Los talentosos hermanos Coen han mostrado a lo largo de su exitosa carrera su gran destreza en distintos géneros cinematográficos. Con Hail, Caesar! (¡Ave, César!) satirizan distintos géneros, para ofrecer mediante una delirante comedia una versión romantizada del Hollywood de los años 50, siendo probablemente la película más fantasiosa de toda su filmografía. Prima lejana de Barton Fink, la película resulta un interesante ejercicio de cine dentro del cine. El proyecto nació hace diez años, pero tardó en hacerse realidad. Pero una vez retomado el proyecto, los Coen han logrado reunir a sus habituales colaboradores, que resultaban imprescindibles para realizar la película tal y como la tenían ideada.

Hail, Caesar! es a la vez un homenaje y una sátira de la época dorada de Hollywood en los años 50, cuando reinaban los estudios, justo antes de que empezara su crisis al tener que enfrentarse a la televisión, y en plena Guerra Fría. Para plantar cara a dicho rival, Hollywood apostó por realizar una serie de superproducciones de epopeyas bíblicas con miles de extras, osados musicales y espectáculos acuáticos en technicolor, así como una gran cantidad de westerns y elegantes dramas de sociedad. Y los Coen han sabido agrupar todos los citados elementos hábilmente en su nueva película. Y dichos elementos quedan recogidos de hecho ya en su sinopsis. Preguntado a George Clooney en la rueda de prensa si había pertenecido alguna vez a algún partido comunista, entre risas ha contestado que prefería atenerse a la quinta enmienda.

En aquella época, los jefes de los grandes estudios controlaban tanto la vida profesional como la privada de sus grandes estrellas, y tenían incluso a personas contratadas para que se encargaran de resolver todos los posibles problemas que pudieran surgir durante la producción, y proteger además a dichas estrellas y cuidar su imagen pública. Un duro trabajo que realizaron personas como el verdadero Eddie Mannix, figura que inspiró a los Coen para realizar la película, y a quién han incluido en el film en una versión santa personalizada, interpretado magistralmente por Josh Brolin.
El mismo Josh Brolin bromea diciendo que no dudó ni un momento en aceptar el papel al leer en el guión que tendría la oportunidad de abofetear a George Clooney, deseando que se tuviera que repetir el rodaje de dicha escena en muchas ocasiones.

Sin llegar a la maestría de sus mejores películas, Hail, Caesar! resulta en cualquier caso una película muy entretenida, repleta de buenos gags y un colosal reparto de actores que se nota que se lo han pasado en grande rodando esta curiosa e interesante película. La mayor virtud de la película es seguramente su magnífica elaboración. Gran labor, como siempre, de Roger Deakins.

La película ofrece detalles cinéfilos bastante curiosos, así como gamberradas de los Coen con su círculo de actores fetiche. George Clooney, que había realizado para ellos ya bastantes interpretaciones de personajes bastante estúpidos, realiza aquí su papel estelar en dicha línea, haciendo de bufón absoluto. A su vez, Ralph Fiennes, quien en la vida real tiene cierto mosqueo con la pronunciación de su nombre, interpreta aquí a un director de cine llamado Laurence Laurentz, bromeando bastante con la dificultad de realizar los matices de pronunciación.

Como única pega, se podría decir que el problema de Hail, Caesar! es que a pesar de su gran propuesta y buena carta de intenciones, sus divertidos gags y su hipnótica y magnífica elaboración, así como sus puntuales grandes momentos, la película tiene algún que otro altibajo y te transmite la sensación de que nunca termina de elevar el vuelo. En algún momento puntual parece que haya más gags que trama. Pero aún así, la perspicacia cinematográfica de los Coen está bien presente y el film no se queda en una mera comedia más del montón, sino que son bastantes los detalles a tener en cuenta.

Y la diversión y el buen entretenimiento están en cualquier caso asegurados, con buenas dosis del humor característico de los Coen.

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Fastidia bastante cuando acudes al cine a ver ilusionado una película de la cual tienes altas expectativas, y llevarte la gran decepción. Habiendo visto las adaptaciones cinematográficas de Macbeth de Orson Welles, Roman Polanski, y del maestro Akira Kurosawa, ésta es sin lugar a dudas la más fallida de todas.

Antes de empezar con la crítica negativa, tengo que destacar que la fotografía y el apartado artístico en general sí que me fascinó bastante, tiene cosas muy interesantes y de gran poderío visual. Lo mismo sucede con la música, muy buena. El problema es que el conjunto en si no funciona, y ambas no acompañan en absoluto a la película.

A mi parecer, el principal fallo del film son la dirección y el guión: ¿como puede una adaptación de Macbeth dejar al espectador tan frío? Escenas importantes de la obra -como el encuentro con las brujas videntes al principio, o el momento en que enloquece- carecen totalmente de fuerza, y dejan completamente indiferente. Las mismas escenas en "El trono de sangre" una de las tantas obras maestras de Kurosawa -y la mejor adaptación de la obra de Shakespeare a mi parecer- quedan tope grabadas en la mente, y transmiten mucho. Pero aquí ya las he olvidado prácticamente al día siguiente, y ni su intento de hacerlo visualmente bonito ha servido para evitarlo.

