo o las direcciones marcadas por las tensiones entre los elementos.

En cualquier caso, la manera de medir el peso de las formas y líneas del diseño se realiza mediante
el análisis de la importancia visual de estos dentro de la composición, intentando equilibrar los
elementos de mayor importancia, con los de menor importancia y los de mayor peso con los de
menor. La experiencia contribuye, además, a mejorar la capacidad de estructurar las relaciones de
peso visual entre los elementos gráficos.

Aun así, el peso visual es un término que identifica la propiedad de aumentar o disminuir el
equilibrio de los elementos porque ejerce una fuerza óptica. Aparte de su atracción y fuerza, el
peso visual depende de varios factores.

La distancia del elemento al centro: cuanto más cerca más peso.

El tamaño del elemento: en igualdad de condiciones, el elemento mayor tendrá más peso.

La forma, la textura y el color de los elementos: el efecto texturado aumenta el peso, así como los
elementos irregulares y los colores cálidos.

La ubicación arriba – abajo: Un elemento pasara mas a la derecha que a la izquierda

La relación de espacio respecto al elemento: cuando se encuentra aislado pesa mas que rodeado
de elementos.

La percepción del peso visual puede estar influida también por el estado de animo o la emotividad
del espectador.

Por lo general, se establecen dos tipos de equilibrio visual: El equilibrio simétrico y el equilibrio
asimétrico.

2.2.1 Equilibrio axial o simétrico

Se genera un equilibrio simétrico cuando se divide una composición en dos partes iguales, dando
lugar a la igualdad de color, textura, forma, tamaño y estructura (simetría especular). Ningún
elemento sobresale más que otro respecto a su correspondiente simétrico y todo parece en
perfecto orden. Esta regularidad constituye un factor estético de armonía utilizada en numerosas
expresiones creativas del ser humano, pero la presencia de la simetría puede resaltar
excesivamente monótona y previsible, pues no permite la interpretación activa del espectador, ni
despierta la sensación, dinámica del mensaje visual. Esto no quiere decir, por otro lado, que el
equilibrio creado por la simetría sea poco sugestivo, pues a menudo evaluamos el atractivo visual
de un objeto por su simetría

2.2.2 Equilibrio oculto o asimétrico

Se produce cuando a cada lado de la división imaginaria de una composición los elementos no se
corresponden en tamaño, color, forma o estructura, pero si se advierte una impresión de
equilibrio entre elementos. Al haber diferentes pesos visuales a cada lado del eje, el efecto ejerce
mayor impresión de actividad, provoca sensaciones más vitales, más dinámicas y consigue evitar la
monotonía. Cuando en el aparente desorden, los elementos que se distribuyen en la composición
se contraponen y se contrarrestan unos a otros tratando de mantener un estado de equilibrio de
pesos visuales, direcciones y tensiones, el efecto visual del conjunto aparecerá más rico en matices
y más atrayente en su apreciación.

El grado de dominio del lenguaje visual en la articulación de los elementos de la composición

asimétrica determinara la calidad del diseño. Pues en un esquema del equilibrio asimétrico se
puede caer fácilmente en el error de agrupar desordenadamente los elementos provocando el
caos o la ambigüedad, perjudicando y degradando los criterios básicos de la comunicación visual.

Repetición y alineación en el diseño gráfico

Un buen proyecto gráfico debe tener unas características que lo hagan único y que logre
conquistar a la audiencia o público que lo recibe, para marcar el factor diferencial es importante
tener en cuenta la importancia de aplicar las normas básicas que responden al acrónimo de
C.R.A.P (Contraste, Repetición, Alineación y Proximidad).

3.1 Repetición
El principio de Robin dice: "Repita algún aspecto del diseño a lo largo de toda la pieza. Puede ser
una fuente en negrita, un formato particular, relaciones espaciales, un color, etc."

La repetición es el método más simple para el diseño, no es más que formas idénticas que
aparecen más de una vez en el diseño. La repetición le da unidad al conjunto del diseño,
consistencia y cohesión.

Las columnas y las ventanas en arquitectura, las patas de un mueble, el dibujo sobre una tela, las
baldosas de un piso, son ejemplos de repetición. A estos elementos que se repiten en el espacio,
se les denominan módulos.

Es muy importante recurrir a la repetición sobre todo cuando estamos diseñando

un producto gráfico que consta de varias páginas (catálogo, revista, etc.)

