Top-10 indie Asia: el cine indie más esperado del año (según El blog de filmin).

filmin es una web que, con el apoyo de las compañías independientes más importantes de España, ofrece online el mejor cine independiente con calidad dvd y por un módico precio. En El blog de filmin han publicado unos atractivos Top-10 geográficos sobre el cine a estrenar. Aquí os traigo su Top-10 Asia:

En esta cuarta entrega viajamos hacia horizontes orientales. Horizontes a los que aún no hemos llegado pero que de aquí a final de año esperamos alcanzar. Evidentemente, nuestro número 1 de la lista pueden todos imaginarse cual es, la incontestable Palma de Oro. Una Palma de Oro bien secundada por cuatro títulos más que certificaron en Cannes la buena salud del actual cine asiático. ¿La gran ausencia? Sin duda, el Bruce Lee de Wong Kar Wai. Un film para cuyo estreno habrá que esperar como mínimo a comienzos del 2011, o, incluso, al próximo Festival de Cannes. Aquí van nuestras 10 apuestas asiáticas para lo que queda de año.

1.-"LAS VIDAS PASADAS DEL TÍO BOONMEE" D. Apichatpong Weerasthakul (Tailandia)
¿De qué va?
Película inspirada en un libro que un monje le entregó a Apichatpong hace unos años, antes de rodar "Tropical Malady". Es la historia de un hombre del noreste de Tailandia, la zona en la que él creció, que aseguraba poder recordar sus reencarnaciones pasadas (anécdota incluída en "Tropical Malady"). Al final, trata sobre dos de sus actores habituales que,como dos amigos, emprenden el camino para visitar a un hombre moribundo.
Por qué está en la lista:
Fumata blanca y Palma de Oro en el Festival de Cannes. Triunfadora total y absoluta de uno de los palmarés menos discutidos de los últimos años del certamen francés. El responsable de "Tropical Malady" y "Syndromes & Century" vuelve a superarse dando forma a su obra cumbre. (aunque muchos de nosotros pensáramos que "Tropical Malady" era ya insuperable, parece que no es así). Quienes no pudimos gozarla en Cannes, aguardamos con gran impaciencia su pase en la Sección Oficial del inminente Festival de Sitges. A nuestras pantallas comerciales llegará de la mano de Karma Films.

2.-"POETRY" D. Lee Chang Dong (Corea del Sur)
¿De qué va?
Mija vive con su nieto adolescente en una pequeña ciudad dormitorio cerca del río Han. Mija es una señora a la que le gusta llevar sombreros floreados y ropa elegante, pero también es una persona imprevisible llena de curiosidad. Se apunta por casualidad a un taller de “poesía” en un centro cultural del barrio, y por primera vez en su vida se ve en la obligación de escribir un poema. El primer paso que da en busca de inspiración poética es observar la vida diaria a su alrededor y en la que nunca se ha fijado. De pronto, una nueva energía se apodera de Mija, como si fuese una niña que acaba de descubrir la vida. Pero cuando debe enfrentarse a una realidad mucho más dura de lo que jamás había imaginado, se da cuenta de que la vida no es tan maravillosa como creía…
Por qué está en la lista:
Premio al Mejor Guión en Cannes 2010, fue otra de las indiscutibles protagonistas del certamen francés. Lee Chang-Dong retoma el melodrama con el que ya triunfara con "Secret Sunshine" (Mejor Actriz) hace dos años en Cannes y añade una pieza más a su tan personal obra marcada ante todo por la reflexión dramática y social que conlleva el género melodramático.

3.-"OUTRAGE" D. Takeshi Kitano (Japón)
¿De qué va?
Una banda yakuza rebelde actúa sin control al margen del clan más poderoso. Otomo (Kitano) y su propia banda serán los encargados de arreglar la situación y mantener el orden.
Por qué está en la lista:
El regreso al cine yakuza de Kitano fue otra de las protagonistas de Cannes y lo será también en Sitges. Sin embargo, "Outrage" no es cine negro al uso. Aunque conserva el nihilismo y la tendencia al fatalismo propia del género, la película se hace fuerte tanto en su distanciamiento irónico y gamberro, como en la pletórica inventiva formal demostrada por Kitano. Planteada como un carrusel de hallazgos visuales y humor muy negro (la trama es mínima, esquelética), la película se adentra sin prejuicios en el territorio de la violencia más extrema y paródica (un poco a la manera de Takashi Miike), al tiempo que ensaya múltiples ritmos; estirando y comprimiendo continuamente el tiempo de la acción, siempre en busca del más puro goce plástico (en la línea de Brian De Palma o Seijun Suzuki).

