Post Product: Things After Life

Eternal Tour: of our ininite ability to travel by Danilo Santos de Miranda Introduction Eternal Tour by Donatella Bernardi Introduction Cosmopaulo by Donatella Bernardi “Eternal Tour stories 2008–2012” exhibition by Donatella Bernardi A Tribute to Lina Bo Bardi for a never-before-seen scenography by Donatella Bernardi Eternal Tour: some concluding visions by Pablo Leon de la Barra Blog by Daniela Capelato and Boris Meister Two events in parallel to Eternal Tour workshop urban intervention performance choreography scenography painting photography video Walking along the Moebius strip with Lygia, some indigenous people and a few Frenchmen lecture music dance new media relational art contextual art publishing by Suely Rolnik Zumbi and Princess Isabel: an inverted mirror for rethinking contemporary Brazil by Denise Ferreira da Silva Art and territory by Simon Lamunière Post-product: things after-life by Gabriele Oropallo Grand Tour by Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie Tripartite reunited by Roberto Shwafaty Mandacarus by Pazé Bioperversity The Program by Stéphane Malysse We are all happy by Beat Lippert agorafobi/agorafobia/agoraphobia Festival 28th of August – 6th of September by Anna Kindgren and Carina Gunnars Haiti and Brazil: same roots by Anne-Laure Kénol in collaboration with Ted Beaubrun and Valérie Girault Poetic surgery by Dominique Fleury and Ana Teixeira Urban walks: why is São Paulo beautiful? by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein Exhibition until the 29th of September Anxious dreams in a single eye by Cris Faria Monday to Friday from 10 a.m. to 9:30 p.m. Saturday from 10 a.m. to 6:30 p.m. Percatempo – mobile community base by Yusuf Etiman Camenzind goes to… São Paulo and the bureau for knowledge tourism by William Davis SESC Consolação R. Dr. Vila Nova, 245 Vila Buarque São Paulo Far away & Make me beautiful by Boutheyna Bouslama Our last sonata by Donatella Bernardi and Rudy Decelière Hot cat hot city by Fabiana de Barros and Michel Favre 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 17 19 21 23 25 27 29 31 33 35 37 39 41 43 45 Tribute to Meret Oppenheim by Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale and eight performers LapTopRadio – Don’t wait for things to happen by Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz 47 51 PRE-FESTIVAL from AUGUST 6th to 11th Bikini production for Meret Oppenheim’s tribute with Sandra Belucci, Eliane Maria Guimarães, the fashion designer Silvia Lucchi, and artists Donatella Bernardi and Fabiana de Barros Developments and the stages in performing arts, fashion design, painting, crocheting and notions about the work of one of the most important Surrealist artists, Meret Oppenheim (1913–1985). AUGUST 30th at 2 p.m. Artists’ presence at the event’s opening Tripartite reunited by Roberto Shwafaty at 3 p.m. Artists’ presence at the event’s opening Far away & Make me beautiful by Boutheyna Bouslama at 8.p.m. by Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Gumarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale and eight performers Urban walks: why is São Paulo beautiful? Percatempo – mobile community base Itinerante, nos arredores da unidade Guests: José Bueno, Luiz de Campos Jr, Iniciativa Rios & Ruas, Instituto Harmonia – Sustentabilidade by Dominique Fleury and Ana Teixeira agorafobi/agorafobia/agoraphobia Zumbi and Princess Isabel: an inverted mirror for rethinking contemporary Brazil by William Davis Presentation of the publication by Anna Kindgren and Carina Gunnars, in collaboration with Ivaneti de Araújo, Sheila Souza, Andre Kobashi, Eduardo Costa and Renato Cymbalista. at 8 p.m. by Stéphane Malysse AUGUST 31st by Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz Urban walks: why is São Paulo beautiful? Percatempo – mobile community base by Yusuf Etiman Eternal Tour 2012 SESC Consolação Opening by Daniela Capelato and Boris Meister SEPTEMBER 5th at 4 p.m. Art and territory Talk by Simon Lamunière Routes: Estação Luz – Estação Santana Poetic surgery SEPTEMBER 6th from 10 a.m. to 9:30 p.m. Poetic surgery by Dominique Fleury and Ana Teixeira by Beat Lippert by Dominique Fleury and Ana Teixeira at 6 p.m. Launching of the blog Artists’ presence at the event’s opening Anxious dreams in a single eye www.eternaltour.org at 6 p.m.* Blog from 4 p.m. to 6 p.m. Grand Tour by Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie EXHIBITION until SEPTEMBER 29th Following artists’ and thinkers’ actions, a recording will be integrated in the exposition until 09/29. PLACE: SALA MOEBIUS (ESPAÇO CONVIVÊNCIA) Discussion and relection on the urban walks by Cris Faria by Daniela Capelato and Boris Meister at 7 p.m. Artists’ presence at the event’s opening AUGUST 29th by Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz Guests: Juliana Gatti and Yusuf Etiman from 10 a.m. to 9:30 p.m. We are all happy LapTopRadio – Don’t wait for things to happen www.eternaltour.org Routes: SESC Consolação – Parque do Ibirapuera Guest: Morena Nascimento by William Davis by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein Urban walks: why is São Paulo beautiful? by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein Camenzind goes to… São Paulo and the bureau for knowledge tourism from 2 p.m. to 4 p.m. SEPTEMBER 4th Artists’ presence at the event’s opening at 9 a.m. LapTopRadio – Don’t wait for things to happen by Beat Lippert Conference by Denise Ferreira da Silva Bioperversity Camenzind goes to… São Paulo and the bureau for knowledge tourism Itinerante, nos arredores da unidade We are all happy from 2 p.m. to 4 p.m. at 7 p.m. at 2 p.m. A tribute to Lina Bo Bardi by Yusuf Etiman by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein Artists’ presence at the event’s opening Poetic surgery at 6 p.m.* Tribute to Meret Oppenheim DAILY ACTIVITIES Routes: Estação Santana – Estação Tucuruvi at 4 p.m. OPENING AUGUST 28th SEPTEMBER 3rd at 9 a.m. Mandacarus Talk by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein by Pazé at 9 a.m. at 8 p.m.* Urban walks: why is São Paulo beautiful? by Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein at 8 p.m.* Post-product: things after-life Talk by Pablo Leon de la Barra Talk by Gabriele Oropallo Guests: Letícia Ramos and Guilherme Wisnik Eternal Tour: some concluding visions SEPTEMBER 1st Routes: Estação Sacomã – Estação Luz from 10 a.m. to 6:30 p.m. at 7 p.m. Poetic surgery Artists’ presence at the event’s opening Hot cat hot city by Dominique Fleury and Ana Teixeira by Fabiana de Barros and Michel Favre at 3 p.m. Artists’ presence at the event’s opening Our last sonata at 8 p.m.* Haiti and Brazil: same roots Concert by Anne-Laure Kénol in collaboration with Ted Beaubrun and Valérie Girault by Donatella Bernardi and Rudy Decelière at 4 p.m.* Walking along the Moebius strip with Lygia, some indigenous people and a few Frenchmen Ideas looking for conversation by Suely Rolnik * Limited seating. Ticket withdrawal one hour in advanceone hour in advance at the site. (During the lectures and the concert, the exhibition at Sala Moebius will remain closed to visitors.) It is true that the appreciation of arts and cultural initiatives is at the heart of our purposes. They add colors to our sometimes ordinary journey, rearranging and giving new meanings to our experiences. However, they are not records of our values or symbolic creations that inhabit only the imaginary. Rather, since we want to remember that besides these aspects – often connected to the individual subjectivities of freedom that color these initiatives, there lies a nature of collective understanding capable of drawing and conceiving realities. We can afirmatively state that that these manifestations are transformed into messages, and appear as a strong cognitive link among people, times and spaces. This magical property of the record – whether material or immaterial – is what gives this property to “travel” through a broad spectrum of the arts and cultural initiatives. In the process of traveling, we become curious or skittish, we try to get closer and admire things, or turn away and object; in short, it is a triggering encounter where we can feel identity or estrangement. In order to provide one of these triggering encounters, the SESC welcomes the sixth edition of the nomadic festival Eternal Tour, whose transdisciplinary creations are inspired by the cosmopolitanism of the 21st century. At the São Paulo edition, topics like nature, anthropophagy, modernism, slavery, racism and beauty will be shared through experiences of practice and relection. Being part of this and many other trips into the area that results in the best construction of metaphors about human and social tensions is to provide paths and bridges, subtly drawing crisscrossing desires and worldviews. Eternal Tour 5 From hospitality to creolization For an initiatory tourism How can one inhabit the world? How can one travel and experience hospitality: to be welcomed and know how to welcome others? According to Jacques Derrida, hospitality should be ininite, even if unconditional hospitality is impossible. Aporia, paradox and imbalance characterize hospitality, and by extension, the Eternal Tour project. What is the status of the host, the tourist or the migrant at the geopolitical scale on one hand, and at the scale of thought, know-how and specialized ields, on the other? How is one to act, and why, in the context of contemporaneity? If universalism and other Western mechanisms are strongly discredited, what should be preserved of this heritage for building a future that is already present? Experimentation of content and form is put into place, accompanied by a perpetual creolization motion, free from the trap of the deinition of being or of origins. Though one can anticipate the results of miscegenation by synthesis, one cannot guess what creolization will produce – it can be addressed only through the imagination (Édouard Glissant) in an adventurous, speculative move, and is therefore tinted by a fondness for risk taking. By admitting what generally founds the criticism of tourism, that is, the brevity of sojourns, their relative supericiality, or the gaze that is always “foreign” to the place, Eternal Tour bets on the strength and concrete dimension of the initiatory tour. Becoming then a true tool for networked research and practice, tourism is emptied of its globalized and contemporary mercantile content to rediscover its dimension of interpersonal transmission. In fact, if one refers to the Grand Tour’s principal characteristics, one can note the interest given to networks of sociability present in tour organization in which familial, cultural and professional circles are asked to contribute. In a certain light, this investigative method can also seem an anthropological or sociological endeavor. Eternal Tour thus promotes knowledge of the world based on interaction and exchanges by turning to its indigenous peers. It bets on a personalized, intimate and oral transmission of knowledge: artists, academics, institutional leaders, curators, architects, activists, educators or teachers are actively sought out. The meetings line up, overlap and sometimes contradict one another – the accumulated ideas are juxtaposed and sharpened. More than things given: things obtained A performative program Founded in 2007 in Geneva by a dozen artists and scholars, Eternal Tour has produced a new crossdisciplinary festival each year since. The project unites and regularly renews a network of people who only deal in symbolic values: knowledge, imagery and sound. Its different editions – Rome 2008, Neuchâtel 2009, Jerusalem/Ramallah 2010, from New York to Las Vegas 2011, Geneva and São Paulo in 2012 – are opportunities to be exposed to otherness in a game inspired by the Grand Tour. Travels of northern European elites going south during the 17th to 19th centuries engender and led to a homogenizing neoclassic culture. By ricocheting off this strategy of movement and its consequences for identity, Eternal Tour has given tourism a political content through an intense appropriation of physical and immaterial territories. The stakes are high: they reveal in an obvious way that nothing is given, only obtained (Pascal Amphoux). The result is a program where Genevan, Swiss and international artists and scientists collaborate intensively for a given time, in a structure that favors workshops, conferences and discussions around proposals in multiple formats. The festival is also relayed on the Internet and in publications, peculiar in both their editorial form and their contributors. Over the years, the complexity and irreducible character of certain human phenomena, or the danger of cultural relativism, have become more and more evident. Instead of a tabula rasa, Eternal Tour is written on a palimpsest; better than a mineral or architectonic sedimentation, the desire for acclimation is ceaselessly renewed, dreamt and performed, tributary to the epiphany of the present moment. Danilo Santos de Miranda Director of the regional department Introduction Eternal Tour 2012 São Paulo Introduction Eternal Tour: of our ininite ability to travel Eternal Tour 2012 São Paulo 4 The city of São Paulo presents itself as the ideal place to host an itinerant artistic and scientiic project that questions movement – both literally and iguratively, tourism, and the migration of bodies and ideas. In many respects, Latin America’s largest city could even represent the archetype of multiculturalism explored by and dear to Eternal Tour. In fact, having been one of the igureheads of the triangular trade, then by becoming, in turn, an important pole for European, Japanese and Lebanese immigration during the 19th and 20th centuries, and an Eldorado for millions of Nordeste (Northeastern) Brazilians, São Paulo saw its immigration practically erase the border between identity and otherness. Still along these lines, Paulistano cosmopolitanism inds itself incarnated in the ambient syncretism, which, beyond occupying the religious sphere, impregnates and characterizes the events, habits and social codes as a whole. Far from being restricted to a unilaterally positive interpretation of cosmopolitanism, Eternal Tour proposes to explore the most diverse events while examining the breaking points. Gilberto Freyre, in the irst chapter of Casa-grande e senzala, where he examines the “hybridization” of Brazilian society, highlights the negative aspects of this process when he quotes the following proverb, which characterizes the role of women according to their color: “White woman for marriage, mulatto woman for f–, Negro woman for work.” 1 “Eternal Tour stories 2008–2012” exhibition Casting rules The invited artists and thinkers were chosen according to their curiosity and potential interest in joining a resolutely experimental project, since the end result of the operation cannot be foreseen. Starting from this postulate, the 2012 São Paulo Eternal Tourists were therefore strongly encouraged to take risks with regards to their usual praxis and to participate in the totality of the festival. It thus has the status of a global workshop that addresses both participants and public. It voluntarily provokes the reception of artworks and would like to implicate an audience whose boundaries between professionals and amateurs, specialists and generalists, practitioners and theoreticians, are endlessly crisscrossed, without any complex or expectation other than dynamics and speech. From August 28 to September 6, the large entry hall of the SESC Consolação, re-baptized Sala Moebius for the event, welcomes the festival’s various activities and is the general rallying point for festivalgoers. Once the festival is over, until September 29, at the same hall, it proposes a public exhibition where the Eternal Tour São Paulo 2012 installations shall be presented along with a selection of pictures, sounds, ilms and videos from past editions assembled especially for the occasion. This is to give the spectator a taste of the festival, and to translate the sensations of a project where what is essential is lived experience, that is, immaterial and ephemeral 7 souvenirs that tend to disappear. Without directly or vindictively claiming to, Eternal Tour produces experiments and laboratories that welcome and frame them, in parallel to the existing system of art, its objects, their market, and their conservation by individuals and institutions. Eternal Tour thus aims, irst and foremost, to displace humans, their affects, their energy and their desire to do things. This strategy is obviously not exclusive, but chooses primarily to investigate the process, its potential and its educational value, just as much for the artist and intellectual as for the spectator or reader. Donatella Bernardi Curator Eternal Tour 2012 São Paulo Introduction Landscape, slavery, cannibalism and beauty Following a methodology adopted for its previous editions, Eternal Tour sent out an invitation along four axes, constructed from collective ields of interest but also adapted to it the festival’s location, São Paulo for this edition, and the Brazilian context. To put it roughly: 1) the tropical and urban landscape, fauna and lora, wild and domesticated; 2) slavery and the pro-slavery doctrine; 3) cannibalism, whether treated historically (Hans Staden), modernly (Oswald de Andrade) or addressed today philosophically in the context of advanced capitalism (Suely Rolnik); 4) a complex relationship with beauty and the body, a vehicle for societal values and codes. Far from being themes to be illustrated, these four propositions are to be conceived of as pathways that each contributor is free to modify, develop and even refute. Chapelle palimpseste, with Omar Ba, Josse Bailly, Crystel Ceresa, Hadrien Dussoix, Thierry Feuz, Tami Ichino, Emma Perrochon, Frédéric Sanchez, Aymeric Tarrade and Eric Winarto. Wall painting, mixed media. Cosmotopia, curated by Donatella Bernardi, Eternal Tour Geneva 2012. Photo: Vlado Alonso. 1 Proverb recorded by H. Hendelmann in his História do Brasil, 1931; quoted by Gilberto Freyre, Masters and Slaves, 1933. Mentioned in the irst chapter “General characteristics of Portuguese colonization of Brazil: forming an agrarian, slaveholding and multiracial society.” Eternal Tour 2012 São Paulo Introduction Cosmopaulo Eternal Tour 2012 São Paulo 6 A Tribute to Lina Bo Bardi for a never-before-seen scenography São Paulo (1957/1968) – bears witness to her process of esthetic simpliication, after a long stay in Brazil’s Northeast. With regards to the scenography developed to present works from MASP’s collection, namely, a series of glass panels supported by concrete cubes, she writes: “The didactic glass panels in which the paintings are displayed do not please those that are accustomed to the comfort of overstuffed furniture and remote controls, as to read the technical data, names of the authors and titles of the works presented, it is necessary to look behind the panels.”1 This glass structure, which asserts itself by its radicalness while disappearing to the beneit of the art displayed there, is the starting point proposed to architect Alvaro Razuk to develop the never-before-seen scenography of the Sala Moebius. It is a series of transparent walls which serve both as separations between workspaces and as panels for hanging up artworks. The reference to Bo Bardi’s work is also very freely re-appropriated at the material and format levels, put to the service of the project’s speciic needs and the construction materials available in 2012. 