A veces incluso en productos de una sola página, como por ejemplo, un díptico o tríptico, da la
sensación de continuidad y de que todo está "bien atado". Sin embargo, no conviene excederse en
su uso. Repetir uno o dos motivos gráficos están bien, pero a partir de tres no sería correcto.

En catálogos o revistas la repetición podría darse, por ejemplo, en una misma forma geométrica
que apareciera en cada página. Ahora bien, que se repita no significa que tenga que mantener las
mismas características. Si consideramos oportuno, podemos ir variando su tamaño o incluso su
color.

3.1.1 Módulo
Es un elemento adaptado como unidad de medida para determinar las proporciones entre las
diferentes partes de una composición y que se repite sistemáticamente en el espacio. Los módulos
pueden ser descubiertos fácilmente y se puede hacer uso de más de un conjunto de módulos.

3.1.1.1 Características principales de los módulos

Deben ser simples. Las formas complejas pueden destacarse como formas individuales, pudiendo
perder el efecto de unidad de composición.

Aparecen más de una vez en un diseño (mínimo dos), Son formas idénticas o similares, son formas
unitarias.

3.1.1.2 Ventajas de la repetición de módulos

Se aporta una sensación de armonía, se genera ritmo (orden en la sucesión de formas ocupantes y
espacios vacíos).La asociación del compás musical alternando notas y silencios es sustituida por
formas ocupantes repetidas en el espacio estructural, alternando con el espacio vacío.

Cuando los módulos son utilizados en gran tamaño y pequeñas cantidades, el diseño puede
parecer simple y audaz.

Cuando los módulos son muy pequeños y se utilizan en grandes cantidades, el diseño puede
parecer un ejemplo de textura uniforme.

3.1.2 Tipos de repetición

1. Repetición de figura.

2. Repetición de tamaño.

3. Repetición de color.

4. Repetición de textura.

3.2 Alineación
«Nada debe colocarse en la página de forma arbitraria», defiende Robin, «cada elemento debe
tener una conexión visual con algo más de la página».

En este punto aparece el concepto de alineación, como la colocación de elementos gráficos y

textuales según una línea dada, que generalmente será horizontal o vertical. Generalmente habrá
varias líneas guías de alineación en una composición.

Cuando una composición está alineada, automáticamente nuestro cerebro percata cohesión y
orden. Puede que existan elementos separados entre sí pero aún así hay como un lazo invisible
que los conecta entre ellos. No importa los tamaños de los elementos o los colores utilizados, en el
fondo hay una relación entre ellos que aportan un significado global.

La alineación es importante a la hora de situar elementos gráficos, lo es aún más si se trata de

contenidos textuales. Efectivamente, los textos perfectamente alineados son más fáciles de leer,
no cansan la vista y producen un efecto de equilibrio que invita a la lectura. Por el contrario, un
texto sin alineación resulta confuso, difícil de leer, desmotivando al espectador.

Alinear los elementos es una operación imprescindible para conseguir una composición ordenada
y lógica, pues con ello se crean unidades visuales definidas y relaciones entre elementos.
Las alineaciones horizontales son imprescindibles para conseguir un diseño en niveles estables, ya
que las líneas horizontales aportan equilibrio.

Las alineaciones verticales, son más comunes a la izquierda, ya que es la normal en los libros y
demás soportes textuales, estando nuestra vista educada para tratar con ella.

Las alineaciones centradas son poco comunes, salvo en el caso de tablas de datos con columnas
que admitan bien este tipo de alineación, sobre todo si todos los valores de la columna tienen el
mismo ancho. Si no es así, es preferible optar por la alineación izquierda.

En cuanto a las alineaciones a la derecha, son poco frecuentes, ya que crean tensiones visuales en
la mayoría de los casos. Se pueden usar en aquellos bloques cuyo contenido deba adaptarse a un
reticulado que defina una línea vertical a la derecha del mismo, como ocurre en muchos menús de
navegación situados a la izquierda de la página.

También son útiles en las columnas de las tablas que contengan datos que deban seguir una
ordenación lógica a derechas, como es el caso de datos de moneda.

Existe otro tipo de alineación para textos, el justificado, en el que todas las líneas de texto tienen
el mismo ancho, por lo que quedan alineadas tanto a la derecha como a la izquierda, lo que se
consigue aumentando o disminuyendo el espaciado normal de las letras. Este tipo de alineación es
muy usado en los libros y periódicos, pero en las páginas web hay que aplicarlo con precaución,
destinándolo tan solo a bloques textuales de poco ancho (textos distribuidos en varias columnas,
por ejemplo).

