Cinquecento

AÑO DEL DIALOGO Y RECONCILACION NACIONAL
FACULTAD DE INGENIERIA Y ARQUITECTURA
ESCUELA ACADEMICA PROFESIONAL DE ARQUITECTURA
PROYECTO
CINQUECENTO
PRESENTADO POR:
URBANO ACOSTA FRANS
ASIGNATURA:
HISTORIA II
CICLO
HUACHO – PERU
2019
INDICE
1 LINEA DE TIEMPO .................................................................................................................. 2

2 RESEÑA HISTORICA................................................................................................................ 3
3 CONTEXTO HISTORICO .......................................................................................................... 6
3.1 CONTEXTO SOCIAL ........................................................................................................ 6
3.2 CONTEXTO POLITICO ..................................................................................................... 7
3.3 CONTEXTO ECONOMICO ............................................................................................... 8
3.3.1 INVENTOS .............................................................................................................. 8
3.3.1.1 LA IMPRENTA: ....................................................................................................... 8
3.4 CONTEXTO RELIGIOSO................................................................................................. 12
4 MARCO TEORICO ................................................................................................................. 14
5 ARTE .................................................................................................................................... 14
5.1 PINTURA ...................................................................................................................... 14
5.1.1 CONCEPTO ........................................................................................................... 15
5.1.2 TECNICA ............................................................................................................... 15
5.1.3 COLOR.................................................................................................................. 16
5.1.4 REPRESENTANTES................................................................................................ 17
5.2 ESCULTURA.................................................................................................................. 17
5.2.1 TECNICA ............................................................................................................... 18
5.2.2 MATERIALES ........................................................................................................ 19
5.2.3 COMPOSICION ..................................................................................................... 23
5.2.4 REPRESENTANTES................................................................................................ 24
6 ARQUITECTURA ................................................................................................................... 24
6.1 Características generales............................................................................................. 25
7 TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO .......................................................................... 26
7.1 CONTEXTO HISTORICO ................................................................................................ 26
7.2 ARQUITECTO ............................................................................................................... 27
7.3 ANALISIS ESPACIAL ...................................................................................................... 30
7.4 ANALISIS FUNCIONAL .................................................................................................. 31
7.5 ANALISIS FORMAL ....................................................................................................... 32
7.6 ANALISIS TECNOLOGICO ............................................................................................. 34
7.6.1 GRANITO.............................................................................................................. 34
7.6.2 MARMOL ............................................................................................................. 34
7.6.3 TRAVERTINO ........................................................................................................ 35
7.6.4 ESTUCO ................................................................................................................ 35
7.6.5 REVOCO ............................................................................................................... 35
7.7 ELEMENTOS ARQUITECTONICOS ................................................................................ 36
7.7.1 COLUMNAS TOSCANO: ........................................................................................ 36
7.7.2 ENTABLAMIENTO: ............................................................................................... 36
7.7.3 TRIGLIFOS: ........................................................................................................... 38
7.7.4 METOPAS:............................................................................................................ 38
7.7.5 BALAUSTRA: ........................................................................................................ 38
7.7.6 TAMBOR: ............................................................................................................. 39
7.7.7 CUPULA: .............................................................................................................. 39
7.7.8 LINTERNA:............................................................................................................ 39
7.7.9 CELLA: .................................................................................................................. 40
7.7.10 PILASTRAS:........................................................................................................... 40
HISTORIA DE LA ARQUITECTURA II
INTRODUCCION
Este periodo de alto clasicismo se desarrolla en la primera mitad del siglo XVI, es importante
para Roma y los llamados papas príncipes que tienen un papel importante en el desarrollo del
arte actuando como mecenas, con Julio II, León X, o Clemente VII.
Los artistas importantes reciben encargos para decorar las estancias papales. Entre ellos se
encuentran Miguel Ángel Buonarroti, Donato Bramante y Rafael.
En relación con la arquitectura se mantienen la influencia clásica en la utilización de los órdenes

y técnicas constructivas. En los palacios se observa mayor lujo y suntuosidad combinando el
carácter práctico con el decorativo. Se utilizan las plantas centralizadas en las iglesias, pero con
nuevos planteamientos arquitectónicos que estuvieran en función del pensamiento humanista.
Entre las obras importantes en este periodo se encuentra el nuevo palacio vaticano. Las obras
del arquitecto Bramante y las villas del arquitecto Paladio.
Se mantienen equilibrio y armonía en la realización de las esculturas, pero se observa cierto

agitamiento y dinamismo del que las esculturas de Miguel Ángel Buonarroti son un ejemplo.
En la pintura, aunque se mantienen las composiciones equilibradas con las obras de Rafael, se
introducen aportaciones revolucionarias como el esfumado y la perspectiva aérea de Leonardo
da Vinci. Se producen las primeras incursiones manieristas de los pintores como Rafael, Tiziano
y Giorgione.
Se produce una respuesta anticlásica a los dogmas del clasicismo en la segunda mitad del siglo
XVI con el Manierismo, que son el preámbulo del futuro estilo Barroco.
El arte se comienza a inclinar a finales del siglo XVI por la tensión frente al equilibrio clásico, el
agobio espacial frente a la amplitud de las estancias, la luz contrastada frente a la homogénea,
el cromatismo intenso frente a la aplicación suave del color. Se enfrentan también el volumen
de las obras que parecen gigantes en piedra frente a la gracilidad anterior. Se muestra alta
expresividad de las emociones frente al idealismo esquemático. Pero sobre todo se aumentan
la sensación de inquietud y zozobra frente a la calma y el orden.
La Dama del Armiño. Óleo sobre

tabla. Leonardo Da Vinci. 1
1 LINEA DE TIEMPO
2
2 RESEÑA HISTORICA
El Renacimiento iniciado durante el Quattrocento se desarrolló en un siglo de madurez

inigualable, el siglo XVI o Cinquecento (es decir, [mil] quinientos en italiano) es el siguiente paso
de la evolución del arte iniciado en el quattrocento. Se desarrolla a tope el antropocentrismo
humanista, principal rasgo de la Edad Moderna, y estilísticamente se caracteriza por la
inspiración en la antigüedad clásica, sobre todo en lo que se refiere a la imitación de la
naturaleza. Si Florencia fue la cuna del quattrocento, el arte de este siglo tiene su sede en Roma.
principalmente por la enorme influencia del Papado, que serán mecenas de los grandes artistas
de este periodo, el cual se convertirá en gran protector de los artistas y contratante de obras
(además, debido a su enorme herencia clásica, continuaba siendo una ciudad con un enorme
tránsito de artífices a la búsqueda de aprendizaje).
A lo largo del periodo correspondiente al alto Renacimiento italiano, denominado Cinquecento,

el arte se verá obligado a adecuarse a las normas que el decoro imponga, circunstancia derivada
del hecho de que la mayor parte de las obras serán encargos destinados a la decoración de
edificios religiosos. Junto con esto, hay que añadir que el arte renacentista clásico alcanzará en
estos momentos su culminación, además de que el espíritu revisionista y exhaustivo propio del
Renacimiento dará origen a la aparición de tratados compendiosos del lenguaje empleado, sin
olvidar tampoco que ésta será una época condicionada artísticamente por el quehacer de
grandes figuras tales como Miguel Ángel, Rafael o Leonardo da Vinci.
3
Dentro de este largo período convivieron dos tendencias fundamentales: la clasicista y la