9 The Mexican curator Pablo Leon de la Barra has been invited to attend the Eternal Tour festival in its entirety with the view of drawing up the inal assessment. In fact, 2012 São Paulo will be the last edition of the festival. What is one to think of this adventure? What forms of art and knowledge does it develop? Pablo Leon de la Barra is an independent curator, researcher, writer and editor. A doctor in history and the theory of art and architecture from the Architectural Association in London, he has planned and overseen numerous exhibitions and projects, notably in Latin America. This Is Not America in San Juan, Puerto Rico (2009); Incidents of Travel in Central America, Chiapas, Yucatan and Elsewhere at the CCE in Guatemala (2010); To Know Him Is To Love Him, Cerith Wyn Evans at Casa Barragan, Mexico City (2010); Incidents of Mirror Travel (2011) at the Museo Tamayo, Mexico City; and Bananas is my Business: The South American Way at the Museum Carmen Miranda, Rio de Janeiro. He has written for many publications and magazines, among them: FrogParis, Spike-Austria, PinUp-New York, Wallpaper-London and Celeste-Mexico. He is also the editor of the blog The Centre for the Aesthetic Revolution. Introduction 1 Lina Bo Bardi, Edizioni Charta, Milano, Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo, 1994, p. 100. Rainbow by Radames ‘Juni’ Figueroa (2010), at 1st Bienal Tropical, Loiza, San Juan, Puerto Rico, curated by Pablo Leon de la Barra, 2011. Pablo Leon de la Barra Eternal Tour was conceived at the Swiss Institute of Rome. This institution welcomes a dozen Swiss grantees a year – artists and scholars in an ideal environment. It is one of many national cultural institutes as splendid as they are mysterious for the Romans. In fact, these luxurious infrastructures welcome a cosmopolitan elite momentarily expatriated and reunited in the eternal city that admires and exploits, above all and almost exclusively, the vestiges of the past. In order to address this phenomenon, based both on exclusiveness and a valorization of the heritage, Eternal Tour ventured to question its mechanisms and its legitimacy by organizing a festival in July 2008. When invited to confront the project to the Paulistano context by the SESC in 2012, Lina Bo Bardi proved to be an incontrovertible igure of investigation and inspiration. Born in 1914 in Rome, the young architect arrived in Brazil in 1946 and obtained the Brazilian nationality in 1951. In her words, her jewelry projects, buildings, scenography, museums, furniture and exhibitions are works of architecture in their own right. Among her major creations, the MASP – Museu de Arte de Eternal Tour: some concluding visions (Talk) Pablo Leon de la Barra é curador independente, escritor e editor. Doutor em história e em teoria da arte e da arquitetura pela Architectural Association de Londres, foi responsável pela curadoria de inúmeras exposições e projetos, particularmente na América Latina. This is not America em San Juan, Puerto Rico (2009); Incidents of Travel in Central America, Chiapas, Yucatan and Elsewhere no CCE na Guatemala (2010); To Know Him Is to Love Him, Cerith Wyn Evans na Casa Barragan, Cidade do México (2010); Incidents of Mirror Travel (2011) no Museo Tamayo, Cidade do México; e Banana is my Business: The South American Way no Museu Carmen Miranda, Rio de Janeiro. Escreve para publicações e revistas, entre elas, Frog (Paris), Spike (Áustria), PinUp (Nova York), Wallpaper (Londres) e Celeste (México). É também editor do blog The Centre for the Aesthetic Revolution. O artista e curador mexicano ,Pablo Leon de la Barra, é convidado a acompanhar o festival Eternal Tour em sua íntegra, a im de estabelecer um balanço inal desta que é a última edição do Festival. Que pensar dessa aventura? Que formas de arte e de co-nhecimento propiciou? Eternal Tour: algumas visões conclusivas (Bate-papo) Glass easels in the art gallery, São Paulo Art Museum, 1957/1968,1969. Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo e Hans Gunter Flieg/Acervo Instituto Moreira Salles. 52 8 Eternal Tour 2012 São Paulo 50 30a Bienal de arte contemporânea de São Paulo Blog 51 Dois eventos paralelos a Eternal Tour acontecem em São Paulo. Não é uma coincidência! A 30a Bienal Internacional de arte de São Paulo integra o programa dos Eternos Turistas do festival Eternal Tour 2012, com seu prestígio, internacionalismo e a sinergia que dela emana, a grande manifestação será a oportunidade de se confrontar com uma seleção excepcional de obras e personalidades. La Faute à Rousseau 5 de setembro No dia seguinte à abertura da 30º Bienal, no CineSesc, uma noite consagrada a La Faute à Rousseau – série de 55 ilmes iniciada e coordenada por Pierre Maillard, por ocasião do tricentenário do nascimento do pensador genebrino –, será a ocasião ideal para estender ios entre a programação de Eternal Tour e a leitura cinematográica da obra rousseauniana feita por artistas ativos neste início do século XXI. Rousseau para todos, um evento realizado pelo CineSESC de São Paulo, com o apoio do Consulado geral da Suíça em São Paulo e Présence Suisse. La faute à Rousseau é uma coleção de ilmes curta-metragem produzida por RITA e a Haute École d’art et de design – Genebra (HEAD), em coprodução com a RTS - Radio Télévision Suisse. O blog Eternal Tour 2012 São Paulo tem como função retransmitir o festival na internet a um ritmo cotidiano, alimentado por textos, imagens e vídeos. É bilíngue, português e inglês. O acesso é feito no site www.eternaltour.org. Movida pela energia do “tempo real”, essa plataforma tem simultaneamente a ambição de fornecer informações de qualidade e de traduzir, para aqueles que não puderem estar presentes isicamente, os diferentes eventos, seus bastidores e as subjetividades implicadas no transcorrer do Festival. O blog é também, e de maneira quase instantânea, um arquivo. Daniela Capelato viveu até os 10 anos em Paris, antes de voltar ao Brasil em 1980. Formada em comunicação, participou da produção de documentários para a televisão francesa, inglesa e alemã no Institut National de l’Audiovisuel (INA), na França. De 1997 a 2001, foi responsável pela gestão do Departamento de Cinema e Vídeo do Instituto Itaú Cultural. Em 2001, abriu a empresa DOCFILMES que produz documentários e ilmes de icção para cinema e televisão com o Brasil e o exterior. Como produtora, Daniela realizou os longas-metragens: Viajo porque preciso, volto porque te amo, de Marcelo Gomes e Karim Ainouz; Do outro lado do rio, de Lucas Bambozzi e Sólo dios sabe, de Carlos Bolado – primeira coprodução realizada entre o Brasil e o México. Como roteirista, Daniela desenvolveu, em 2002, o projeto 9 atos para um jogo – ilme assinado por várias mãos e destinado à internet, contemplado pelo programa Itaú Transmídia. Boris Meister nasceu em 1989 em Genebra, onde vive. Em novembro de 2004, lança www.nack.ch/mandark (hoje desativado), um blog atualizado cotidianamente que misturava fotograia e textos escritos em francês. Pioneiro no fenômeno do blogging, recém-chegado à Suíça, o site tornou-se objeto de grande atenção, com uma frequência de cerca de 4.500 visitantes por dia. Em 2006, surge WE LOVE GENEVA!, no endereço www.welovegeneva.blogspot.com. Fundado por Boris Meister, ao qual vieram se juntar Alexandra Afsary e Raphael Roux, WE LOVE GENEVA! trata da cultura genebrina diurna, mas principalmente noturna. Entrevistas, artigos, comentários sobre a vida cultural e festiva de Genebra são ali publicados. A produção de jovens músicos e artistas locais é também difundida pela plataforma. Rapidamente, o número de leitores semanais cresce, chegando a 2 mil em setembro de 2009. Hoje, 6 mil pessoas leem o blog a cada mês. Além disso, Boris Meister, como community manager, coloca seus conhecimentos de WEB 2.0 a serviço de diversos clientes. Connecting points. Gol, Fulvio Bernasconi, 6'13'', 2012. Daniela Capelato and Boris Meister Daniela Capelato lived until she was ten in Paris before moving back to Brazil in 1980. With a communications diploma in hand, she participated in the production of documentaries for French, English and German television at the INA (National Audiovisual Institute) in France. From 1997 to 2001 she was responsible for managing the Itaú Cultural institute’s Cinema and Video sections. In 2001, she started the business DOCFILMES which produces documentary and iction ilms for cinema and television with Brazil and abroad. As a producer, Daniela made full-length ilms: Viajo porque preciso, volto porque te amo, by Karim Ainouz; Do outro lado do rio, by Lucas Bambozzi, and Solo dios sabe, by Carlos Bolado – the irst Brazilian-Mexican coproduction. As a screenwriter, Daniela developed the project 9 actes pour un jeu in 2002 – a ilm signed by several authors, destined for Internet and prized by the show Itaú Transmedia. Boris Meister was born in 1989 in Geneva, where he lives. In November 2004 he started www.nack.ch/mandark (ofline today), a daily-updated blog that mixed photos and texts written in French. Pioneer of the blogging phenomenon, then just recently arrived in Switzerland, much attention was given to the site with over 4,500 daily visitors. In 2006, WE LOVE GENEVA! appeared at www.welovegeneva.blogspot.com, founded by Boris Meister, joined by Alexandra Afsary and Raphael Roux. WE LOVE GENEVA! deals with Genevan culture by day and especially by night. Interviews, articles, comments on the cultural and party life in Geneva are published there. The productions of young musicians or local artists are also webcast on this platform. Rapidly, the number of readers increased to reach 2,000 weekly readers in September 2009. Today 6,000 people read the blog each month. Boris Meister also makes his knowledge of web 2.0 available to different clients as a “community manager”. The Eternal Tour 2012 São Paulo blog has the role of relaying the festival’s happenings through its Internet platform on a daily basis. It is fueled by texts, images and videos, and it is bilingual – Portuguese and English. It is accessible via www.eternaltour.org. Dependent on “real-time” energy, this platform also aspires to supply quality information and to translate, for those who cannot be physically present, the different events, their backstage activities, and the subjectivities involved during the festival. The blog also builds up an instant archive. Rousseau for all, an evening realized by the CineSESC of São Paulo with the support of the Swiss Consulate-General in São Paulo and Presence Switzerland. Blame it on Rousseau is a collection of short ilms produced by RITA and the Geneva University of Art and Design (HEAD), in coproduction with RTS – Radio Télévision Suisse. The next day, September 5th, at the CineSesc, an evening dedicated to La Faute à Rousseau [Rousseau’s fault] (a series of 55 ilms initiated and coordinated by Pierre Maillard for the tricentennial of the Genevan thinker’s birth – June 28th 1712) is the ideal opportunity to link the Eternal Tour program to the cinematographic reading of Rousseau, whose work is produced by active artists at the start of the 21st century. September 5th La Faute à Rousseau The opening night of the 30th São Paulo Biennial of Contemporary Art is included in the Eternal Tour 2012 program. Through its prestige, its internationalism and the synergy produced there, this grand event will offer the chance of confronting an exceptional selection of artworks and people. Two events in parallel to Eternal Tour – Dois eventos paralelos ao Eternal Tour 4 de setembro September 4th 10 Blog 30th São Paulo Biennial of Contemporary Art 11 12 Walking along the Moebius strip with Lygia, some indigenous people and a few Frenchmen (Ideas looking for conversation) Caminhando [Walking] with Lygia Clark along the Moebius strip, Suely Rolnik seeks to impart sensibility to a politics of thought, desire, and subjectivity effective in Brazil and, even more broadly, in the “global south”. According to Rolnik, this politics is supposedly in the process of being updated while injecting the knowledge of the body into the bloodstream of the crisis that currently affects western modernity. Starting from the idea of repression of this knowledge as the key micro-political operation of colonization, she suggests that the return of the repressed asserts itself as an inescapable act of resistance supposedly powerful enough to displace the state of things in our contemporaneity. Zumbi and Princess Isabel: an inverted mirror for rethinking contemporary Brazil (Lecture) 13 For Eternal Tour, Denise Ferreira da Silva presents the analysis of an inverted mirror-image of Isabel (white mistress) and Zumbi (black slave) to contemplate Brazilian identity in today’s political context. Denise was in Brasilia for the nationwide commemorative demonstration dedicated to Zumbi on November 20th 1995. Representatives from a score of black communities were invited to join an important “Zumbi for Justice and Life” march, organized to boycott the oficial ceremonies, as the government had been accused of appropriating Zumbi and his memory for use in national reconciliations. Today, almost twenty years after these events, the Brazilian government has completely reversed its rhetoric, the programs developed and the policies put in place, and created institutions to eradicate the effects of racism from the country. Denise Ferreira da Silva is professor of ethics and director of the Center for Ethics and Politics at the School of Business and Management at Queen Mary, University of London (QMUL). She also taught for eleven years at the University of San Diego, California. Thinking from a theoretical feminist perspective, her research deals with the conceptual, political, legal and ethical challenges of the contemporary period. She is particularly interested in Latin America where she examines the continuing effects of the colonial machine, of power and racial knowledge, and she draws up a cartography of the way they function in the local, national, regional and international contexts. Denise Ferreira da Silva Suely Rolnik is a psychoanalyst, critic of art and culture, curator, and chair professor of the graduate program in Clinical Psychology at PUC-SP. She has integrated the faculty of the Program of Independent Studies (PEI) at Museo d’Art Contemporani de Barcelona (MacBa), Spain. She has conceived Arquivo para uma obra-acontecimento [Archives for a happening/work], a research project for the activation of the bodily memory of Lygia Clark’s artistic propositions and her context. As part of this project, Rolnik has produced 65 ilms of interviews conducted in different countries. Her extensive bibliography includes a book written jointly with Felix Guattari released in seven countries: Micropolítica. Cartograias do desejo (São Paulo: Vozes, 1986; 11th ed. 2011). Suely Rolnik is the author of more than 80 essays published in anthologies, art and culture magazines, and catalogues of art exhibitions held in various countries. Suely Rolnik, 2012. Design: Bijari/Rodrigo Araujo. Zumbi e Princesa Isabel: um espelho invertido para repensar o Brasil contemporâneo (Conferência) Suely Rolnik Denise Ferreira da Silva é professora de ética e diretora do Center for Ethics and Politics da School of Business and Management de Queen Mary, Universidade de Londres (QMUL). Também ensinou durante 11 anos na Universidade de San Diego, Califórnia. Adotando uma perspectiva teórica feminista, suas pesquisas tratam dos desaios conceituais, políticos, legais e éticos da contemporaneidade. Interessa-se particularmente pela América Latina, examinando os efeitos contínuos da máquina colonial, do poder e do conhecimento raciais e traçando a cartograia de seu funcionamento nos contextos locais, nacionais, regionais e internacionais. Para o Eternal Tour, Denise Ferreira da Silva apresenta sua análise a partir de uma imagem em espelho invertida da princesa Isabel (senhora branca) e de Zumbi (escravo negro) para pensar a identidade brasileira no contexto político contemporâneo. Em 20 de novembro de 1995, Denise esteve em Brasília, participando da manifestação que relembrava os 300 anos da morte de Zumbi dos Palmares. Representantes de cerca de 20 comunidades e movimentos negros haviam sido convidados a compor uma importante marcha, a “Marcha Zumbi dos Palmares contra o racismo, pela cidadania e pela vida”, organizada para boicotar as cerimônias oiciais, pois o governo era acusado de se apropriar da imagem de Zumbi e de sua memória em prol de uma ideia de conciliação nacional. Hoje, quase 20 anos após esses acontecimentos, o governo brasileiro modiicou completamente sua retórica, os programas desenvolvidos e as políticas implementadas, criando instituições para eliminar os efeitos do racismo no país. 48 Suely Rolnik, psicanalista, crítica de arte e de cultura e curadora, é Professora Titular da PUC-SP, no Pós-Graduação de Psicologia Clínica. Membro do corpo docente do Programa de EstudiosIndependientes (PEI) no Museo d’Art Contemporani de Barcelona (MacBa). Autora do Arquivo para uma obra-acontecimento. Projeto de pesquisa e ativação da memória corporal das proposições artísticas de Lygia Clark e seu contexto, no qual realizou 65 ilmes de entrevistas em vários países. Entre suas publicações, escreveu em co-autoria com Félix Guattari, Micropolítica. Cartograias do desejo (Vozes, 1986; 11ª ed. 2011), publicada em 7 países. Autora de mais de 80 ensaios publicados em coletâneas,revistas de arte e de cultura e catálogos de exposições em vários países. Caminhando com Lygia Clark pela ita de Moebius, Suely Rolnik busca tornar sensível uma política do pensamento, do desejo e da subjetividade, presente no Brasil e, mais amplamente, no “Sul-Global”. Tal política, segundo ela, estaria hoje em vias de atualização, injetando o saber do corpo nas veias da modernidade ocidental em crise. Partindo da idéia de que o recalque deste saber é a operação micropolítica fundamental da colonização, Rolnik sugere que o retorno deste recalcado airma-se com um ato incontornável de resistência que teria a força de deslocar o estado de coisas em nossa contemporaneidade. Caminhando pela ita de Moebius com Lygia, uns índios e alguns franceses (Idéias querendo conversar) 49 Lixo-eletrônico: as coisas após sua vida útil (Bate-papo) A arte e o território (Bate-papo) O aperfeiçoamento constante dos equipamentos eletrônicos e sua comercialização ultrarrápida levam à consequente proliferação do material obsoleto, que é muitas vezes abandonado sem que se atente a seu teor tóxico ou seu efeito sobre o meio ambiente e a população. Esse fenômeno é comumente chamado “e-lixo”. Os sucateiros, que coletam os produtos eletrônicos descartados após o uso, devem se adaptar constantemente. Gabriele Oropallo, historiador do design especialmente interessado na durabilidade dos objetos, considera que os sucateiros brasileiros do “e-lixo” se distinguem dos colegas africanos ou asiáticos: organizam-se em movimentos e cooperativas, e reivindicam sua dignidade para tentar reciclar os materiais eletrônicos obsoletos. Seus carrinhos, que empurram pelas ruas, tornaram-se um verdadeiro símbolo. Simon Lamunière, curador da Art Unlimited (a seção das grandes obras da feira Art Basel) durante doze anos, diretor da Utopics, XI Exposição Suíça de Escultura em 2009, e coordenador do projeto de arte pública Neon Parallax, apresenta no Festival a estratégia de seus projetos e traça um paralelo entre eles e outras formas artísticas e territoriais, como Nutopia, de Yoko Ono e John Lennon, Inhotim e The Land (fazenda autogerida agrocultural dos artistas Rirkrit Tiravanija e Kamin Letchaiprasert na Tailândia). Tentar entender esses modelos artísticos signiica abordar a difícil relação que a arte mantém com o território e seus signos tangíveis. O aumento das escalas, a midiatização e a globalização engendram inúmeras mudanças estratégicas, tanto da parte dos centros urbanos como dos artistas. Ao mesmo tempo que a arte cresce, a competição se acirra. O território é limitado. Um combate entre visibilidade e invisibilidade, entre centros e periferias, é declarado. Untitled, Fabrice Gygi and ECAL, 2009, lacquered steel, 350 × 210 cm. Photo: Annik Wetter. Simon Lamunière Gabriele Oropallo Gabriele Oropallo vive e trabalha em Oslo, na Noruega. Historiador e crítico do design, suas pesquisas focalizam-se nos objetos provenientes da produção industrial. Fotógrafo e autor de um blog, emprega frequentemente a técnica do vídeo para desenvolver suas pesquisas. É também o tradutor do inglês para o italiano de Eyal Weizman. 