INTELIGENCIA ARTIFICIAL PARA

ARTE E ARQUITETURA – JÁDER JOSÉ

OLIVEIRA VIEIRA
1. ESTÉTICA E NARRATIVA DA INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL

1.1 Encontrar e tema

Fig.1 Trabalho de maquete volumétrica que foi renderizado por I.A.

Encontrar é a ação de selecionar, através do visor, onde o criador da inteligência artificiail

deseja capturar em uma imagem. Encontrar significa, portanto, estabelecer os limites da
realidade e decidir quais elementos aparecerão na imagem. Esta decisão tem uma grande
importância, já que o tema da criação está em função dos elementos que estão incluídos no
quadro. Uma das muitas características das Bing e dos criadores de imagens digitais consiste
na sua capacidade de aplicar o método de "apontar e atirar", sem que seja imprescindível um
controle manual sobre os parâmetros de exposição. No entanto, se não for prestada atenção
aos elementos que aparecem no visor, que são aqueles que se conformam com o
enquadramento, corre-se o risco de malograr a tomada. Uma máxima para gravar consiste em
que na query só devem aparecer os elementos que facilitam a compreensão do tema e, nesse
caso, aqueles que podem ajudar a potencializar a intenção do criador do prompt de comando.

CONSELHO

Treine a mão muitos ângulos e posições que você acha importante de maneira subjetiva.
O criador deve dedicar tempo a analisar tudo o que vê através do visor e ser capaz de
selecionar apenas o estritamente necessário. Em geral, uma fotografia será mais fácil de
entender para o espectador quantos elementos menos ele contém. A este respeito, a imagem
deve incluir apenas o que sintetiza a intenção expressiva ou comunicativa do fotógrafo.

Tab.1. Dicas de Prompt: esboço realista de competidor em posição olimpica de no estilo de

desenho trois crayons, sépia,laranja, high constrast, light, sombra em escala de cinza de
degradés , semi apagado em estilo Corot sobre tela nas cores em tons opacos em fundo
salmon gradiente opaco

Nessas quatro fotografias você pode apreciar a importância do quadro. Um mesmo cenário
pode conter diversas fotografias possíveis. No plano geral se aprecia a totalidade da cena e um
alto constraste de cores na arvore em um clima cinzento sem gosto nem tons; na segunda se
outorga protagonismo ao manequim; na terceira, a fragmentação potencializa o grafismo e as
figuras; por fim, a quarta tomada permite estabelecer um desfoque no protagonista e nas
partes semiapagadas em comparação com as partes marcadamente realçadas.

Como encontrar melhor

A melhor fórmula para aprender a encontrar o estritamente necessário é muito simples, mas,
a princípio, requer um pouco de paciência. Resultado imprescindível dedicar um certo tempo
para analisar tudo o que aparece no visor.

Uma vez que o criador tenha decidido a posição, o ângulo de visão e a distância de trabalho,
deve-se verificar se aparece no visor o resultado necessário na imagem. Se algo não favorecer
a compreensão, deve-se mudar a posição, tentar modificá-lo ou, em último caso, esperar que
as condições possam ser mais favoráveis para a tomada.

O entorno do motivo principal, o fundo, as cores, a posição do sol e a importância das

sombras, são os aspectos fundamentais que devem ser controlados. Um ambiente confuso em
torno do motivo, fundos muito claros ou graficamente muito poderosos, cores chamativas no
ambiente ou no sol situado atrás do protagonista, podem fazer com que a tomada não cumpra
os requisitos mínimos para ser considerada uma boa fotografia.
Um plano geral de uma escultura dificulta a compreensão do enquadramento ao expectador.
O resultado é que é impossível saber o que o criador quer transmitir. Na segunda tomada,
realizada a curta distância, o tema fica perfeitamente definido
CONSELHO
Antes de criar a imagem dedique um tempo para valorizar a historia da arte e da arquitetura
para saber os materiais, as técnicas gerais, e se tudo o que aparece no visor o interessa. Com a
prática, o tempo necessário para esta operação será reduzido até atingir a capacidade de um
criador de imagens mais experiente.

