UNIVERSIDAD DE SAN CARLOS DE GUATEMALA

FACULTAD DE HUMANIDADES
DEPARTAMENTO DE ARTE
PEM EN ARTES PLÁSTICAS E HISTORIA DEL ARTE
PLAN SABATINO
DIBUJO NATURAL III
LIC. EDWIN GARCÍA

CÁNONES DE LA FIGURA HUMANA

ESTUDIANTE:
Jaquelyn Nohemí Arce Solórzano 200613574

CANONES DE LA FIGURA HUMANA 1

INDICE
3. Introducción
4. Cánones de la Figura Humana
Cánones a través del tiempo
6. Principales artistas que establecieron los
Cánones de la Figura Humana
15. Anexos
18. Bibliografía

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 INTRODUCCIÓN

El contenido de este trabajo es útil en el aprendizaje del dibujo natural,

específicamente en la práctica del dibujo de figura humana para conocer y
diferenciar las proporciones establecidas por los artistas reconocidos en las distintas
épocas de la historia del Arte.
Es importante hacer énfasis en los distintos cánones establecidos ya que al practicar
el dibujo de figura humana, se debe aplicar dichos cánones, teniendo las nociones
básicas de las proporciones del cuerpo humano para crear un dibujo realista y
detallado según el canon que se ponga en práctic
Uno se los cánones más conocidos y renombrados desde su creación hasta
nuestros tiempos, es el de Leonardo Da Vinci con el famoso dibujo del Hombre de
Vitruvio el cual ha sido de inspiración para el estudio anatómico del cuerpo humano
y para establecer los cánones de los nuevos artistas de la Edad Media.

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 CÁNONES DE LA FIGURA HUMANA
El Canon es una fórmula perfecta para encajar y proporcionar la figura humana;
partiendo de la cabeza como medida básica.

CÁNONES A TRAVÉS DE LA HISTORIA

LA EDAD ANTIGUA

El Método egipcio tenía la finalidad de realizar construcciones constantes e

invariables, unidas al deseo de eternidad. La figura humana tenía la función de
proporcionar de un cuerpo material al espíritu. Las obras no eran representativas,
sino reconstructivas. Eran un cuerpo eterno que reemplazaba al cuerpo perecido;
ambos destinados a contener al espíritu eterno.
La rigidez del canon egipcio se imponía incluso en las figuras heterogéneas, sobre
la cual se aplicaba a cada parte su propio sistema, es decir, si una figura tiene
cuerpo humano y cabeza de animal se aplicaba el canon humano a aquella parte, y
el canon correspondiente al animal se aplicaba a esta.
El sistema egipcio establece una fórmula fija determinada por un plano dividido -
según la dinastía- en 16; 19; 21½; 22 y 23 partes iguales. La unidad de medida en
algunos casos era el ancho del pie y en otros el largo del pulgar o el mayor, ambos
tenían el mismo largo. Para los egipcios primitivos, la cabeza mide 2½ partes; a
partir de la XVII dinastía la cabeza mide 3½ partes.

Los Griegos consideraban a la obra como una imagen representativa. Es una

imitación. A diferencia de los egipcios el canon era concebido de forma flexible; se
adapta a las necesidades de cada caso teniendo en cuanta el escorzo que se
produce por la visión y la perspectiva. El artista griego tiene libertad para corregir
las dimensiones según la impresión óptica del observador. Para los griegos la
belleza no consiste en los elementos, sino en la proporción armoniosa entre las
partes.

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EDAD MEDIA
La teoría de composición en el arte Romántico y en el Gótico contiene la flexibilidad,
en cuanto al manejo de las dimensiones, del arte greco-romano, pero se limita sólo
al aspecto bidimensional de la representación, determinando esquematizaciones
planimétricas. Estas difieren del canon egipcio porque este tenía fines constructivos,
además sólo se representan las figuras de modo que pueden ser dispuestas en un
plano; en la edad media se admiten las figuras en posición de tres cuartos.
La geometrización de la figura tenía la finalidad de facilitar el dibujo. Pero no era
una cuadrícula rígida, sino que era un sistema flexible que se organizaba en base a
una estrella de cinco puntas. Las proporciones naturalistas se pierden y las figuras
se tornan tan alargadas que daban la sensación de contenido místico a la
composición.