47 Catadores coletam computadores usados no centro de São Paulo, março de 2012. Foto: cortesia de Victor Grigas. 14 46 Gabriele Oropallo lives and works in Oslo, Norway. Historian and design critic, his research is on the durability of industrially produced objects. He is also the English-Italian translator for Eyal Weizman and frequently uses video technique to further his research. The constant improvement of electronic equipment and their ultra-fast commercialization leads to a consequent proliferation of outdated material that is often abandoned without any consideration of their toxicity or their effect on the environment and the population. This phenomenon is commonly called “e-waste”. The rag-pickers that collect the discarded used electronic products must constantly adapt. Gabriele Oropallo, a design historian particularly interested in the durability of objects, considers that Brazilian e-waste rag-pickers distinguish themselves from their African and Asian colleagues: they are organized into movements and co-ops and demand respect for their attempts to recycle outdated electronic materials. The pushcarts they drive down the streets have become a strong symbol. Known for having been the curator for Art Unlimited (Art Basel’s large-scale works section) for 12 years, Simon Lamunière has also directed Utopics, the 11th Swiss Sculpture Exhibition in 2009. At the festival, he presents the artistic strategy for his projects and draws a parallel with other artistic and territorial forms such as Yoko Ono and John Lennon’s Nutopia, Inhotim, and The Land (Rirkrit Tiravanija and Kamin Letchaiprasert’s self-managed agro-cultural farm in Thailand). Trying to understand these artistic models is, irst of all, to address the dificult relation art maintains with territory and tangible signs. Increases in scale, mediatization and globalization generate numerous strategic modiications both by urban centers and artists. At the same time art grows, competition grows stronger. Territory is limited. A battle is under way between visibility and invisibility, between centers and peripheries. Post-product: things after-life (Talk) Art and territory (Talk) 15 Grand Tour As jovens artistas Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie vão utilizar a plataforma e o tempo do festival como um Grand Tour de duas semanas. Vão perscrutar a cidade e alguns de seus extratos: escolas de arte, institutos culturais, galerias estabelecidas e de arte bruta. Essa exploração implica inúmeros encontros e colaborações. Três temas principais, como grades de leitura urbanas, foram selecionados pelas artistas: nacionalidade, liberdade e propaganda. Essas linhas diretoras levam à criação de trabalhos site-speciic em mídias adaptadas às ocasiões particulares. Essas produções e as experiências a elas relacionadas são reunidas em um “Gameplan”, que poderá ser usado por outras pessoas que estiverem visitando São Paulo como um guia de viagem alternativo. Contra-Union, Cecilie Hundevad Meng Sørensen & Merzedes Sturm-Lie, Grand Tour, a game plan resulting from live performances, propaganda and videos in São Paulo, 2012. Cecilie Hundevad Meng Sørensen é uma artista dinamarquesa que estuda atualmente no Instituto Real de Arte de Estocolmo, Suécia. Explora os muitos processos efêmeros subjacentes à criação de signiicado. Como ou quando o signiicado está sendo criado e como a arte tem um propósito, um senso de signiicado no mundo? Ela enxerga a arte como um esforço coletivo desprovido de um autor singular direto. Por sua vez, isso a conduz a questionar o paradeiro não apenas da obra de arte, mas do artista. Merzedes Sturm-Lie é uma artista sueca/norueguesa/belga que estuda atualmente no Instituto Real de Arte de Estocolmo, Suécia. Ao lado de sua prática artística, foi responsável pela curadoria de quatro exposições no Espace0IN em Bruxelas e, em abril de 2011, da exposição White Zoo and Black Powers no Instituto Real de Arte de Estocolmo, que foi um comentário direto sobre o espaço das galerias brancas convencionais. Cecilie Hundevad Meng Sørensen is a Danish artist currently studying at the Royal Institute of Art in Stockholm, Sweden. She explores the many ephemeral processes underlying the creation of meaning. How or when is meaning being created and how does art have a purpose, a sense of meaning in the world? She looks at art as being a collective effort with no direct single author. This in turn leads her to question the whereabouts of not only the artwork, but the artist as well. Contra-Union, Cecilie Hundevad Meng Sørensen & Merzedes Sturm-Lie, Grand Tour, um jogo de estratégias resultante de performances ao vivo, propaganda e vídeos, em São Paulo, 2012. 45 Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie Eternal Tour 2012 São Paulo Merzedes Sturm-Lie is a Swedish/Norwegian/Belgian artist who currently studies at the Royal Institute of Art in Stockholm, Sweden. Besides her artistic practice, she has curated four exhibitions at Espace0IN in Brussels, and in April 2011 organized and curated the exhibition White Zoo and Black Powers at the Royal Institute of Art in Stockholm which was a direct comment on the conventional white gallery space. The two young artists will use the festival’s platform and its duration as a Grand Tour lasting two weeks. They will explore the city and some of its strata: art schools, cultural institutions, established galleries and art brut. This exploration will lead them to many meetings and collaborations. Three main themes, like urban reading templates, have been chosen by the artists: nationality, liberty and propaganda. These guidelines will result in the creation of site-speciic works in media adapted to given situations. These productions, as well as the experiences that accompany them, are compiled into one “Game plan”. This will be used by other visitors or inhabitants of São Paulo, like an alternative city guide. Grand Tour Cecilie Hundevad Meng Sørensen and Merzedes Sturm-Lie Eternal Tour 2012 São Paulo 17 Eternal Tour 2012 São Paulo Tripartite reunited 19 Since 2010 Roberto Shwafaty has been developing research on the Moebius strip, a mathematical igure that appeared in 1858 and has undergone several very different formalizations over time, in the domains of art, advertisement and design. The form itself has migrated and transformed, like the Eternal Tour logos for 2008, 2009, 2010, 2011 and 2012, which are all different interpretations of the Moebius strip. In Brazil, one version is particularly well-known: Max Bill’s work Tripartite Unity which won the sculpture award at São Paulo’s irst Contemporary Art Biennial in 1951. It remains the symbol of progress for South America. The Moebius strip also incarnates an eternal movement whose two sides are but one unique surface: black and white, sad and happy, cruel and kind. It is everything at once, in succession. An artist based in São Paulo, Beto Shwafaty obtained in 2001 his diploma in visual arts from the State University of Campinas/SP (UNICAMP), and a master’s in visual arts and curatorial studies from the Nuova Accademia di Belle Arti (Naba/Milano) in 2010. He followed Simon Starling’s class as an invited student for over a year at the Staedelschule – Frankfurt am Main. His interests lie mainly at the junction of critical design, the politics of space, and the economy of knowledge as well as visual culture. Some of his recent exhibitions: Mythologies – Cité des Arts (2011, Paris); Shadowed by The Future – Instituto Cervantes (2010, São Paulo); 4th Architecture Biennial Rotterdam (Urbaninform Platform, 2009); 3rd Utrecht Manifest (2009); Public Turbulence at Isola Art Center (2009, Milan), The Building: E-lux (2009, Berlin); Rumos Artes Visuais – Itaú Cultural (São Paulo, 2006); 6th Goias Art Exhibition (Goiania/Brazil, 2006) and the 31st SARP (Ribeirão Preto/Brasil, 2006). Beto Shwafaty Beto Shwafaty A small atlas of meanings and forms, projeto Tripartite Reunited, 2011/2012. Beto Shwafaty obtém, em 2001, um diploma em artes visuais na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp) e um mestrado em artes visuais e estudos curatoriais na Nuova Accademia di Belle Arte (NABA/Milano) em 2010. Frequenta, durante mais de um ano, as aulas de Simon Starling como estudante convidado na Staedelschule – Frankfurt am Main. Seus interesses residem principalmente no encontro dos campos do design crítico, da política espacial, da economia do saber e da cultura visual. Entre suas exposições recentes destacam-se: Mythologies – Cité des Arts (2011, Paris); Remediações – à sombra do futuro – Instituto Cervantes (2010, São Paulo); IV Bienal Internacional de Arquitetura de Rotterdam (Urbaninform Platform, 2009); 3rd Utrecht Manifest (2009); Public Turbulence no Isola Art Center (2009, Milão), The Building: E-lux (2009, Berlim); Rumos Artes Visuais – Itaú Cultural (São Paulo, 2006); 6º Salão de Artes de Goiás (Goiânia/ Brasil, 2006) ou ainda o 31º SARP (Ribeirão Preto/Brasil, 2006). Tripartite Reunited, 2011. Digital collage fusing Tripartite Unity sculpture (Max Bill), PDF Acrobat and Commerzbank logos, c-print mounted in methacrylate. Eternal Tour 2012 São Paulo Beto Shwafaty desenvolve desde 2010 uma pesquisa sobre a ita de Moebius, uma igura matemática surgida em 1858 e que conheceu formalizações muito diferentes ao longo do tempo, no domínio da arte, da publicidade e do design. A forma migrou e se transformou, como os logotipos de Eternal Tour 2008, 2009, 2010, 2011 e 2012, todos eles interpretações diferentes da ita de Moebius. No Brasil, um deles é particularmente famoso: a obra concreta de Max Bill, Tripartite Unity [Unidade tripartida], que ganhou o prêmio de escultura da primeira bienal de arte contemporânea de São Paulo, em 1951. Ela permanece o símbolo do progresso na América do Sul. A ita de Moebius encarna também um movimento eterno, cujas duas faces são, na verdade, apenas uma única superfície: preto e branco, triste e alegre, cruel e amável. É tudo ao mesmo tempo, alternadamente. Tripartite reunited 43 Eternal Tour 2012 São Paulo Mandacarus 41 O artista paulista Pazé propõe aquarelas inéditas a partir de sua pesquisa sobre a planta mandacaru, na qual se inspirou para sua instalação no Parque do Ibirapuera, nas imediações do Auditório. Ele também participa das Caminhadas urbanas, apresentando a instalação no quarto dia dos passeios. Nela, os frutos vermelhos da planta foram recriados em vidro e podem ser iluminados. Durante os longos períodos de seca das regiões do Brasil semiárido, o mandacaru é muito útil tanto para os seres humanos como para os animais, pois estoca água em seu caule e raízes e serve para alimentar os rebanhos. Pazé aprecia igualmente o aspecto quase escultural da planta, da qual emana uma beleza particular. Mandacaru (76 × 56 cm). Watercolor, 2012. Pazé Pazé Artista baseado em São Paulo, Pazé é titular de um diploma de Artes Plásticas da FAAP – Fundação Armando Alvares Penteado de São Paulo (1999). Violência, ilusão, hostilidade e utopia são os temas que ocupam o artista, sendo abordados pelo viés de esculturas ou instalações fortes nos níveis visual e conceitual. Associa mitologias antigas com as mais recentes novidades, entre elas a corrente virtual. Pazé expôs na Bienal do Mercosul em 2001 e 2002, na de Havana em 2003 e no SESC em 2007 e 2010. Pazé, an artist based in São Paulo, holds a diploma in Fine Arts, obtained from FAAP – Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo, in 1999. Violence, illusion, hostility and utopia are the main themes that occupy the artist, and their implications are addressed through strongly visual and conceptual sculptures or installations. He associates ancient mythologies with the latest novelties, the virtual trend chief among them. Pazé has exhibited his work at the Mercosul Biennials of 2001 and 2002, the Havana Biennial in 2003 and at the SESC in 2007 and 2010. Mandacaru (76 × 56 cm). Aquarela, 2012. Eternal Tour 2012 São Paulo Paulistano artist Pazé proposes never-before-seen watercolors of his research on the mandacarus plant which inspired him for his installation in Ibirapuera Park, near the Auditorium, where a few of the plant’s red fruits were recreated in glass forms that can be lit. It will also be presented in the Urban walks’ fourth day. The mandacarus is very useful in Brazil’s semi-arid regions during long periods of drought, both for humans and for animals, since it stocks water in its stem and roots, and is eaten by some herds. Pazé also appreciates the plant’s quasi-sculptural aspect, emanating a certain beauty. Mandacarus 21 Eternal Tour 2012 São Paulo 39 No âmbito do festival Eternal Tour, o artista plástico Stéphane Malysse propõe uma performance que permitirá dar início a um debate com o público sobre a ecologia e seus descaminhos propagandísticos, baseada em seu “manifesto da bioperversidade”, redigido em 2010: Realizar gestos “biodesagradáveis” em plantas vivas: Torturar com malícia Envenenar lentamente Atacar sadicamente Picar esteticamente Descascar impecavelmente Queimar ao banho-maria Estragar eicazmente Maltratar sem culpa Asixiar simplesmente Transplantar de cabeça para baixo Impedir a fotossíntese a qualquer custo… Bioperversity#4, (after Dexter), 2011. Stéphane Malysse vive no Brasil e ensina arte e antropologia na Universidade de São Paulo (EACH/USP). Também trabalha como artista plástico e crítico de arte. Após um doutorado em antropologia social na Escola de Altos Estudos em Ciências Sociais (EHESS) de Paris, publicou sua pesquisa pós-doutoral no suporte multimídia do departamento Multimídia do Instituto de Arte da Unicamp. Recentemente publicou seu primeiro livro sobre a cultura brasileira da musculação. Stéphane Malysse lives in Brazil and teaches art and anthropology at the University of São Paulo (EACH/USP). He also works as a visual artist and art critic. After obtaining a PhD in social anthropology at Paris’ School for Advanced Studies in the Social Sciences (EHESS), he published his post-doctoral research on UNICAMP Art Institute of São Paulo’s multimedia platform. He recently published his irst book on Brazilian bodybuilding culture. This manifesto is a veritable pamphlet in the context of the green revolution we are experiencing today. Bioperversidade, 2012. Stéphane Malysse Stéphane Malysse Bioperversidade Eternal Tour 2012 São Paulo Within Eternal Tour, Stéphane Malysse proposes a performance that will provoke a debate with the audience on ecology and its propagandistic drift. It is based on the manifesto he wrote for “bioperversity” in 2010: Do “bio-disagreeable” things to living plants: Torture with malice Slowly poison Tie sadistically Cut esthetically Burn in a bain-marie Damage eficiently Mistreat guiltlessly Asphyxiate in all simplicity Transplant upside down Prevent photosynthesis at any cost… Bioperversity 23 Eternal Tour 2012 São Paulo Somos todos felizes Durante o ano de 2007, Donatella Bernardi e Beat Lippert incubaram a ideia do projeto. Inicialmente, as atividades consistiam em oicinas realizadas principalmente em comunidades carentes, reunindo artistas locais (Nettuno, em 2007), crianças (Sociedade da Comunidade Africada em Jerusalém, em 2010), e pessoas em busca de asilo (Centre EVAM, Bex, Suíça, em 2011). Estruturas e obras de arte efêmeras, montadas com materiais reaproveitados, foram registradas em micro-documentários, ilmados pelos dois artistas. Como integrante do projeto Percatempo, em São Paulo, Beat Lippert resgatará esses métodos para realizar uma nova escultura por dia, utilizando materiais descartados. Empregando a técnica do “snapshot”, ele registrará esses trabalhos em uma nova coleção de imagens. Donatella Bernardi, Hadrien Dussoix, Beat Lippert, EVAM in the woods (workshop Siamo tutti beati, TERRORISTES, JE VIS POUR VIVRE), 2011. Photo: Beat Lippert. Born in Lausanne in 1977, Beat Lippert studied sculpture (Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft) Bonn, Germany (1997– 2001), archeology and visual arts (HEAD – Geneva University of Art and Design) (2003–2007). In his work, the artist associates these three domains to both art and science, thus questioning their respective legitimacy. In several works, Lippert appropriates the motifs of ancient statuary, by for example traveling through Italy pulling a Corinthian column with his bicycle, Véhicule (2008), or by reproducing a subtly modiied version of the famous Spinario [Boy with Thorn] (2009). The artist uses duplication as the principal strategy to question a memorial site (Duplication 6, identical reproduction of a cemetery) or simply the presence of a rock (Monolithe, two perfectly identical monoliths for a public space in Plan-les-Ouates in Geneva). Donatella Bernardi, Hadrien Dussoix, Beat Lippert, Materiais para bombola (workshop Siamo tutti beati, TERRORISTES, JE VIS POUR VIVRE), 2011. Foto: Donatella Bernardi. Beat Lippert Nascido em Lausanne em 1977, Beat Lippert estudou escultura (Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft em Bonn, Alemanha (1997-2001), arqueologia e artes visuais (Haute Ecole d’Art et de Design (HEAD-Genebra, 2003-2007). Em sua obra, principalmente conceitual, o artista associa esses três domínios, ligados tanto à ciência como à arte, questionando, assim, sua legitimidade. Em diversos trabalhos, Lippert apropria-se dos motivos da estatuária antiga, seja, por exemplo, viajando através da Itália rebocando uma coluna coríntia em sua bicicleta, Véhicule (2008), ou reproduzindo de maneira sutilmente modiicada o famoso Spinario (2009). O artista emprega a duplicação como uma estratégia central para questionar um lugar de memória (Duplication 6, reprodução idêntica de um cemitério) ou simplesmente a presença de uma pedra, (Les Monolithes, dois monólitos perfeitamente idênticos instalados em um espaço público em Plan-les-Ouates em Genebra). Beat Lippert 37 Eternal Tour 2012 São Paulo Throughout 2007, Donatella Bernardi and Beat Lippert incubated this idea. It began with workshops, chiely in underprivileged areas, and brought together indigenous artists (Natuno in 2007), children (African Community Society in Jerusalem during 2010), and asylum seekers (Centre EVAM, Bex, Switzerland, in 2011). Ephemeral art pieces and structures were assembled with reworked materials. Micro-documentaries ilmed by the two artists showcase these works. Joining in the Percatempo endeavour in Sao Paulo, Beat Lippert will recapture these methods and, using waste materials, new sculptures arise. Using