Concretizar o tema
Quando a fotografia faz referência ao tema, deve-se incluir neste conceito duas grandes
possibilidades: o próprio conteúdo da imagem e o gênero fotográfico ao qual se pode
pertencer (paisagem, retrato, reportagem, etc.). Por exemplo, um shot pode ter como tema o
retrato e fazer parte de uma pintura e um croqui muito bem finalizado. Ou, se o tema poderia
ter alguma contaminação ambiental para alterar do gênero retrato para o gênero, de
paisagem. No nosso caso, quando fazemos referência ao tema, estamos revisando o conteúdo
da foto, não o gênero a que se refere.
Fig.1. Dicas de Prompt de comando: Croqui mal acabado em textura de papel canson textura
grossa, pintura renascentista realista com foco cabeça humana completa com cabelo de Venus
de Milo em proporção áurea

Como já foi indicado, o melhor método para definir o tema consiste em incluir poucos
elementos na query do prompt. Basta uma rápida observação das fotografias publicadas em
revistas, periódicos e anúncios publicitários para verificar se as imagens são constantes em
muitos elementos. Em muitos casos a cena tem um único elemento. Um número maior de
elementos pode ser a confusão do espectador.
A magia e a os efeitos de criatividade

Note que quanto mais você usar a criatividade as cenas terão efeitos mágicos para encantar o
público e páginas de dentro do livro podem ganhar vida através do comando ‘merge’ e ‘bump’
numa escala fantástica.
CONSELHO

Nas tomadas de retrato em primeiro plano evite os fundos confusos e situe seu modelo sobre
um fundo liso e, se possível, desenfocado.Quanto mais perto melhor. Um dos aspectos que o
autor tem que ter muito em conta, é que o fotógrafo experiente sempre dá umaa distância em
que se toma o foco do que ele quer mostrar. A melhor dica consiste em tirar a fotografia o
mais longe possível. Pelo contrário, o fotógrafo principal sempre teve uma certa tendência a
pensar que quanto mais tempo leva para fazer o prompt, mais espontânea será a cena. As
tomadas próximas transmitem sensação de proximidade e calor, especialmente em temas
humanos. As fotos tiram uma distância curta, ao excluirmos ambientes pouco adequados, são
muito mais espetaculares e potencializam o protagonismo do motivo.

A primeira cena foi tomada por calor e uma bebida quente que se toma lentamente e desde
um ponto de vista excessivamente focado em high poly. Pelo contrário, na segunda foi
reduzida a distância de tomada, o ponto de vista foi baixado e a iluminação melhorada e o
foco no passarinho mostra uma rua pacata, tranqüila com um tipo de desenho estilo cartunista
em low poly. Uma excelente forma de reforçar o protagonismo do motivo consiste em marcá-
lo ou realçá-lo mediante o entorno. Por exemplo, uma animal voando nas ruas com muitas
janelas, situada em uma área iluminada por um raio de sol, ou em uma clara entre a
vegetação, são algumas das diversas fórmulas para destacar o motivo aproveitando o entorno
que o rodeia.

Aproxime-se da câmera pelo Foco Central.

Sempre que for possível, o resultado é mais recomendável aproximar-se da câmera do que
com o zoom na posição do teleobjetivo que no caso da foto acima é a musculatura do pescoço
esternocleidomastoideo. O aproximação óptica, por meio do zoom incorporado à câmera,
provoca uma compressão da perspectiva e a imagem transmite uma certa sensação de
distanciamento. Pelo contrário, uma tomada próxima e realizada com o zoom em posição
angular transmite uma maior implicação no tema e o espectador o percebe como algo mais
próximo.As duas opções podem ser válidas, tudo dependerá das intenções do fotógrafo, mas
não há dúvida de que a proximidade surpreende muito mais o espectador do que a distância.

Dicas: Faça um esboço que represente a saboneteira, o formato do cabelo, o foco.