4.-"MANILA" D. Raya Martin y Adolfo Alix. Jr. (Filipinas)
Sección Oficial
¿De qué va?
Raya Martin y Adolfo Alix Jr. firman al alimón este díptico que comparte ánimo de tributo y actor protagonista, el actor Piolo Pascual. Mientras el primer segmento está inspirado en "Manila by Night", de Ishmael Bernal, en el segundo segmento, basado en "Jaguar", de Lino Brocka, el actor interpreta a un guardaespaldas que trabaja para el hijo de un político y que tras un tiroteo huye hacia los oscuros rincones de la ciudad.
Conclusión:
Díptico rodado en dos segmentos por los responsables de "Independencia" y "Tambolista" y también por Lav Díaz, quien, aparece sin acreditar y completa así un sugerente trío formado por los máximos exponentes del emergente nuevo cine filipino (con permiso, por supuesto de Brillante Mendoza). Además de ciudad y protagonista, ambos segmentos comparten un estilo, una impoluta factura con un elegante y sugerente blanco y negro, y, sobre todo, un alto contenido existencial sugestivamente plasmado en un personaje que, por diferentes razones, navega a la deriva en una ciudad que claramente se erige en la verdadera protagonista del film. Quienes asistimos a su pase en el pasado BAFF quedamos prendados ante el poder hipnótico de esta nueva joya filipina.

5.- "HAHAHA" D. Hong Sang-Soo (Corea del Sur)
¿De qué va?
Dos amigos se reúnen en torno a unos (numerosos) tragos para contarse sus últimas experiencias antes de que uno de ellos abandone Corea para irse a Canadá. Hablando de los buenos momentos, ambos se cuentan sus experiencias durante sendos viajes a Tongyeong. Su encuentro no será puesto en escena sino a través de fotografías en blanco y negro, acompañadas de la voz en off de sus comentarios, articulándose todo el film en un colorido pasado, no por ello menos efímero, menos inasible, incontrolable y frágil.
Por qué está en la lista:
Premio Un Certain Regard en el pasado Festival de Cannes, fue una de las películas más aplaudidas y unánimemente alabadas por parte de la crítica mundial. Tras "Woman on the Beach", "Turning Gate" o "Night & Day", el cineasta coreano parece haber alcanzado su absoluta madurez como cineasta. "Hahaha" es prueba de ello.

6.- "THE HOUSEMAID" D. Im Sang-soo (Corea del Sur)
¿De qué va?
Remake del film de culto homónimo dirigido por Kim-Ki Young en 1960. Dong-sik inicia una relación ilícita con la doncella cuando su mujer embarazada va a visitar a su familia. A partir de entonces, la casa se convertirá en un infierno.
Por qué está en la lista:
Sección Oficial. en el pasado Festival de Cannes no tuvo la buena acogida esperada. Opiniones dispares para un film que, sin embargo, no dejó indiferente a nadie. Pulcro, sofisticado y extravagante, su tráiler resulta suficiente para comprobar el valor estético de un remake cuya predecesora, en efecto, pedía a gritos una puesta al día. Una obra maestra cuyo carácter perturbador y enfermizo sigue hoy día intacto, pero cuyo discurso social había quedado ya obsoleto. En definitiva, una propuesta diferente e innovadora que pese a su posible irregularidad reúne todas las condiciones para ser destacada en nuestras preferencias.

7.-"NORWEGIAN WOOD" D. Tran Anh Hung (Japón)
¿De qué va?
Quienes no hayan leído la novela de Murakami, serán pocos a tenor de las ventas del autor nipón en nuestro país deben saber que "Tokyo blues" narra una historia de amor triangular que se convierte en el relato de una educación sentimental pero también de las pérdidas que implica toda maduración. Con un fino sentido del humor, Murakami ha escrito el conmovedor relato de una educación sentimental, Tokio blues supuso el reconocimiento definitivo del autor en su país, donde se convirtió en un best seller.
Por qué está en la lista:
No llegó a Cannes pero si lo hará tanto a Toronto como a Venecia. Su director, Tran Anh Hung, el mismo de las excelentes "Cyclo" y, sobre todo, "El olor de la papaya verde". Regresó el pasado año tras casi una década de silencio con un thriller rodado en inglés, protagonizado por Josh Harnett y titulado "I come with the rain", quienes la han visto la califican como uno de los desastres cinematográficos más rotundos de 2009. Su protagonista principal, Rinko Kikuchi ,vista hace unos meses en el "Mapa de los sonidos de Tokyo" de Isabel Coixet. Su banda sonora, Johnny Greenwood, guitarrista de Radiohead. Olvidando su último paso en falso, lo cierto es que "Tokyo blues" ("Norwegian Wood") es uno de los títulos más esperados del año.