El RENACIMIENTO
Tomó la Teoría de las Proporciones como fundamento racional de la belleza, es
decir, como expresión de la armonía. La diferencia consiste en que anteriormente
se consideraba este trabajo previo como un simple recurso técnico. Los artistas del
renacimiento asimilaban los descubrimientos científicos. Se tendía hacia una
síntesis de lo racional y lo místico buscando la belleza de la figura humana en la
armonía de las proporciones geométricas. Pero a diferencia de los griegos y los
romanos que trabajaban de manera intuitiva, los primeros para lograr un ideal, y los
segundos retratos; los renacentistas se esforzaron por aplicar los conocimientos de
la geometría para construir sus composiciones.
Gracias a la civilización romana conocemos, por innumerables copias, muchas de
las obras griegas. De las griegas han perdurado muy pocas, y la mayoría son
bronces. La cultura romana absorbió y aceptó rápidamente las propuetas griegas;
de este modo no existe un canon romano. Tampoco existe ningún tratado teórico
que proponga un canon como el de Policleto. Después de la Edad Media volvió el
interés por el hombre, de hecho, la palabra Renacimiento, se refiere al renacer del
hombre. En el renacimiento se vuelve la mirada hacia el mundo clásico, pero como
ya hemos visto, de la antigua Grecia poco quedó. El hombre artista del renacimiento
se basó entonces en las copias romanas. El único tratado por escrito relacionado
con las proporciones de la figura humana era el de Vitruvio, por ello fue que el artista
renacentista diese importancia al estudio de las proporciones sobre otros elementos

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del lenguaje tridimensional plástico, como el movimiento, el color o las texturas, ya
que siendo Vitruvio la referencia no los consideraba. Puedes ver en el David de
Miguel Ángel como se retoman los valores de la escultura clásica. Durante el
Renacimiento, y en adelante durante mucho tiempo, los valores clásicos fueron la
referencia de partida, que se desarrollaron y potenciaron a través de innumerables
artistas, cada uno con sus particularidades y características.

PRINCIPALES ARTISTAS QUE ESTABLECIERON LOS

CÁNONES DE LA FIGURA HUMANA
POLICLETO
El primer canon fue establecido por un escultor de la antigua Grecia, Policleto a
quien se lo conoce como el padre de la antropometría. En el siglo V aC formuló el
“Tratado de Proporciones” que se conoce son el nombre de Doríforo, un modelo
hecho de mármol en base al canon de 7 cabezas y media.
La medida básica o módulo, tomada por Policleto, era el ancho de la mano, este
módulo fue transformado durante el Renacimiento por la altura de la cabeza. El
canon de Policleto media siete cabezas y media de altura.
En el Renacimiento, este canon fue estudiado por varios artistas, entre ellos
Leonardo y Durero, pero mientras unos estaban de acuerdo con Policleto, otros
establecían un canon de ocho cabezas de altura y otros de ocho cabezas y media.

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EL DORÍFORO
Se cree que el Doríforo de Policleto es la puesta en práctica de aquello que proponía
en su canon, y como veremos no debemos creer que simplemente se trata de
consideraciones proporcionales, sino que existen otras consideraciones sobre todo
de tipo filosófico, anatómico, matemático, estético, etc. que hacen que podamos
considerar su canon como una serie de prescripciones para realizar esculturas, y
que muchos artistas posteriores tuvieron en cuenta.
El Doríforo original no se conserva, si existen distintas copias o más bien versiones
que se realizaron, a través de las cuales se ha podido estudiar las propuestas de
Policleto. Se trata de una figura masculina de un atleta. Los vencedores de los
juegos olímpicos se hacen objeto de culto, inspirando a los artistas que buscan la
belleza y armonía en el cuerpo humano. A la figura le falta la lanza que portaba en
su mano izquierda.

PRAXITELES, ESCOPAS Y LISIPO

Escopas y Praxiteles se consideran los principales escultores de la Grecia clásica
del s. IV a.C. Escopas sigue el canon de Policleto, sus formas y texturas son
rigurosas, pero añade como novedad una expresión del sentimiento, lo que le valió
para ser conocido como el creador del estilo Patético (pathos significa sentimiento).
Las figuras no parecen superhombres, sino que se humaniza aún más debido a esta
característica.
Praxiteles es muy apreciado por el virtuosismo, conocimiento y dominio de la
técnica escultórica. Sus figuras, aunque basadas en el canon de Policleto, se
vuelven más blandas, dulces y sensuales contradiciendo el carácter atlético de las
obras de Policleto. Acentúa el movimiento en su forma de "S", lo que se conoce
como curva praxiteliana, aunque siempre de un modo refinado y elegante.

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Lisipo contestando de un modo contrario a las obras de Praxiteles, renueva la
tradición de la escultura atlética, y alarga la proporción de la figura que ahora resulta
en su totalidad de 8 cabezas. Se puede apreciar la herencia del movimiento y
contraposto de Policleto.