Por otro lado, adoro a Marion Cotillard, me parece una actriz excelente. Pero muy a mi pesar, es la peor Lady Macbeth que he visto hasta el momento, pero volvemos a lo mismo ¿culpa suya o de la dirección? Y más de lo mismo con el coloso actor Fassbender, aunque éste está un poco más acertado.

Supongo que de tratarse de otra temática/adaptación, no me habría sentado tan mal, pero tras haber visto los otros Macbeth y encontrarme con esta producción que contaba con tal magnitud de medios y presupuesto, con ese reparto de actores tan increible, etc, que haya sido el film del Festival de Sitges que me haya dejado más frío de todos, y que no haya logrado transmitirme absolutamente nada, ha contribuido a esta gran decepción. Un Macbeth que carece totalmente de dramatismo y que sustenta la totalidad de su película en su apartado artístico ¿cual es su razón de ser?

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Aunque son pocas las películas que lo consiguen, el séptimo arte tiene la magia de poder hacerte salir flotando de la sala de cine en ciertas proyecciones. Y cuando esa magia sucede, es una sensación que te puede llegar a envolver durante muchas horas. La La Land (La ciudad de las estrellas) es uno de estos films especiales que lo logran, y que te invitan durante su visionado a dejar fluir una serie de emociones y sentimientos mientras disfrutas de una intensa y completa experiencia cinematográfica, para finalmente salir como hechizado y desestabilizado emocionalmente. O al menos, lo logró conmigo.

Después de cosechar un gran éxito con Whiplash (2014), Damien Chazelle se ha embarcado en un proyecto muchísimo más ambicioso con La La Land (2016), film donde demuestra que además de tener un enorme talento como cineasta es a su vez un gran cinéfilo, y en el cual reafirma también su gran conocimiento y pasión por el jazz. Con gran soltura, transita por distintos géneros y revitaliza un complicado género como es el musical, haciéndole un hermoso homenaje al mismo y dándole un soplo de aire fresco, evocando en lo estético a los musicales de Jacques Demy tales como Los paraguas de Cherburgo o Las señoritas de Rochefort, y en esencia a gran cantidad de otros grandes musicales, como por ejemplo el New York, New York de Martin Scorsese o clásicos como Un americano en París de Vincente Minelli. Y además de la gran cantidad de referentes que hay, no es menor la cantidad de guiños cinéfilos que realiza Chazelle, por lo que me limitaré a resaltar el de El globo rojo de Albert Lamorisse.

"¿Cómo vas a ser un revolucionario, siendo tan tradicionalista? Te aferras al pasado, pero el jazz es sobre el futuro."

Chazelle combina lo mejor del cine clásico con el de vanguardia, con un magistral manejo del lenguaje cinematográfico. El resultado es un film único, inolvidable y mágico. Todo funciona perfecto en una mezcla precisa entre diálogos, interpretaciones, drama y música, con un constante ritmo, fuerza y sello personal. Si bien la película trata argumentalmente sobre una bonita historia de amor, el verdadero amor es el que plasma Chazelle por el cine, el arte y la música en cada escena. Y ello queda latente ya en la puesta en escena, donde uno queda sumergido en su mundo deseando que ojalá fueran tan alegres todos los atascos en la vida real. Cabe destacar la maestría con la que realiza las transiciones de las escenas musicales a las convencionales, y viceversa.

La La Land desprende nostalgia, desprende melancolía, desprende amor. Un film de una inmensurable belleza que hila con maestría distintos temas alrededor de los sueños y los soñadores, envuelto en una hermosa atmósfera agridulce, de gran colorido. Ante la aparente festividad, subyace el drama, pues no deja de ser una historia de sueños, ilusiones… y profundas decepciones. Una película muy sensible, pero no sensiblera.

Cabe destacar a su vez el acertado reparto, y las maravillosas interpretaciones que realizan Emma Stone y Ryan Gosling de sus correspondientes personajes protagonistas. Se nota bastante la entrega por parte de ambos a este proyecto, hasta el punto que son ellos mismos los que cantan en la fabulosa banda sonora original. Y es que seguramente uno de los principales protagonistas de la película es la banda sonora compuesta por Justin Hurwitz, en la que es ya su tercera colaboración juntos. Todo ello, paralelamente al homenaje que le rinde al jazz Chazelle. Las partituras de Hurwitz y las letras de las canciones acompañan y hasta guían la narrativa del film, dotando al mismo de todavía más emotividad. Resulta complicado no salir del cine tarareando alguna de las canciones.

También merece una mención especial la dirección artística y la fotografía, que logran que el film tenga un gran poderío visual. El colorido del film y toda su estética está cuidada al milímetro, con un gran acierto en los decorados y vestuario; así como un gran trabajo de iluminación.

Y supongo que a estas alturas el lector estará empezando a cansarse de leer tantos elogios, así que tan solo me queda recomendar su visionado una vez se haya estrenado el 13 de enero. El 2017 está empezando muy bien, cinematográficamente hablando. La La Land supone indudablemente la primera gran sorpresa del año, y una obra que seguramente el tiempo colocará en el lugar encumbrado que se merece.

Crítica en: http://www.ecib.es/camerastylo/2017/01/07/la-la-land-romantico-homenaje-al-cine-y-a-la-musica/

Moonwalkers fue para mi una de las grandes sorpresas de la 48ª edición del Festival de Sitges, y quizás el film con el que mejor me lo pasé. Dirigida por el prestigioso publicista Antoine Bardou-Jacquet, y producida por Michel Gondry, la película parte de la siguiente premisa:

¿Y si el Apollo 11 nunca hubiese llegado a la luna? ¿Y si fue en realidad Kubrick quien rodó en secreto la llegada del hombre a la luna en un estudio? En el Londres de los años sesenta, un agente de la CIA intentará sin éxito encontrar a Kubrick; en cambio, tras ser engañado se juntará a la fuerza con un penoso mánager musical.

Moonwalkers es una comedia de acción delirante y desenfrenada, que nos transporta de vuelta a la época hippie. Los fabulosos y originales créditos iniciales con ese toque psicodélico te dan ya una idea de lo que vas a ver: un buen viaje a través de los efectos de la droga -en su sentido más positivo y cómico-.

El reparto está liderado por Robert Sheehan, Rupert Grint, y un magnífico Ron Perlman (a.k.a. Hellboy).

La película combina peleas y estupidez, creando situaciones donde dos personajes muy opuestos tienen que unir sus fuerzas para lograr un objetivo en común, llevándoles a conflictos delirantes. Ver a un rígido agente de la CIA rodeado de hippies tiene ya de por si un gran potencial cómico, y han sabido sacarle además buenos resultados.

Repleta de personajes estúpidos como en El Gran Lebowski, y dosis de acción a lo Snatch, Moonwalkers es una película cómica de acción, con sexo, drogas... y sobre todo: ¡muchas risas!

Además de las cuantiosas carcajadas que regala el buen guión, el film también ofrece momentos muy interesantes a nivel visual. El vestuario y ambientación de la época están bien logrados. Y lo más importante de todo es que se trata de una película, que no pretende tomarse en serio a sí misma en ningún momento.

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Con motivo del 40º aniversario del estreno de ¡Bruja, más que bruja! de Fernando Fernán-Gómez, llega de nuevo a algunas salas de cine una copia digital restaurada de este especial film que pasó bastante desapercibido en su día. Lo hace un año más tarde del que fuera también el reestreno de otra de sus grandes películas: El mundo sigue. El propio director Fernando Fernán-Gómez explicó sobre su película: “Pensé que quedaría muy cómico rodar una película como el neorrealismo italiano, pero en el que la gente cantara de manera tan lírica y ridícula como en la zarzuela. Un musical absolutamente contrario a los norteamericanos.“

La sinopsis es la siguiente: Un pequeño pueblo de provincias vive sometido a los caprichos de Don Justino, el cacique local. Éste obliga a la joven y encantadora Mariana a casarse con él, aprovechando que Juan, el sobrino de Don Justino y novio de la chica, está lejos cumpliendo el servicio militar. A su regreso, Juan se ve burlado y acude a una bruja para que le asista en su venganza.

Se trata de una película muy alocada, original e interesante, repleta de humor y de dobles sentidos. Un guión escrito de forma muy inteligente que sabe sacar jugo a todas las escenas a base de humor blanco y negro, con muy mala leche pero de forma sutil. Rodada en 1976 con el sistema franquista todavía vigente aunque ya en decadencia, Fernán-Gómez logró crear un film lleno de frescura, sin anacronismos, encomiablemente rupturista, y de un enorme potencial metafórico, repleto de esperpento y escenas grotescas. En la de por si especial y gran filmografía del nunca suficientemente valorado Fernando Fernán-Gómez, éste es uno de sus películas más especiales, donde saca a relucir su faceta más mordaz y desquiciada en estado puro, incluyendo escenas cómicas musicales a modo de parodia, en la que vuelve a mostrar de nuevo su particular visión del mundo rural.

El reestreno de ¡Bruja, más que bruja! se ve enturbiado tan solo con la reciente muerte de Emma Cohen, la viuda de Fernán-Gómez, y Paco Algora el pasado mes de marzo. Pero no hay mejor forma de homenajearlos que reestrenando esta película con sus grandes interpretaciones, junto a las del resto del magnífico reparto.

En definitiva, una comedia muy recomendable. Con más aciertos que fallos, se trata de una película española muy singular que merece la pena descubrir. Vuelve a las salas de cine de la mano de SHERLOCK FILMS.

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