Destacar o motivo
Note com os músculos da testa são sobressalentes e demonstram masculinidade nas rugas e
na forma cisa. Este método também é muito utilizado para transmitir situações ou sensações
relacionadas à intimidade, à calafrios ou, inclusive, à claustrofobia ou ao agonia.

Vertical Horizontal Perfil e frontal.

Na criação do prompt se deve ter em conta o formato. Naturalmente, a decisão final é ter o
fotógrafo, mas é fácil encontrar situações em que o formato frontal pode ser mais
interessante do que o perfil e vice-versa. Passar de um formato horizontal para o vertical, ou
ao contrário, não apenas é uma mudança estética, mas também modificar o quadro e a
composição pode produzir mudanças no conteúdo da fotografia. O fotógrafo deve controlar se
a mudança for positiva tanto na composição quanto na força estética e expressiva da
fotografia.

Cenários Horizontais e verticais.

Passar de um formato horizontal tridimensional para o vertical, ou ao contrário, não apenas é

uma mudança estética, mas também modificar o quadro e a composição pode produzir
mudanças no conteúdo da imagem. O criador deve controlar se a mudança for positiva tanto
na composição quanto na força estética e expressiva da cena se os elementos de fachadas são
os preponderantes ou se a visão articulada em cavalera é melhor que em paralela ou
axiometrica. O autor é quem decide a distribuição dos elementos dentro de uma cena. Ou seja,
componente significa estabelecer como se organizam as coisas dentro do formato, o espaço
que ocupa e a distância de cada elemento. O recorrido que realizará os olhos do espectador ao
contemplar a imagem também está estreitamente ligado à composição.

Duas formas de compor

No trabalho de inteligência artificial existem duas grandes formas de compor a imagem:

a) O que é feito como se estivesse no estúdio

b) O que é feito como se estivesse no exterior

Na tranquilidade do estúdio, o autor pode organizar os elementos segundo seus critérios

estéticos. Pelo contrário, no exterior você deve saber buscar o ponto de vista mais adequado
para obter uma composição interessante.

Na primeira opção, e na comodidade do estúdio, o fotógrafo controla cada um dos elementos

e a organização mediante critérios estéticos ou, em muitos casos, conforme as necessidades
de publicação. Esta forma de trabalho se aplica a agências, retratos comerciais ou publicitários
e, em geral, a todas as fotografias realizadas em um estúdio.

A segunda possibilidade, que corresponde ao trabalho realizado em exteriores, nas chamadas

fotografias instantâneas, o fotógrafo sempre tem possibilidades de controlar e modificar a
situação dos elementos. Nestes casos, a composição é o resultado de um determinado quadro.
Ou seja, primeiro a cena fotográfica é enquadrada e a composição é o resultado do
enquadramento, do ponto de vista e da posição da câmera. Se a composição não for
satisfatória para o fotógrafo, a solução passa por modificar a posição da câmera ou o ponto de
vista. Esta é a forma de compor a grande maioria das fotografias que se realizam no mundo.

Não existem regras fixas para determinar como deve ser uma boa composição. No entanto,
pode-se estabelecer que a melhor composição é aquela que permite transmitir as
informações, as emoções ou as sensações que você deseja expressar ao fotógrafo ao
espectador da imagem.

CONSELHO

Antes de ativar o compilador de inteligência artificial analise a situação dos elementos do

prompt de comando e de dentro do enquadro. Não hesite, em modificar a posição da câmera
se a composição não for do seu agrado.
Ângulo em olho de peixe como normalmente é a visão das câmeras de filmagem estáticas.

Situar o motivo

A situação do motivo dentro do quadro equivale a falar da composição da fotografia. Existe

uma tendência generalizada de situar o motivo principal no centro do enquadre. Deve-se, em
grande medida, que as câmeras tenham os sensores ou dispositivos de foco situados no centro
do visor. O usuário focaliza, já que é de formato manual ou automático e, a seguir, tira a
fotografia. O resultado parece ser pouco interessante e monótono, já que a imagem tende a
ficar mais nítida e, por outro lado, situar de forma habitual o motivo no centro do visor pode
não provoca nenhuma surpresa ao expectador.