the snap-shot technique, a new registry of these works will recover these images. We are all happy 25 35 Anna Kindgren e Carina Gunnars desenvolveram durante três anos uma pesquisa de campo sobre o urbanismo de duas cidades: Estocolmo e São Paulo. Dela resultou uma publicação trilíngue – sueco, português, inglês – lançada em 2011, que propõe uma análise, ao mesmo tempo sociológica e psicanalítica, dos efeitos das cidades sobre seus habitantes. O livro, nunca apresentado ao público brasileiro, permite abrir uma discussão sobre as mudanças recentes do tecido urbano de São Paulo, enriquecida por um olhar cruzado, graças ao caso de Estocolmo. O modernismo e sua possível evolução ligam essas duas cidades de uma maneira espantosa. “Quando os espaços públicos encolhem e a língua é sequestrada, muitos de nós tateiam em uma realidade partida. O que a associação do medo com as praças e espaços abertos provoca em nós? Quem tem medo de quem? Terrenos e edifícios são vistos como valores permanentes. O movimento popular da Suécia percebeu isso há mais de cem anos. Os lugares que foram construídos proporcionaram força e espaço por um século. Qual e onde é o espaço público, agora que ele está sendo vendido? Um urbanista de São Paulo diz que vender moradia popular é má ideia. Quem tem direito a ter um teto sobre a cabeça? Um movimento em São Paulo suscita questões relativas à propriedade e pergunta: quem pode viver onde, na era da escolha? Três curadores discutem o espaço público. O que acontece quando mais e mais espaços são cercados pelo interesse privado? Aqui levantamos questões por meio de nosso trabalho como artistas num tempo de ambivalência e confusão. O psicólogo diz que devemos primeiro sofrer. Eiciência e criatividade em termos da realpolitik e da economia empresarial não rimam com as realidades da prática artística. Pensamos que é importante fazer nossas próprias conexões entre, por exemplo, a megalópole de São Paulo e um vilarejo na Noruega”. Anna Kindgren e Carina Gunnars formam um duo de artistas baseado em Estocolmo. Seus métodos de trabalho privilegiam os encontros, os atos de pesquisa e as viagens. Desenvolvem projetos de longo prazo, como Love and Devotion, de 2000 a 2006, em colaboração com dois outros artistas. A recente revolução neoliberal sueca as fez reavaliar a situação inanceira e política, em uma escala local e global. Seus objetos de investigação são as instituições e as cidades suecas; abordam, por exemplo, o espaço urbano e a limitação de atividades cívicas em seu interior, pois tais atividades são reguladas pela lei e pelos interesses comerciais. As duas artistas participaram de eventos nos seguintes locais: Södertörn University, University College of Arts, Crafts and Design, Estocolmo(Konstfack), The Royal Institute of Art, Estocolmo (formalmente, Royal University College of Fine Arts), KTH School of Architecture, Estocolmo, Ölands Folk High School, Art School, Umeå Academy of Fine Arts, Swedish University of Agricultural Sciences. Páginas 260–261 do livro agorafobi/agorafobia/agoraphobia, mostrando o abandonado, ocupado, evacuado e demolido (2010) arranha-céu São Vito em São Paulo, sendo lidas na vila Sørinnset, na Noruega, 2011. Foto: akcg (Anna Kindgren e Carina Gunnars). Anna Kindgren e Carina Gunnars, em colaboração com Ivaneti de Araújo, Sheila Souza, André Kobashi, Eduardo Costa e Renato Cymbalista Pages 32–33 in the book agorafobi/agorafobia/agoraphobia, (the great transformation – inside) read in Sørinnset Village, Norway, 2011. Photo: akcg (Anna Kindgren and Carina Gunnars). Anna Kindgren and Carina Gunnars form an artistic duo based in Stockholm. Their work methods favor meetings, research reports and travel. They lead long-term projects, like Love and Devotion from 2000 to 2006, in collaboration with two other artists. The recent Swedish neoliberal movement forced them to reevaluate the inancial and political situation at the local and global level. The objects of their investigation are Swedish cities and institutions, for instance, urban space and the limitation of civic activities within that space, regulated by laws and commercial interests. The two artists participated in numerous events in the following places: Södertörn University, University College of Arts, Crafts and Design, Stockholm (Konstfack), The Royal Institute of Art, Stockholm (former Royal University College of Fine Arts), KTH School of Architecture, Stockholm, Ölands Folk High School, Art School, Umeå Academy of Fine Arts, the Swedish University of Agricultural Sciences. Anna Kindgren and Carina Gunnars, in collaboration with Ivaneti de Araújo, Sheila Souza, André Kobashi, Eduardo Costa and Renato Cymbalista agorafobi/agorafobia/agoraphobia Eternal Tour 2012 São Paulo Eternal Tour 2012 São Paulo For three years Anna Kindgren and Carina Gunnars developed ield research on urbanism in two cities: Stockholm and São Paulo. The result is a trilingual publication (Swedish, Portuguese, English) that appeared in May 2011, which sets up a parallel between a sociological and a psychoanalytical analysis of the effects of cities on their inhabitants. The book was never presented to the Brazilian public. It prompts a discussion on the recent changes of São Paulo’s urban fabric, enhanced by a double perspective thanks to a comparative study with Stockholm. Modernism and its possible evolution link these two cities in a surprising way. “As common spaces shrink and language is kidnapped, many of us grope about in a somewhat ruptured reality. What does the association of fear with squares and open spaces do to us? Who is afraid of whom? Land and buildings are seen as lasting values. The popular movements in Sweden realized this more than a hundred years ago. The places they built provided strength and space for a century. But what and where is the commons now that it is being sold out? An urban developer in São Paulo says that selling public housing is a bad idea. Who is entitled to a roof over their head? A movement in São Paulo asks questions regarding ownership, and who gets to live where in the era of choice. Three curators discuss the commons. What happens when more and more of it is fenced off by private interests? Here we have asked questions through our work as artists at a time of ambivalence and confusion. Psychologists say that we must irst grieve. Eficiency and creativity in terms of ‘realpolitik’ and business economics don’t jibe with the realities of artistic practice. We feel it is important to make our own connections between for example, the megalopolis São Paulo and a village in Norway”. agorafobi/agorafobia/agoraphobia 27 Haiti e Brasil: mesmas raízes Cantora lírica, Anne-Laure Kénol desenvolveu com Ted Beaubrun e Valérie Girault uma pesquisa sobre a música e a dança de escravos no Haiti e no Brasil. Fascinados pelos paralelos que podem ser traçados entre as duas culturas, os três músicos propõem ao público um recital de canto acompanhado ao piano que reúne tanto a música tradicional como um repertório mais clássico. Efetivamente, o Haiti foi o primeiro território descoberto por Colombo e foi para lá que os primeiros escravos vindos da África foram deportados. Mesmo após a abolição da escravatura, sua situação pouco melhorou. As tradições africanas (Benim e Angola) permaneceram extremamente presentes, apesar das diferentes inluências que as modiicaram, conforme a região. A música, o canto e a dança permitiram a essas populações exprimir seus sofrimentos, sua cólera e, principalmente, conservar sua dignidade e sua identidade. Certas danças foram, também, o modo de treinar para o combate sem atrair a atenção dos senhores brancos. Essa é uma das semelhanças entre o Haiti (danças de guerra) e o Brasil (capoeira). A música (fortemente ligada às crenças do vodu e do candomblé) permitiu-lhes encontrar os meios e a coragem de se revoltar. O Haiti foi o primeiro a se libertar, arrastando atrás de si muitos países em sua revolta. Ted Beaubrun, Haitian drum player. Photo: Sandrine Oyeyi. Anne-Laure Kénol é uma cantora lírica mestiça franco-haitiana que vive em Paris, onde desenvolve sua carreira de solista e se consagra, igualmente, ao ensino do método Dalcroze, particularmente como professora de formação musical no Conservatório de Paris. Valérie Girault é uma autora, compositora e intérprete de Guadalupe, nascida em Pointe-à-Pitre. Já realizou trabalhos em colaboração com a coreógrafa Léna Blou e com os músicos antilhanos Rony Théophile e Sonny Troupé. Ted Beaubrun nasceu no Haiti e desde muito jovem se destacou pela multiplicidade de seus talentos. Já na infância, viveu banhado em música, graças a seus pais, que criaram o grupo Boukman Eksperyans, até hoje um dos mais conhecidos no Haiti. Aos 12 anos, começa a participar das turnês do grupo como músico e dançarino (Caribe, Canadá, EUA, Europa). Esse “tamborinista” é também violonista, pianista, cantor, compositor e arranjador. Participa da concepção de álbuns nos estilos de música de raiz haitiana, hip-hop, música latina, R&B e coupé-decalé. Produziu quatro álbuns como arranjador e realizador artístico. Atualmente, prepara vários outros em Genebra, onde vive. Valérie Girault is a Guadeloupian author, composer and performer, born in Pointe-à-Pitre. She has notably collaborated with choreographer Léna Blou and West Indian musicians Rony Théophile and Sonny Troupé. Anne-Laure Kénol is Franco-Haitian opera singer living in Paris. There she pursues her career as a soloist and also dedicates herself to teaching the Dalcroze method, notably as a professor at the Paris Conservatory. Anne-Laure Kénol, 2012. Foto: Daphné Bengoa. 33 Anne-Laure Kénol em colaboração com Ted Beaubrun e Valérie Girault Eternal Tour 2012 São Paulo Ted Beaubrun was born in Haiti and distinguished himself at an early age thanks to his many talents. He has lived and breathed music since he was quite young, thanks to his parents who created the group Boukman Eksperyans which is one of Haiti’s most renown groups, even today. At the age of twelve he began to participate in the group’s international tours as a musician and dancer (the Caribbean, Canada, USA, Europe). This “tambourinist” is also a guitarist, pianist, singer, composer and arranger. He participated in the creation of many albums in styles such as Musique Racine d’Haïti, Hip-Hop, Latin, R&B, CoupéDécalé. He has produced four albums in the role of arranger and artistic director. He is currently preparing several others in Geneva, where he lives. Opera singer Anne-Laure Kénol developed, in collaboration with Ted Beaubrun and Valérie Girault, a research on the music and dance of Haitian and Brazilian slaves. Fascinated by the parallels one can make between the two cultures, the three musicians propose a vocal recital accompanied by piano that regroups both traditional music and a more classical repertoire. Indeed, Haiti was the irst territory discovered by Columbus and it is there that the irst slaves from Africa were shipped. Even after the abolition of slavery their situation did not improve much. The African traditions (Benin and Angola) maintained a strong presence, despite the different regional inluences that modiied them. Music, song, dance, all permitted these populations to express their suffering, their anger and especially to keep their dignity and their identities. Some dances were also a means of training oneself for combat without attracting attention from the white masters. It is one of the similarities between Haiti (war dances) and Brazil (capoeira). The music (strongly tied to Voodoo and Candomblé) allowed them to ind the resources and energy to emancipate themselves! Haiti was the irst to free itself and drew many countries along in its revolt. Haiti and Brazil: same roots Anne-Laure Kénol in collaboration with Ted Beaubrun and Valérie Girault Eternal Tour 2012 São Paulo 29 Eternal Tour 2012 São Paulo 31 Inspirando-se diretamente na infraestrutura do SESC (que se dedica não somente à cultura do espírito, mas também aos cuidados com o corpo), Dominique Fleury e Ana Teixeira convidam o público a se reunir em uma sala de espera criada na sala Moebius (Convivência). A audiência coniará, então, aos artistas, as histórias de seus corpos, do olhar que dirigem a seus males físicos ou psíquicos para, em seguida, dar-lhes forma. A partir desses testemunhos um texto coletivo será redigido, como um poema assinado por vários autores para, em seguida, proceder-se à elaboração de uma escultura antropomórica comum. A matéria-prima da escultura será o corpo do grupo, aqui considerado como Um. Desse modo, à maneira de Frankenstein, um ser constituído por um mosaico de emoções será posto no mundo. Por meio desse projeto, Dominique Fleury e Ana Teixeira terão uma amostra da relação de alguns brasileiros com seu corpo, sua intimidade e seu imaginário. Dominique Fleury, Untitled, 13 ×11 cm, 2012. Dominique Fleury é uma artista líbano-suíça diplomada pelo Royal Institute of Art de Estocolmo. Seu trabalho se articula em torno das mitologias singulares em meio às quais cada um evolui. Interessa-se por aquilo que está ameaçado de desaparecer e se encontra na fronteira entre dois mundos. Sua pesquisa mistura diferentes temporalidades jogando com as icções pessoais e coletivas. Seus recentes projetos tomaram como ponto de partida questões suscitadas pelos cristãos do Oriente. Ana Teixeira é artista, formada pela Escola de Comunicação e Artes (ECA) da Universidade de São Paulo (USP), mestra em Poéticas Visuais pela mesma universidade. Trabalha com desenho, instalações, fotograia e vídeo. Tem participado de mostras e programas de residência no Brasil e no exterior. O foco de seu trabalho está na maneira como nos relacionamos, contamos nossas histórias e nos comunicamos. Seu interesse é engendrar relações por meio da arte, de maneira a ultrapassar os limites do convívio habitual entre as pessoas. Tanto em suas intervenções como em seus desenhos, objetos e fotos, a artista tem se dedicado a uma extensa pesquisa sobre seres humanos por meio de sua subjetividade. Em suas ações de rua, já coletou sonhos, desejos, palavras, histórias de vida e impressões digitais de milhares de pessoas. Em seus desenhos, as relações humanas ganham destaque por seu avesso: os personagens da artista parecem deslocados da realidade, presos a uma solidão e a um desconforto inevitáveis. Ela vive e trabalha em São Paulo. Dominique Fleury is a Lebanese-Swiss artist with a diploma from Stockholm’s Royal Institute of Art. Her work is articulated around the peculiar mythologies each person lives by. She is interested in what is threatened to disappear and therefore inds itself at the edge of two worlds. Her research mixes different temporalities by playing with individual and collective ictions. Her recent projects took off from questions raised by Eastern Christians. Ana Teixeira, Balão, séries No Longer, But Still, 2012. Dominique Fleury e Ana Teixeira Eternal Tour 2012 São Paulo Ana Teixeira is an artist who graduated from the University of São Paulo’s School of Communications and Arts (ECA-USP) and has a master’s degree in Visual Arts from the same school. She works with drawings, installations, photography and video. Her experience includes exhibitions and residency programs both in Brazil and abroad. Her work focuses on how we tell our stories and communicate in our relationships. Ana is interested in engendering relations through art, so as to surpass the boundaries of people’s usual experience of living together. Both in her interventions and in her drawings, objects and photos, the artist has been devoted to an extensive study of human beings and their subjectivity. In her street actions she has collected the dreams, wishes, words, life stories and ingerprints of millions of people. In her drawings, the lip side of human relationships is highlighted: the artist’s characters seem displaced from reality, bound to inevitable solitude and discomfort. She lives and works in São Paulo. Dominique Fleury and Ana Texeira Cirurgia poética Directly inspired by the SESC Consolação infrastructure (dedicated not only to culture and mind, but also to physical health), Dominique Fleury and Ana Teixeira invite the audience to go to a waiting room created for the Eternal Tour festival in the Sala Moebius. The audience will share stories about their bodies, the view they have of their physical or mental ailments and then move on to give them form. A collective text will be written with these testimonies, like a poem signed by multiple authors, to then move on to create a common anthropomorphic sculpture. The raw materials for this sculpture are thus the bodies of the group considered as One. So, much like Frankenstein, a being made of a mosaic of emotions shall be born. Through this project Dominique Fleury and Ana Teixeira will have a glimpse of the relations some Brazilians have with their bodies, their intimacy and their imagination. Poetic surgery 31 Esse coletivo de pessoas de horizontes diferentes (arquitetura, design, arte contemporânea) propõe por meio de um itinerário cartesiano e de um olhar curioso, uma travessia de sul a norte pela cidade de São Paulo, dividida em quatro etapas. A caminhada, aberta a todos, se dirige tanto aos participantes do Eternal Tour como aos habitantes de São Paulo. A proposta do coletivo fundamenta-se na “promenadologia”, ciência fundada pelo sociólogo suíço Lucius Burckhardt nos anos 1980, que visa confrontar o pedestre com a paisagem e o espaço urbano, na perspectiva de um explorador ingênuo e entusiasta, que aprecia a estética de todo e qualquer lugar, na sua simplicidade ou mesmo banalidade, em oposição ao espetacular. A intenção é provocar uma paleta colorida de percepções subjetivas do ambiente, do contexto e da realidade espacial que vá além do evidente e dos estereótipos. Cris Faria vive e trabalha em Zurich. Aos 24 anos, abandonou a praia, uma carreira de surista e a faculdade de história na Universidade Federal da Bahia para principiar seus estudos em artes plásticas em Genebra, na HEAD. Obtém seu diploma com as felicitações da banca em 2005, com Art Basel Geneva, e dois anos depois ganha o Swiss Award 2007. Ele próprio se deine como um não artista, ou seja, um artista que busca as fronteiras entre a arte e a vida. Por meio de uma operação que ele denomina “Umwertung” [reavaliação], seus trabalhos questionam os valores sociais e políticos e os papéis que nos são atribuídos. Céline Guibat, arquiteta, formou-se na Escola Politécnica de Lausanne. Após ter vivido na Alemanha e na Espanha, se estabelece inalmente na Suíça, onde trabalha para o estúdio Daniel Libeskind em Berna. Em seguida, continua suas atividades no campo do design e da arquitetura, além de participar de um trabalho de pesquisa para o Prof. Deplazes na Escola Politécnica Federal de Zurique. Dirige atualmente seu próprio estúdio entre Zurique e Sion, e ensina na Escola de Arquitetura de Winterthur. Thais Ribeiro, arquiteta, graduou-se em 1998 pela FAU – Universidade Mackenzie (São Paulo). Codirigiu e coordenou a realização de encontros, workshops, publicações, seminários e exposições nacionais e regionais, dos estudantes de arquitetura no Brasil, no âmbito da FENEA, representação estudantil de dimensão política e experimental. Como arquiteta autônoma e em colaboração, trabalhou na concepção e na construção de diversos projetos de ediicação em São Paulo e, desde 2005, na Suíça. Atualmente, trabalha em Zurique, junto ao escritório de arquitetura Graber Pulver, na realização do novo museu de etnograia de Genebra. Karin Zindel, designer suíço-brasileira, estudou e viveu vários anos na Inglaterra, onde começou seu engajamento no campo de inovação do design e da arte contemporânea. Trabalhando continuamente entre as duas disciplinas, sempre se interessou pelos diferentes papéis e funções que esses dois domínios de criação podem explorar e produzir. Após um projeto fotográico para a Fundação Terra dos Homens no Brasil em 2005, começou uma pesquisa voltada ao design participativo, ao urbanismo e à produção artística no espaço público. Entre outras atividades autônomas, trabalha atualmente como assistente cientíica na Universidade de Artes de Zurique. David Zumstein, arquiteto, vive e trabalha em Zurique. Seu trabalho tem como foco as questões do desenvolvimento urbano e de paisagem, na zona de tensão entre a exploração e a preservação. Aborda também o confronto e a percepção das fenomenologias especíicas de um espaço cada vez mais (uni)formado pela globalização. Entre suas diversas atividades estão a pesquisa inédita Coastscape Albania – Feasibility study for a sustainable development of a unique Mediterranean coastal strip e a plataforma colaborativa na internet www.howtopedia.org. Seu campo de atividades abrange desde um mandato de conselheiro e gerente de projeto no departamento de Real Estate Asset Management em um dos maiores bancos suíços, passando por trabalhos livres como escritor no campo de arquitetura e urbanismo, até o engajamento em seu escritório de desenvolvimento de projetos arquitetônicos Acupuncture Investments. O olhar curioso. Por que São Paulo é bela? 2012 Foto: Céline Guibat. 