8.-"GENPIN" D. Naomi Kawase (Japón)
¿De qué va?
El título, Genpin, está superpuesto sobre las palabras del filosofo chino Lao Tzu “El espíritu del valle nunca muere / Se llama la mujer misteriosa (genpin).”En la película, el tocólogo Tadashi Yoshimura reflexiona sobre la relación entre el alumbramiento y la muerte, y observa, más como ser humano que como médico, que negar la muerte es negar la vida. La vida nacida a este mundo, la vida que termina en el momento del nacimiento, la vida que acaba antes del nacimiento. Las vidas no cesan como vida aislada, sino que son prolongadas por la especie, y siguen. Con el fluir de las estaciones japonesas, Naomi Kawase entra en el círculo de las mujeres que van a dar a luz en la Clínica Yoshimura y en el mundo del Dr. Yoshimura, que lleva 40 años dedicado al campo del alumbramiento natural, y teje, incorporando el metraje que rodó con su propia cámara de 16 mm, la trama para esta película.
Por qué está en la lista:
Tras obtener la Caméra d’Or en Cannes con "Shara" (1997) y ganar el Premio Especial del Jurado en Cannes 2007 con "El bosque del luto", Naomi Kawase es sin duda uno de los referentes y una de las cineastas más personales del cine japonés contemporáneo. Lo hace con una obra marcadamente autobiográfica. Ahora presenta en San Sebastián "Genpin," film con el que, seguro, seguirá respondiendo a nuestras altas expectativas siendo fiel a su particular estilo.

9.- "A WOMAN, A GUN AND A NOODLE SHOP" D.Zhang Yimou (China)
¿De qué va?
El director chino más famoso adapta la ópera prima de los hermanos Coen, en su versión el protagonista trabaja en un restaurante de noodles y está empeñado en asesinar a su mujer por infidelidad.
Por qué está en la lista:
Es la primera película en cuatro años de Yimou, su regreso al cine tras la tremenda implicación que tuvo en los Juegos Olímpicos de Pekín. Tendrá su premiere en España en el inminente Festival de Sitges, y de la mano de Golem, llegará a nuestras pantallas comerciales el próximo 15 de Octubre.

10.-"LOLA" D. Brillante Mendoza (Filipinas)
¿De qué va?
Dos ancianas deben lidiar con las consecuencias de un crimen que involucra a sus nietos: uno es la víctima y el otro el sospechoso. Pobres y débiles, ambas parten en busca de dinero en mitad de una tormenta. Lola Sepa, acompañada de su nieto menor, enciende una vela en el lugar del asesinato de su otro nieto a manos de un ladrón de móviles. Luego inicia su búsqueda de fondos para el funeral y el juicio. Por su parte, Lola Puring se enfrasca en una laboriosa recogida de dinero para conseguir la libertad temporal de su nieto, el asaltante.
Por qué está en la lista:
Mejor pelícual en el pasadp Festival de Las Palmas, será estrenada en España por Golem a finales de año. Tras "Serbis" y "Kinatay", Brillante Mendoza sigue con paso firme en su disección de la sociedad filipina y confirma que en efecto, si los hermanos Dardenne fueran filipinos serían los hermanos Mendoza. Con una capacidad de realismo que roza el documental, Mendoza y su cámara siguen por las calles de Manila a dos heroínas, en forma de dos abuelas, en su particular cruzada por lograr el dinero necesario, una para sacar a su nieto de la cárcel, la otra para poder ofrecerle un digno funeral al suyo. No hay padres, no hay abuelos. Son ellas y sólo ellas quienes mandan pero también quienes se sacrifican en este particular y sincero homenaje que el Mejor Director del Festival de Cannes 2008 ofrece a sus ancestros filipinos. Tan dura, como honesta y entrañable, "Lola" no hace más que confirmar que estamos ante uno de los directores del momento.

Miradas: Georges Hoyningen-Huene.

¡Qué bueno es Dios!