manierista. Al mismo tiempo, Venecia reaprovechó los logros quattrocentistas y los mezcló con
su particular tradición e influencias. El siglo XVI fue además el siglo de la renovación romana,
culminante con la Contrarreforma. Durante el siglo XVI nacieron las prédicas de Lutero, el
humanismo de Erasmo de Rotterdam y el principio de la disidencia en el seno del catolicismo.
También se produjo el avance imparable de los turcos, la gran fuerza islámica que no puede
menos que ser tenida en cuenta al tratar de explicar el arte, la ciencia y el estado del
conocimiento en la época. El Cinquecento italiano continuó en paralelo a la expansión de la
pintura flamenca. En Italia se atravesaba una época de crisis interna que provocó una serie de
luchas políticas y militares, lo cual contribuyó al debilitamiento de unas repúblicas en favor de
otras. Los hitos más notables fueron la invasión del Milanesado por el reino francés y el saqueo
de Roma por parte del emperador Carlos V, un auténtico trauma para la cristiandad que veía
cómo el paladín del cristianismo, el monarca español, pasaba a fuego y espada la ciudad santa
del Vaticano. El arte, a pesar de la inestabilidad, alcanzó unas cotas geniales, especialmente en
Roma y durante el gobierno del Papa Julio II. Éste actuó como mecenas de los grandes: los
mejores arquitectos trabajaron para levantar San Pedro del Vaticano y remodelar los
Apartamentos Vaticanos. Miguel Ángel pintó para él la Capilla Sixtina, trazó edificios y diseñó
innumerables proyectos escultóricos que no siempre pudo rematar (como el frustrado proyecto
funerario de la tumba de Julio II). Rafael también trabajó para el Papa, siendo su obra más
famosa pintada para éste, la decoración al fresco de las Estancias de la Signatura en los
Apartamentos Vaticanos. Fuera de Roma, la gran figura fue Leonardo: hombre de ciencia,
humanista, inventor, diseñador de fortalezas y maquinarias de guerra... y excelente pintor.
Trabajó para diversas cortes y mecenas hasta establecerse en Milán. Cuando las tropas francesas
invadieron la ciudad, se trasladó a Francia llamado por el rey, donde terminó sus días.
Capilla Sixtina pintada por Miguel Ángel
4
la decoración al fresco de las Estancias de la Signatura en los Apartamentos

Vaticanos pintada por Rafael
El Moises de San Pietro in Vincoli (Michelangelo)
5
3 CONTEXTO HISTORICO
3.1 CONTEXTO SOCIAL
A lo largo de todo el siglo XV, el feudalismo comenzó a mostrar claros signos de

desmoronamiento. A pesar de la persistencia de la sociedad en tres estamentos definidos
(nobleza, clero y estado llano), se logró apreciar que esta separación no era tan rígida como lo
fue en la Edad Media, ya que la adquisición de riquezas y bienes permitieron una cierta
movilidad en la escala social. Y aunque la nobleza continuaba siendo propietaria de grandes
extensiones de tierra, lentamente fueron perdiendo poder económico y militar.
A esto además hubo que sumarle el auge de las ciudades, que significó la aparición de nuevas
actividades económicas y el surgimiento de una nueva clase social conocida como la burguesía.
En definitiva, sería el campo de cultivo perfecto para una nueva concepción de la cultura que se
conocería como Renacimiento.
Así durante el transcurso del Renacimiento, se empezó a romper con la unidad que existía en
Europa, fruto de la descomposición del antiguo sistema feudal, dándose inicio a la época de los
absolutismos y nacionalismos. Los descubrimientos geográficos y el inicio de la expansión
colonial jugaron un papel importante en el nacimiento de fuertes monarquías europeas
centralizadas, como fueron el caso de España, Inglaterra y Francia, en las cuales el rey adquirió
un aire de emperador que rivalizó en autoridad con el Papa.
Sin embargo, en el caso de Italia, esta continuó divida en pequeñas ciudades-estado que
rivalizaban entre sí y qué pronto entrarían en un proceso decadencia, propiciado por los
enfrentamientos entre Francia y España por el predominio en la Península itálica. Para evitar
esto, los pensadores italianos se comprometieron a favorecer ciertas virtudes sociales que
tenían relación con asuntos morales y políticos. Los gobiernos, por su parte, se mostraron
favorables de impulsar los valores nacionales para poder conseguir más adeptos. La religión por
su parte también se unió a este sentimiento por intereses políticos. Además, hay que mencionar
que todo este creciente nacionalismo también se nutrió de otros factores como la economía y
la lingüística, siendo este último muy característico, ya que, con la aparición de las primeras
gramáticas, muchas lenguas nacionales desplazaron al latín.
Cabe mencionar que los nuevos descubrimientos geográficos abrieron nuevos mercados y por
consiguiente, nuevos conflictos y tensiones inte
rnacionales.
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3.2 CONTEXTO POLITICO
La aparición y desarrollo de la filosofía política durante el Renacimiento, estuvo estrechamente

relacionada con la crisis religiosa surgida de la reforma protestante, el auge de la burguesía en
las ciudades y el pensamiento renacentista. La iglesia comenzó a perder el poder político que
ostentaba en Europa desde la coronación de Carlomagno, pero en el siglo XVI, algunos
pensadores escolásticos consideraron que se tenía que separar la filosofía de la teología, ya que
eran doctrinas que trataban asuntos totalmente diferentes.
Cuando esta separación se hizo efectiva, se dio origen a la filosofía política renacentista, la cual
se agrupaba según el pensamiento realista o idealista. Por un lado, estaba el realismo político,
que se basaba en la lógica de la exigencia del orden establecido, la descripción de cómo
funcionaba el sistema y las recomendaciones a la hora de intervenir, representado por el italiano
Nicolás Maquiavelo. Por otro lado, idealismo político consideraba que se debía crear un Estado
ideal que estuviese asesorado por un buen filósofo y fue representado por Tomás Moro.
Uno de los rasgos distintivos de la organización política en Italia fue la importancia de las
ciudades-estado y en particular de las repúblicas, que en el siglo XV algunas habían perdido su
independencia, pero no las ciudades renacentistas como fuero Florencia y Venecia. Al inicio del
siglo XV el territorio italiano se presentaba muy fragmentado en estados de diversa extensión e
importancia. El declive de las ciudades había llevado a un proceso de reforzamiento
institucional, concluido con la instauración de las signorie (el equivalente a los señoríos ibéricos),
junto con las repúblicas oligárquicas, fundadas con anterioridad.
De este modo, se formó un pequeño número de estados regionales, de mayor extensión y más
fuertes, que poco a poco ampliaron sus propios dominios entrando en concurrencia entre sí con
el fin de lograr la supremacía sobre el conjunto.
La paz de Lodi puso fin a la rivalidad entre Milán y Venecia y, bajo la égida del Papa, tuvo lugar
un pacto entre los cinco mayores estados italianos (Milán, Venecia, Florencia, Estados Pontificios
y reino de las Dos Sicilias) que instauró una política de equilibrio destinada a perdurar hasta final
de siglo gracias al cual la península quedó a salvo de las intervenciones extranjeras.
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3.3 CONTEXTO ECONOMICO
En términos generales, puede afirmarse que el conjunto de la población europea aumentó sus
efectivos poblacionales entre 1500 y 1600 de 80 a 100 millones de habitantes, es decir, en torno
a un 25 por 100. Las causas fueron diversas: mejora de la coyuntura económica, menor impacto
de las epidemias, decrecimiento de los conflictos bélicos, etc. El aumento poblacional propició
también una abundancia de mano de obra, que repercutió en la roturación de nuevos terrenos
y en un incremento de la producción agraria. La industria también se vio favorecida con este
aumento de la población activa. El comercio, descubiertos nuevos territorios y mercados, sufre
una expansión hasta entonces desconocida. Los intercambios comerciales se intensifican y
hacen de la actividad mercantil una de las más pujantes, en especial en zonas como los Países
Bajos e Italia. A Europa acceden productos y bienes hasta entonces inalcanzables, mientras que
se exportan manufacturas a los nuevos territorios colonizados. La sociedad estamental
tradicional observa la pujanza de un grupo económico privilegiado, enriquecido con las nuevas
actividades mercantiles. La burguesía, esencialmente urbana, mirará con resquemor su
alejamiento del poder político y centrará en las ciudades el eje de su actividad, imponiendo
nuevos modos y estilos de pensamiento. Nobleza y clero conservarán sus privilegios, mientras
que una amplia categoría de desheredados inundará los campos y ciudades y serán caldo de
cultivo para la marginación y la rebelión social.
3.3.1 INVENTOS
La nueva mentalidad de esta época propició la aparición de nuevos instrumentos y teorías que
cambiaron de forma permanente la sociedad del momento. A continuación, una lista de algunos
de estos que, a mi parecer, pueden ser los más importantes.
3.3.1.1 LA IMPRENTA:
Es sin duda uno de los más importantes pues permitió la rápida expansión de las nuevas ideas
renacentistas a la vez que limitaba el monopolio cultural que poseyó la Iglesia durante la Edad
Media. En 1455 Johan Gutenberg presentó en Frankfurt el primer libro hecho en la imprenta,
utilizando tipos movibles y tintas. Ya para 1500 había muchos impresores en Europa y se había
impreso 30.000 libros. Las ideas humanistas se pudieron difundir más rápidamente.
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3.3.1.2 El láudano:
Mezcla de opio y alcohol, servía de analgésico y fue creado por Paracelso. Este “medicamento”
estuvo vigente durante más de tres siglos, aunque su uso prolongado podía ser adictivo.
3.3.1.3 El reloj:
En 1500 Peter Henlein, cerrajero alemán, construyó el primer reloj de pulsera.
Números complejos: En 1545 el matemático italiano Gerolamo Cardano inventó un nuevo

número al representar la raíz cuadrada de -1. Al combinarlos como números ordinarios, dio
como resultado lo que ahora llamamos números complejos, permitiendo que Cardano resolviera
gran cantidad de problemas matemáticos.
3.3.1.4 Ferrocarriles mineros:

En 1550 en Francia se utilizaba vagones en las minas de carbón que se desplazaban sobre rieles
sin el uso de máquinas para su arrastre.
3.3.1.5 Máquina de coser:

En 1589 William Lee inventó la primera máquina de coser.
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3.3.1.6 Termoscopio:
En 1592 Galileo notó que el aire se expandía con el calor, sumergió el cuello de una botella vacía
en líquido. En la medida que el aire en la botella se calentaba o enfriaba, el liquido era expulsado
o succionado, indicando la temperatura.
3.3.1.7 Aserradero de viento:

Los molinos de viento existían para moler grano y para bombear agua, pero un pintor holandés
Cornelius Cornelisz pensó en aplicar la fuerza eólica para cortar madera en 1592
3.3.1.8 Microscopio:
Hans Janssen en 1600 construyó el microscopio compuesto de dos lentes. Este microscopio fue
mejorado luego por el naturalista holandés Anton Van Leeuwenhoek que utilizó un instrumento
de un solo lente y que mejoró notablemente la nitidez.
3.3.1.9 El magnetismo de la Tierra:

El magnetismo fue un misterio hasta que el médico inglés William Gilbert iniciara sus
experimentos cuyos resultados publicó en el 1600. Su libro acerca del imán fue el primer paso
hacia la teoría magnética moderna y también contenía muchas observaciones sobre el
magnetismo de la tierra.
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3.3.1.10 El termostato:
Un termostato mantiene algo a una temperatura constante gracias a que aumenta o disminuye
el calor. Hacia 1600 el inventor Cornelius Drebbel elaboró un termostato mecánico cuando
acopló el regulador de tiro de un horno, que regula el flujo del aire, con un termómetro.
3.3.1.11 Telescopio:
Inventado por el holandés Hans Lippershey y mejorado en 1609 por Galileo.
3.3.1.12 Trayectoria parabólica de un proyectil:

Hasta el siglo XVII se creía que las cosas se mantenían en movimiento si se las empujaba
siempre. Galileo mostró que eso no era cierto: un objeto en movimiento se mantiene siempre
en movimiento, salvo que algo lo detenga. Los objetos del mundo real disminuyen velocidad y
detienen debido a la fricción. Galileo hizo experimentos que probaron que un objeto en caída
se acelera mientras cae. Luego estudió los proyectiles, los objetos que se lanzan al aire. Dedujo
que un proyectil se mueve hacia adelante a una velocidad constante, pero acelera hacia abajo.
Por ende, sigue una trayectoria curva llamada parábola.
3.3.1.13 Barómetro:
El físico italiano Evangelista Torricelli fue alumno de Galileo y este le sugirió el experimento.
Torricelli llenó un tubo con mercurio y lo colocó en un plato. El mercurio empezó a caer y luego
se detuvo. Observó que el mercurio no caía más por efecto de la presión de la atmósfera. El
mercurio subía y bajaba en el tubo a medida que la presión del aire subía o bajaba.
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3.4 CONTEXTO RELIGIOSO
En líneas continuas a Venecia, en lo que se refiere al Papado, alude a lo que se conoce como los
Estado Pontificios, puesto que constituyen evidentemente un caso muy especial, puesto que
tenían que gobernar y administrar simultáneamente una ciudad y un Estado territorial que
rodeaba la ciudad de Roma, pero también tenían que asegurar el gobierno de la Iglesia en el
mundo. He aquí la fuente de todo poder, el Papa. Debido a la brevedad del pontificado, no se
podía renovar el personal de las congragaciones, de los grandes servicios, de los tribunales y de
los servicios de la ciudad, por lo que este personal disfrutó cierta continuidad en la gestión,
aunque la persona del secretario de Estado, a menudo un cardenal, daba el carácter particular
a cada administración.
La acción del Estado pontificio en el terreno internacional no podía confundirse con la de los
otros Estados, ni siquiera a comienzos del siglo XVI, en el que los papas tendían a confundirse
con los demás soberanos temporales.
La Iglesia católica romana no tomó conciencia de la amplitud del movimiento de contestación