El ritmo y la proximidad en el diseño gráfico

4.1 Ritmo
El ritmo es la repetición o alternancia de los elementos, a menudo con intervalos definidos entre
ellos. El ritmo puede crear una sensación de movimiento, y pueden establecer patrones y
texturas. Hay muchos diferentes tipos de ritmo, definidos por el sentimiento que evoca cuando se
mira en él.

Según Gabriel Bueno nos dice: "El ritmo es la repetición o alternancia de elementos en una
composición creando un sentido de movimiento. El espacio entre cada elemento se llama
intervalo".

4.1.1 Tipos de ritmo

Ritmo regular: un ritmo regular se produce cuando los intervalos entre los elementos, y con
frecuencia los propios elementos, son similares en tamaño o longitud.
Ritmo flujo: Un ritmo que fluye da una sensación de movimiento, ya menudo es más
de naturaleza orgánica.

Ritmo progresiva: un ritmo progresivo muestra una secuencia de formas a través de una
progresión de etapas.

4.2 Proximidad
La proximidad es un concepto básico de diseño gráfico.

Según la profesora Gloria J. Yukavetsky dice: "Este principio señala que se deben agrupar objetos
relacionados, los ítems u objetos que no están relacionados no deben colocarse cerca de otros;
esto provee una clave visual en torno a la organización de la página"

Se deben agrupar los elementos relacionados para que se vean como un grupo cohesionado, en
lugar de informaciones sin relación. Como en la vida misma, la cercanía física implica cierta
relación.

El espacio en blanco no debe quedar atrapado entre elementos; debe fluir. Es el espacio en blanco
el favorito del diseñador.

Es importante considerar a este principio como el primero a tener en cuenta a la hora de iniciar
un trabajo. Y si está elaborando una página Web, una proximidad bien estudiada conseguirá que
sea más navegable con la información recogida en grupos lógicos.

Evite demasiados elementos independientes sobre una misma página. Y si no hay relaciones entre
elementos no se junta.

Ahora que ya sabemos estos principios básicos del diseño, podrás construir productos gráficos con
un aspecto mucho más agradable, con una estética que realmente comunique y con ciertos rasgos
de sofisticación que ayuden a lanzar un mensaje de manera mucho más profesional y eficaz.

La proporción y la unidad en el diseño gráfico

5.1 La proporción
La proporción es uno de los principios de diseño que es esencial ya que se entiende como un todo
compuesto de partes relacionadas entre sí

La proporción es un efecto que se refiere al tamaño relativo y la escala de los varios elementos en
un diseño. Con esto se está refiriendo a la armoniosa relación de una parte con otras o con el
todo. Esta relación puede ser no solo de magnitud, si no de cantidad o también de grado.

El propósito del principio de proporción es poder crearle un sentido que tenga orden entre los
elementos utilizados y poder tener una construcción visual

Puede darse de dos maneras:

a) Armoniosa: Esta se da cuando los elementos se encuentran en proporción, ósea que existe una
relación equilibrada entre sus partes, se está buscando la armonía óptica del todo, es lo que se
podría llamarse una belleza platónica como la que se usaba en el arte clásico.

b) Desequilibrada: Mientras que cuando se fuerza la desproporción de uno o varios elementos, se

está empleando este recurso como una forma de expresión para hacer sobresalir un elemento
más que los demás.. Por ejemplo, en el arte egipcio las figuras dentro de una escena están
jerarquizadas siendo más grandes las más importantes.

5.1.1 Teorías de la proporción

Vemos entre ellas:

a) SECCIÓN ÁUREA

La sección áurea es la relación que se consigue cuando se divide un segmento o un rectángulo en

dos partes, de tal manera que, la proporción entre la parte mayor y la menor sea igual a la que se
establece entre el total y la parte mayor.

El primero en escribir sobre este término fue el arquitecto e ingeniero romano Vitruvio (Marcus
Vitruvius Pollio) en el siglo I a.c.; es por este hombre que Leonardo Da Vinci ilustró e libro Vitruvio
de arquitectura en donde aparece el famoso hombre de Vitruvio.

b) EL CANON

El término Canon quiere decir regla o medida. Llamamos canon a las medidas ideales de las
personas y a una determinada proporción entre sus diferentes partes.