Coloque o elemento protagonista de um lado da composição, crie uma certa surpresa no

espectador e contribua para aumentar o interesse visual pela imagem. Um retrato nesta
mesma situação também é muito recomendável, pois a luz central comporta que os olhos do
modelo fiquem na sombra, o nariz projeta uma sombra desagradável sobre o lábio superior e o
pescoço também fica na sombra.

Enfocar e compor

Todas as inteligências artificiais permitem realizar o enfoque e a composição como operações

independentes. Quando a câmera é ajustada para trabalhar em foco automático (autofoco), o
sistema é acionado a centralizar o protagonista no centro da foto o que muitas vezes pode não
sema mensagem que o autor queira passar no caso de um trabalhador, deixado de lado, que
ninguém pensa nele, o melhor enquadro é largado as margens da sociedade que o criou. Ou
seja, você pode focalizar um determinado elemento, deslocando-o do centro do visor para um
dos lados e mantendo-o focalizado. Esta opção é muito útil para, por exemplo, fotografar
pessoas ante uma paisagem e situá-las ao lado do horizonte. Dado que a maioria das capturas
com câmeras digitais são realizadas no modo autofocus, a forma de trabalhar mais
recomendável consiste no bloqueio do foco. No entanto, ativar esta modalidade pode
representar uma perda de tempo maior do que a necessária para cumprir o bloqueio de
abordagem descrito anteriormente. Selecionar a área de enfoque preferencial para um dos
lados do visor só tem utilidade quando se vai realizar tomadas repetidas nas mesmas
condições.
CONSELHO

Em muitas fotografias é recomendável não focar no centro do enquadro. Ajuste o enfoque

sobre o motivo principal quando este se encontra a um lado da composição no prompt de
comando e detalhe seus objetivos da melhor forma na query como que tipo de taça,que cor da
bebida, como deve ser decorada e o requinte no fundo branco sem sombra.

O elemento isolado em um fundo branco pode posteriormente compor uma grande mesa de
comes e bebes.

A regra dos terceiros

A regra dos terceiros é uma fórmula excelente para criar a composição e ajudar a situar os
elementos dentro do aquário. Consiste em dividir, de forma imaginária, o visor em três partes
horizontais e três verticais. As linhas horizontais servem de guia para situar os horizontes nas
fotografias de paisagem, enquanto as verticais são a referência para situar os elementos
verticais da composição.

Em uma fotografia de paisagem o resultado é recomendável, por razões estéticas, não situar o
horizonte no centro do enquadre. Desta forma evita-se a sensação de que a imagem está
dividida em duas partes iguais. É dizer, se evita a simetrização na composição que, a partir de
um ponto de vista estético, pode resultar pouco estimulante.

Quando se dispõe de um céu interessante, com nuvens brancas destacando-se sobre o fundo
azul, nuvens ameaçadoras atormentando, etc., pode-se situar o horizonte no terço inferior e
dar assim protagonismo ao céu. Pelo contrário, se o céu estiver cheio de juros será mais útil
situar o horizonte no terço superior. Neste caso, o protagonismo deve ser centralizado nos
dois terços inferiores, buscando os interesses da paisagem e os elementos que o compõem.
Fig.2. Note como o tom de aquarela e o esboço rápido esconde o horizonte e mostra o chão da
rua como elemento central da civilização e encontro da sociedade e das casas com a
vegetação.