que la afectaba. Pensó que la represión del Estado o los intentos de acercamiento conseguirían
circunscribir la herejía y absorberla.
Pero, a partir de 1530 no tuvo más remedio que admitir que la ruptura era profunda. En primer
lugar, mientras Roma condenaba a Lutero, las universidades habían sido involucradas en el
conflicto, afectando así a las facultades de teología (guardianas de la ortodoxia). Sin embargo,
la Iglesia católica reacciona ante el desarrollo de una herejía en este terreno, mediante una obra
reformadora que continuaba con esfuerzos dispersos de principios de siglo y que tiende a hacer
desaparecer algunos de los abusos más evidentes. Para colmo, otros círculos, que no apoyaban
este tipo de reformas, rechazaron las concesiones doctrinales y se reafirmaron fuertemente las
verdades tradicionales. Fue en estas líneas, las fijaciones protestantes hechas por los sucesores
de Lutero y Calvino, quienes responden a la tranquila reafirmación de estas verdades sobre la
Iglesia Romana. La una y la otra se producen en el mismo momento en que se manifiestan las
crisis del Humanismo y los cambios estéticos. A mediados del siglo XVI, el dinamismo creador de
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los reformados deja paso a las crispaciones de las ortodoxias, a los conflictos criminales, a las
evasiones deformantes… donde el movimiento religioso en estos últimos decenios de la época
se deberá tratar más exhaustivamente con la crisis que surge posteriormente. De esta manera
el territorio europeo, en lo que respecta al ámbito religioso, quedaba dividido en:
a) Catolicismo
b) Luteranismo
c) Calvinismo
d) Anglicanismo
e) Otras religiones
Teniendo en cuenta todos los acontecimientos que hemos llevado a cabo durante la exposición
de los hechos que acontecieron la Italia de los siglos XV-XVI, no menos importante en este
aspecto será la religión, que tiene como papel fundamental las continuas reformas y sus
principales cargos papales, obispales…entre otros.
Debemos saber, que la Iglesia siempre tendrá un carácter reformador, ya que debe volver a su
primitiva pureza y contenido exacto del mensaje evangélico.
En las Iglesias de Occidente, se conoce reformas, pero las más importantes las situamos durante
finales del siglo XV- y todo el siglo XVI. La búsqueda por la forma perdida desemboca en la
ruptura de la unidad, en la creación de nuevas iglesias y en el rechazo de la herencia de la
tradición milenaria. El problema de las causas de la Reforma fue planteado muy tempranamente
por quienes profesaban confesiones que luego se volvieron enemigas. Durante mucho tiempo
se insistió en los abusos de la Iglesia, en las debilidades del clero (tanto el secular como el
regular), en la secularización del papado y en las exacciones financieras de la Curia. Algunos
denunciaron los apetitos de los príncipes temporales, que habrían apoyado a la Reforma, pero
con el objetivo de apropiarse de las riquezas del clero.
No obstante, las investigaciones que se han hecho a lo largo de la historia, a punto de cierta
prudencia de que la historia de la religión plantea un serio problema a la sociedad.
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4 MARCO TEORICO
interés por la Antigüedad Clásica y el antropocentrismo. -Tendencias de monumentalidad que
en pintura se refleja en obras de mayor formato, con figuras también de mayor tamaño -
Emplean un color esencial , sin fuertes policromías -Se potencia el carácter científico y de
investigación de la obra de arte, destacando, especialmente, las aportaciones de Leonardo
(perspectiva aérea, sfumato ) -Los artistas gozan de un creciente prestigio -Desarrollo del paisaje
-Cierta idealización en las representaciones -destaca la escuela veneciana que contribuye con
las aportaciones sobre el color distanciándose del Quattrocento y abriendo una nueva
trayectoria hacia el Barroco.
5 ARTE
5.1 PINTURA
La pintura del Cinquecento supone la cumbre del Renacimiento italiano. Se desarrolló, como su
nombre indica, en la Italia del siglo XVI, pero no abarca toda la pintura de ese siglo, sino
solamente la del primer tercio, ya que el clasicismo y el equilibrio propios de este Alto
Renacimiento desaparecen a partir de la década de los veinte. Para el período 1520-1600 se
prefiere usar el término de Pintura manierista. Representan la cumbre del renacimiento tres
maestros de la escuela florentina que, sin embargo, destacarán por sus trabajos en otras
ciudades, especialmente Roma: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y Rafael Sanzio.
Al lograr ese perfecto equilibrio en tan sólo una generación, se cerraban las vías hacia un nivel
más alto o una nueva creatividad, porque no era posible mejorar la perfección. De este modo,
los altos niveles conseguidos por Leonardo, Rafael y Miguel Ángel no podían mejorarse y sí tratar
de imitar una y otra vez, pintando los artistas posteriores a la maniera (esto es, «con el estilo»)
de esos grandes maestros del Alto Renacimiento, que es lo que se ha dado en llamar el
Manierismo o «Renacimiento tardío» (1520-1600).
Entre el Alto Renacimiento y el Manierismo se puede situar la escuela veneciana. La crisis

económica y espiritual tarda más en afectarle. Pero su sensualidad, cromatismo y luminosidad
acaba haciendo de ella también clara antecesora de la pintura barroca.
Título: La creación de Adán. Autor: Miguel Ángel Buonarroti. Cronología: 1511. Estilo:
Renacimiento. Técnica: Fresco. Ubicación: Capilla Sixtina, Ciudad del Vaticano, Roma
14
5.1.1 CONCEPTO
Respecto a la pintura del Quattrocento, se ha producido un avance notable. Sigue trabajándose
sobre todo temática religiosa, pero se tratan también otros temas. Los pintores ya no se
obsesionan con la perspectiva lineal y geométrica, sino que procuran una mayor naturalidad en
sus obras. Alcanzan así un clasicismo que expresa un mundo en orden y perfectamente
equilibrado entre fuerzas aparentemente contrapuestas como la dualidad entre lo real y lo irreal
o el movimiento y el reposo. Rafael y las obras de juventud de Miguel Ángel ejemplifican esta
serenidad ideal, buscando el modelo ideal que subyace a las formas naturales del cuerpo
humano.
La Virgen del prado (1505-1506) obra de Rafael
5.1.2 TECNICA
El rigor en la composición, con tendencia a adoptar formas piramidales, producen esa sensación
de orden y equilibrio. Las figuras se colocan, por lo tanto, dentro de un claro triángulo,
relacionándose entre ellas por las miradas y las manos.
En paralelo, el dibujo va perdiendo preeminencia, a medida que los contornos se van

difuminando, con lo que se logra un claroscuro de luces y sombras que permiten modelar
suavemente las figuras para que aparezcan más redondeadas. De esta manera se logra una
mayor sensación de volumen y, en el paisaje, la profundidad de la perspectiva aérea o cromática,
por contraposición a la estricta perspectiva geométrica propia del Quattrocento. Para conseguir
este volumen se utilizan, además, otras técnicas, como la de colocar un brazo por delante de la
persona retratada, lo que inmediatamente sitúa el tronco del retratado en un segundo plano.
Esto se ve en La Gioconda, lo mismo que en el Autorretrato de Durero del Prado.
Esta característica se relaciona con otra circunstancia que permite diferenciar a los cuadros del
Cinquecento de los del Quattrocento: el uso de la luz. En los cuadros de Botticelli, por ejemplo,
la luz era directa, resultando un dibujo un poco plano, de manera que parecía vivir siempre en
una eterna primavera. En cambio, apenas una generación después, la luz incide de manera
distinta, creando sombras que aportan mayor realidad y perspectiva. No son ya escenas
vibrantes y luminosas, sino que aparece la neblina o el crepúsculo.
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LA TRINIDAD DE MASACCIO
5.1.3 COLOR
Generalmente, los grandes maestros tienden a dar más importancia al dibujo que al color. Sólo
en las pinturas de Leonardo alcanzan también una proporción adecuada el énfasis en uno u otro
aspecto; la preponderancia del color sobre el dibujo es típica, sin embargo, de la escuela
veneciana. Quedan así caracterizados los dos centros pictóricos en torno al año 1500: por un
lado, Roma donde predomina la preocupación por el dibujo y la forma, que alcanza dimensiones
escultóricas y colosales en Miguel Ángel; y por otro lado Venecia, donde se prefiere el color.
El óleo permite Fusionar los colores. Degradar los tonos y contornos, produciendo alejamiento:
perspectiva aérea. Las composiciones tendieron a una mayor complejidad y dinamismo
Inicialmente se mantiene la composición cerrada: Pocas figuras en los lienzos, Crean un espacio
cerrado y único para ellas.
16
San Juan Bautista (1513-1516, óleo sobre tabla,