LEONARDO DA VINCI
Trabajó en base a una antropometría científica focalizando en la estructura natural
del cuerpo de manera tridimensional. Identificó lo bello con lo natural fundándose
en la observación empírica. Buscaba la uniformidad orgánica del cuerpo humano
antes que la excelencia estética.
El movimiento orgánico de la figura humana era tenido en cuenta no sólo en la
observación que hacía el artista antes de la realizar la obra, también se analizaba
en función del futuro espectador, no eran solo mediciones constructivas como en la
edad media. En la Grecia Clásica las correcciones de las figuras en escorzo eran
hechas de manera intuitiva, según la sensibilidad del artista; en cambio en el
Renacimiento, se aplicaba la Teoría de la Perspectiva, desarrollada en función de
los conocimientos matemáticos, geométricos y antropométricos que realizó
Leonardo estudiando las teorías de Policleto y Vitruvio.

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EL HOMBRE DE VITRUVIO COMO ANTECEDENTE
El arquitecto romano Vitruvio escribió el tratado, sobre arquitectura, más antiguo
que se conoce, en torno al año 25 a. C. En él recoge todos los conocimientos que
había podido estudiar de la arquitectura e ingeniería de aquella época. El tratado de
Vitruvio era conocido y empleado en la Edad Media. En 1486, se hizo una edición
en Roma, que se extendió popularmente entre los artistas del Renacimiento.

El dibujo de Leonardo da Vinci, que llamamos "Hombre de Vitruvio", está basado en

esta obra. En la actualidad la obra de Vitruvio, titulada "De Architectura", todavía es
usado como inspiración por arquitectos y artistas. El tratado de Vitruvio se compone
de diez libros; encontramos que habla de la relación entre los edificios y la figura
humana en su tercer libro; es aquí donde establece unas relaciones proporcionales,
aunque solo proporcionales, no habla del color, ni de la textura, ni del movimiento,
etc.
Vitruvio tomaba como referencia proporcionales relaciones fraccionarias, y tenía
como referencia el número 10, que era el sistema métrico decimal y que relacionó
con la figura humana: 10 dedos en las manos, 10 dedos en los pies. Así la figura
medía 10 módulos, y como ves su tratado lo dividió en 10 libros. Inscribió la figura
humana en un círculo y después en un cuadrado, por separado, ya que los centros
del círculo y del cuadrado no coincidían.

LA PROPORCIÓN ÁREA: Leonardo Da Vinci y su Hombre de Vitruvio

Leonardo Da Vinci presenta un estudio de proporciones (solo proporciones)
inspirado en el hombre de Vitruvio, y superpone las dos figuras inscritas en el círculo
y el cuadrado relacionándolo por medio de la proporción áurea. No solo establece
esta relación áurea, sino que utiliza la fraccionaria, es decir, divide el cuerpo en 8
cabezas o 4 codos.
La importancia del estudio de Leonardo radica en que como novedad, considera las
dimensiones menos cuantitativas en un modelo rígido y estático y más

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orgánicamente, pues estudia las proporciones atendiendo al comportamiento del
cuerpo, si modifica su posición, flexiona algún miembro o cambia de postura.

Estos nuevos aportes al arte, de Leonardo, así como de otros muchos, ya no serán
considerados como normas rígidas que preestablecen la manera de hacer una obra,
sino como el descubrimiento de una posibilidad. Los estudios proporcionales que
hace Leonardo formarán parte de un mundo muy distinto del de la Edad Media.
Toda una era de descubrimientos, y cambios sociales harán que los artistas tomen
conciencia como individuos, con intereses y personalidad propios, lo que produce
la inexistencia de cánones institucionalizados y preestablecidos formalmente. Sin
embargo, la preocupación por descubrir unas proporciones como la clave del éxito
en la construcción de la figura humana se siguió estudiando; como hizo Leonardo.

ALBERTO DURERO
De tradición gótica, comenzó sus estudios a partir del sistema planimétrico; pero
luego se trasladó a Italia y bajo la influencia de Leonardo y Alberti, se inclinó hacia
la antropometría científica.

Artista del Renacimiento que fue el primero que precisamente defendió la posibilidad
de varias soluciones de proporción para distintos tipos de constituciones
morfológicas del cuerpo humano, y no una única solución general como hasta ahora

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se venía dando. Además, no solo consideró el alto y ancho, sino que se preocupó
de las profundidades, considerando así la figura en toda su tridimensionalidad.

Desarrolló diversos cánones que representan diferentes tipos de belleza. Sus

métodos, si bien no tuvieron demasiada influencia dentro del arte, debido a su
complejidad, resultaron de gran valor para el desarrollo de otras ciencias, las cuales,
luego de haber superado el estancamiento intelectual de la edad madia,
comenzaban a surgir.