Ha sido modificado con el pasar de los años; por ejemplo en el arte griego, el canon se basaba en
la proporción de la altura, y la ideal era 1/8; está proporción cambió y se tomó como modelo otra
medida.

c) ESCALA
Se llama escala a la relación existente entre el dibujo o imagen y el objeto real.

Esta relación puede estar expresada en forma de fracción, expresión decimal o como personaje de
aumento o disminución.

Las escalas se consideran necesarias puesto que muchas veces no se puede realizar los dibujos con
las mismas dimensiones.

El cuerpo humano plantea una escala mediante la cual se compara los objetos y el espacio
circundante, ésta se determina así:

1) Antropocéntrica: cuando los objetos se relacionan con el cuerpo de tal manera que parecen
prótesis.

2) Biocéntrica: cuando los objetos son más grandes que las extremidades pero son susceptibles a
ser movidos sin dificultad por la fuerza humana.

3) Cosmocéntrica: cuando los objetos son más grandes que el cuerpo humano, y plantea un
espacio circundante.

El arquitecto Ricardo Silva Torres (2012) "El propósito de todas las teorías de la proporción es
crear un sentido de orden entre los elementos de una construcción visual." p(04)

5.1.2 Diferentes maneras para conseguir una proporción

a) La regla de los tercios

Utilizada en el arte, el diseño y en la fotografía para dirigir la alineación de elementos claves.

Superposición de una retícula básica de 3×3 creando puntos de intersección activos donde las
líneas se cruzan. Al colocar los elementos importantes en estos puntos se llama la atención sobre
estos y se confiere al diseño un equilibrio compensado con resultados dinámicos.

b) La regla de los impares

Se utiliza en el diseño y en la fotografía, consiste en colocar el objeto de un diseño rodeado de un

número par de objetos; de este modo se obtiene un número impar de objetos totales. Los objetos
de apoyo proporcionan equilibrio al diseño y ayudan a centrar la atención del usuario en un objeto
principal.

c) La sección áurea o divina proporción (la recomendable)

Muy utilizada en todas las disciplinas como el arte, la arquitectura y el diseño Muy utilizada en el
campo del diseño, ya que se consigue diseños equilibrados.

La sección aurea se basa en la formula (A/B)=(A+B)/A

Una aplicación simple en el diseño web, está en las estructuras o grids, es usar la sección áurea
como una regla que mide proporciones en lugar de medidas numéricas. De este modo, las
proporciones de la sección áurea pueden aplicarse fácilmente en cualquier diseño. Y sobre todo
hoy en día al tener que utilizar el mismo diseño en diferentes dispositivos.

5.2 La unidad
Es un principio del diseño en el que se le da un equilibrio adecuado a los diferentes elementos en
una totalidad que es perceptible visualmente, ya que la unidad se relaciona mucho con la forma
en la que el ojo humano percibe las cosas.

Todos los numerosos objetos o elementos deben conectarse o ensamblarse de forma perfecta,
para que pueda ser percibida como un solo objeto no como muchos objetos distintos. (Por
ejemplo cuando tienes muchos cubos formando uno solo)

De acuerdo con la Gestalt, (una escuela alemana de psicología), tendemos a organizar los objetos
de una imagen en grupos de acuerdo con sus similitudes y a percibir las figuras en su totalidad más
que en sus partes individuales.

Los distintos elementos que constituyen un diseño deben estar unidos de tal manera que se
puedan percibir como un todo y así facilitar la comprensión del mensaje que se quiere transmitir.

Una forma de poder lograr esta unidad es con la repetición de colores y formas.

El diseño gráfico, la técnica y el arte de su actividad creativa, se debe en mayor medida a sus
principios en los que se basa. El diseño, es el estudio practico de la creatividad, mediante
los programas de edición y otros utensilios se plasma las ideas de las personas y se vuelven
realidad.

Para ello se requiere de herramientas para que el trabajo se vea esbelto, leyes que rigen a al
contraste, a la proximidad, unidad, balance y otros.

Estos principios a la vez, están basados en una rama de la psicología que estudia al hombre y su
comportamiento según sus percepciones, lo que es la Escuela de Gestalt.

El diseño gráfico es bien recibido cuando el trabajo creativo es bien logrado, y este lo es por medio
de la Gestalt.