Museo de Louvre, París) LEONARDO DA VINCI
5.1.4 REPRESENTANTES
5.2 ESCULTURA
La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de
la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los
descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras.
También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción
de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo
del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la
pintura. El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari
«había sido un mundo propio de godos» y el reconocimiento de los clásicos con todas sus
variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del
Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en
gran multitud de obras maestras
La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y
su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en
el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano
desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía
humana. En Italia convivieron por igual los temas profanos con los religiosos; no así en otros
países como España y Alemania, donde prevaleció el tema religioso.
El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre las
partes se encontraba bien definida, y el contrapposto fue utilizado constantemente desde
17
Donatello a Miguel Ángel. En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la

escultura del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y
se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la sensación de
gran terribilità en los sentimientos expuestos en las esculturas de Miguel Ángel, como en el
rostro de su David.
Un papel fundamental fue la figura del mecenas, representados por la iglesia y personajes de la
nobleza que obtenían con su mecenazgo prestigio social y propaganda política, y abarcó todos
los temas: religiosos, mitológicos, de vida cotidiana, retratos de personajes, etc.
Reapareció con el Renacimiento la glíptica greco-romana, que se había olvidado casi por
completo durante la Edad Media en la labra de piedra finas (salvo algunas muestras de arte
bizantino), y desde el siglo XVI se labraron preciosos camafeos de gusto clásico, tan perfectos
que, a veces, llegan a confundirse con los antiguos. No obstante, apenas sí alcanzó a
restablecerse el uso de los entalles de piedra fina, tan predilectos de las civilizaciones griega y
romana. Estos pequeños relieves sirvieron como modelo, una vez agrandados, para la
decoración por parte de escultores en grandes medallones para palacios de Italia y Francia.
Camafeo en ágata blanca, representando a

Carlos I, obra italiana del siglo XVI
5.2.1 TECNICA
La técnica del tallado de mármol se recuperó en tiempos del Renacimiento con la perfección que
había tenido durante el periodo clásico. A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual
o trépano para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad. Esta herramienta se empleaba
tanto si se hacía la escultura en talla directa, como a veces había hecho Miguel Ángel, como si
se utilizaba el pasado de puntos de un modelo realizado en yeso, como normalmente hacían
artistas como Giambologna, de quien se aprecian los puntos marcados en muchas de sus
esculturas. Donatello empleó el método griego de trabajar el bloque en redondo, sin embargo,
Miguel Ángel lo tallaba desde un lado. Así lo describió Benvenuto Cellini:
El mejor método empleado jamás por Miguel Ángel; después de haber dibujado la perspectiva
principal en el bloque, empezó a arrancar el mármol de un lado como si tuviera la intención de
trabajar un relieve y, de esta manera, paso a paso, sacar la figura completa.
18
Para las obras en bronce se necesitaba la realización de la obra previamente en arcilla o en cera
para su posterior fundición; después se cincelaba para suprimir los posibles defectos de la
fundición, se pulía la superficie con abrasivos y a gusto del escultor se añadían las pátinas.
La talla en madera, empleada sobre todo en el Norte de Europa y en España, se podía realizar
también en talla directa sobre el bloque de madera con la ejecución de un boceto pequeño para
su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo por puntos como en el
mármol.
5.2.2 MATERIALES
La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del mármol,
bronce y madera. El bronce compitió con el mármol principalmente en monumentos funerarios,
fuentes y pequeñas esculturas para decoración de interiores, así como en estatuas ecuestres
como la del condottiere Colleoni en Venecia. Las reproducciones de estatuillas en bronce
tuvieron gran difusión en el Renacimiento, debido al gran número de coleccionistas. En Florencia
fueron Antonio Pollaiolo (Hércules y Anteo) y Andrea del Verrocchio (Niño alado con pez) los
iniciadores por encargo de los Médicis. Del taller de Leonardo da Vinci se conservan pequeños
bronces con el caballo encabritado de una altura de 23 cm. El escultor de Mantua Pier Jacopo
Alari Bonacolsi, llamado Antico, se instaló en Roma para la ejecución de reducciones en bronce
de mármoles antiguos.
La madera fue utilizada en países como Alemania y España, donde la gran riqueza forestal y el
trabajo tradicional de la madera policromada estaba muy arraigado; se empleó en la ejecución
de imaginería religiosa, retablos y altares.
La terracota fue empleada como material más económico; se utilizó terracota en color natural y
policromada, como la empleada por Antonio Rossellino y su discípulo Matteo Civitali en la Virgen
de la Anunciación en la iglesia de los Siervos de Lucca. El artista italiano Pietro Torrigiano realizó
en España varias esculturas en barro policromado, algunas de ellas se conservan en el Museo de
Bellas Artes de Sevilla. A Lucca de la Robbia, que siguió el estilo donatelliano, se le atribuye la
invención del barro esmaltado que empleó en el tabernáculo de Santa María Novella de
Florencia en combinación con el mármol para darle colorido a la obra, y después en tondos y en
Madonnas; su taller seguido por su sobrino Andrea della Robbia realizó gran cantidad de obras
de terracota esmaltada que se difundieron por toda Europa.
19
La Piedad. (1489-1499) Mármol. Basílica de San Pedro en Roma. Miguel Angel Buonarroti.
20
Escultura ecuestre de Bartolomeo Colleoni realizada en bronce por Verrocchio.
21
Escultura de madera "Ángel de la Guarda"
Jacopo Sansovino, Madonna y niño,

mediados del siglo XVI, terracota
22
5.2.3 COMPOSICION
5.2.3.1 Bulto redondo
El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitruvio, que sostenía:
... que la proporción de la forma humana había de servir de paradigma para las proporciones de
las creaciones del hombre. Ya que la naturaleza ha diseñado al cuerpo humano de manera que
sus miembros están debidamente proporcionados a la figura en su conjunto; parece que los
antiguos tenían una buena razón para su regla, que dice que en los edificios perfectos los
diferentes miembros deben guardar relaciones simétricas exactas con el esquema general en su
conjunto.
D'Architectura (siglo I) Vitruvio
La composición de la figura humana se basó en la búsqueda de la perfección en la anatomía,

sobre la que muchos artistas de esta época adquirieron verdaderos conocimientos con la
práctica de disecciones para su estudio. La primera escultura exenta renacentista que mostró
la armonía del desnudo fue el David de Donatello durante el Quattrocento, en la que se
apreciaba la influencia del estilo de Praxíteles con un ligero contrapposto para conseguir el
equilibrio en la composición. Durante los siguientes años los conocimientos sobre la anatomía
humana fueron adquiriendo una gran perfección, hasta llegar a un contrapposto pleno. Las
expresiones de los rostros dejaron de ser hieráticas y ausentes para mostrar sentimientos
interiores; la llamada terribilità renacentista (David de Miguel Ángel, hacia 1504). En los grupos
escultóricos de carácter religioso se mostraba la combinación del naturalismo con una intensa
expresividad, la serenidad florentina desapareció ante las pasiones que mostraban los
personajes con sus caras deformadas por los gestos de desesperación y dolor, visibles en los
Entierros de Cristo de Guido Mazzoni y de Niccolò dell'Arca.16 La escultura fue evolucionando
en su concepción y en las composiciones de sus grupos, hasta llegar a la serpentinata propia del
manierismo, que se muestra claramente en obras como la Piedad florentina (Miguel Ángel) o el
Rapto de las sabinas (Giambologna).
5.2.3.2 Relieve
Relieve de "Adán y Eva" por Ghiberti.
Busto-retrato de Giuliano de Médici por Verrocchio (1475-1478).
En el relieve se utilizaron la arquitectura y las recién adquiridas leyes de la perspectiva para

componer los fondos de las representaciones, como en la célebre puerta del Paraíso de Ghiberti
o en los relieves con la técnica de stiacciato para el altar de San Antonio en Padua realizados por
Donatello. Se componían estructuras arquitectónicas como telón de fondo, igual que Giotto
había hecho en sus pinturas protorrenacentistas. Algunas laudas de bronce italianas fueron
transportadas a España, como la que se encuentra en la catedral de Badajoz de Lorenzo Suárez
de Figueroa.
La escultura flamenca junto con la de países germánicos se desarrolló con un realismo que se
apreciaba en todos los detalles ornamentales, donde el trabajo escultórico se presentaba casi
como una labor de orfebrería que se aplicó en los grandes altares realizados en madera.
También en España, la influencia gótico-flamenca junto conla italiana se recogió en relieves,
como el de una de las puertas de la catedral de Barcelona realizada por el escultor flamenco
Michael Lochner y por Bartolomé Ordóñez de estilo italiano en el trascoro de la misma catedral.
Los relieves alrededor de los sarcófagos solían representar escenas de la vida de los difuntos: su
vida, milagros y martirio si eran religiosos, o la representación de batallas y hechos militares si
23
eran personajes de la nobleza. Los monumentos funerarios fueron desarrollando diferentes