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El anatomista y antropólogo holandés PIERRE CAMPER realizó estudios y
mediciones de los cráneos de distintas razas humanas –incluso las primitivas- y de
gran parte de la escala zoológica.
Describió las diferencias entre los ángulos faciales formados por la intersección de
la línea tomada entre el borde inferior del orificio nasa y el conducto auditivo, y la
línea que se apoya en la prominencia de los dientes incisivos del maxilar superior
hasta la parte saliente del frontal.

A fines de esta época, tanto artistas como espectadores, concebían el arte como
algo irracional, expresión del ser interior, por lo tanto subjetivo; debido a esto se
muestran indiferentes y renuentes a la aplicación de los cánones de manera estricta
y rígida. Se sirven de ellos sólo para reafirmar el estilo propio, que buscaba más la
originalidad que apegarse a reproducir fórmulas de otros; las cuales, sin embargo,
eran estudiadas de manera estricta durante la formación académica del artista.
MIGUEL ANGEL
El otro Genio del Renacimiento, Miguel Ángel, también nos legó su canon de la
figura humana. Su “David” haciendo referencia directa a la antigüedad logró superar
toda la estatuaria antigua conocida alcanzando la cima del clasicismo.
Profesores de anatomía han corroborado que es un modelo de precisión anatómica
que supera cualquier prueba científica a excepción de una pequeña imperfección
en la espalda debido a un defecto del bloque de mármol que ya había sido
rechazado por otros escultores.

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BOTTICELLI
Establece el canon del cuerpo humano en nueve cabezas, aplicado en su pintura
de “San Sebastián”, el cuadro fue colocado con gran ceremonia en 1474 sobre uno
de los pilares de la iglesia florentina de Santa Maria Maggiore el día 20 de enero,
durante la fiesta del santo.
Pintor que conoce todo el sistema de representación legado por las dos
generaciones anteriores, será un fiel reflejo de los movimientos que ocurren en la
Florencia de su época.

EL GRECO
Establece el canon de once cabezas, aplicado en sus pinturas en general, dejando
las figuras alargadas como fantasmas.
La anatomía humana es tratada desde el punto de vista de los manieristas.
Evolucionando desde un sentido sólido de la estructura, pese a las distorsiones,
hacía formas más alargadas, más sinuosas y ondulantes y posturas más retorcidas
y complejas. Todos estos artilugios confieren a la figura no sólo belleza, sino
también sentimiento. El sentimiento de las obras de El Greco deriva de eso, rara
vez utiliza la expresión más fácil para trasmitirlo.
En sus cuadros se produce una exclusión, casi sistemática, de la naturaleza muerta.
Sitúa las escenas en un espacio indefinido, tendiendo a llenar todo el espacio y
creando sensaciones de ahogo bastante fuertes.

Finalmente a principios de nuestro siglo el antropólogo Stratz determinó que el

canon de la figura humana es de ocho cabezas de alto por dos de ancho.

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PROPORCIÓN DEL CUERPO MASCULINO
1. La proporción del cuerpo visto de frente es
igual a ocho cabezas de alto por dos de
ancho.
2. El nivel de los hombros se sitúa a un tercio
del módulo no. 2
3. Los pezones coinciden con la línea divisora
del módulo no. 2
4. La separación entre pezón y pezón es igual a
un módulo (un alto de cabeza)
5. El ombligo queda un poco más abajo del
módulo no. 3
6. Los codos se sitúan al nivel de la cintura
7. El pubis se halla en el centro del cuerpo
8. La rodilla queda encima del módulo no. 6
9. Viendo la figura de perfil, la pantorrilla
sobresale del nivel vertical.

PROPORCIÓN DEL CUERPO FEMENINO

1. Es proporcionalmente más baja que el
hombre. El módulo es igual a la altura de la
cabeza.
2. Los pezones quedan más bajos que el
hombre.
3. El ombligo se sitúa más abajo.
4. El pubis se mantiene en el centro.

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ANEXOS

CANONES DE LA FIGURA HUMANA 15

CANONES DE LA FIGURA HUMANA 16
CANONES DE LA FIGURA HUMANA 17
 Bibliografía

El gran libro del Dibujo.

J. M. Parramón
(libro en formato PDF)

E-grafía

Documento en PDF Lenguaje y canon del volumen.

Cultura andaluza: El canon. Origen y modelos de
composición
file:///C:/Users/Placida/Documents/VO1_U3_T2_Contenidos_v02.pdf
(Consultado los días 1, 2 y 3 de febrero de 2015)

El significado en las artes visuales de Erwin Panofsky

Liviz Inis / Arte y Color
https://livizinis.wordpress.com/2007/12/06/los-canones-a-traves-de-la-historia/
(Consultado los días 1 y 2 de enero de 2015)

CANONES DE LA FIGURA HUMANA 18