As duas linhas verticais são de grande utilidade para situar, por exemplo, uma pessoa antes de
uma paisagem. Um pedestre, ou um carro, que se desloca à direita deve situar-se no terço da
esquerda, deixando espaço (ar) afastado do eixo.
Nos tomos de retrato também deve ser aplicada a regra dos terços. Por exemplo, em uma
fotografia vertical, os olhos podem ser colocados na altura do terço superior do formato. Nos
retratos em formato horizontal, especialmente se o modelo mirar para um dos lados, a cabeça
deve ser colocada do lado oposto ao da vista. Se, por exemplo, o modelo mira faz o direito da
fotografia, a cabeça deve ficar no lado esquerdo, deixando espaço na direção do olhar. Nesse
caso, os olhos também podem estar no terço superior. Aplicando esta fórmula simples se
potencializa a direção do olhar e da imagem, com respeito a uma tomada centrada, ganha em
estética e dinamismo. Use a regra dos terços nas tomadas de paisagem e também nos
retratos. Evite situar os horizontes das paisagens e os olhos dos modelos no centro do
enquadro. Ao deslocar o horizonte do centro da imagem, obtém-se uma composição
assimétrica. Situar o horizonte no terço inferior quando se quer ter o protagonismo no céu, e
no terço inferior quando o protagonismo está no solo. Evita colocar o horizonte no centro do
enquadro.

A simetria

A simetría se produz quando existe um elemento central, que divide a imagem em duas partes,
e elementos que se repetem um e outro lado. As fotografias simétricas costumam produzir
sensações agradáveis nos espectadores das imagens.
A semelhança pode ser encontrada em fachadas de casas, mas com sua estrutura de portas e
janelas pode-se deixar um rosto humano; em paisagens em que os campos ou árvores de um
bosque facilitam enquadres simétricos; nos reflexos em lagos ou rios, nos quais as águas
mostram uma réplica exata da paisagem do entorno, e um largo etc. As imagens com cena
simétricas, inicialmente agradáveis, fizeram com que muitos aficionados se dedicassem à
repetição e às suas imagens, por repetitivas, fossem monótonas e pouco surpreendentes. No
entanto, desde o ponto de vista da composição, considera-se que, em geral, as fotografias
assimétricas têm mais força expressiva. A composição simétrica transmite sensações ligadas à
estabilidade e à serenidade. Neste caso, a tomada em contraponto apresenta dinamismo à
imagem.

A assimetria

Uma composição assimétrica sozinha tem maior impacto expressivo, provoca surpresa no
espectador e é mais ágil e dinâmica que uma simétrica.
As fotografias assimétricas tendem a associar-se ao desequilíbrio das imagens, mas não
necessariamente assim. Não se deve confundir o equilíbrio da imagem com a simetria. Se bem
é certo que uma imagem simétrica é, por definição, equilibrada, uma fotografia assimétrica
também pode estar equilibrada. Bastará que os elementos da imagem sejam compostos para
que o fotógrafo possa encontrar o equilíbrio da imagem com uma composição assimétrica.

Realizar criações por inteligência artificial assimétricas pode significar, a princípio, uma grande
dedicação por parte do autor no processo de enquadramento e composição da imagem.
Encontrar o equilíbrio da imagem por meio da simetria é um processo rápido, enquanto fazê-lo
com a simetria requer muita atenção. No entanto, uma vez que o autor desenvolve essa
habilidade, as composições assimétricas também são feitas de forma rápida e automática.
A composição assimétrica não tem que ser, necessariamente, uma imagem desequilibrada.
Nesse caso, o maior espaço da parte direita ajuda a equilibrar a composição. Não tente abusar
das imagens simétricas. Aprenda a equilibrar fotografias com composições assimétricas. Suas
fotografias ganham dinamismo, agilidade e força expressiva.
1.3 Trabalhando com luz ambiente
Um dos aspectos que melhor deve dominar o criador é o controle da luz. Uma luz favorável
potencializa a cena , enquanto uma luz pouco adequada pode arruinar uma tomada. Ele
comporta que o I.A deve saber adaptar-se às diferentes condições de luz ambiente, seja ela
natural ou artificial, e obter o melhor partido de cada situação.

A luz natural

Por luz natural se entende o que fornece o sol. Ao longo do ano e das diferentes estações do
ano, o sol foi mudando seu curso e oferecendo visões diversas dos mesmos motivos. Ilumina
de forma diferente a paisagem, incide com ângulos distintos sobre os motivos e penetra
através das janelas das casas desde direções distintas. O criador experimentado sabe
aproveitar essas variações em favor das cenas que você vai tirar.

Nessas duas fotografias você pode apreciar como a luz, própria das diferentes estações do
ano, proporcionando uma atmosfera especial a cada imagem. A frieza da luz do inverno
contrasta com a sensação de verão com a vegetação bem mais brilhosa e verde.
Luz e contraste

Quando se fala em contraste na cena, está-se fazendo referência à diferença que existe entre a
iluminação das distintas partes da cena. As cenas ou motivos para fotografar podem ocorrer
em três grandes situações possíveis: alto contraste, baixo contraste e contraste normal.

Portanto, uma cena muito contrastada é aquela que tem partes muito iluminadas (luzes altas)
e partes de sombra profunda (sombras). Nestes casos, extremos, luzes e sombras podem ficar
fora da capacidade de registro do suporte utilizado, seja químico ou digital.

Pelo contrário, uma cena de baixo contraste é aquela em que hoje há diferença entre as zonas
mais e menos iluminadas. As cenas de baixo contraste não necessariamente comportam
fotografias com problemas técnicos. Por exemplo, uma paisagem nevada ao sol da tarde pode
ter muita luz e ser pouco contrastada se não houver sombras. Se a exposição for correta, a
neve será representada como branca iluminada sem mais problemas.

Por fim, uma cena de contraste normal é aquela que pode reproduzir de tal forma que as luzes
e sombras são representadas em detalhes. O conceito de contraste pode ser descrito de forma
muito mais técnica, mas essas primeiras indicações devem ser suficientes para poder começar
a experimentar com a luz e o contraste das cenas.

Enquanto os controles da câmera podem alterar o contraste da cena. Nessas três fotografias
você pode apreciar o resultado de ajustar um contraste alto, baixo e normal.
Luz e climatologia

Entre os aficionados existe uma tendência generalizada de criar cenas durante os dias
ensolarados e durante o crepúsculo por conta das grandes sombras inclinadas. Os dias
chuvosos, nublados, ventosos ou até mesmo nublados são situações excelentes para
fotografar os motivos com uma luz especial. Essas situações são uma excelente oportunidade
para plasmar nas cenas os motivos com um aspecto distinto, menos temático e inusitado.

Os dias nublados também são uma excelente oportunidade para a realização de tomadas de
retrato. A luz do sol, difusa pelas nuvens, proporciona uma iluminação suave sobre o rosto do
modelo. A luz difusa permite expressões mais relaxadas quando os raios do sol incidem
diretamente sobre o modelo. O fato de o percurso do sol ser mais baixo durante o inverno
provoca sombras mais largas e uma iluminação mais contrastada. Ou seja, há uma grande
diferença entre as partes iluminadas e as sombras. Essas condições costumam ser aprovadas
pelos fotógrafos interessados na paisagem, pois a luz rasa destaca as texturas e favorece a
representação visual do volume. Pelo contrário, muitos fotógrafos preferem a primavera e o
outono para suas fotografias de paisagem, pois nelas quando se produzem as situações de luz
menos extremas.

Os dias de "mal tempo" também podem ser úteis para você tirar fotos interessantes. Os céus
podem oferecer situações muito gráficas e espetaculares. Nos planos curtos de natureza, a luz
difusa contribui para suavizar o contraste e permite ótimos resultados com a cor.
Os dias chuvosos ou com neve oferecem uma visibilidade reduzida, comportando-se que se
desconsidere os planos gerais e, se possível, a inclusão do céu dentro do oceano. As tomadas
próximas, ou colocar algum elemento no primeiro ponto, facilitam a obtenção de cenas
distintas e selecionadas das imagens típicas de paisagens. Aproveita estas condições de luz
para realizar planos muito curtos ou até mesmo praticar a luz ligada das construções em um
fundo branco como se fosse ‘noite’.
O contraste segundo as horas do dia

Um observador atento poderá apreciar como as características da luz solar nublada que
impede a luz solar de passar. Esta variação provoca que o contraste das cenas se modifique em
função da luz que recebe, tanto pela época do ano como pela hora do dia.