El fuego y la palabra (Richard Brooks, 1960)

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Burt Lancaster: ¡Amigo Jim!

Arthur Kennedy: Me parece que le sentaría bien un trago.

Burt Lancaster: ¡Alcohol! Sabe una cosa Jim, tendría que haber una ley contra la bebida.

Arthur Kennedy: Ya existe la prohibición.

Burt Lancaster: Sólo prohibe vender, pero no beber, ¡¡¡Jajajajaja!!

Arthur Kennedy: Amén.

Burt Lancaster: ¡Por las horas felices!

Arthur Kennedy: ¡Por los días felices!

Burt Lancaster: ¡Qué bueno es Dios!... Contemple esto amigo Jim, ¿a qué viene tanta furia?, ¿lo sabe?

Arthur Kennedy: A la plebe no le gusta que sus dioses sean humanos... ¿Le han hecho daño?

Burt Lancaster: No tanto como usted, ja, ja, ja...

Arthur Kennedy: Era mi obligación, ¿qué piensa hacer ahora?

Burt Lancaster: Pues lo de siempre, hoy arriba, mañana abajo. Pecas, te arrepientes. Hacer las cosas lo mejor que pueda y que el señor haga el resto.

Arthur Kennedy: Así que ¿de veras cree en Dios?

Burt Lancaster: Naturalmente. Al hombre le conviene caer de rodillas de vez en cuando. Eso es lo que le impulsa a venir aquí a la gente. Porque están... asustados, o enfermos, porque no tienen dinero, o tienen demasiado, al empezar una guerra o después de ella. Creo que la oración es la medicina más barata. Por eso Sharon les hacía tanto bien.

Dirigido por ... Richard Brooks.

Todos mis films cuentan la misma historia,

la de un hombre que busca su dignidad

y los medios que emplea para acceder a ella.

Richard Brooks

Periodista, novelista, colaborador de Orson Welles en la radio, guionista, Richard Brooks fue un todoterreno que realizó, entre 1950 y 1985, 24 películas, en las que supo, sin estar fuera del sistema y a pesar de los frecuentes choques que tuvo con la industria, mantener un nivel de calidad y una línea de independencia y coherencia en la expresión de su personal visión del mundo.

Empezó como guionista antes de dirigir, con exóticas fantasías de aventuras en technicolor como La salvaje blanca (Arthur Lubin, 1943) y La Reina de Cobra (Robert Siodmak, 1944). De ahí pasó a firmar los guiones de magníficos ejemplos del cine negro de la época: la maravillosa Forajidos (Robert siodmak, 1946), Fuerza bruta (Jules Dassin, 1947) y Encrucijada de odios (Edward Dmytrik, 1947) -las 3 bajo la sombra del productor Mark Hellinger-. En esta última Brooks adaptaba su primera novela. Trabajó también para otros guionistas que se habían pasado antes que él a la dirección: Delmer Daves en To the Victor (1948) y John Huston en Cayo Largo (1948)

Debutó como director con el padrinazgo de Cary Grant en Crisis (1950). Deadline USA (1953) es un reivindicativo thriller periodístico protagonizado por Humphrey Bogart, en el que Brooks hace una proclama en favor de la libertad de expresión, coartada por los intereses económicos en una sociedad capitalista en la que la corrupción está a la orden del día. Esta notable película era su particular homenaje al oficio de periodista que tan bien conocía.

Richard Brooks estuvo 11 años como asalariado para la Metro y como tal se vió obligado a hacer algunas cintas de género. Así, en 1953 se le encargan 2 films de intención propagandística para la guerra de Corea: Battle Circus y Take the High Ground. La primera, de nuevo con Bogart y con guión propio, podría verse como un antecedente del MASH de Altman, pues trataba de las unidades móviles sanitarias (MASH en inglés). En ella sobraba una forzada historia de amor, seguramente impuesta por el estudio. En la segunda, Brooks se vale de su experiencia en sus años de marine para hacer una crónica realista de la instrucción de los futuros soldados de infantería en manos del tópico sargento de hierro (Richard Widmark).

Un año después adapta a Scott Fitzgerald -en la que será la 1ª de sus traslaciones a la pantalla de obras de grandes novelistas y dramaturgos- en La última vez que ví París. estamos en los días de la liberación de París por los aliados. Van Johnson es un periodista aspirante a escritor que tiene una historia de amor con una sufriente Liz Taylor. La película no puede escapar a los tópicos establecidos por Hollywood sobre americanos en París, pero desprende una poderosa melancolía.

