Con hermosos estallidos de violencia marca de la casa, esta serie es una especie de letargo hipnótico ante el cual uno tiene dos opciones: ahogarse sin remedio o nadar en él. Si se opta por la segunda, no queda más alternativa que surfear sus corrientes de tiempo suspendido y extasiarse con sus bodegones de criminales impasibles y bellezas místicas.

La trama, que orbita alrededor de un policía y un cártel mexicano, somete los diálogos a un fascinante -y para muchos irritante- ejercicio de dilatación, congelando conversaciones en el vacío y llenándolas de silencios donde cabe una vida.

Refn firma su obra más radical y oscura, creando un universo de hombres torturados y vacíos y ninfas terribles; una pesadilla sexi en "slow motion" y colores desenfocados que lleva al paroxismo el ritmo pantanoso y sus actuaciones hiératicas. Droga dura para cinéfilos sin prisas por llegar a puerto.

De las catacumbas profanadas por un osado profesor, decenas de zombis (cuyos rostros no son más que calaveras agusanadas) surgen para crear el pánico entre los huéspedes de un caserón, los cuales deberán atrincherarse si quieren salvar sus vidas...

Andrea Bianchi, en su vena más "gore" y "explotation" (casquería), nos ofrece la película más abyecta, bizarra y soez de la historia del cine de terror zombi, poseedora de un ambiente realmente perverso, malsano y podrido.

El director se atreve a filmar a los zombis a plena luz del día, en jugosos primeros planos, sin temor a que el “cartón piedra” delate la cutrez de las máscaras (por otro lado más solventes de lo que pudiera pensarse).

Además, rueda cámara en mano (algunas veces en plano subjetivo), con nervio, subrayando los momentos de tensión, agobiando a los personajes y al espectador.

Los zombis son al estilo de Fulci (pero aun más pútridos, fétidos y macro purulentos, si cabe); los personajes son de lo más tétricos y enfermizos (más repulsivos aun que los mismos zombis).

Hay una infecta relación incestuosa de madre e hijo (auténtico engendro donde los haya) que acaba con una brutal y antológica escena; una angustiosa y tétrica BSO; unos ridículos diálogos e inexistente trama; unas situaciones absurdas, etc.

De todos los "exploit" de zombis ("Zombi 2"/ "Zombi 3"/ "Incubo sulla città contaminata"/ "Zombi Holocaust"/ "Virus (Hell of the Living Dead)"/ "L' isolà dei morti viventi" o "Zombi: La creazione"), me quedo con este, me quedo con Bianchi.

Innovadora al ubicar la pesadilla en un entorno reconocible (abordaba desde una perspectiva naturalista una situación sobrenatural), su uso del blanco y negro (y en algunas secuencias de la cámara en mano) dio a la película un gran verismo.

Por primera vez, el terror era el resultado de un acrecentamiento de realidad: ambientación auténtica y cotidiana, fotografía granulosa y poco adornada.

La película ofrecía además una mirada pesimista sobre las relaciones sociales y una crítica radical sobre la Norteamérica contemporánea.

Para Romero, los zombis no son otros que nuestros dobles y nuestras proyecciones. Nosotros somos los muertos vivientes en nuestra ansiedad consumista, siempre consumiendo por inútil que resulte.

El canibalismo de los zombis supone (y esta es la novedad que introduce Romero) perder toda voluntad o autonomía, rendirse a la barbarie de la uniformidad (mientras la carne se pudre con las vigas de nuestras prisiones en las que hemos elegido morar).

“Gritos en la noche” se enorgullece de ser la primera película que inauguró el cine de terror en España, a la vez que sentaría las bases del estilo inconfundible de Jesús Franco. En ella podemos apreciar trazas de terror gótico, expresionismo alemán, “nouvelle vague”, “pulp” y “noir”.

Este pastiche trasciende la mera sinopsis, y los numerosos homenajes de filmes que rinde el director (“El gabinete del doctor Caligari”; “Drácula”; “Frankenstein”; “El hombre y el monstruo”; “El ladrón de cadáveres”; “Jack el destripador”; “La escalera de caracol”; “La maldición de Frankenstein”; “El molino de las mujeres de piedra”; “Los ojos misteriosos de Londres” y sobre todo “Los ojos sin rostro”) se solapan en un orbe de carácter propio.

Esta perspectiva confiere al conjunto un sentido novedoso, a la par personal y antológico, compaginando tonos distintos: del patetismo al humor befo, pasando por el surrealismo, la perversidad y el lirismo, a lo largo de un desarrollo respetuoso con la ortodoxia del género policíaco, y una música claramente improvisada, sin seguir un esquema preciso, aparte de la consecución de una atmósfera de misterio y horror.

Cabe señalar que existen dos versiones diferentes: la que ofrece el montaje nacional de 92 minutos de duración (al que le fueron amputadas las escenas que contenían desnudos) y el montaje internacional que corresponde a su versión francesa y la cual contiene las escenas que fueron censuradas en España, pero fue aligerado de metraje (en 80 minutos) amputando escenas que no afectaban al desarrollo de la trama principal.

Combinando el realismo poético francés y el neorrealismo italiano (con un toque expresionista en la recreación de una atmósfera urbana cercana a lo irreal, en donde las siluetas sombreadas adquieren con la profundidad de campo dimensiones casi demoníacas), irrumpe el filme con forma de thriller que acaba siendo un drama eminentemente fatalista. Su magnífica fotografía es capaz de sacarle partido a cada rincón y cada sombra en una lección de cómo filmar un ambiente urbano nocturno. En resumidas cuentas, con personajes marginales, dilemas morales y una puesta en escena apabullante, el director muestra ciertos parámetros muy cercanos al universo de Graham Greene.