29 Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein Virgin territory. Why is São Paulo beautiful? 2012. Illustration by Juliana Russo, São Paulo. Thais Ribeiro obtained a diploma in architecture and urbanism from the Mackenzie Presbyterian University of São Paulo (in Brazil) in 1998. During her studies she was active within the experimental and politically engaged National Student Association of Architecture and Urbanism, where she supervised meetings, workshops, publications, seminars and exhibitions at the local and national level. In São Paulo she participated in different design and construction projects. Established in Switzerland since 2005, she is currently collaborating in the extension of Geneva’s Ethnographic Museum developed by Zurich’s Graber Pulver Architects. Céline Guibat, architect, studied at the Lausanne Federal Institute of Technology. After living in Spain and Germany, she inally settled in Switzerland, where she irst worked for the Daniel Libeskind studio in Bern. Later she worked in the ield between design and architecture, as well as doing research at the Zürich Federal Institute of Technology for professor A. Deplazes. She is currently running her own studio between Zurich and Sion, while teaching at Winterthur’s School of Architecture. Cris Faria lives and works in Zurich. At 24 he left the beach, a suring career and his studies in history at the Federal University of Bahia to begin his studies in visual arts at the Geneva University of Art and Design (HEAD). He obtained his diploma with honors in 2005 with Art Basel Geneva, and won the Swiss Award in 2007. He deines himself as an unartist, that is, an artist who seeks out the frontiers between art and life. Through a procedure he calls “Umwertung” [reevaluation], his works question social and political values and attributed roles. David Zumstein, architect, lives and works in Zurich. His work focuses on urban and landscape development issues, in the zone of tension between exploitation and preservation. His work also deals with the confrontation and perception of the speciic phenomenologies of a space becoming more and more (uni)form because of globalization. Among his various works are the unpublished research Coastscape Albania – Feasibility study for a sustainable development of a unique Mediterranean coastal strip and the collaborative Internet platform www.howtopedia.org. His ield of activity spreads from a mandate as councillor and project manager in the Real Estate Asset Management at a major Swiss bank, to freelance work as an author in the ield of architecture and urbanism, and his commitment as a developer in his ofice Acupuncture Investments. Karin Zindel, Swiss-Brazilian designer, studied and lived several years in England, where she started her engagement in the ield of innovation of design and contemporary art. Often working between the two disciplines, she has always been interested in the different roles and functions these two types of creation can explore and produce. Following a photographic project for Fondation Terre des Hommes in Brazil in 2005, she began research on participative design, urbanism and art in public spaces. Among other independent activities, she currently works as a scientiic assistant at the Zurich University of the Arts. This collective of people from different backgrounds (architecture, design, contemporary art) proposes a cartesian itinerary, crossing through the city of São Paulo from south to north, with a questioning gaze. This itinerary is divided into four walks. The walks, open to everyone, are just as easily intended for Eternal Tour participants as for São Paulo’s residents. The proposal refers to the vision of the “strollology” science founded by the Swiss sociologist Lucius Burckhardt in the 1980s. This vision of pedestrian activity aims to confront the landscape with the urban space through the approach of a naive and enthusiastic explorer, thus appreciating the aesthetics of any location even in its simplicity or greatest banality, as opposed to the spectacular. The collective intends to provoke a colorful palette of subjective perceptions of the environment, the context and spatial reality, beyond the obvious and the stereotypical. Urban walks: why is São Paulo beautiful? Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel and David Zumstein Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela? Eternal Tour 2012 São Paulo Eternal Tour 2012 São Paulo 33 Eternal Tour 2012 São Paulo Sonhos ansiosos em um só olho 27 Com esta série inédita de fotograias, o artista Cris Faria coloca em imagens, de maneira extremamente sutil, uma análise da herança cultural brasileira pelo prisma da antropologia: antropofagia, sociedade multicultural, modernismo, motivos tribais… Certos formatos-padrão da história da arte são igualmente convocados: natureza-morta, autorretrato, drapejado, construção e desconstrução do cenário da imagem ou, ainda, a arte do enquadramento e do fora de campo são articulados a um grande domínio técnico e simbólico do preto e branco. Yai, fotograia, 86 × 112 cm, 2011. Cris Faria Cris Faria Cris Faria vive e trabalha em Zurich. Aos 24 anos, abandonou a praia, uma carreira de surista e a faculdade de história na Universidade Federal da Bahia para principiar seus estudos em artes plásticas em Genebra, na HEAD. Obtém seu diploma com as felicitações da banca em 2005, com Art Basel Geneva, e dois anos depois ganha o Swiss Award 2007. Ele próprio se deine como um não artista, ou seja, um artista que busca as fronteiras entre a arte e a vida. Por meio de uma operação que ele denomina Umwertung (reavaliação), seus trabalhos questionam os valores sociais e políticos e os papéis que nos são atribuídos. Cris Faria lives and works in Zurich. He left the beach, a surfing career and his studies in history at the Federal University of Bahia to begin his studies in visual arts at the Geneva University of Art and Design (HEAD). He obtained his diploma with honors in 2005 with the project Art Basel Geneva. He deines himself as an unartist, that is, an artist who seeks out the frontiers between art and life. Sonhos ansiosos em um só olho, fotograia/instalação, 2012. Eternal Tour 2012 São Paulo With this series of unpublished photographs, Cris Faria puts into pictures a very subtle analysis of Brazilian cultural heritage through the prism of anthropology: cannibalism, multicultural society, modernism, tribal motifs… Some standard formats of art history are also called forth: the still-life, the self-portrait, drapery, the construction and deconstruction of an image’s decor or even the art of center and off-ield shots are articulated with great technical and symbolic mastery of black and white. Anxious dreams in a single eye 35 Eternal Tour 2012 São Paulo Percatempo, 2012. Foto: Yusuf Etiman. Percatempo – mobile community base Percatempo consists in a cart that catalyzes a series of situations while on the move during the festival in São Paulo’s city center. The vehicle is the object of appropriations and daily variations over the course of material collecting. The project takes its inspiration from the numerous carts one can see in the Paulistano urban context. They are pulled by vegetable vendors or rag-pickers. There are several sorts of cart and they can be decorated or itted with sound or lighting devices. The title Percatempo is a reference to the organizations called “Poupatempo” (Save time!) that are present throughout the city. Even if advertising has been restrained in the Paulistano public sphere for several years, the lifestyle and dominant values are heavily laden by capitalism, with a relation to time that is always compressed and calculated in terms of proit. In this context, Percatempo is a device around which one enjoys wasting time. More than becoming politicized, it is about going crazy, in a “psycho-geographic” dimension. Percatempo solicits different anti-gentriication projects, cycling movements, urban artists and activist organizations, shamans, also provoking pilgrimages towards improbable pit stops chosen by intuition, through games or chance. The exhibition space thus becomes nomadic and helps to show the Paulistano metropolitan area, whose limits are hard to deine, to its best advantage. The stakes for this long performance equally consist in the personalization of the public sphere for a given time, and addresses people on the street rather than the usual art-goers. 37 Yusuf Etiman O iniciador do projeto Percatempo é Yusuf Etiman que vive e trabalha em Berlim e São Paulo. Estudou Comunicação em Berlim e trabalha como designer gráico, principalmente no campo da música eletrônica e das artes visuais. Sua prática artística envolve o urbanismo, o contexto social, a arquitetura e o espaço público e privado. Utiliza a fotograia, o texto e a performance de acordo com os projetos desenvolvidos e se consagra ao processo de trabalho, ao decrescimento e às estruturas alternativas. Nos últimos anos, dedicou-se a coordenar o espaço-ateliê Basso, em Berlim, que fundou em 2004. Percatempo consiste em um carrinho catalisador de uma série de situações enquanto é empurrado durante todos os dias do festival pelo centro da cidade de São Paulo. O veículo torna-se um objeto de apropriações e variações cotidianas ao sabor das coletas dos materiais. O projeto inspirou-se nos inúmeros carrinhos que podem ser vistos no contexto urbano paulista. São puxados por vendedores de legumes ou catadores de papel. São de vários tipos, alguns decorados ou dotados de dispositivos de som ou de luz. O título Percatempo faz referência aos postos do “Poupa Tempo”, presentes na cidade inteira. Embora a publicidade tenha sido restringida no espaço público paulistano, o modo de vida e os valores dominantes são extremamente impregnados pelo capitalismo; por isso, o tempo é sempre comprimido e calculado em termos de rentabilidade. Nesse contexto, Percatempo é um dispositivo em torno do qual se sente prazer em perder tempo. Mais do que ser politizado, trata-se antes de tudo de tornar-se louco, em uma dimensão “psicogeográica”. Percatempo solicita diferentes projetos anti-gentriicação, movimentos dos ciclistas, dos artistas e das organizações ativistas urbanas, dos xamãs, provocando também peregrinações a paragens improváveis escolhidas por intuição, jogo e acaso. O espaço de exposição torna-se, assim, nômade e permite realçar a aglomeração urbana paulista, cujos limites são diicilmente discerníveis. A essência dessa longa performance consiste igualmente em uma domesticação do espaço público por um período determinado e dirige-se mais às pessoas da rua do que ao público tradicional da arte. Percatempo – base comunitária móvel Yusuf Etiman The project’s initiator is Yusuf Etiman, who lives and works in Berlin and São Paulo. He studied communication in Berlin, and worked as a graphic designer, principally in the ield of electronic music and visual arts. His artistic practice deals with urbanism, the social context, architecture and the public and private spheres. He uses photography, text and performance depending on the projects developed, and dedicates himself to the work process, to degrowth and to alternative structures. Over the last few years he has committed himself to coordinating the atelier-space Basso in Berlin, which he initiated in 2004. Percatempo, 2012. Photo: Yusuf Etiman. Eternal Tour 2012 São Paulo 25 Eternal Tour 2012 São Paulo 23 Para o projeto Eternal Tour 2012, a Camenzind abre uma agência de turismo de conhecimento em São Paulo. Com base na sua experiência, pesquisa e relexão, seus agentes acreditam em um entendimento mais amplo do termo “turismo”, que abranja novas correntes de produção do conhecimento e considere a importância do olhar do turista. Tendo em mente esse modo de produção, eles convidam as pessoas a participar desse fenômeno, a questionar, criticar, rir e compartilhar seus pensamentos sobre essa forma. Os Eternal Tourist podem deixar um impacto positivo, sustentável e ressoante? Quais são os seus benefícios – em termos de identidade, educação e herança? E como os dois lados podem ser associados – estrangeiro e local? O que o turista de conhecimento leva consigo de sua viagem internacional? E o que o turista de conhecimento está trazendo para suas visitas ou encontros com as pessoas do local? Untitled (Eiffel Tower keyring), 2012. Photo: Camenzind. Instalado em Berlim, William Davis é cofundador e membro da ANZA (revista para as pessoas e os espaços) em Dar es Salaam, Tanzânia. É membro do comitê de Camenzind, uma agência de viagens ictícia, e de uma revista de arquitetura sediada em Zurique. Em 2012, trabalhou como diretor artístico para o escritório cenográico Chezweitz & Roseapple, para o planejamento e a reforma de museus como o Deutsches Hygienes Museum, em Dresden e The Barbican. Em 2011, coorganizou a exposição Part-Time Pioneer com Leah Whitman-Salkin e o artista Beny Wagner, no Lichthof da Universidade Humboldt de Berlim. Com Camenzind, participou do projeto de criação da primeira revista de arquitetura da África do Leste (ANZA). O projeto teve o apoio da Pro Helvetia, da embaixada suíça em Dar Es Salaam, BHSF e de patrocinadores privados. Em 2012, fundou um grupo de pesquisa com Kenton Card e Christian Berkes e trabalhou com Corporate Watch (organização para a observação das ações das empresas relativas à sociedade), em Londres. http://www.knowledgetourism.org/ Based in Berlin, William Davis is co-founder and member of ANZA (magazine for people and spaces) at Dar es Salaam in Tanzania. He is a member of the collective, Camenzind, based in Zürich. In 2010, he worked as artistic director for scenography agency Chezweitz & Roseapple, for the planning and development of museums such as Deutsches Hygiene Museum Dresden and The Barbican. In 2011, he co-organized the exhibition PartTime Pioneer with Leah Whitman-Salkin and artist Beny Wagner, at Humboldt University’s Lichthof space in Berlin. In 2012 he ran the discussion group The City and the Political” with Kenton Card and Christian Berkes. http://www.knowledgetourism.org/ Sem título (guia de linguagem comprado em Dar es Salaam, Tanzânia), 2012. Foto: Camenzind. William Davis Eternal Tour 2012 São Paulo William Davis Camenzind goes to… São Paulo e a agência de turismo de conhecimento For the project Eternal Tour 2012, Camenzind have set up a a bureau for knowledge tourism in São Paulo. Based on their experience, research and relection, Camenzind’s agents believe in a broader understanding of the term ‘tourism’: one that encompasses new strains of knowledge production, and the importance of the tourist gaze. With this mode of production in mind, they open a ictive bureau in São Paulo inviting people to participate in this phenomenon, to question, criticize, laugh, and share their thoughts on this form. Can the Eternal Tourist leave a sustainable, resonating positive impact? What are the beneits of both education and heritage, in terms of identity? And how can both sides – foreign and local – be more productively understood? What does the knowledge tourist take back home from their foreign voyage? Camenzind goes to… São Paulo and the bureau for knowledge tourism 39 Eternal Tour 2012 São Paulo 21 Para o Festival, a artista tunisiana Boutheyna Bouslama apresenta dois trabalhos: o primeiro, Longe (25 min), realizado no âmbito de Eternal Tour 2010 Jerusalém, evoca a impossibilidade, para certas pessoas do mundo árabe, entre elas a artista, de entrar em Jerusalém. Ressalta, assim, os limites do cosmopolitismo em certos contextos precisos. O segundo, Faça-me bela, (5 min 18 s) realizado para a edição paulista do festival Eternal Tour, opera um retorno ao corpo da artista. Ela interessou-se pela relação da mulher brasileira com o corpo e com a beleza, para melhor entender sua percepção de seu próprio corpo. A artista foi educada em um espírito que privilegiava a inteligência e o trabalho nas mulheres, e deixava o físico de lado. Contudo, em razão de uma doença tumoral e de duas operações pesadas, ela aprende a dar ao seu corpo uma atenção particular, não somente por meio de cuidados médicos, mas principalmente de cuidados estéticos. Boutheyna Bouslama, Far away, 2010. Artista plástica e cineasta tunisiana, nascida em Paris em 1982 de pais tunisianos, Boutheyna Bouslama cresceu no Catar e no Oriente Médio. Desde 2007, vive e trabalha em Genebra. Formada em artes e cenograia na Escola Superior de Belas-Artes de Mônaco, essa antiga bióloga obtém, em seguida, um Master em artes visuais da Escola superior de Arte e Design de Genebra. Seu trabalho baseia-se na escrita e nas diferentes formas plásticas que dá a seus textos, narrativos e autoiccionais, e que tratam de suas preocupações de mulher/artista/expatriada. Uma de suas preocupações consiste na difusão de seu trabalho em espaços não dedicados à arte contemporânea e procede, assim, a iniltrações de seus objetos de arte no espaço do cotidiano. Seus ilmes, a maioria deles documentários, embaralham voluntariamente os limites entre o real e a icção, e são regularmente projetados em festivais na Europa, na América Latina, no Oriente Médio e na Índia. Tunisian visual artist and ilmmaker, born in Paris in 1982 to Tunisian parents, Boutheyna Bouslama grew up in Qatar and the Middle East. She has been living in Geneva since 2007. With a diploma in art and scenography from Monaco’s School of Fine Arts (ESAP), this former biologist then obtained a Master’s in visual arts from the Geneva University of Art and Design (HEAD). Her work is based on writing and the different forms she gives her texts, narrative and self-ictional, and which deal with her preoccupations as a woman/artist/expatriate. She is interested in disseminating her work in spaces not dedicated to contemporary art, and proceeds by iniltrating everyday spaces with her art objects. Her ilms, for the most part documentaries, voluntarily blur the limits between reality and iction, and are regularly projected