Semilla de maldad (1955) supone su primer éxito importante. Se trata de un acercamiento, entre realista y moralista, a la problemática de la delincuencia juvenil en las calles de los barrios pobres de Nueva York. Para Brooks la sociedad es la culpable de la situación al ignorar los problemas y sólo estar preparada para reprimirlos.

El fuego y la palabra (1960) es un excelente melodrama, para mí la cima de la filmografia de Richard Brooks. La película, que adapta la novela de sinclair Lewis, cuenta la historia de un predicador en una pequeña comunidad de los EEUU en los años 20 que utiliza la religión como negocio. Brooks equilibra con maestría la denuncia de la religión como espéctaculo y la tensión dramática argumental. Una película que se beneficia además de unas grandes interpretaciones: sensacional Burt Lancaster e impecables Shirley Jones y Jean Simmons.

Tenneessee Williams estaba encantado con la dirección de actores de Brooks así que no tuvo el menor problema a la hora de elegirle para que llevase a la pantalla otro de sus dramas, Dulce pájaro de juventud (1962), con el mismo reparto de Broadway: de nuevo Newman acompañado esta vez por una madura Graldine Page. El film cuenta la relación entre un joven aspirante a actor que retorna a su pueblo natal acompañado de su "protectora", una diva en crisis, alcoholizada y olvidada. Como en La gata sobre el tejado de zinc los aspectos más controvertidos del texto original fueron suavizados. Drama amargo sobre personajes atrapados y asfixiados por un entorno castrador que Brooks filma con su habitual buen oficio. Con Lord Jim (1964) consiguió salvar la enorme dificulta de adaptar a Joseph Conrad. Los profesionales (1966) es una magistral película, un atípico western con buenas escenas de acción y estupendos diálogos. Un film sobre los dilemas morales, los ideales, el fin de las revoluciones, la lucha de clases y las causas perdidas. Al año siguiente estrenó una modélica versión fílmica de A sangre fría, la obra maestra de Truman Capote. En 1969, con su esposa Jean Simmons como protagonista, Brooks rodó una película íntimamente dolorosa, Con los ojos cerrados, sensible y pesimista relato de una crisis matrimonial con tintes autobiográficos: él en esos momentos estaba en trámites de divorcio.

Con la escepción de Muerde la bala (1975), un western áspero, violento y realista, sus trabajos en los años 70 -un thriller cínico y desigual, Dólares (1971) y la tremendista Buscando al Sr. Goodbar (1977)- no añadieron nada bueno a su filmografía. Tras una mediocre y disparatada sátira política, Objetivo mortal fechada en 1981 se despidió del cine con Fever Pitch (1985) una aproximación al mundo de los adictos al juego que pasó sin pena ni gloria. El descalabro comercial de sus dos últimas películas en las que ejerció de productor le supusieron un debacle económico del que no se recuperó. Moriría un 11 de marzo de 1992 en Beverly Hills de un paro cardíaco.

Whisky (Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, 2004).

Whisky es la palabra que dicen los tres protagonistas de Whisky cuando posan para una fotografía y esbozan una falsa sonrisa.

Whisky es la 2ª película del dúo uruguayo formado por Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella. Y es una lástima que sea la segunda y la última, ya que Rebella se suicidó en julio de 2006.

En resumen, la película aborda unos días en la vida de Jacobo, un judío solitario, reservado, frío y distante, propietario de una cochambrosa fábrica de calcetines en Montevideo, cuya mortecina y rutinaria existencia se ve alterada por la visita desde Brasil de su hermano Herman. Jacobo decide pedir ayuda a Marta, su empleada, para que se haga pasar por su esposa durante esos días.

Si tuviera que definir Whisky con las mínimas palabras diría que estamos ante una especie de Kaurismaki porteño. Como en las películas del finlandés, nos encontramos con una narración seca, personajes lacónicos, silencios voraces, y un sutilísimo, soterrado sentido del humor. Whisky tiene una puesta en escena austera que es un modelo de precisión y rigor. Rebella y Stoll construyen un universo cerrado con una absoluta lógica interna. Las reiteraciones, las repeticiones, las elipsis, ayudan a entrar en ese universo en el que la soledad, la incomunicación y la monotonía de unas vidas tan grises como fácilmente reconocibles, son el sustento de esta historia minimalista.

Whisky trata sobre el silencio y las cosas no dichas. Los silencios juegan un papel muy importante en el relato. