Book Chapters by María Noguera
Cine pensado. Estudios críticos sobre 30 películas estrenadas en 2021, 2022
Estudio crítico acerca de la película Petite Maman (Céline Sciamma, 2021)
El sueño europeo en las artes audiovisuales, 2021
Las tres películas que se analizan en este capítulo de libro se adentran en algunas de las horas ... more Las tres películas que se analizan en este capítulo de libro se adentran en algunas de las horas más oscuras de la historia de Europa: el Holocausto, la posguerra de la 2ª Guerra Mundial y la Guerra Fría. Este tríptico que recorre buena parte de la segunda mitad del siglo XX ofrece una visión desencantada de nuestro continente. A ello contribuye de modo especial la puesta en escena, que desde una perspectiva eminentemente estética, y gracias a la caracterización de los personajes, el uso de la cámara y el valor simbólico del escenario, ofrece la imagen de una Europa fragmentada y a la deriva.
Cine pensado. Estudios críticos sobre 30 películas estrenadas en 2019, 2020
Estudio crítico acerca de la película "La luz de mi vida", de Casey Affleck (2019).
Transcultural Screenwriting. Telling Stories for a Global World, 2017
In studying the film Wendy and Lucy, this chapter examines the cinematic footprint as a specific ... more In studying the film Wendy and Lucy, this chapter examines the cinematic footprint as a specific form of cultural transfer. The heritage of a certain tradition in European film will be analyzed through Kelly Reichardt’s film, widely known as one of the milestones of current American indie filmmaking.
In 2009, film critic A.O. Scott effectively coined the term “Neo-Neo Realism.” The New York Times reviewer thus verified the appearance of a current of American films conceived under the influence of Neorealism and placed Wendy and Lucy at the forefront of this tendency. Reichardt herself has also recognized this influence in several occasions, among others that will also be considered in this text.
From this starting point on, this chapter intends to carry out a narrative analysis of Wendy and Lucy so as to illustrate its continuity with the ethical and aesthetical tenets of the celebrated European film movement that opened the gates of modern cinematic times. This transcultural dialogue finds its most obvious evidence in the film’s narrative structure —a lonely young woman strives to find the only being for whom she feels a genuine affection: her dog— that recalls films such as Vittorio De Sica’s Bicycle Thief (1948) or Umberto D (1952). As in those, Reichardt —in collaboration with her usual co-writer, Jonathan Raymond— gives voice and dignity to an outsider character, who suffers the effects of the severe social and economic crisis around him/her, and then puts forth a humanistic discourse fully engaged with the ordinary man and woman of its times.
Ultimately, this study attempts to shed light on a promising line of work for transnational productions by observing how the presence of certain foreign cultural elements can enrich a film through explorations of the human condition. In the case of Wendy and Lucy, the heritage of a certain classical European cinema contributes to make this a remarkable film, with which Reichardt reinforces her status as one of the most important voices in contemporary American independent filmmaking.
En Gutiérrez Delgado, R. (ed.), «El renacer del mito. Héroe y mitologización en las narrativas». Salamanca: Comunicación social ediciones, 2019
El objetivo de este capítulo es analizar de qué modo las tres películas escogidas recogen y hacen... more El objetivo de este capítulo es analizar de qué modo las tres películas escogidas recogen y hacen central en sus discursos un tropo común: la (auto)conciencia de ocaso de la civilización europea. Se trata, además, de tres obras guiadas por una actitud reflexiva que trasciende a los aspectos narrativos: 'Una película hablada' (Um filme falado, Manoel de Oliveira, 2003), 'La mirada de Ulises' (To Vlemma tou Odyssea, Theodoros An- gelopoulos, 1995) y 'Nuestra música' (Notre musique, Jean-Luc Godard, 2004). Por una parte, las tres coinciden en plantear una Europa en decadencia a causa de una creciente barbarie que no obedece tanto a una afrenta de raíz exterior como a sus propios excesos autodestructivos. Por otra parte, estos filmes dan cuenta de cómo esa Europa en crisis interroga a su tradición histórico-mitológica sin obtener respuestas. Para llevar a cabo el análisis, planteamos como texto base «La idea de Europa», el discurso sobre la esencia de lo europeo que el intelectual George Steiner elaboró a principios del siglo XXI.