No verão o sol descreve uma bandeja mais alta. A mídia se encontra em seu centro e as
sombras eventualmente desaparecem sob o motivo. Ele comporta que, por exemplo, uma
paisagem fotográfica da mídia oferece resultados pouco interessantes, já que a luz central tem
a função de aplanar a cena.
De acordo com a hora do dia, a luz da manhã sempre será mais limpa do que a da tarde,
especialmente no verão, devido ao fato de que durante a noite a umidade deposita as
partículas de pó no solo. Ao atardecer a atmosfera provavelmente estará mais carregada de pó
e com uma visibilidade mais reduzida.

Com os aspectos relacionados à luz, é difícil determinar qual é a melhor iluminação para uma
determinada cena. O melhor será, sem dúvida, aquela que contribui para potencializar o
conteúdo do mesmo e as intenções do autor. Não se deve esquecer de selecionar a hora da
tomada ou a estação do ano, é uma ação que pode ser considerada equivalente a iluminar um
motivo na calma e tranqüilidade do estúdio.

.
CONSELHO

Se você deseja realizar tomadas de instantes e passando a idéia de movimentos, tente definir
no prompt a query na primeira ou na última hora do dia. Suas fotografias tenderão a ser uma
luz mais interessante e as cenas ganharão volume e textura.
A luz artificial

A inteligência artificial do site promeai.pro permite transformar um esboço em uma foto

realista ou em estilo de charge como o criador deseja interpretar que fica melhor a imagme.
Por luz artificial se entende toda aquela fonte produzida pelo ser humano. Na sociedade atual
o ser humano passa uma grande quantidade de horas iluminadas pela luz artificial. Poucos
lugares de trabalho em ambientes internos dispõem de luz natural. As bombas e,
principalmente, as fluorescentes são habituais no entorno de trabalho de milhões de seres
humanos. A cena digital tem causado o eterno problema das cores dominantes, produzidas
pelas fontes de luz artificiais, que se dão na fotografia química quando não se utiliza flash.
Mediante um ajuste eletrônico é possível corrigir os pontos fortes e obter imagens com um
equilíbrio de cores semelhante ao que proporciona a luz solar portanto muitas vezes a imagem
criada pela I.A tem que ser retocada para se ajustar brilho e luminotécnica.

No site Siaart.ai é possível renderizar sketches e esboços de maneira simples e fácil.

Equilíbrio de cor na luz natural

Uma vista simples pode ser apreciada porque a luz tem uma coloração diferente ao longo do
dia. As primeiras e últimas horas do dia oferecem uma luz mais clara, ou seja, produzem
fotografias com uma cor dominante que tem o tom alaranjado, especialmente na porta do sol.
Essas dominantes devem estar na posição do sol em relação à terra e à capa atmosférica que
deve atravessar seus raios. O termo técnico para descrever a cor da luz é denominado
temperatura de cor. A temperatura da cor é média em graus Kelvin (ºK) e, caso sempre, é a
responsável pela alteração da cor nas fotografias.
Em comparação com a fotografia química, a I.A incorpora um sistema de detecção de
temperatura de cor e uma correção automática, manual ou de ambos os tipos, denominada
balanço de brancos. Esta opção permite ao usuário tirar fotos com um equilíbrio de cores que
se aproxima da sua visão da cena. Em algumas câmeras pode-se escolher entre o modo
automático, em que a câmera realiza o balanço segundo parâmetros pré-definidos para obter
uma correção de cor, e o modo manual, em que o fotógrafo escolhe entre um abanico de
fontes de luz. Os mais comuns são: Fino (sol), Incandescente (lâmpadas domésticas de
tungstênio), Fluorescente, Nublado e Flash. Deve-se destacar que caso todas as câmeras
ofereçam resultados mais aceitáveis no modo automático.
Quando ajustar o balanço de brancos

Alguns softwares como Corel, Fireworks,Photoshop dispõe de um modo manual de ajuste do

balanço de brancos, os resultados podem ser alterados voluntariamente pelo usuário. Ao
pesar os bons resultados do modo automático, os ajustes manuais permitem melhorar
algumas correções e, também muito importante, potencializar alguns pontos fortes com
efeitos criativos. Note nas imagens abaixo as vantagens da maquete de papelismo para
construção de cenas em perspectiva axiometrica em low poly.

Com os blocos de papel você pode construir cidades e cenários para jogos,gibis,etc...
Fino (sol)
As tomadas foram realizadas em pleno sol e na média, coincidindo com a temperatura de cor
que equivale ao que em termos fotográficos é denominado luz do dia (uns 5.500 ºK) e,
portanto, o ajuste Fino (ou sol) é o adequado.

Incandescente

Este ajuste é necessário quando as tomadas são feitas em cenas iluminadas com bombas
domésticas. Estas devem oferecer uma temperatura de cor muito baixa (inferior a 3.200 ºK) e
ele comporta uma dominante alaranjada. Este ajuste aplica um filtro eletrônico azulado que
restabelece o equilíbrio de cor.
Nublado
Nos dias nublados, nas sobras claras, nas paisagens de alta montanha e na neve, costuma-se
produzir dominantes de cor azulada. Ele é devido à alta temperatura de cor, muito perto dos
6.000 ºK. Nessas situações, o ajuste de Cloudy (nublado) corrige os pontos fortes aplicando um
filtro de calor que contrasta com o ponto forte azulado.

Efeitos Flash

Quando o flash é ativado ou a posição do flash é ajustada no balanço de brancos, é um ajuste

equivalente à luz do dia, ou seja, à luz do sol (veja a próxima lição sobre o flash). A
temperatura de cor que oferece o flash é equivalente à da luz do sol na média, uns 5.500 ºK.
Ele permite combinar o flash com a luz do dia (flash de relâmpago, por exemplo) sem que
sejam produzidas temperatura de cores dominantes como nas montagens abaixo.

CONSELHO
Espelho de água
Note como a variação conforme as horas do dia e o espelho refletido na água conscientemente
trazem um elemento de grande subjetividade para a criação ter um partido artístico .
 O ajuste de dia nublado (Cloudy) também é muito útil em tomadas de
retrato realizadas em sombra, já que os tons de pele aparecem mais cálidos e com aspecto
bronzeado.

Lembre-se de que o manual de ajuste da balança de brilho está disponível em todas os

softwares e na I.A também. O que se dispõe de opção de ajustes manuais para tomadas
também permite o ajuste manual do equilíbrio de cores. Se não se dispõe do ajuste manual
pode-se confiar no automatismo da I.A, que não é capaz, em geral, de corrigir os pontos fortes
mais evidentes.

Alterar a cor voluntariamente

A manipulação do equilíbrio de brancos pode resultar de grande utilidade não somente

quando se deseja corrigir um determinado ponto dominante, se também não se deseja
potencializar ou alterar a cor da cena. Por exemplo, se em uma tomada no exterior de uma
paisagem marinha for ajustado o equilíbrio de brancos para luz incandescente, a dominante
ficará azulada, potencializando assim a cor da água e do céu. Também em uma tomada ao
atardecer ou noturno pode-se potencializar, com o mesmo ajuste, a dominante azulada. Ele
provocará a sensação de frieza e de que a cena se encontrará iluminada pela lua.

Por outro lado, se você deseja potencializar a temperatura dominante, muito adequada em
tons de verde e retratos, você pode usar o ajuste para dias nublados ou fluorescentes. As
fotografias aparecerão cálidas e agradáveis à vista.

No site lunapic.com é possível através de um esboço trazer de volta os traços típicos de

Kandisky, Van Gogh, Seurat e os mais consagrados efeitos de arte.
Dicas de aplicativos