fases de composición, desde la estructura tradicional de la losa funeraria o la estatua del yacente
solitario en su sarcófago empleado en la época medieval, a las tumbas adosadas enmarcadas
por elementos arquitectónicos a la manera de arco de triunfo, y con un resultado parecido a un
retablo, donde en la calle central se encontraba la urna normalmente con la figura del yacente
sobre ella y figuras alegóricas en las calles laterales. Finalmente se realizaban con la
representación de los difuntos en actitud orante propios de España y Francia.
Durante el Renacimiento se originó en España el estilo plateresco, que representó el cambio de

las formas de decoración en los edificios con elementos escultóricos de estilo principalmente
italiano, no solamente se realizó en la piedra de las fachadas sino también en madera y yeso en
los interiores de los edificios, a base de relieves historiados y adornos vegetales típicos del
primer Renacimiento (llamados «in candelieri») con grandes escudos heráldicos y putti a su
alrededor.
5.2.3.3 Busto
Los retratos en forma de busto siguieron siendo utilizados en el Quattrocento con la nueva
concepción humanística que imponía la representación con gran parecido físico, pero también
con la afirmación de la personalidad del retratado. Según Alberti, el artista debía «caracterizar,
pero también establecer relaciones armoniosas». Se realizaron en bronce, terracota
policromada y mármol (Donatello, Verrocchio, Francesco Laurana).
5.2.3.4 Estatua ecuestre

La estatua ecuestre de tamaño natural en bronce ya había sido tratada por los escultores
romanos como el Marco Aurelio emplazado entonces en San Juan de Letrán; también los
caballos de bronce de San Marcos de Venecia sirvieron de modelo para el Renacimiento italiano,
y pueden considerarse inspiradores del Gattamelata de Donatello y del Colleoni de Verrocchio.
Los estudios de Leonardo da Vinci conllevaron un cambio en la representación del caballo, que
se colocó apoyado sobre sus patas traseras y en actitud de abalanzarse sobre el enemigo; la idea
fue tomada probablemente de relieves de sarcófagos antiguos.
5.2.4 REPRESENTANTES
6 ARQUITECTURA
El siglo XVI supone el momento clásico por excelencia del Renacimiento. El primer tercio del
Cinquecento supone el triunfo de la armonía y el equilibrio que se había adquirido durante el
Quattrocento. Además, en este período, junto a la arquitectura religiosa se va a desarrollar la
arquitectura urbanística y la arquitectura civil. La principal manifestación de la arquitectura civil
es el palacio en las ciudades y la villa en el campo. Entre las características de la arquitectura
clasicista renacentista del Cinquecento. Equilibrio, austeridad, robustez y predominio de la
arquitectura sobre la decoración son características principales de las edificaciones
cinquecentistas clasicistas, como se puede apreciar claramente en las obras de uno de sus
principales representantes, Bramante (magnífico será su templo de San Pietro in Montorio, en
el que recoge la herencia romana a través del uso de la tipología de planta central circular). Se
emplean ahora los volúmenes con un sentido plástico, buscándose el contraste y el juego
24
mediante la conjugación de las formas y el manejo de la luz (elementos cuyo uso teatral se
buscará deliberadamente, exagerándolo, durante el periodo manierista).
Ésta va a ser una época de grandes construcciones y de grandes autores asimismo; a lo largo de
este siglo XVI se inicia el desarrollo y ejecución de uno de los más importantes planes
arquitectónicos cómo será el destinado a la creación de la basílica de San Pedro del Vaticano (es
preciso señalar de nuevo que Roma ostenta la capitalidad artística en estos momentos, además
de la cristiana, con lo que se hacía necesaria una intervención de estas características que viniera
a reforzar y recalcar dicha realidad).
Cúpula de San Pedro del Vaticano. Obra proyectada por Bramante y rematad por Miguel Ángel
Adjudicada inicialmente su construcción a Bramante, el fallecimiento de este dará lugar a la

elección del pintor Rafael, cuya participación en el proyecto se verá truncada de igual modo por
su muerte, siendo realmente el relevo del posterior elegido (Antonio de Sangallo el Joven) el
verdadero artífice del edificio: Miguel Ángel. Éste va a recuperar el plan inicial de planta central
propuesto por Bramante y a construir la magnífica cúpula que lo corona, convirtiéndola en
referencia de todo el conjunto.
Muestras de su tratamiento de la arquitectura serán también la ingeniosa escalera de la

Biblioteca Laurenciana de Florencia, el diseño urbanístico de la Plaza del Capitolio en Roma o la
colaboración que realizará en el Palacio Farnesio (modelo de palacio romano, será comenzado
por Sangallo).
Para finalizar, merece la pena destacar dentro de la tendencia manierista a los arquitectos
Vignola, el cual creará en la Iglesia del Gesú, en Roma, un modelo posteriormente muy empleado
y Andrea Palladio (artífice del recurso denominado "ritmo palladiano", destinado a conseguir
efectos de movimiento y claroscuro, así como del Teatro Olímpico de Vicenza).
6.1 Características generales
a) . Se mantiene la influencia clásica que se evidencia en el empleo de los órdenes y

elementos constructivos.
b) . En esta etapa los edificios tienden a la monumentalidad y grandiosidad.
c) . En los templos se busca un nuevo planteamiento con el desarrollo de las plantas
centrales. La construcción por excelencia de este periodo es la iglesia de San Pedro en
Roma.
d) . En este periodo aparece la construcción de las villas, entre las cuales podemos destacar
aquellas de Andrea Palladio.
e) . Miguel Angel introduce el “orden gigante” para su proyecto y rompe con el concepto
de arquitectura hecha a la medida del hombre.
f) . Predomina en este momento la idea de riqueza y lujo que va a ser el origen del Barroco.
g) . El Manierismo, típico de finales del siglo XVI, introduce en la arquitectura edificios cada
vez más suntuosos, con decoraciones rebuscadas y elementos que pretenden captar la
atención del espectador.
25
7 TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO

7.1 CONTEXTO HISTORICO
La construcción corrió a cargo de los Reyes Católicos en honor al nacimiento de su único hijo
varón, que coincidió con la festividad de San Pedro Apóstol, en el mismo lugar donde según la
tradición sufrió martirio. La Iglesia de San Pietro in Montorio y el Templete de Bramante en el
Janículo son el exvoto de los Reyes Católicos por el fallecimiento del Príncipe Juan de Aragón y
Castilla el 1497, según figura en las inscripciones del Templo.
Esta obra se considera como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada
su pureza de líneas y austeridad decorativa.
El templete fue realizado en granito, mármol y travertino, con acabados de estuco y revoco.
La edificación es de planta circular e imita a los martyria orientales, pues de hecho es un

martyrium. Dispone de una columnata que envuelve a la cella, cubierta por una cúpula
semiesférica. Esta columnata conforma un peristilo. También hay una clara referencia a la
cultura griega en la forma circular, como un tholos griego.
El templete se erige sobre una escalinata seguida de un corto podio sobre el que se eleva la
columnata de orden toscano, rematada por un entablamiento (metopas y triglifos) coronado
por una balaustrada. Tiene en total 48 metopas donde había representada una figura de busto
repetida cuatro veces. El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro exterior decorado
con nichos de remate semicircular, de concha de venera, que alternan con vanos adintelados
(puertas y ventanas) separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de
las columnas del peristilo.
Esta decoración se dispone rítmicamente, partiendo de la disposición de tres puertas y el altar,