Entre los temas que pueblan el "cine de autor" del director portugués Manoel de Oliveira se encue... more Entre los temas que pueblan el "cine de autor" del director portugués Manoel de Oliveira se encuentra la reflexión sobre el yo. El objetivo de este capítulo es desentrañar las estrategias autobiográficas que se emplean en algunos de sus filmes a partir de las distintas manifestaciones que el cine del yo, rebautizado como "autocinebiografía" por Hadelin Trinon, ha tenido desde los orígenes del séptimo arte
Esta comunicación aborda las semejanzas y diferencias en la evocación de la infancia y la descr... more Esta comunicación aborda las semejanzas y diferencias en la evocación de la infancia y la descripción de la propia ciudad en dos películas: Porto da Minha Infância/Oporto de mi infancia (Manoel de Oliveira, 2001) y Polotory Komnaty/Una habitación y media (Andrey Khrzhanovsky, 2009). Se muestra cómo en ambos filmes aparecen cuestiones vinculadas a la rememoración de la ciudad de la niñez (memoria, falta de recuerdo y mitologización del espacio). El objetivo consiste en analizar, a través del análisis fílmico y textual, cómo estos temas son representados en el cine. En particular, el análisis se centra en la subjetividad, en los elementos documentales, en las imágenes de archivo, en las fotografías y en la voz en off, para atender al vínculo que se establece entre las ciudades y la memoria personales y para comprobar cómo estas películas son una reescritura la historia de Oporto y de San Petersburgo.
Cine Pensado 2016: estudios críticos sobre 31 películas estrenadas en 2016. Fijo, Alberto (ed.), 2017
Estudio crítico de la película "El hijo de Saúl", de László Nemes (2015).
Estudio crítico de la película "¡Lumière! Comienza la aventura", de Thierry Frémaux (2016).
"Cine Pensado 2018. Estudio crítico sobre 30 películas estrenadas en 2018" (pp. 135-142), 2019
Estudio crítico de la película "Las guardianas", de Xabier Beauvois (2017).
Uno de los retos docentes de la implantación del EEES en los estudios de Comunicación en España e... more Uno de los retos docentes de la implantación del EEES en los estudios de Comunicación en España es que el tiempo que el alumno dedique a trabajar fuera del aula sea realmente fructífero. Es decir, que sea una tarea provechosa para su aprendizaje y que se encuentre coordinada con las demás actividades de la asignatura, tanto con las orientadas a las formación en contenidos como con las que pretenden que se adquieran habilidades y/o actitudes. En concreto, una de las consecuencias de incentivar la autonomía del alumno en el Grado de Comunicación Audiovisual es que este debe realizar por su cuenta no sólo el visionado de algunas películas de cine, sino también el ejercicio intelectual que supone asimilarlas para, posteriormente, comentarlas. Como herramienta para fomentar este trabajo de comprensión y análisis, sobre todo en alumnos de primero, se propone en este artículo la metodología docente del cuaderno de visionados. En ellos se deben anotar las fichas técnicas y una síntesis de los aspectos cinematográficos más relevantes de las películas que se han ido viendo, siguiendo una pauta que ha sido explicada por el profesor los primeros días de clase. Esta comunicación parte de la experiencia de haber empleado esta metodología en una asignatura de Historia del Cine impartida durante el curso académico 2009/2010 en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Navarra.
En un momento en el que el acceso a las obras audiovisuales es prácticamente ilimitado, la crític... more En un momento en el que el acceso a las obras audiovisuales es prácticamente ilimitado, la crítica cinematográfica se ha revalorizado. El número de blogs, páginas especializadas en Internet y secciones culturales de los medios tradicionales que contienen apartados sobre crítica de cine es cada vez mayor. La superabundancia de opiniones sobre estrenos y reestrenos de películas ha generalizado la idea de que todos podemos ser críticos. En este capítulo se sintetizan las habilidades teóricas y técnicas que definen al buen crítico. Mediante un acercamiento temático a la praxis de la interpretación fílmica, se ahonda en la esencia de la mejor crítica cinematográfica posible, parafraseando la idea de Jean-Luc Godard según la cual la misión del crítico consiste en hacer visible lo invisible.