in festivals in Europe, Latin America, the Middle East and India. Boutheyna Bouslama, Longe, 2010. Boutheyna Bouslama Eternal Tour 2012 São Paulo Boutheyna Bouslama Longe e Faça-me bela For the festival, the Tunisian artist Boutheyna Bouslama presents two works: the irst, Far away (25 minutes), produced for Eternal Tour 2010 Jerusalem, evokes the impossibility for certain people from the Arab world – including the artist herself – to go to Jerusalem. Thus it highlights the limits of cosmopolitanism in certain precise contexts. The second, Far away & Make me beautiful (2012/5 min 18 sec) produced for the Paulistano edition of the Eternal Tour festival, is a return to the artist’s body. She became interested in the relationship between the Brazilian woman and beauty to better understand her own perception of her body. The artist was raised in an atmosphere that promoted intelligence and work in women, by setting aside physique. However, after a tumorous disease and two dificult operations, she learned to pay particular attention to her body, not only through medical treatment, but especially with esthetic treatment. Far away & Make me beautiful 41 Eternal Tour 2012 São Paulo Filme realizado por Donatella Bernardi e Rudy Decelière, representa uma viagem e uma leitura, de Sarajevo a Jerusalém. Três protagonistas: uma barba, uma cabeleira e um chapéu. Uma fala dita para a câmera, imagens-quadros e câmaras de ar. De sua 114ª à sua 1ª sura, o Alcorão é lido na beira das estradas, em uma tenda, um bar, na entrada de um shopping, diante de um jumento, no mar, em um ônibus, em um trem noturno ou em um avião. Como entender essa tradução francesa do texto sagrado que fundou a língua árabe, a língua de Deus? Seria preciso tentar interpretá-lo e ligá-lo às paisagens-contextos? Se se trata de viver um livro, por meio de uma leitura estimulada e sustentada pela câmera e pelo microfone, o que está em jogo é também a questão de uma pesquisa da fronteira geográica e cultural entre Ocidente e Oriente, das distinções e entrecruzamentos feitos entre os três monoteísmos, da apropriação dessas problemáticas por três pessoas que encarnam alternativamente o patriarca, a mulher e o judeu ou, ainda, o Papai Noel, a indisciplinada e o jovem. Com todos os esforços que isso requer, como prova o ilme, trata-se deinitivamente de duas travessias paralelas – terra e texto – entre as quais os protagonistas buscam invariavelmente o ponto de contato, Deus sabe onde. Emmanuel DuPasquier in Our last sonata, a ilm by Donatella Bernardi and Rudy Decelière, 2012. Photo: Donatella Bernardi. Donatella Bernardi, artista, vive e trabalha em Genebra e em Estocolmo, onde é professora na Academia Real de Belas-artes. Sua prática artística – cujos temas principais são a história, a tradição, as classes, os sexos, os esquemas de poder – inclui ilmes, instalações, publicações cientíicas e curadorias de exposições. É membra fundadora de Eternal Tour. Rudy Decelière vive e trabalha em Genebra. Formado pela Escola Superior de Artes Visuais de Genebra (hoje HEAD de Genebra), seu trabalho gira em torno do som, instalado no espaço público ou no espaço de exposição. Desenvolve suas atividades também no cinema, como operador de som, montador e mixador. Desde 2009, participa do festival Eternal Tour. Donatella Bernardi, artist, lives and works in Geneva and Stockholm, where she is a professor at the Royal Academy of Fine Art. Her artistic practice – whose principal subjects are history, tradition, the classes, gender, power schemes – includes ilms, installations, scientiic publications and exhibition commissions. She is a founding member of Eternal Tour. Caffe Tito em Sarajevo, Nossa última sonata, ilme de Donatella Bernardi e Rudy Decelière, 2012. Foto: Donatella Bernardi. 19 Donatella Bernardi e Rudy Decelière Eternal Tour 2012 São Paulo Rudy Decelière lives and works in Geneva. With a diploma from Geneva’s School of Fine Arts (currently, HEAD), his work revolves around sound, set up in the public sphere or in an exhibition space. He also works for cinema as soundman, sound editor and sound mixer. He has participated in Eternal Tour since 2009. A trip and a lecture, from Sarajevo to Jerusalem. Three protagonists: a beard, a head of hair and a hat. A word performed for the camera, tableaux-images and inner tubes. From its 114th to its 1st Sura, the Koran is read by the side of the road, in a tent, a bar, a shopping mall entrance, in front of a donkey, at sea, on a bus, a night train or plane in light. How is one to understand the French translation of the sacred text that founded the Arab tongue, the language of God? Should one even try to interpret the Koran and try to link it to the landscapecontexts? Though it’s about living a book and reading it, encouraged and supported by camera and mic, it’s also a question of researching this geographic and cultural frontier between West and East – distinctions and cross references made between the three monotheisms, from the appropriation of these problems by three people taking turns being the patriarch, the woman, and the Jew or even Santa Claus, the rebel girl and the young man. With all the efforts this required, recorded on ilm, it is deinitely a question of two parallel crossings – earth and text – whose protagonists invariably seek the point of contact, God knows where. Our last sonata Donatella Bernardi and Rudy Decelière Nossa última sonata 43 Eternal Tour 2012 São Paulo Fabiana de Barros & Michel Favre, Saudade, vídeo still, 2012. Hot cat hot city The installation Hot cat hot city proposes to make the animal kingdom’s tracks visible – an animal kingdom that lives and rubs elbows with civilized and channeled nature such as the city imposes today. Indeed São Paulo, tropical metropolis, is, like other cities of the South, in a permanent balance between its economic and urban growth and its geographical, climatic and biological situation. The rivers that become sewers are also a home to wild animals; the power of vegetation mistreats manmade constructions; to the city’s immense population corresponds an equally huge population of pets or wild animals, semi-civilized or parasitic. Hot cat hot city is a research on this fauna: what relations do they maintain with humans, between the desire for protection, the will to eradicate and irrational fears? Hot cat hot city will take the form of a ilm project, deployed like a mural diagram that reports on the state of the research with a display case to be progressively illed with traces of the wilderness and the beast. Michel Favre obtained his diploma in cinema in Geneva’s School of Fine Arts (currently HEAD), where he studied cinema, video and visual arts. During his studies he co-founded the Spoutnik cinema in Geneva. After his studies he made several short ilms – Suspendus à un il (1985), L’an (1988), and Stock (1992). From 1991 until 2007, Michel Favre has been collaborating with Télévision Suisse Romande directing variuous documentaries. Since 1994, he’s been pursuing an artistic activity with his companion Fabiana de Barros with whom he notably produces urban intervention AUTO PSi (2003). Since 1999, he directed various long feature documentaries exhibited in the major international ilm festivals – Geraldo de Barros – Sobras em Obras (1999), L’image à paroles (2006), so close so far (2012). Since 2006, Michel Favre teaches cinema at the Geneva University of Art and Design (HEAD) in Geneva. 45 Fabiana de Barros and Michel Favre Fabiana de Barros é uma artista suíça-brasileira formada pela Faculdade de Artes Plástica da FAAP de São Paulo e na Escola Superior de Artes Visuais de Genebra (hoje HEAD de Genebra). Vive e trabalha nessas duas cidades. Em 1987, apresenta sua primeira exposição individual: Tours du monde, em Genebra. Em 1988, é convidada para a XX Bienal de São Paulo, e participa também de suas edições de 2000 e 2002. Sua obra se situa no campo da Arte Contextual e Relacional, em que o público desempenha um papel decisivo. O Fiteiro Cultural (1998), obra desenvolvida ao longo de mais de 10 anos, foi construído em várias cidades do mundo: João Pessoa, Atenas, Sion, Nova York, Havana, Erevan, Lisboa, São Paulo, Dunquerque, Milão, Genebra, Bienne, Berna, Jerusalém, Berlim e Second Life. Principais exposições: III Biwako Biennal, Japão; VII Bienal do Mercosul, Porto Alegre; I Bienal das Canarias, Ilhas Canárias; VIII Bienal de La Habana, Cuba; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne. Michel Favre é formado pela Escola Superior de Belas-Artes de Genebra (hoje HEAD de Genebra), onde estudou cinema, vídeo e artes visuais. Durante seus estudos, funda o cinema associativo Spoutnik em Genebra. Realiza os curta-metragens, Suspendus à un il (1985), L’an (1988) e Stock (1992). Entre 1991 e 2007, Michel Favre colaborou com a Télévision Suisse Romande como diretor de documentários. Desde 1994, desenvolve uma atividade artística com sua companheira, a artista plástica Fabiana de Barros, com a qual realizou, entre outras obras, a intervenção urbana AUTO PSI (2003). A partir de 1999, Michel Favre dirigiu varios documentários longa-metragem, entre os quais Geraldo de Barros – Sobras em Obras (1999), Ouvindo imagens (2006) e Tão perto tão longe (2012). Desde 2006, Michel Favre ensina cinema na Universidade HEAD de Genebra. A instalação Cidade gato quente se propõe a tornar visíveis os vestígios da natureza animal selvagem que vive e convive com a natureza civilizada e canalizada que a cidade impõe. De fato, São Paulo, metrópole tropical, a exemplo de outras cidades de países do Sul, está em permanente desequilíbrio entre seu crescimento tanto econômico como urbano e sua situação geográica, climática e biológica. Os rios que se tornam esgotos são também terras para animais selvagens, a potência da vegetação compromete as construções, à imensidão de sua população corresponde uma população ao menos tão signiicativa de animais de estimação ou selvagens, semicivilizados ou parasitas. Cidade gato quente consiste em uma pesquisa sobre essa fauna: que relações ela mantém com o ser humano, entre desejo de proteção, vontade de erradicação e medos irracionais? Cidade gato quente tomará a forma de um projeto de ilme, apresentado como um diagrama mural, relatando o estado das pesquisas com uma vitrine que será preenchida, à medida que forem se escoando os dias do Festival, com os vestígios do selvagem e do animal. Cidade gato quente Fabiana de Barros e Michel Favre Fabiana de Barros is a Swiss artist of Brazilian origin educated at the School of Arts FAAP and at the ESAV (School of Visual Arts, currently HEAD) in Geneva. She lives and works in these two cities. In 1987, she presented her irst solo exhibition: Tours du monde in Geneva. In 1988, she was invited to São Paulo’s 20th biennial, where she participated again in 2000 and 2002. Her work is situated in the ield of Contextual and Relational Art where the public plays a crucial role. The Fiteiro Cultural [Culture Kiosk] (1998), developed over the course of 10 years, was built in several cities of the world: João Pessoa, Athens, Sion, New York, Havana, Erevan, Lisbon, São Paulo, Dunkirk, Milan, Geneva, Bienne, Bern, Jerusalem, Berlin and Second Life. Other works include: 3rd Biwako Biennal, Japan; Això no és un museu, ACVic Centre d’Arts Contemporànies, Spain; 7th Bienal do Mercosul, Porto Alegre; Mapping Festival, Centre d’Art Contemporain, Geneva; 1st Bienal das Canarias, Islas Canarias; GOING PUBLIC’05, New Contemporary Art Centre, Larissa; 8th Bienal de La Habana, Cuba; Interactivos’10: Ciencia de barrio, MediaLab Prado, Madrid; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne. Fabiana de Barros & Michel Favre, Saudade, video still, 2012. Eternal Tour 2012 São Paulo 17 Homenagem à Meret Oppenheim Fabiana de Barros é uma artista suíça-brasileira formada pela Faculdade de Artes Plástica da FAAP de São Paulo e na Escola Superior de Artes Visuais de Genebra (hoje HEAD de Genebra). Vive e trabalha nessas duas cidades. Em 1987, apresenta sua primeira exposição individual: Tours du monde, em Genebra. Em 1988, é convidada para a XX Bienal de São Paulo, e participa também de suas edições de 2000 e 2002. Sua obra se situa no campo da Arte Contextual e Relacional, em que o público desempenha um papel decisivo. O Fiteiro Cultural (1998), obra desenvolvida ao longo de mais de 10 anos, foi construído em várias cidades do mundo: João Pessoa, Atenas, Sion, Nova York, Havana, Erevan, Lisboa, São Paulo, Dunquerque, Milão, Genebra, Bienne, Berna, Jerusalém, Berlim e Second Life. Principais exposições: III Biwako Biennal, Japão; VII Bienal do Mercosul, Porto Alegre; I Bienal das Canarias, Ilhas Canárias; VIII Bienal de La Habana, Cuba; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne. Sketch for Tribute to Meret Oppenheim, Fabiana de Barros, Second Life, March 2012. Donatella Bernardi, artista, vive e trabalha em Genebra e em Estocolmo, onde é professora na Academia Real de Belas-Artes. Sua prática artística – cujos temas principais são a história, a tradição, as classes, os sexos, os esquemas de poder – inclui ilmes, instalações, publicações cientíicas e curadorias de exposições. É membra fundadora de Eternal Tour. 15 Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo e Enrico Natale Silvia Lucchi, nasceu em São Paulo em uma família de imigrantes italianos. Nos anos 1980, estudou arquitetura em São Paulo, cenograia e igurino teatral na Accademia de Bellas Artes em Florença e design de moda na Domus Accademy em Milão. Nos anos 1990, trabalhou para Krizia, Zoomp e Fiorucci. Depois criou a sua própria marca, SL, onde desenvolveu chapéus com novos materiais, também para outras marcas brasileiras. Em São Paulo participou de importantes eventos no “Look of the Year”. Em 1995, Silvia abriu sua própria empresa, AVATAR, que produzia, vendia e distribuía suas coleções. Até 2005 desenhou sua coleção de chapéus com distribuição internacional. Em 2009 foi convidada pelo Museu ACASA, com direção de Marcelo Kahns e Renata Mellão, a fazer uma mostra intitulada NA CABEÇA. Desde 2005 reside em Marília, onde trabalha como design no projeto Residencial Costa do Ipê. Angela Marzullo, artista, vive e trabalha em Genebra, Suíça. Após seus estudos em Genebra, ganhou vários prêmios e bolsas. Em 2007, participou de uma residência em Erevan e atualmente é bolsista no Instituto Suíço de Roma. Durante esse ano de residência, produz um curta-metragem, Concettina, baseado nas Cartas luterianas de Pier Paolo Pasolini. Como videógrafa, alia a arte do vídeo e a performance, investindo o feminismo, em sua história e ideologia. Enrico Natale é licenciado em história contemporânea e em latim na Universidade de Genebra. Trabalhou com a história humanitária e o cinema dos anos 1920, no Comitê Internacional da Cruz Vermelha. Em 2007, concluiu um mestrado em relações euro-mediterrâneas, que o levou à Espanha, à Itália, à França e ao Marrocos, para estudar os problemas contemporâneos ligados ao Mediterrâneo. Interessado pelas questões interculturais impostas pelas migrações, participou de vários projetos de pesquisa entre as duas margens do Mediterrâneo. No âmbito do projeto infoclio.ch, trabalha atualmente em Berna, voltado à organização do saber e à história social das ciências na era digital. Ensaio para Homenagem à Meret Oppenheim, Angela Marzullo e Donatella Bernardi, Genebra, julho 2012. Foto: Dominique Fleury. Eternal Tour 2012 São Paulo Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo and Enrico Natale Eternal Tour 2012 São Paulo This event is planned for the festival’s grand opening. It incarnates what Eternal Tour is perfectly. Starting with a performance that marked the surrealist movement, several artists and scholars will collaborate to create a neverbefore-seen carnivalesque reenactment, specially made for the Paulistano context. This project starts with Meret Oppenheim’s Fruhlingsfest, or ‘Feast’, to shift towards Brazil’s culture of cannibalism, the question of skin color and its political implications, our relation to nourishment and the dialectic between creolization and camoulage. In April 1959, the artist Meret Oppenheim organized a performance in Bern she called Fruhlingsfest (Spring Festival). The original work consisted in a young girl lying naked on a table decorated with wooden anemones, her throat and face covered with golden paint. Meret Oppenheim arranged different foods on various parts of her body, and then some of her friends were invited to eat the food arranged on the girl’s anatomy. On August 28th 2012, in the SESC Consolação’s Sala Moebius, eight performers will be dressed in two-piece swimsuits specially created for the occasion in a workshop with the SESC Consolação’ public, a Brazilian fashion designer, and artists in a collective work. The bikinis are produced with a crafting technique of Portuguese origin, the crochet. Their hues are adapted at will to the bodies’ color tones, while the performers are arranged on human-sized pedestals, covered by lashy multicolored plastic tablecloths. A series of edible jellies of all colors is put on their bodies, live. They evoke different aspects of Brazil’s agricultural history and put certain Brazilian economic and social circumstances into perspective (colonization, slavery, immigration, naturalization, industrialization, hybridization). Some of the foods chosen: pineapples, cacao, coffee, sugarcane, limes, oranges, corn, manioc, passion fruit and soya. Among other things, the work represents a symbolic geography of the different social groups with Brazilian foodstuffs. Tribute to Meret Oppenheim 47 Eternal Tour 2012 São Paulo Tribute to Meret Oppenheim Fabiana de Barros is a Swiss artist of Brazilian origin educated at the School of Arts FAAP and at the ESAV (School of Visual Arts, currently HEAD) in Geneva. She lives and works in these two cities. In 1987, she presented her irst solo exhibition: Tours du monde in Geneva. In 1988, she was invited to São Paulo’s 20th biennial, where she participated again in 2000 and 2002. Her work is situated in the ield of Contextual and Relational Art where the public plays a crucial role. The Fiteiro Cultural [Culture Kiosk] (1998), developed over the course of 10 years, was built in several cities of the world: João Pessoa, Athens, Sion, New York, Havana, Erevan, Lisbon, São Paulo, Dunkirk, Milan, Geneva, Bienne, Bern, Jerusalem, Berlin and Second Life. Other works include: 3rd Biwako Biennal, Japan; Això no és un museu, ACVic Centre d’Arts Contemporànies, Spain; 7th Bienal do Mercosul, Porto Alegre; Mapping Festival, Centre d’Art Contemporain, Geneva; 1st Bienal das Canarias, Islas Canarias; GOING PUBLIC’05, New Contemporary Art Centre, Larissa; 8th Bienal de La Habana, Cuba; Interactivos’10: Ciencia de barrio, MediaLab Prado, Madrid; Utopics 11th Swiss Sculpture Exhibition, Bienne. Donatella Bernardi, artist, lives and works in Geneva and Stockholm, where she is a professor at the Royal Academy of Fine Arts. Her artistic practice – whose principal subjects are history, tradition, the classes, gender, power schemes – includes ilms, installations, scientiic publications and exhibition commissions. She is a founding member of Eternal Tour. 49 Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo and Enrico Natale Remake of Meret Oppenheim, Project for Parkett No.4, 1985, Angela Marzullo, 1995. Foto: Angela Marzullo. Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo e Enrico Natale Silvia Lucchi was born in São Paulo to a family of Italian immigrants. In the 80s she studied architecture in São Paulo, scenography and theatrical costume design at the Academy of Fine Arts in Florence, as well as fashion design at Milano’s Domus Academy. In the 90s, she worked for Krizia, Zoomp and Fiorucci. Thereafter she developed hats out of new materials for her own brand, SL, and also for other Brazilian brands. In São Paulo she took part in several important events, such as “Look of the Year”. In 1995, Silvia started her own business, AVATAR, which produces, sells and distributes her collections. She designed her hat collection and distributed it internationally up to 2005. In 2009 the ACASA museum, directed by Marcelo Kahns and Renata Mellão, invited her to present an exhibit titled NA CABEÇA. Since 2005 she’s been living in Marilia, where she works as a designer for the Costa do Ipe residence project. Angela Marzullo, artist, lives and works in Geneva, Switzerland. After her studies in Geneva, she obtained numerous prizes and grants. In 2007, she was in residence at Erevan, and in 2010 she obtained a grant for the Swiss Institute in Rome. During this year of residence she produced the short ilm, Concettina, based on Pier Paolo Pasolini’s Lutheran Letters. As a videographer she combines video art and performance while appropriating feminism, in its history and its ideology. Enrico Natale obtained his MA in Contemporary History and Latin at the University of Geneva. He worked on humanitarian history and 1920s cinema within the International Committee of the Red Cross. In 2007, he obtained his MA in Euro-Mediterranean Affairs, which led him to Spain, Italy, France and Morocco to study contemporary Mediterranean issues. Interested in the intercultural questions raised by migrations, he participates in several research projects on both shores of the Mediterranean. Within the infoclio. ch project, he is currently working in Bern on the organization of knowledge and the social history of science in the digital age. Workshop: designing bikini with crochet, with Sandra Belucci and Eliane Maria Guimarães, 6th to 11th August at SESC Consolação, 2012. Photo: Donatella Bernardi. Eternal Tour 2012 São Paulo Este evento, programado para a abertura do festival, encarna perfeitamente o que é o Eternal Tour. A partir de uma performance que marcou o movimento surrealista, vários artistas e pesquisadores colaboraram para criar um reenactment inédito e carnavalesco, especialmente concebido para o contexto paulistano. Este projeto toma como ponto de partida a Frühlingsfest de Meret Oppenheim, para reencontrar a antropofagia cultural brasileira, a questão da cor da pele e suas implicações políticas, nossa relação com a alimentação e a dialética entre crioulização e camulagem. Em abril de 1959, a artista suíça Meret Oppenheim organizou em Berna uma performance intitulada Frühlingsfest ou Festa da Primavera. A obra original consistia em uma jovem nua, deitada em cima de uma mesa decorada de anêmonas dos campos, com o pescoço e o rosto cobertos de tinta dourada. Sobre as diversas partes de seu corpo, Meret Oppenheim dispôs diferentes alimentos. Alguns amigos foram convidados a comer as iguarias ali apresentadas. No dia 28 de agosto de 2012, na sala Moebius do SESC Consolação, oito performers, homens e mulheres, vestirão biquínis realizados para a ocasião, em um workshop com o público do SESC Consolação, uma estilista brasileira e os artistas, em um trabalho coletivo. Eles são confeccionados com uma técnica artesanal de origem portuguesa, o crochê. Os tons dos biquínis são adaptados propositadamente aos dos corpos, enquanto os intérpretes estão acomodados em grandes mesas adaptadas ao tamanho humano, cobertas por toalhas de plástico multicolorido e pop. Sobre seus corpos serão dispostos, ao vivo, uma série de gelatinas comestíveis coloridas, que evocam diferentes aspectos da história agrícola brasileira e colocam em perspectiva certas circunstâncias econômicas e sociais do Brasil (colonização, escravatura, imigração, naturalização, industrialização, hibridação). Entre os alimentos selecionados estão o abacaxi, o cacau, o café, a cana-de-açúcar, a lima, a laranja, o milho, a mandioca, o maracujá e a soja. Através as diversas interpretações possíveis, a obra representa uma geograia simbólica dos diferentes grupos sociais em suas relações com os gêneros alimentares no Brasil. Homenagem à Meret Oppenheim 13 LapTopRadio é uma estrutura de difusão experimental, nômade e irregular: um laptop com acesso móvel à internet permite realizar emissões e, ao mesmo tempo, continuar a se deslocar livremente. É também um projeto colaborativo e auto-organizado que propõe experimentos com base nas problemáticas formuladas por Félix Guattari no contexto do que ele chamava de “era pós-mídia”, que repousaria em redes de proximidade descentralizadas, nos novos meios tecnológicos de comunicação e em disposições subjetivas criativas. LapTopRadio será ativo em três níveis durante o festival Eternal Tour: o projeto Don’t wait for things to happen tenta desenhar um mapa da expressão política espontânea, referindo-se à longa e vasta tradição das canções políticas no Brasil; visa cobrir as atividades de Eternal Tour, as discussões, os workshops e as conferências; essas gravações estarão disponíveis na Sala Moebius (Convivência) para todos que quiserem ouvir os eventos já realizados. Sophie Alphonso nasceu em Genebra em 1985. Graduada pelo departamento de pintura da HEAD (Haute Ecole d’Art et de Design) em 2008, continua seu trabalho artístico na oicina do ARG (Ateliers de Recherches Géniales). Desde 2007, participa de exposições coletivas e individuais e de diversas edições. Desde 2008, é membro e cofundadora da New York, banda de hip-hop dark noise, com Renaud Marchand e Viktor Konwicky. Em 2011, nasce Sofy Maladie (DJ). Em 2012, começou o Workmaster da HEAD, dando início a novos projetos como N.A.N.A e REPETITION (projeto radiofônico). Ceel Mogami de Haas (nascido em Selebi Phikwe em 1982) vive e trabalha em Genebra. Por meio de ensembles*, performances e projetos de edição, a prática artística de Ceel Mogami de Haas questiona a sua relação com o conhecimento e particularmente com o enciclopedismo. Pode ser lida como um sistema de contagem poético que propõe um método de composição baseado em edição, apropriação, sampleamento, colagem e pirateamento. *termo oposto a instalação, usado por Bart de Baere a im de salientar a qualidade mutável, transformável e reticulada da obra de arte. Leila Amacker (nascida em Genebra em 1982) estudou História do Cinema e da Literatura Francesa na Universidade de Lausanne e Genebra, com especialização no cinema suíço de cunho social e político dos anos setenta. Após essa pesquisa, que a levou a pensar a fronteira entre documentário e icção, explora, atualmente, o campo da arte: recorre a séries fotográicas e apresentação de performances para atenuar a separação entre arte e vida. Laurent Schmid estudou na Basel Art School e na Universidade de Berna. Vive e trabalha em Berna e em Genebra. Realiza laboratórios de experimentação na zona cinza entre a ciência e a física pseudo-cientíica, uma pesquisa que funciona como uma metáfora de certos conceitos sociais. Seu trabalho oscila entre as mídias digitais e analógicas, e ele pratica formatos tão variados quanto o rádio, o vídeo, a instalação, o desenho ou a fotograia. Seu trabalho foi apresentado no Shift festival em Basileia, na Maison d’ailleurs de Yverdon, no ZKM de Karlsruhe, na Kunsthalle de Berna e em galerias particulares. Laurent Schmid ensina atualmente na escola HEAD de Genebra. Mara Krastina (nascida em 1984, Riga) estudou na HEAD (Haute École d’Art et de Design), formando-se bacharel em pintura. Faz desenhos e, atualmente, publica fanzines (com o coletivo “Les chiens fous”) e trabalha no projeto “Prospectus”, um dicionário ilimitado de técnicas de desenho, com Guillaume Fuchs. Entre suas atividades recentes, estão o desenvolvimento da língua “Desesperanto”, projetos solo e coletivos de música (Massicot, Bass and Boys, QBH), eventos de som e rádio. Renaud Marchand nasceu em 1977 em Delémont (CH) e vive em Genebra desde 1998. Nessa cidade, seguiu um curso de fotograia e formou-se em 2002. Desde 2000, atua como DJ (com Simon Riat) sob o nome de Bad Trip Inc. e organiza concertos e festivais (The Wild Party 2006/2007/2008/2009). Em 2007, graduou-se no Departamento de Arte/Mídia da École Supérieure des Beaux-Arts (ESBA) em Genebra. Em 2008, criou o Centro Fraction Extrême (arte coletiva com Simon Riat e Viktor Konwicki), e começou a participar da New York (banda de trash-hip-hop). Em 2009, nasce o selo de vinil Wildrid Records (com Simon Riat). Seda Yildiz, nascida em 1989, Istambul, vive e estuda atualmente em Genebra, mas passa a maior parte do tempo viajando por outros países europeus. Como artista, tem trabalhado com vídeo, conlito de icção e não-icção, consciência e inconsciência, mas está, neste momento, lidando com as coisas ao seu redor, como as questões de língua e imigração, procurando explorar/misturar também todos os outros meios. E ela não sabe o que vem depois. LapTopRadio no OLM space. Foto: Renaud Loda. 11 Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid, e Seda Yildiz LapTopRadio, N.A.N.A ACT 5 with La Plèvre & Krodelabestiole, 2012. Photo: Sophie Alphonso. Renaud Marchand was born in 1977 in Delémont (CH) and has been living in Geneva since 1998. He undertook a photography apprenticeship in Geneva and graduated in 2002. Since 2000, he’s been djing (with Simon Riat) under the name of Bad Trip Inc. and organizes concerts and festivals (The Wild Party 2006/2007/2008/2009). In 2007, he graduated from the Art/ Media department of the School of Fine Arts (ESBA) in Geneva. In 2008, he created the Fraction Extrême Centre (art collective with Simon Riat and Viktor Konwicki), and is a member of New York (trash-hip-hop-band). In 2009, the vinyl label Wildfrid Records is born (with Simon Riat). Mara Krastina (born in 1984) studied at the Geneva University of Art and Design (HEAD), obtaining a bachelor’s in painting. She makes drawings and publishes zines (together with the “Les chiens fous” collective). Among her recent projects are the development of the language “Desesperanto”, solo and collective music projects, sound- and radio-events. Leila Amacker (born in Geneva 1982) undertook studies in History of cinema and French literature at the Universities of Lausanne and Geneva, with a specialty in socially and politically committed Swiss cinema of the seventies. After this research, which led her to think of the frontier between documentary and iction, she is now searching the ield of art: she uses photographic series and presentation-performance to soften the separation between art and life. Sophie Alphonso was born in Geneva in 1985. Graduated from the Geneva University of Art and Design’s painting department (HEAD) in 2008, she continues her artistic work in the ARG (ateliers de recherches géniales) workshop. Since 2007, she has participated in several exhibitions, both collective and personal, and in diverse publications. Since 2008, she is member and cofounder of New York, dark noise hip-hop band, with Renaud Marchand and Viktor Konwicki. 2011 sees the birth of Sofy Maladie (Dj). In 2012, she will begin the Workmaster at the HEAD where she has begun new projects like N.A.N.A and REPETITION (a radiophonic project). Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid and Seda Yildiz LapTopRadio – Não espere as coisas acontecerem Eternal Tour 2012 São Paulo Eternal Tour 2012 São Paulo Seda Yildiz, born in 1989, Istanbul, is currently living and studying in Geneva; but spends more time travelling in other European countries. As an artist she has been working with video, iction/ non-iction, and consciousness/unconsciousness conlicts, but is currently dealing with things around her, such as language and immigration issues, trying to explore and mix every other medium as well. And she doesn’t know what’s next. Laurent Schmid studied at the Basel Art School and the University of Bern. He lives and works in Bern and Geneva. He sets up laboratories to run experiments in the gray zone of science and pseudo-scientiic physics, research that works like a metaphor for certain social concepts. His work luctuates between digital and analog media, and he works with formats as varied as radio, video, installation, drawing or photography. His work was presented at Basel’s Shift festival, Yverdon’s Maison d’Ailleurs, at Karlsruhe’s ZKM, Bern’s Kunsthalle and in private galleries. Laurent Schmid currently teaches at the Geneva University of Art and Design (HEAD). Ceel Mogami de Haas (born in Selebi Phikwe in 1982) lives and works in Geneva. Through ensembles*, performances and editorial projects, Ceel Mogami de Haas’ artistic practice brings into question his relation to knowledge and particularly to encyclopedism. It can be read like a poetic counter-system that proposes a composition method based on editing, appropriation, sampling, collage or pirating. *term opposed to that of “installation” used by Bart de Baere, so as to stress the changing, transforming and reticular quality of a work of art. LapTopRadio is an experimental, nomadic and irregular broadcasting structure: a laptop with mobile Internet access allowing broadcasting while on the move, unhindered. It is also a collaborative and self-organized project that experiments with problems formulated by Felix Guattari in the “post-media era”, which relies on decentralized local networks, on new technological means of communication and on creative, subjective layouts. LapTopRadio will be active on three levels during the Eternal Tour festival: the project Don’t wait for things to happen tries to draw a map of spontaneous political expression by referring to the long and vast tradition of political songs in Brazil; coverage of Eternal Tour activities, discussions, workshops and conferences; these recordings will be available in the Sala Moebius to those of the public who would like to hear these events, once past. LapTopRadio – Don’t wait for things to happen 51 Exposição “Eternal Tour histórias 2008–2012” que tendem resolutamente a desaparecer. Eternal Tour produz experiências e, de maneira indireta, os próprios laboratórios que as enquadram; sem que isso tome uma forma vindicativa, contrapõe-se ao sistema artístico em vigor com seus objetos, seu mercado, sua conservação por particulares ou instituições. Eternal Tour investe-se e aplica-se, assim, em deslocar prioritariamente seres humanos, seus afetos, sua energia e seu desejo de fazer. Essa estratégia não é, evidentemente, exclusiva, mas opta por se interessar antes de tudo pelo processo, por seu potencial e seu valor formador, tanto para o artista e o intelectual como para o espectador ou o leitor. Eternal Tour nasceu no seio do Instituto Suíço de Roma, que recebe todo ano, desde o inal da Segunda Guerra Mundial, cerca de doze bolsistas suíços, artistas e pesquisadores, em um quadro privilegiado. O ISR se inscreve em uma constelação de institutos culturais nacionais tão esplêndidos quanto misteriosos para os romanos. De fato, essas infraestruturas luxuosas acolhem uma elite cosmopolita momentaneamente expatriada que, reunida na cidade eterna, prioriza quase exclusivamente a exploração – e a admiração – dos vestígios do passado. Com a organização de um festival em julho de 2008, Eternal Tour questionou os mecanismos e a legitimidade desse fenômeno, baseado na exclusividade e na valorização do patrimônio. Em 2012, quando o projeto é convidado pelo SESC no contexto paulista, Lina Bo Bardi revela-se como uma igura imprescindível de investigação e de inspiração. Nascida em 1914 em Roma, a jovem arquiteta chega ao Brasil em 1946 e adota a nacionalidade brasileira em 1951. Segundo ela, seus projetos de joias, prédios, cenograia, museus, móveis e exposições pertencem integralmente à arquitetura. Entre suas realizações maiores, o MASP, Museu de Arte de São Paulo (1957/1968), manifesta seu processo de simpliicação estética, após uma longa temporada no Nordeste do Brasil. A respeito da ceno- 9 graia desenvolvida para apresentar as obras da coleção, uma série de painéis de vidro sustentados por cubos de concreto, ela escreve: “Os didáticos painéis de vidro em que as pinturas são dispostas não agradam àqueles que estão acostumados com o conforto de um mobiliário todo estofado e dos controles remotos, já que para ler os dados técnicos, nomes de autores e títulos das obras é preciso olhar atrás dos painéis”.1 Essa estrutura de vidro, que se airma por sua radicalidade ao desaparecer em proveito das obras de arte mostradas, será o ponto de partida proposto ao arquiteto Álvaro Razuk para desenvolver a cenograia inédita da Sala Moebius. Esta última é ritmada por paredes transparentes, que servem ao mesmo tempo como separação entre os espaços de trabalho e como suporte para as obras que precisam ser penduradas. A referência à obra de Bo Bardi é igualmente reinvestida de maneira muito livre no nível dos materiais e dos formatos, sendo colocada a serviço das necessidades especíicas do projeto e dos elementos de construção disponíveis em 2012. 1 Lina Bo Bardi, Edizioni Charta, Milano, Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo, 1994, p. 100. Filippa Arrias, Ramallah 3, 2007, óleo sobre tela e Capela palimpséstica de Omar Ba, Josse Bailly, Crystel Ceresa, Hadrien Dussoix, Thierry Feuz, Tami Ichino, Emma Perrochon, Frédéric Sanchez, Aymeric Tarrade e Eric Winarto, pintura mural, várias técnicas. Cosmotopia, curadoria por Donatella Bernardi, Eternal Tour Genebra 2012. Foto: Vlado Alonso. Cavalete de vidro durante exposição no museu, MASP, 1957/1968. Instituto Lina Bo e P. M. Bardi, São Paulo e AE/Agência Estado. Introdução Introdução O grande hall de entrada do SESC Consolação, rebatizado de Sala Moebius para a ocasião, acolhe, de 28 de agosto a 6 de setembro, as diferentes atividades do festival, e constitui o ponto de concentração geral dos festivaleiros. Após o término do festival, até 29 de setembro, no mesmo espaço, é proposta ao público uma exposição, onde as instalações Eternal Tour São Paulo 2012 são apresentadas, ao lado de uma seleção de imagens, sons, ilmes e vídeos das edições passadas, especialmente montada para a ocasião. Trata-se de dar o gosto e de traduzir as sensações de um projeto em que o essencial é o vivido, ou seja, lembranças imateriais e efêmeras Uma homenagem à Lina Bo Bardi com uma cenograia inédita Eternal Tour 2012 São Paulo 8 Eternal Tour 2012 São Paulo Cosmopaulo Da hospitalidade à crioulização Por um turismo iniciático Como habitar o mundo? Como viajar e experimentar a hospitalidade: ser recebido e saber receber? Segundo Jacques Derrida, a hospitalidade deveria ser ininita, mesmo que a hospitalidade incondicional seja impossível. Aporia, paradoxo e desequilíbrio caracterizam a hospitalidade e, por extensão, o projeto Eternal Tour. Qual o estatuto do hóspede, do turista, ou do migrante, em uma escala geopolítica, de um lado, e em uma escala do pensamento, das técnicas e dos domínios de especialização, de outro? Como e por que agir, no contexto da contemporaneidade? Se o universalismo e os outros mecanismos ocidentais estão fortemente desacreditados, o que preservar dessa herança para a construção de um futuro já presente? Uma experimentação de fundo e forma impõe-se então, acompanhada por um movimento perpétuo de crioulização, que escapa da armadilha de uma deinição do ser ou da origem. Se podemos antecipar os resultados de uma mestiçagem pela síntese, não podemos estimar os produtos da crioulização, que só se deixa abordar pelo imaginário (Édouard Glissant), em uma dinâmica aventurosa, especulativa e, assim, matizada por um gosto pronunciado pelo risco. Admitindo o que geralmente funda a crítica ao turismo, ou seja, a brevidade da permanência, sua relativa supericialidade ou o olhar sempre “estrangeiro” ao lugar, Eternal Tour aposta na força e na dimensão concreta da viagem iniciática. Tornando-se, assim, um verdadeiro instrumento de pesquisa e de prática em rede, o turismo é esvaziado de seu teor globalizado e mercantil contemporâneo para redescobrir sua dimensão de transmissão interpessoal. De fato, se nos remetermos às principais características do Grand Tour, notaremos o interesse pelas redes de sociabilidade na organização da viagem, para a qual os círculos familiares, culturais e proissionais são chamados a contribuir. Sob certos aspectos, esse método de investigação pode também assemelhar-se a um trabalho de antropologia ou sociologia. Eternal Tour valoriza assim um conhecimento do mundo construído com base na interação e nas trocas, recorrendo aos colegas autóctones. Aposta em uma transmissão personalizada, íntima e oral do saber: artistas, acadêmicos, responsáveis por instituições, curadores de exposição, arquitetos, ativistas, educadores ou professores são solicitados de maneira ativa. Os encontros se alinham, se superpõem e, por vezes, se contradizem, as ideias amealhadas se justapõem e se burilam. Mais do que dados: obtidos Uma programação performativa Fundado em 2007 em Genebra por uma dezena de artistas e pesquisadores, Eternal Tour desenvolve, uma vez por ano, um festival inédito e transdisciplinar. O projeto associa e renova regularmente uma rede de personalidades que manejam unicamente valores simbólicos: saberes, imagens e sons. Suas diferentes etapas – Roma 2008, Neuchâtel 2009, Jerusalém/Ramallah 2010, de Nova York a Las Vegas 2011, Genebra e São Paulo em 2012, são ocasiões de se expor à alteridade em um jogo inspirado pelo Grand Tour. As viagens das elites do norte da Europa para o sul entre os séculos XVII e XIX propiciam o surgimento de uma cultura neoclássica homogeneizante. Retomando essa estratégia de deslocamento e suas consequências identitárias, Eternal Tour dota a prática turística de um conteúdo político por meio de um investimento intenso dos territórios físicos e imateriais. O empreendimento é de envergadura: ele revela de maneira evidente que não existem dados, mas unicamente obtidos (Pascal Amphoux). O resultado é uma programação em que artistas e cientistas suíços e de outras nacionalidades colaboram de maneira intensiva, por certo tempo, no âmbito de uma estrutura que favorece os workshops, as conferências e as discussões em torno de propostas de formatos múltiplos. O festival é igualmente retransmitido pela internet e por meio de publicações absolutamente singulares em razão de sua forma editorial e de seus colaboradores. Ao longo dos anos, a complexidade e o caráter irredutível de certas manifestações humanas, ou ainda o perigo do relativismo cultural se tornaram cada vez mais evidentes. Mais que sobre uma tábula rasa, Eternal Tour escreve em um suporte palimpséstico; mais que uma sedimentação mineral ou arquitetônica, um desejo de aclimatação é sem cessar renovado, sonhado e concretizado, graças à epifania do momento presente. Claire Fontaine, Palestina ocupada, Eternal Tour 2009 Neuchâtel, curadoria Donatella Bernardi. Cortesia dos artistas e da Dvir gallery, Tel Aviv. Foto: Sully Balmassière. A cidade de São Paulo se apresenta como o lugar ideal para acolher um projeto artístico e cientíico itinerante que se indaga sobre o movimento, tanto no sentido próprio como no igurado, o turismo, a migração dos corpos e das ideias. Por muitos aspectos, a maior cidade da América Latina poderia até mesmo se apresentar como o arquétipo do cosmopolitismo explorado e tanto afagado por Eternal Tour. De fato, após ter sido, sucessivamente, uma aglomeração urbana incipiente que usava mão-de-obra escrava indígena e negra, um polo para a imigração europeia, japonesa e libanesa nos séculos XIX e XX e um eldorado para milhões de brasileiros do Nordeste, São Paulo viu sua imigração fazer praticamente desaparecer a fronteira entre identidade e alteridade. Nessa mesma ordem de ideias, o cosmopolitismo paulista se encontra encarnado no sincretismo ambiente, que, transpondo a esfera exclusivamente religiosa, impregna e caracteriza o conjunto das manifestações, hábitos e códigos sociais. Longe de se coninar em uma interpretação unilateralmente positiva desse cosmopolitismo, Eternal Tour explora suas mais diversas manifestações, examinando, simultaneamente, seus pontos de ruptura. Gilberto Freyre, no primeiro capítulo de Casa-grande e senzala, em que examina a “hibridização” da sociedade brasileira, ressalta o aspecto negativo desse processo quando cita o seguinte provérbio, que caracteriza o papel das mulheres segundo sua cor: “Para se casar, a brana; para f…, a mulata; para trabalhar, a negra”1. 7 As regras do elenco Os artistas e pensadores convidados foram escolhidos em função de sua curiosidade e de seu potencial interesse em integrar um projeto resolutamente experimental, pois o resultado inal da operação não é de todo previsível. Partindo desse postulado, os Eternal Tourists São Paulo 2012 foram vivamente encorajados a se arriscar com relação à sua prática corrente e a comprometer-se a assistir ao festival em sua íntegra. Este último ganha, assim, o estatuto de um workshop global que se dirige tanto aos participantes como ao público. Provoca, voluntariamente, a recepção das obras e intenta implicar uma audiência cujo limite entre proissionais e amadores, especialistas e generalistas, práticos e teóricos, é incessantemente transposto, sem outro complexo nem expectativa além do dinamismo e da tomada da palavra. Donatella Bernardi Curadora Eternal Tour São Paulo 2012 Paisagem, escravatura, antropofagia e beleza Seguindo uma metodologia adotada nas edições precedentes, Eternal Tour redige um convite composto de quatro eixos, construído simultaneamente a partir dos campos de interesse do coletivo, mas também adaptado ao lugar deste festival, São Paulo, e ao contexto brasileiro. Em suas grandes linhas: 1) paisagem tropical e urbana, fauna e lora, selvagem e domesticada; 2) a escravatura e o escravagismo; 3) a antropofagia, seja ela tratada de maneira histórica (Hans Staden), modernista (Oswald de Andrade) ou abordada, hoje, de maneira ilosóica no contexto do capitalismo avançado (Suely Rolnik); 4) uma relação complexa com a beleza, com o corpo, veículo de valores e de códigos sociais. Longe de funcionar como temáticas a ilustrar, essas quatro propostas são concebidas como pistas que cada participante se vê livre para modiicar, desenvolver e, mesmo, refutar. 1 Provérbio registrado por H. Hendelmann em sua História do Brasil, 1931; citado por Gilberto Freyre no capítulo 1 de Casagrande e senzala (1933), que tem como título “Características gerais da colonização portuguesa no Brasil: formação de uma sociedade agrária, escravocrata e híbrida”. Introdução Eternal Tour 2012 São Paulo Introdução Eternal Tour Eternal Tour 2012 São Paulo 6 ETERNAL TOUR 2012 – SÃO PAULO COORDENAÇÃO SESC Tiago de Souza, Ana Luisa Sirota e Tatiana Zacariotti de Freitas COORDENADORES DE AREA Tiago de Souza (programação), Antonio Zacarias de Carvalho (infraestrutura), Elaine de Sousa (comunicação), Fernanda Mendes Conejero (alimentação), Marco Antonio da Silva (administrativo) PRESIDENTE DO CONSELHO Abram Szajman DIRETOR DO DEPARTAMENTO REGIONAL Danilo Santos de Miranda CURADORIA Donatella Bernardi COORDENAÇÃO GERAL Fabiana de Barros ASSISTENTES Giorgio Pinheiro e Catalina Ravessoud PRODUÇÃO EXECUTIVA Prata Produções – Valeria Prata COORDENAÇÃO DE PRODUÇÃO Marcos Farinha EQUIPE DE PRODUÇÃO Anderson Araújo, Julia Portella e Roberta Prata CENOGRAFIA Alvaro Razuk, Isa Gebara, Marcella Verardo and Ricardo Amado CENOTECNIA Apóstrofe Cenograia e Montagens ILUMINAÇÃO Ricardo Heder COMUNICAÇÃO VISUAL EXPOSIÇÃO BVY Arquitetos associados PROJETO GRÁFICO Rollergirl TRADUÇÃO Izabel Burbridge, Márcia Valéria Martinez de Aguiar, Patrick Morency e Ana Aguiar Cotrim REVISÃO DE TEXTOS Daniel Fonseca e Guilherme Miranda Realização Apoio Lucius und Annemarie Burckhardt Stiftung Basel Suíça É fato que a valorização das artes e das ações culturais está no cerne de nossos propósitos. Elas revestem de cores a nossa jornada, por vezes ordinária, reordenando e oferecendo novos sentidos às nossas experiências. No entanto, não são registros de nossos valores e criações simbólicas que habitam apenas o imaginário. Sim, porque queremos lembrar que, para além destes aspectos muitas vezes conectados às subjetividades individuais que colorem de liberdade essas iniciativas, reside aí um caráter de entendimento coletivo, capaz de elaborar e conceber realidades. De maneira airmativa, podemos dizer que essas manifestações transformam-se em mensagens, e coniguram-se como um forte vínculo cognitivo entre pessoas, tempos e espaços. Essa propriedade mágica do registro – seja ele material ou imaterial – é o que confere essa propriedade de “viajar” em amplo espectro às artes e à ação cultural. No processo da viagem, nos tornamos curiosos ou arredios, buscamos nos aproximar e contemplar, ou nos afastar e contestar; em suma, trata-se de um encontro desencadeador, no qual podemos sentir identidade ou estranhamento. No ímpeto de propiciar um desses encontros desencadeadores, o SESC recebe a sexta edição do festival nômade Eternal Tour, cujas criações transdisciplinares são inspiradas no cosmopolitismo do século 21. Na edição paulista, temas como natureza, antropofagia, modernismo, escravagismo, racismo e beleza serão partilhados em experiências de prática e relexão. Ser parte desta e outras tantas viagens, rumo ao território que melhor ocasiona a construção de metáforas sobre as tensões humanas e sociais, é oferecer caminhos e pontes, desenhando de forma sutil o entrecruzar de desejos e visões de mundo. Danilo Santos de Miranda Diretor Regional do Sesc São Paulo 5 Introdução DIRECTOR OF THE REGIONAL DEPARTMENT Danilo Santos de Miranda PRESIDENT OF THE REGIONAL COUNCIL Abram Szajman ADMINISTRATION IN SÃO PAULO STATE CURATOR Donatella Bernardi GENERAL COORDINATION Fabiana de Barros ASSISTANTS Giorgio Pinheiro and Catalina Ravessoud EXECUTIVE PRODUCER Prata Produções – Valeria Prata PRODUCTION COORDINATION Marcos Farinha PRODUCTION TEAM Anderson Araújo, Julia Portella and Roberta Prata SET DESIGN Alvaro Razuk, Isa Gebara, Marcella Verardo and Ricardo Amado SCENOGRAPHIC TECHNOLOGY Apóstrofe Cenograia e Montagens LIGHTING Ricardo Heder VISUAL COMMUNICATION BVY Arquitetos associados CATALOGUE DESIGN Rollergirl TRANSLATION Izabel Burbridge, Márcia Valéria Martinez de Aguiar, Patrick Morency and Ana Aguiar Cotrim TEXT REVISION Daniel Fonseca and Guilherme Miranda Technical sheet – Ficha técnica SUPERINTENDENTES/TÉCNICO SOCIAL Joel Naimayer Padula ADMINISTRATIVO Luiz Deoclécio Massaro Galina COMUNICAÇÃO SOCIAL Ivan Giannini GERENTES AÇÃO CULTURAL Rosana Paulo da Cunha ADJUNTA Flávia Carvalho ASSISTENTES Juliana Braga, Nilva Luz e Salete dos Anjos ARTES GRÁFICAS Hélcio Magalhães ADJUNTA Karina Musumeci ESTUDOS E DESENVOLVIMENTO Marta Colabone ADJUNTA Andréa de Araújo Nogueira SESC CONSOLAÇÃO Felipe Mancebo ADJUNTA Simone Engbruch Avancini Silva Eternal Tour: da nossa ininita capacidade de viajar Eternal Tour 2012 São Paulo ADMINISTRAÇÃO REGIONAL NO ESTADO DE SÃO PAULO SUPERINTENDENTS/TECHNICAL SOCIAL Joel Naimayer Padula ADMINISTRATION Luiz Deoclécio Massaro Galina SOCIAL COMMUNICATION Ivan Giannini CULTURAL ACTION MANAGEMENT Rosana Paulo da Cunha DEPUTY MANAGER Flávia Carvalho ASSISTANTS Juliana Braga, Nilva Luz and Salete dos Anjos DESIGN MANAGER Hélcio Magalhães DEPUTY MANAGER Karina Musumeci RESERCH AND DEVELOPMENT Marta Colabone DEPUTY MANAGER Andréa de Araújo Nogueira SESC CONSOLAÇÃO Felipe Mancebo DEPUTY MANAGER Simone Engbruch Avancini Silva 4 COORDINATION SESC Tiago de Souza , Ana Luisa Sirota and Tatiana Zacariotti de Freitas DEPARTMENT COORDINATORS Tiago de Souza (programming), Antonio Zacarias de Carvalho (infrastructure), Elaine de Sousa (communication), Fernanda Mendes Conejero (refreshments), Marco Antonio da Silva (administration) ETERNAL TOUR 2012 – SÃO PAULO 57 Eternal Tour PRE-FESTIVAL 6 DE AGOSTO A 11 DE AGOSTO Produção de biquínis para homenagem à Meret Oppenheim Presença de Sandra Belucci, Eliane Maria Guimarães, da estilista de moda Silvia Lucchi e das artistas Fabiana de Barros e Donatella Bernardi Confecção do igurino para a performance, envolvendo o processo de criação em artes plásticas, desenho de moda, pintura e crochê, além de uma apresentação sobre a obra de uma das mais importantes artistas surrealistas, Meret Oppenheim (1913–1985). ABERTURA 28 DE AGOSTO 2012 São30Paulo DE AGOSTO às 14h Presença do artista no lançamento do projeto Tripartite reunited de Roberto Shwafaty às 15h Presença do artista no lançamento do projeto Longe e Faça-me bela de Boutheyna Bouslama às 16h Homenagem à Lina Bo Bardi Camenzind goes to… São Paulo e a agência de turismo de conhecimento de Dominique Fleury e Ana Teixeira às 18h* Percatempo – base comunitária móvel Zumbi e Princesa Isabel: um espelho invertido para repensar o Brasil contemporâneo Itinerante, nos arredores da unidade Somos todos felizes de Beat Lippert 31 DE AGOSTO de William Davis das 14h às 16h 4 DE SETEMBRO Presença do artista no lançamento do projeto de Stéphane Malysse Camenzind goes to… São Paulo e a agência de turismo de conhecimento Conferência por Denise Ferreira da Silva Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela? Bioperversidade LapTopRadio – Não espere as coisas acontecerem de Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid e Seda Yildiz de Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein www.eternaltour.org Convidados: Juliana Gatti e Yusuf Etiman de Daniela Capelato e Boris Meister Blog Itinerários: SESC Consolação – Parque do Ibirapuera às 9h de Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein Convidada: Morena Nascimento das 16h às 18h 5 DE SETEMBRO A arte e o território Bate-papo com Simon Lamunière 6 DE SETEMBRO das 10h às 21h30 das 10h às 21h30 Cirurgia poética de Dominique Fleury e Ana Teixeira Somos todos felizes de Dominique Fleury e Ana Teixeira de Beat Lippert às 18h www.eternaltour.org de Cris Faria Presença do artista no lançamento do projeto Sonhos ansiosos em um só olho Grand Tour por Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie às 16h Itinerários: Estação Luz – Estação Santana Cirurgia poética às 18h* VISITAÇãO ATé 29 DE SETEMBRO Após a ação dos artistas, um registro integrará a exposição até 29/9. LOCAL: SALA MOEBIUS (ESPAÇO CONVIVÊNCIA) Discussão e relexão sobre as Caminhadas urbanas Abertura do blog às 19h Presença do artista no lançamento do projeto Mandacarus 29 DE AGOSTO de Yusuf Etiman das 14h às 16h às 19h às 14h às 20h de Yusuf Etiman de Daniela Capelato e Boris Meister Itinerante, nos arredores da unidade Convidados: José Bueno, Luiz de Campos Jr, Iniciativa Rios & Ruas e Instituto Harmonia – Sustentabilidade Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela? de Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas, Laurent Schmid e Seda Yildiz Percatempo – base comunitária móvel de Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein Apresentação de uma publicação por Anna Kindgren e Carina Gunnars, em colaboração com Ivaneti de Araújo, Sheila Souza, André Kobashi, Eduardo Costa e Renato Cymbalista. de William Davis LapTopRadio – Não espere as coisas acontecerem Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela? Presença do artista no lançamento do projeto Cirurgia poética agorafobi/agorafobia/agoraphobia Homenagem à Meret Oppenheim ATIVIDADES DIARIAS Itinerários: Estação Santana – Estação Tucuruvi às 20h de Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale e oito performers 3 DE SETEMBRO às 9h Bate-papo com Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein de Pazé às 20h* às 9h às 20h* Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela? de Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein Lixo eletrônico: as coisas após sua vida útil às 19h 1 DE SETEMBRE das 10h às 18h30 Cirurgia poética Presença do artista no lançamento do projeto Cidade gato quente de Fabiana de Barros e Michel Favre Bate-papo com Pablo Leon de la Barra Bate-papo com Gabriele Oropallo Convidados: Letícia Ramos e Guilherme Wisnik Itinerários: Estação Sacomã – Estação Luz Eternal Tour: algumas visões conclusivas de Dominique Fleury e Ana Teixeira às 15h Presença do artista no lançamento do projeto Nossa última sonata às 20h* Haiti e Brasil: mesmas raízes Concerto por Anne-Laure Kénol em colaboração com Ted Beaubrun e Valérie Girault de Donatella Bernardi e Rudy Decelière às 16h* Caminhando pela ita de Moebius com Lygia, uns índios e alguns franceses Idéias querendo conversar por Suely Rolnik * Vagas limitadas. Retirada de ingressos com 1h de antecedência no local. (Durante o horário das conferências e concerto, a exposição na Sala Moebius permanecerá fechada para visitação). Eternal Tour: da nossa ininita capacidade de viajar de Danilo Santos de Miranda Introdução Eternal Tour de Donatella Bernardi Introdução Cosmopaulo de Donatella Bernardi Exposição “Eternal Tour histórias 2008–2012” de Donatella Bernardi Homenagem à Lina Bo Bardi com uma cenograia inédita de Donatella Bernardi LapTopRadio – Não espere as coisas acontecerem de Sophie Alphonso, Leila Amacker, Mara Krastina, Renaud Marchand, Ceel Mogami de Haas , Laurent Schmid e Seda Yildiz 5 6 7 8 9 11 Homenagem à Meret Oppenheim de Fabiana de Barros, Sandra Belucci, Donatella Bernardi, Eliane Maria Guimarães, Silvia Lucchi, Angela Marzullo, Enrico Natale e oito performers Cidade gato quente de Fabiana de Barros e Michel Favre Nossa última sonata workshop intervenção urbana performance coreograia cenograia pintura fotograia vídeo de Donatella Bernardi e Rudy Decelière conferência música dança novas mídias arte relacional arte contextual publicação Longe e Faça-me bela de Boutheyna Bouslama Camenzind goes to… São Paulo e a agência de turismo de conhecimento de William Davis Percatempo – base comunitária móvel de Yusuf Etiman Sonhos ansiosos em um só olho de Cris Faria Caminhadas urbanas: por que São Paulo é bela? de Cris Faria, Céline Guibat, Thais Ribeiro, Karin Zindel e David Zumstein Cirurgia poética de Dominique Fleury e Ana Teixeira Haiti e Brasil: mesmas raízes de Anne-Laure Kénol em colaboração com Ted Beaubrun e Valérie Girault agorafobi/agorafobia/agoraphobia O Programa de Anna Kindgren e Carina Gunnars Somos todos felizes de Beat Lippert Bioperversidade Festival 28 de agosto – 6 de setembro de Stéphane Malysse Mandacarus de Pazé Tripartite reunited de Roberto Shwafaty Grand Tour de Cecilie Hundevad Meng Sørensen e Merzedes Sturm-Lie Visitação até 29 de setembro Segunda a sexta das 10h às 21h30 Sábado das 10h às 18h30 Lixo eletrônico: as coisas após sua vida útil de Gabriele Oropallo A arte e o território Simon Lamunière Zumbi e Princesa Isabel: um espelho invertido para repensar o Brasil contemporâneo de Denise Ferreira da Silva SESC Consolação R. Dr. Vila Nova, 245 Vila Buarque São Paulo Caminhando pela ita de Moebius com Lygia, uns índios e alguns franceses de Suely Rolnik Dois eventos paralelos à Eternal Tour 2012 Blog De Daniela Capelato e Boris Meister Eternal Tour: algumas visões conclusivas de Pablo Leon de la Barra 13 17 19 21 23 25 27 29 31 33 35 37 39 41 43 45 46 47 48 49 50 51 52