situados en los extremos de dos ejes de la planta circular, que se cruzan perpendicularmente a
modo de cardo y decumano; cada paño de muro situado entre dos puertas está ornado a su vez
mediante un vano (ventana central flanqueada por dos nichos). Bramante parte de un módulo
que no es una medida sino una forma: el cilindro, pues cilíndricas son las columnas, pórtico,
balaustrada, cella y tambor.
Justo debajo del altar mayor está la cripta, donde supuestamente se clavó la cruz de San Pedro
donde San Pedro fue crucificado.
26
7.2 ARQUITECTO
Donato d'Angelo Bramante: Donato di Pascuccio d'Antonio o Donato di Angelo di Antonio,
conocido como Bramante, fue un pintor y arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer
Renacimiento en Milán y el «Alto Renacimiento» en Roma, donde su obra más famosa fue el
planeamiento de la Basílica de San Pedro.
Tuvo una formación quattrocentista pero su plenitud artística la alcanza en el siglo XVI. Su
arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central cubierta con cúpula.
27
Principales obras arquitectónicas:
a) 1482–1486: Iglesia de Santa Maria presso San Satiro, Milán.
b) 1492–1498: Santa Maria delle Grazie (claustro y ábside); Milán.
c) 1501–1502: Palacio Caprini (también llamado: 'Casa de Rafael'), Roma (desaparecido).
28
d) 1502: San Pietro in Montorio, Roma.
e) 1504: Santa Maria della Pace (claustro); Roma.
f) 1503-1506: Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano (Diseño y cimentaciones).
29
g) 1506: Cortile del Belvedere, Ciudad del Vaticano.
7.3 ANALISIS ESPACIAL

Sin duda, este lugar tiene rasgos muy particulares. El primero de ellos sea quizás que, a pesar de
su reducido tamaño (5 metros de diámetro interior y 10 metros de diámetro total), y una altura
de 12,5m de altura, crea en quien lo mira una sensación de impresionante monumentalidad. Su
planta es circular, centralizada y se alza sobre unos escalones que le proporcionan una cierta
perspectiva.
10m
5m
30
12.5 m
7.4 ANALISIS FUNCIONAL

Su función fue para conmemorar el nacimiento de Juan, su primer hijo varón, que vino al mundo
el 30 de junio de 1478 en Sevilla. La onomástica del día coincidió con la festividad de San Pedro,
por lo que los Reyes Católicos decidieron levantar este templete donde el santo sufrió el
martirio.
Consta de 3 cuerpos y cada uno tiene su significado y función:
a. La cripta: Es donde se encuentra, según la tradición, la roca donde fue crucificado el santo
y donde se martirizo. Su significado es que representa la primitiva iglesia romana de las
catacumbas.
b. La capilla: su función es albergar el altar y la recepción. Representa a la iglesia militante.
c. La cúpula: su función es llenar de luz toda la capilla, ya que cuenta con 4 ventanas.
Representa a la iglesia triunfante y la gloria de Dios.
31
altar
7.5 ANALISIS FORMAL

Su morfología externa es el resultado de la proyección en el espacio de figuras geométricas
regulares: cuadrado y círculo. Donde la forma que predomina es el circulo, por la planta
circular que posee, cuenta con tres cuerpos y lo remata una semiesfera.
En la parte frontal se puede apreciar que predomina el rectángulo, en el primer y segundo

nivel, tanto como el cuerpo y el espacio entre las columnas y las ventanas, rematando un
semicírculo formando la cúpula.
En la parte área se puede apreciar que predomina el circulo, teniendo la parte central y
exterior de esta forma geométrica, las escaleras se acoplan a la forma de la planta y las
columnas se colocan de forma no rompa el ritmo que lleva la planta. Dando la sensación de
unión.
32
33
La simetría se puede observar tanto como en la plata, corte y fachada.
7.6 ANALISIS TECNOLOGICO

El templete fue realizado en granito, mármol y travertino, con acabados de estuco y revoco
7.6.1 GRANITO
Cuando el término granito procede de la lengua italiana, permite hacer referencia a una roca
que se forma con mica, cuarzo y feldespato, tres clases de minerales. El granito es duro y
compacto y, según la proporción de sus distintos componentes, puede adquirir diversas
tonalidades.
7.6.2 MARMOL
El mármol, término procedente del vocablo latino marmor, es una roca metamórfica que se
desarrolla a partir de piedras calizas cristalizadas. El carbonato cálcico es su componente
principal.
34
7.6.3 TRAVERTINO
Travertino es la denominación de una roca sedimentaria de origen parcialmente biogénico,
formada por depósitos de carbonato de calcio y que se utiliza con frecuencia como piedra
ornamental en construcción, tanto de exterior como de interior. Gran parte de los monumentos
e iglesias de la antigua Roma están construidos de este material.
7.6.4 ESTUCO
El estuco es una pasta de grano fino compuesta de cal apagada (normalmente, cales aéreas
grasas), mármol pulverizado, yeso, pigmentos naturales, etc. ... Su acabado muestra una pared
plana, lisa y brillante como un mármol pulido, con diferentes tonalidades de color, de gran
belleza.
7.6.5 REVOCO
Se denomina revoque al revestimiento, exterior y/o interior, de mortero de cal o cemento o de
cal y cemento, que se aplica, como acabado, a un paramento enfoscado previamente. Es un
tipo de acabado continuo cuyo fin es mejorar el aspecto y las características de las superficies
de muros, tabiques y techos.
El conjunto de enfoscado y posterior revoco se llama jaharro. El cemento proporciona dureza

al acabado, y la cal flexibilidad, y, en función de la proporción de cada uno de estos
componentes, se potencia la citada característica.
35
7.7 ELEMENTOS ARQUITECTONICOS

7.7.1 COLUMNAS TOSCANO:
El orden toscano no pertenece al grupo de los órdenes arquitectónicos griegos (dórico, jónico y
corintio), sino que es la aportación etrusca a los órdenes clásicos. Deriva del dórico, del que es
una simplificación, y fue utilizado en Etruria, Italia, en época anterior a la conquista de Grecia.
Posteriormente fue adoptada y difundida por los romanos. Con el paso del tiempo, dado que los
arquitectos renacentistas conocían mucho mejor el arte romano que el griego
7.7.2 ENTABLAMIENTO:
Se llama entablamento o cornisamento al conjunto de piezas que gravitan inmediatamente
sobre las columnas en la arquitectura arquitrabada. Se divide en tres secciones: arquitrabe.
friso.
7.7.2.1 ARQUITRABE:
El arquitrabe, palabra proveniente del italiano architrave, en la arquitectura clásica, es la parte
inferior del entablamento que se apoya directamente sobre las columnas. Su función estructural
es servir de dintel, para transmitir el peso de la cubierta a las columnas.
Es un elemento fundamental en la arquitectura de cubierta plana, llamada arquitrabada. La

arquitectura griega clásica y su precedente, la arquitectura egea, es un ejemplo típico de
estructuras arquitrabadas. Anteriormente, los edificios monumentales egipcios también se
construyeron con cubiertas pétreas planas o adinteladas.
7.7.2.2 FRISO:
Un friso (en latín: proveniente de: frisium) sirve en arquitectura para denominar a la parte ancha
de la sección central de un entablamento, que puede ser lisa o (en los órdenes jónico y corintio)
estar decorada con bajorrelieves. En una pared sin columnas queda sobre el arquitrabe (‘viga
principal’) y queda cubierto por las molduras de la cornisa.
Se llama pulvino al friso de sección convexa. Estos frisos fueron característicos del manierismo
nórdico del siglo XVI, especialmente en la arquitectura de interiores y el mobiliario.
36
7.7.2.3 CORNISA:
Una cornisa, palabra proveniente del latín coronis es la parte superior y más saliente de la
fachada de una edificación. Tiene como función principal evitar que el agua de lluvia incida
directamente sobre el muro o se deslice por el mismo, además de rematar la fachada del edificio.
En la arquitectura clásica forma parte del entablamento, y está compuesta de varias molduras;
se distinguen dos tipos: de cincha (rodea el edificio marcando la división entre las plantas), y
denticulada (decorada por dentículos o sustentada por modillones). Cuando remata el frontón
del templo clásico, consta de un geison y molduras curvas, llamadas también cimacio.
La cornisa, además de sus funciones prácticas, históricamente ha representado una pieza clave
como decoración arquitectónica. En la construcción moderna, la cornisa se realiza utilizando los
nuevos métodos que ofrecen los modernos materiales mediante moldes de poliestireno
expandido que son colocados como parte de los encofrados para verter hormigón en el
conjunto.
CORNISA
FRISO
ARQUITRABE
COLUMNA
37
7.7.3 TRIGLIFOS:
Un triglifo (del griego τρίγλυφος: τρί, "tri, tres", γλυφος, "glifos, acanaladuras, entalladuras") es
un ornamento arquitectónico característico del friso dórico con forma rectangular, más alto que
ancho, con tres bandas verticales separadas por dos glifos (acanaladuras) completos y dos
semiglifos, uno en cada extremo.
7.7.4 METOPAS:
una metopa se le llama a un panel o pieza rectangular o cuadrada de piedra, mármol o terracota
que ocupa parte del friso de un entablamento dórico, situada entre dos triglifos. Cada metopa
estaba ocupada por un bajorrelieve.
7.7.5 BALAUSTRA:
Un balaustre o balaústre (del griego, balaustion; latín balaustium, 'flor de granada') es una forma
moldeada en piedra o madera, y algunas veces en metal o cerámica, que soporta el remate de
un parapeto de balcones y terrazas, o barandas de escaleras. El conjunto de balaustres se
denomina balaustrada.
38
7.7.6 TAMBOR:
En arquitectura, el tambor es un elemento arquitectónico estructural situado en la base de una
cúpula a modo de prolongación. En la mayoría de los casos su forma es cilíndrica, aunque puede
ser poligonal, generalmente octogonal.
7.7.7 CUPULA:
es una palabra que procede de la lengua italiana. El término se utiliza con frecuencia en la
arquitectura para referirse a la bóveda que cubre una construcción, ya sea totalmente o sólo de
manera parcial. Lo habitual es que las cúpulas tengan forma semi-esférica y que se erijan en
torno a un eje simétrico.
7.7.8 LINTERNA:
Una linterna, palabra proveniente del Latín lanterna, en arquitectura, es un elemento en forma
de tubo dispuesto como remate sobre una cúpula, que mediante huecos permite la iluminación
y la ventilación del espacio interior del edificio.
39
7.7.9 CELLA:
Una cela, en español (del latín cella "dormitorio", "oquedad") o naos (del greco ναός "templo"),
es la cámara interior de un templo en la arquitectura clásica, o una tienda que mira hacia la calle
en la arquitectura romana (véase domus).
7.7.10 PILASTRAS:
Una pilastra, palabra proveniente del italiano pilastro, es un pilar o columna, de base
cuadrangular, adosado a un muro o pared. Su función puede ser estructural, sosteniendo techo,
tejado, entablamento, moldura o arquitrabe, o meramente decorativa. La pilastra (palabra
derivada de pilar) puede estar compuesta de los mismos elementos arquitectónicos que las
columnas o pilares, como son basa, fuste y capitel, según los diferentes órdenes arquitectónicos.
Cuando sobresalen del muro y son alargadas y conectadas con arquerías ciegas reciben el
nombre de bandas lombardas.
40

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AÑO DEL DIALOGO Y RECONCILACION NACIONAL

FACULTAD DE INGENIERIA Y ARQUITECTURA

ESCUELA ACADEMICA PROFESIONAL DE ARQUITECTURA

URBANO ACOSTA FRANS

1 LINEA DE TIEMPO .................................................................................................................. 2

En relación con la arquitectura se mantienen la influencia clásica en la utilización de los órdenes

Se mantienen equilibrio y armonía en la realización de las esculturas, pero se observa cierto

La Dama del Armiño. Óleo sobre

El Renacimiento iniciado durante el Quattrocento se desarrolló en un siglo de madurez

A lo largo del periodo correspondiente al alto Renacimiento italiano, denominado Cinquecento,

Dentro de este largo período convivieron dos tendencias fundamentales: la clasicista y la

Capilla Sixtina pintada por Miguel Ángel

la decoración al fresco de las Estancias de la Signatura en los Apartamentos

El Moises de San Pietro in Vincoli (Michelangelo)

3.1 CONTEXTO SOCIAL

A lo largo de todo el siglo XV, el feudalismo comenzó a mostrar claros signos de

3.2 CONTEXTO POLITICO

La aparición y desarrollo de la filosofía política durante el Renacimiento, estuvo estrechamente

3.3 CONTEXTO ECONOMICO

Números complejos: En 1545 el matemático italiano Gerolamo Cardano inventó un nuevo

3.3.1.4 Ferrocarriles mineros:

3.3.1.5 Máquina de coser:

3.3.1.7 Aserradero de viento:

3.3.1.9 El magnetismo de la Tierra:

3.3.1.12 Trayectoria parabólica de un proyectil:

3.4 CONTEXTO RELIGIOSO

La Iglesia católica romana no tomó conciencia de la amplitud del movimiento de contestación

Entre el Alto Renacimiento y el Manierismo se puede situar la escuela veneciana. La crisis

La Virgen del prado (1505-1506) obra de Rafael

En paralelo, el dibujo va perdiendo preeminencia, a medida que los contornos se van

San Juan Bautista (1513-1516, óleo sobre tabla,

Donatello a Miguel Ángel. En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la

Camafeo en ágata blanca, representando a

Escultura ecuestre de Bartolomeo Colleoni realizada en bronce por Verrocchio.

Escultura de madera "Ángel de la Guarda"

Jacopo Sansovino, Madonna y niño,

D'Architectura (siglo I) Vitruvio

La composición de la figura humana se basó en la búsqueda de la perfección en la anatomía,

Busto-retrato de Giuliano de Médici por Verrocchio (1475-1478).

En el relieve se utilizaron la arquitectura y las recién adquiridas leyes de la perspectiva para

eran personajes de la nobleza. Los monumentos funerarios fueron desarrollando diferentes

Durante el Renacimiento se originó en España el estilo plateresco, que representó el cambio de

5.2.3.4 Estatua ecuestre

Adjudicada inicialmente su construcción a Bramante, el fallecimiento de este dará lugar a la

Muestras de su tratamiento de la arquitectura serán también la ingeniosa escalera de la

6.1 Características generales

a) . Se mantiene la influencia clásica que se evidencia en el empleo de los órdenes y

7 TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO

La edificación es de planta circular e imita a los martyria orientales, pues de hecho es un

Esta decoración se dispone rítmicamente, partiendo de la disposición de tres puertas y el altar,

Principales obras arquitectónicas:

a) 1482–1486: Iglesia de Santa Maria presso San Satiro, Milán.

b) 1492–1498: Santa Maria delle Grazie (claustro y ábside); Milán.

c) 1501–1502: Palacio Caprini (también llamado: 'Casa de Rafael'), Roma (desaparecido).

d) 1502: San Pietro in Montorio, Roma.

e) 1504: Santa Maria della Pace (claustro); Roma.

f) 1503-1506: Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano (Diseño y cimentaciones).

g) 1506: Cortile del Belvedere, Ciudad del Vaticano.

7.3 ANALISIS ESPACIAL