En este capítulo se abordan las consecuencias que se derivan del exilio del escritor portugués Mi... more En este capítulo se abordan las consecuencias que se derivan del exilio del escritor portugués Miguel Torga en Brasil durante su adolescencia en su obra literaria posterior, tanto desde el punto de vista temático y simbólico, como en su propia concepción de la literatura y de las relaciones entre la vida y la escritura.
Este texto contiene un análisis temático del cuento "El secreto" del escritor portugués Miguel To... more Este texto contiene un análisis temático del cuento "El secreto" del escritor portugués Miguel Torga. Se trata de un relato breve que forma parte de "Piedras labradas" (1951), quinto y último de los cinco libros de narraciones breves que Torga publicó a lo largo de su vida. En el análisis que aquí se ofrece se hace especial hincapié en el tema de la erosión, que afecta tanto al cuerpo hermafrodita del protagonista como a los vínculos que le unen a su familia y a la sociedad.
En el primer capítulo de su Poética, Aristóteles define las distintas especies de poética (traged... more En el primer capítulo de su Poética, Aristóteles define las distintas especies de poética (tragedia, epopeya, comedia o ditirambo) como artes imitativas. Esta afirmación se funda en el hecho de que la composición poética emplea el lenguaje como medio para imitar las acciones de los hombres, sean estas esforzadas o de baja calidad, tal como precisa el Estagirita. Desde que Aristóteles ahondó en la relación mimética que existe entre la creación poética y el mundo en el siglo IV antes de Cristo -dejando atrás, no obstante, la concepción platónica de la mimesis como imitación y subrayando, por otro lado, el papel activo de la poiesis como representación-, son muchos los académicos filólogos o críticos literarios que han abordado este tema, algunos con mayor fortuna que otros. Como una nueva evidencia de la capacidad del arte para arrojar luz en las tinieblas, quizá la literatura se haya constituido como el mejor medio, si no para resolver esta encrucijada donde convergen la creatividad y la vida, sí para mostrar sus más diversos matices. En este sentido, el cuento “Sésamo”, que forma parte del libro Nuevos cuentos de la montaña (1944) del escritor portugués Miguel Torga (1907-1995), se adentra en ese terreno fronterizo en el que la realidad parece confundirse con la ficción y al revés. A partir del estudio de este relato breve que narra la decepción de un niño que accede al mundo de los adultos al descubrir que los cuentos no son más que eso -simples cuentos- se intenta profundizar en el sentido que parece tener el arte para el protagonista de esta historia.
"El regreso" es una de las veintitantas narraciones breves que componen el libro Nuevos cuentos d... more "El regreso" es una de las veintitantas narraciones breves que componen el libro Nuevos cuentos de la montaña, publicado en 1944 por el escritor portugués Miguel Torga (1907-1995). Históricamente, la aparición de este volumen de relatos coincide con un periodo de recrudecimiento político del régimen salazarista. Este tiempo difícil supuso para Torga la aprehensión de algunos de sus libros, el acoso de la censura e incluso la experiencia de la cárcel. Asimismo, el hecho de que el protagonista de "El regreso" sea un joven soldado que vuelve a las montañas portuguesas tras haber participado en una contienda que no parece ser otra que la Guerra Civil española ha favorecido a menudo la lectura histórica y también política de este relato. Más allá de este acercamiento externo a "El regreso" de Torga, el trabajo que aquí presentamos pretende llamar la atención sobre la reinterpretación o reinvención de algunos argumentos literarios como el mito de Anteo, la parábola del hijo pródigo, el personaje del Quijote o "El proceso" de Kafka, todos ellos relacionados de una u otra forma con el regreso al hogar, a la casa o a algún tipo de refugio o lugar cobijado. En concreto, se trata de relacionar al protagonista de "El regreso" con el personaje mitológico de Anteo, con el hijo pródigo del relato bíblico, con el Quijote o con el K. kafkiano, partiendo de la incapacidad para volver a casa que plantea el cuento torguiano. En este sentido, la vuelta a casa que Torga sugiere en "El regreso" podría tener mucho que ver con una vuelta literaria a los clásicos, entendiendo esta palabra en el sentido más amplio del término.
Conference Presentations by María Noguera
12th Screenwriting Research Network (SRN) International Conference, Universidade Católica Portuguesa, 2019
This presentation will analyze three works by recognized European filmmakers in a stage of maturi... more This presentation will analyze three works by recognized European filmmakers in a stage of maturity: Ulysses' Gaze (To Vlemma tou Odyssea, 1995), A Talking Picture (Um filme falado, Manoel de Oliveira, 2003), and Our Music (Notre musique, Jean-Luc Godard, 2004). These three films share a representation of Europe in a state of identity crisis caused by its recent past of war and brutality. They show a gap that cannot be bridged between an uncertain present and a wider past, rich in cultural traditions, art, and mythology. This breach crystallizes certain narrative structures that push the boundaries of a single narrative linearity. In Ulysses' Gaze, the journey of the main character merges with several layers of time, memory, and History, which, through their juxtaposition, manage to create a cohesive story. In A Talking Picture, a woman and her daughter's sea voyage runs in parallel to the reconstruction of a glorious chapter in the history of European civilization, to the extent that the secondary, underlying storyline ultimately determines, without a direct visual representation, the meaning of the former. Finally, Our Music emulates the tripartite division of Dante's Divine Comedy to explore, through an apparent separation of its parts and a choice of wartime setting, the truncated dialogue with the foundational values of Europe. Thus, the main goal of this paper will be to study the ways in which the reflection on a European identity crisis drives the creation of non-conventional narrative structures in the analyzed films.
VIII Congreso Internacional sobre la Imagen, Universidad Internacional de Venecia, 2017
MIGUEL MUÑOZ GARNICA. Universidad de Navarra MARÍA NOGUERA TAJADURA. Universidad de Navarra
IV Congreso Internacional Historia, Arte y Literatura en el Cine en Español y en Portugués, Universidad de Salamanca, 2017
Articles in journals by María Noguera
Costume designers collaborate with film directors to bring the characters in the script to life. ... more Costume designers collaborate with film directors to bring the characters in the script to life. Film costumes are a visual tool of a narrative nature with which costume designers meet the diegetic needs of each story. Through clothing, they make internal aspects of the characters visible, such as their transformations, their nature and styles, their passions, aspirations and suffering, as well as aspects of the spatial, temporal and social context in which the stories take place. This study explores costume design by Ruth E. Carter as a dramatic tool in the biopic Malcolm X (1992), directed by Spike Lee. To that end, the function of film costumes is assessed both as a visual and narrative tool that exceeds the aesthetic dimension and is essential to give meaning to any film production. KEYWORDS costume designer Ruth E. Carter colour zoot suit character biopic fashion Black history fspc pp. 1-17 Intellect Limited
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Book Chapters by María Noguera
In 2009, film critic A.O. Scott effectively coined the term “Neo-Neo Realism.” The New York Times reviewer thus verified the appearance of a current of American films conceived under the influence of Neorealism and placed Wendy and Lucy at the forefront of this tendency. Reichardt herself has also recognized this influence in several occasions, among others that will also be considered in this text.
From this starting point on, this chapter intends to carry out a narrative analysis of Wendy and Lucy so as to illustrate its continuity with the ethical and aesthetical tenets of the celebrated European film movement that opened the gates of modern cinematic times. This transcultural dialogue finds its most obvious evidence in the film’s narrative structure —a lonely young woman strives to find the only being for whom she feels a genuine affection: her dog— that recalls films such as Vittorio De Sica’s Bicycle Thief (1948) or Umberto D (1952). As in those, Reichardt —in collaboration with her usual co-writer, Jonathan Raymond— gives voice and dignity to an outsider character, who suffers the effects of the severe social and economic crisis around him/her, and then puts forth a humanistic discourse fully engaged with the ordinary man and woman of its times.
Ultimately, this study attempts to shed light on a promising line of work for transnational productions by observing how the presence of certain foreign cultural elements can enrich a film through explorations of the human condition. In the case of Wendy and Lucy, the heritage of a certain classical European cinema contributes to make this a remarkable film, with which Reichardt reinforces her status as one of the most important voices in contemporary American independent filmmaking.
Conference Presentations by María Noguera
Articles in journals by María Noguera
In 2009, film critic A.O. Scott effectively coined the term “Neo-Neo Realism.” The New York Times reviewer thus verified the appearance of a current of American films conceived under the influence of Neorealism and placed Wendy and Lucy at the forefront of this tendency. Reichardt herself has also recognized this influence in several occasions, among others that will also be considered in this text.
From this starting point on, this chapter intends to carry out a narrative analysis of Wendy and Lucy so as to illustrate its continuity with the ethical and aesthetical tenets of the celebrated European film movement that opened the gates of modern cinematic times. This transcultural dialogue finds its most obvious evidence in the film’s narrative structure —a lonely young woman strives to find the only being for whom she feels a genuine affection: her dog— that recalls films such as Vittorio De Sica’s Bicycle Thief (1948) or Umberto D (1952). As in those, Reichardt —in collaboration with her usual co-writer, Jonathan Raymond— gives voice and dignity to an outsider character, who suffers the effects of the severe social and economic crisis around him/her, and then puts forth a humanistic discourse fully engaged with the ordinary man and woman of its times.
Ultimately, this study attempts to shed light on a promising line of work for transnational productions by observing how the presence of certain foreign cultural elements can enrich a film through explorations of the human condition. In the case of Wendy and Lucy, the heritage of a certain classical European cinema contributes to make this a remarkable film, with which Reichardt reinforces her status as one of the most important voices in contemporary American independent filmmaking.
Labyrinths of remembrance. The representation of memory in Eternal Sunshine of the Spotless Mind
Abstract The article proposes a study of the film Eternal Sunshine of the Spotless Mind as a paradigmatic case of "memory film". The film, directed by Michel Gondry and written by Charlie Kaufman, addresses the filmic representation of personal memory in an accomplished way, in its double condition of object and process. The analysis first deals with how memory emerges in the film as its thematic axis. Then the structure of the story is analyzed, built with different narrative lines that constantly intersect and that cause an obvious narratological complexity. Finally, the three most characteristic features of memory films are addressed: subjectivity, temporal indiscernibility and performativity. The way in which these three features converge on Eternal Sunshine of the Spotless Mind makes this film an excellent example of the possibilities available in cinema for the representation of personal memory. Palabras clave: Memoria; película de memoria; narratología; subjetividad; indiscernibilidad temporal; performatividad.
This article analyses the creative strategies deployed to frame the narrative and aesthetic family resemblance between Fargo the series and Fargo the movie. It explores the cluster of intersections between the film and the TV show in relation to four categories: 1) The choice of a diegetic universe related to the original, which also frames the series within similar genre coordinates. Both productions present an investigative, thriller-ish plot that unfolds against the breath-taking snowy backdrops of Minnesota and Dakota, enabling us to view them under the paradoxical label of white noir. 2) The dramatic construction of the main characters in the series replicates the struggle between good and evil present in the film, through the choice of analogous roles: good, incarnated again in an ordinary police woman; and evil, in the hitman duo from Fargo and Lorne Malvo, a diabolical character who features only in the TV show. Moreover, the series extends the antiheroic, pathetic archetype that acts as a catalyst for the intrusion of evil in the plot. 3) Traces of certain narrative and visual echoes comprise the clearest mode of resemblance, although they are also used to drive the plot in new directions and to underscore the metaphorical meaning of the mise-en-scène. 4) And last but not least, the development of the expressive possibilities of the landscape, which —in both film and TV series— is portrayed as linked with the inner world and personality of the characters.
The purpose of this analysis is to show how the creative choices made in the process of adapting Fargo as a series have established a dialogue, rich in nuance and intertextuality, with its cinematic predecessor. That the show has been classified as a free adaptation, a tribute or even a sequel to the film is no accident. The effect of this translation from one medium to another prompts a sense that the viewer is experiencing two different, autonomous texts (each production is shaped by its own plot) that nonetheless evince a mutual affinity as sure as it is subtle.
de esta ampliación de las vías de estudio, la moda ha experimentado un creciente interés por parte de la investigación académica. Este trabajo da cuenta de la dispersión de aproximaciones teóricas sobre la moda, y de su definición multidimensional. A partir de
este marco fracturado, se plantea la oportunidad de investigar la moda en su dimensión comunicativa. Para ello se realiza un estudio empírico cuyo objetivo evalúa la presencia de la moda en los planes de estudio de las facultades de comunicación y la presencia de
la comunicación en los estudios de moda, tanto en centros superiores de enseñanzas artísticas como en la universidad española.