História, cultura e arte do

teatro
O que seria da vida sem a arte? Eu me
pergunto, será que valeria a pena? Viver em
um mundo destituído de todas as maneiras
mais fascinantes e necessárias de expressão.
O ser humano precisa da arte, porque ele é
feito de arte. Nós inspiramos e expiramos o
mundo, e através da arte colocamos para
fora o mais profundo dos sentimentos. Ouso
dizer que sem ela seríamos incompletos.
Das mais diversas maneiras de se fazer arte, venho falar do teatro. Por mais que gostaria de trazer cada
minuciosidade dessa cultura, não caberia tudo aqui. Diante disso, vamos dar um breve salto em sua história
e voltar no tempo.
Quando o assunto é teatro, se tornou comum associar sua origem à Grécia Antiga. No entanto, as
manifestações teatrais estavam presentes na humanidade em períodos bem anteriores aos gregos. Seu
surgimento está relacionado com as sociedades primitivas do intitulado período pré-histórico, no qual se
utilizava a imitação como uma das maneiras de se comunicar. Esses movimentos simulavam os animais e
eram usados para encenar como havia sido as caçadas, transmitindo assim o ocorrido aos demais. Esses povos
também possuíam danças cerimoniais destinadas aos deuses da caça e da colheita. Assim, a origem do teatro
tem uma natureza ritualística, e ele é considerado uma das expressões artísticas mais antigas da humanidade.
Mas, ao contrário do pensamento largamente disseminado sobre as origens do teatro no território grego, ele já
se manifestava em diversas outras culturas espalhadas pelo globo. Antes mesmo de se desenvolver na Grécia
já se fazia presente entre as civilizações egípcias. No Egito, o teatro surgiu aproximadamente em 3000 a.C., e
suas representações eram de origem religiosa. Nelas se enalteciam suas divindades, como Osíris, Ísis e Hórus.
A peça mais antiga que se conhece é de origem egípcia na qual se encena a história do deus Osíris, sendo um
drama mitológico que era apresentado anualmente. Através do Egito, o teatro foi transportado para o solo
grego, onde teve seu desenvolvimento impulsionado.
Foi por volta do século V a.C. que o teatro chegou na Grécia antiga, e sua primeira característica foram as
festas dionisíacas, realizadas em homenagem ao deus Dionísio, que é a divindade mitológica referente ao
vinho, à fertilidade e às festividades. Nessas festas as pessoas bebiam, dançavam e atuavam, o que era
considerado um ritual sagrado para celebrar a chegada da primavera. Sua cerimônia era composta de
procissões, recitais e concursos teatrais que duravam dias consecutivos. As festas também contribuíam para
conciliar os aspectos políticos da pólis, e ajudavam a atenuar os conflitos.
Ao contrário do que se imagina, o teatro grego nesse período não possuía atores, as histórias eram narradas
por um coro através de canções e danças. O ofício de ator surgiu quando um dos participantes da cerimônia
vestiu uma máscara humana e disse: “Eu sou
Dionísio!”. Assim, passou-se a interpretar um
deus, o que antes não acontecia. Este participante
se chamava Téspis, e ele é considerado o primeiro
ator da história do teatro ocidental.
As apresentações eram realizadas ao ar livre, em
construções erguidas sobre as encostas
montanhosas, chamadas de teatro arena. Nelas era
possível que todo o público tivesse uma ampla
visão das cenas apresentadas, e seu formato de
meia-lua facilitava a acústica.
Teatro de Dionísio, Atenas. [Foto: Marcelo B./TripAdvisor]
Na Grécia surgiram dois grandes gêneros de teatro, a tragédia e comédia. Nas peças trágicas se encenavam as
histórias ligadas ao destino, e elas possuíam algumas características em comum, como a tensão, o medo e um
final trágico. Esse gênero teatral despertava no espectador sentimentos como temor e piedade, e os levava à
“catarse”, que segundo Aristóteles se manifestava no público no decorrer do espetáculo, e gerava um efeito
de purificação dos sentimentos. Já a comédia grega tinha o intuito de provocar o riso e o divertimento, e
representava de forma satírica as questões da sociedade,
baseando sua crítica através do ridículo e do exagero.
As máscaras da tragédia e da comédia se tornaram o
símbolo do teatro e das artes cênicas. Elas eram um objeto
muito utilizado, pois com elas era possível conferir ao ator
traços expressivos que auxiliavam o público a identificar as
intenções do personagem. Elas também possuíam uma
espécie de cone embutido, que permitia que a voz tivesse
uma ampla propagação.
Máscaras gregas. [Imagem: Reprodução/ Slide Player]
Entretanto, é importante ressaltar que o uso das máscaras se
estabeleceu também por conta da exclusão das mulheres.
Na pólis elas não eram consideradas cidadãs, já que não
possuíam direitos políticos, portanto, eram proibidas de
atuar e tinham seu papel restrito aos afazeres domésticos e
a procriação. Sendo assim, as máscaras serviam para
representar personagens de ambos os sexos.
O teatro na Grécia foi muito relevante para o desenvolvimento da cultura grega, e teve uma vasta repercussão
em todo o ocidente, influenciando e inspirando outros territórios.
Teatro Oriental
No outro lado do mundo, o teatro oriental surgiu aproximadamente
em 2000 a.C, e era constituído de cerimônias religiosas. Na China,
essa manifestação artística foi estabelecida durante a dinastia Hsia,
mas além de celebrações de cunho religioso, também eram incluídos
palhaços e acrobatas. Uma das vertentes teatrais mais estimadas é o
teatro de sombras, que consiste na manipulação de marionetes entre
uma luz e uma tela.
Representação do Teatro de Sombras. [Foto: Wang Gang/Xinhua]
Já na Índia, acredita-se que o teatro tenha surgido com o deus Brama, e baseava-se nas histórias tiradas da
épica hindu. Para os indianos, o palco é um lugar sagrado escolhido pelos deuses. A expressão artística teatral
na Índia é muito ligada à dança, com destaque para o teatro Kathakali, conhecido como uma dança teatral.
Uma característica muito essencial dessa vertente é a maquiagem do “ator-sacerdote”, que contém grande
expressividade, e acentua com precisão suas feições. O teatro indiano, assim como o chinês, possui diversas
riquezas e mistérios acerca da sua cultura, que vão muito além das informações citadas aqui.
Teatro Brasileiro
No Brasil, já haviam manifestações teatrais através dos povos indígenas. Contudo, com a chegada dos jesuítas
essa expressão artística foi reprimida e adaptada aos interesses do colonizador. O teatro passou a ser um
instrumento pedagógico de educação religiosa com a finalidade de catequizar os índios. As peças eram escritas
pelos jesuítas e apresentavam caráter religioso, didático e moralizante.
Com a vinda da família real, D. João IV assinou o decreto de 28 de maio de 1810. Ele tinha por finalidade a
construção de teatros “apropriados” para o lazer da nobreza, cujas peças encenadas vinham da Europa,
portanto não retratavam a cultura brasileira.
O teatro teve uma guinada nacionalista com o surgimento do romantismo. Em seguida, ele passou a desfrutar
da experiência realista, e dar enfoque aos problemas sociais da época.
Em 1922 aconteceu a Semana de Arte Moderna, e diferente das outras expressões artísticas, o teatro não
obteve nenhuma reforma. Foi só em 1943, com a estreia de Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues, que se
iniciou o teatro moderno no Brasil.
Theatro Municipal de São Paulo [Imagem: Divulgação/Complexo
Theatro Municipal]
Já em 1960, Augusto Boal criou a metodologia do Teatro do
Oprimido (TO), que tem por objetivo trabalhar o lado artístico, social
e político do público, visando estimular uma transformação social.
Em 1964, com a implantação da ditadura militar, as expressões
artísticas foram reprimidas através da censura. Mas, apesar de toda a
repressão, o teatro teve um papel essencial na resistência cultural, e
deu cada vez mais enfoque aos assuntos políticos e sociais. Nesse período surgiram diversos grupos engajados
na luta contra a ditadura, entre eles o Teatro Arena e o Teatro Oficina.
Na década de 80, com a abertura política, o teatro pôde voltar a inspirar a liberdade de expressão sem as
algemas da censura. Contudo, ele não se recuperou de imediato, e reuniu diversos grupos teatrais da época
que visavam os mesmos objetivos. Essa organização coletiva ficou conhecida como teatro de grupo.
A história do teatro no Brasil vai muito além desta breve condensação. Hoje ele é exibido nas suas mais
diversas vertentes para todo o tipo de público e finalidade. O teatro acompanhou de perto o desenvolvimento
da humanidade, e passou e ainda passa por muitos altos e baixos. Ele enfrenta a cada período da sua história
uma dificuldade e experimenta diferentes formas de se inserir na sociedade.
O teatro e a sociedade
Toda manifestação artística exerce uma função social que impulsiona a humanidade a refletir, questionar e
mudar. O teatro faz isso por meio das suas múltiplas vertentes que se entrelaça com cada ser humano a sua
maneira. Através da arte a sociedade é estimulada, tanto a exercer um olhar crítico e curioso, quanto a estreitar
as relações coletivas. Segundo Matheus Cosmo, mestre em Artes Cênicas pela USP, “a arte deve ser pensada
como um trabalho coletivo de construção de conhecimento, ela precisa ser vista como forma de vida, não
como fuga do real, muito menos como reprodução imediata da realidade cotidiana”.
O teatro também estimula o desenvolvimento de inúmeras habilidades, e pode atuar como uma ferramenta
educacional. A linguagem teatral para crianças e jovens traz diversos benefícios para o seu desenvolvimento
social e pessoal. Além de promover o trabalho em equipe e o convívio com as diferenças, ele estimula a
concentração, a consciência corporal, a criatividade entre outros. Assim como trabalha o lado emocional, e
ajuda a desenvolver confiança, autoconhecimento e autoestima. E por meio de uma aprendizagem mais lúdica,
ele contribui para incutir uma consciência cultural.
Contudo, o teatro enfrenta muitos obstáculos para se inserir no hábito cultural da sociedade. Existem diversas
respostas para isso, como a mobilidade, o custo financeiro, os costumes, a desvalorização, a indústria cultural,
entre outros. Dentre esses fatores está a falta de incentivo, que vem marginalizando cada vez mais essa
expressão artística.
As políticas públicas de incentivo à cultura não possuem uma distribuição homogênea dos recursos, e isso faz
com que ela fique concentrada, e por consequência gera uma grande distorção entre as regiões. O acesso ao
teatro ainda é muito restrito para grande parte da população. Segundo dados de 2014 do Instituto Brasileiro
de Geografia e Estatística (IBGE), apenas 23,4% dos municípios brasileiros possuem teatros ou salas de
espetáculos. Um estudo realizado pelo Sesc e pela Fundação Perseu Abramo apontou que seis a cada dez
brasileiros nunca assistiram a uma peça teatral. O estudo ouviu 2,4 mil entrevistados em 25 estados.
“A dificuldade de penetração do teatro na sociedade não é um mero acaso. Mas é um programa de governo,
historicamente estruturado, minuciosamente ativado, frente ao qual atualmente os artistas nacionais não
possuem relevância necessária sequer a ponto de possuir um Ministério a chamar de seu”, afirma Matheus
Cosmo.
A pesquisa “Viver em São Paulo: Cultura”, realizada pela Rede Nossa São Paulo em parceria com o Ibope
Inteligência, mostrou que apenas 19% dos paulistanos frequentaram o teatro nos últimos 12 meses. Em sua
grande maioria eram da classe alta, evidenciando as discrepâncias sociais.
Vale lembrar que o acesso à cultura é um direito fundamental do cidadão, previsto na Constituição Federal de
1988 no Art. 215: “O Estado garantirá a todos o pleno exercício dos direitos culturais e acesso às fontes da
cultura nacional, e apoiará e incentivará a valorização e a difusão das manifestações culturais”.
No entanto, quando posto na prática esse direito é levado a segundo plano, e as desigualdades ao acesso à
cultura são gritantes. A valorização da cultura e o incentivo ao hábito cultural não são exercidos como
deveriam, e o teatro, assim como todas as formas de manifestação artístico-cultural, é desvalorizado e
prejudicado. Isso também acontece com a população, que tem seu acesso restrito e negligenciado.
Acerca disso, Matheus Cosmo ressalta: “A desvalorização do teatro não deve ser pensada como um fenômeno
isolado, mas vista como parte de um processo de desmanche no qual as artes, a cultura e todos os âmbitos da
área de Humanidades vêm perdendo lugar”.
A desvalorização da classe artística, junto com a falta de incentivo e o preconceito semeado tanto pelo Estado
quanto por segmentos da sociedade também estão presentes. “Os artistas sofrem com toda essa desvalorização.
Com a falta de auxílio para fazer arte nas escolas, e o mesmo vale para as produções amadoras de artistas
independentes que tentam realizar seus sonhos”, comenta Daniel Belizário, ator e diretor de teatro.
Contudo, os artistas resistem e lutam por respeito e reconhecimento em um cenário onde a arte é
constantemente sufocada. “A grande falta de informação e divulgação das peças teatrais prejudica muito nosso
trabalho. Se o público não vê, logo sua vontade de ir prestigiar não é fomentada”, declara Daniel “Mas apesar
de tudo, eu acredito no teatro e tenho esperança, isso nunca me falta. Fazer arte é isso, lutar todos os dias por
algo melhor, e todos os dias estou lutando”.

Ator Daniel Belizário. [Imagem: Divulgação/moaphotos&videos]

“Quando entramos no teatro como público, somos uma pessoa.
Quando saímos após as cortinas estarem fechadas, somos outra.
Acabamos entrando nessa magia que só o teatro tem, e ocorre uma
transformação, na qual aquilo que eu era, eu jamais serei novamente.
O teatro assim como a humanidade, está sempre em constante
mutação”, discorre Daniel.
O teatro é uma expressão artística riquíssima, que merece ser
reconhecida e incentivada, e sua história e contribuição dizem isso
por si só. Que sua importância venha ser compreendida e disseminada.
Fonte: http://jornalismojunior.com.br/cultura-arte-e-historia-do-teatro/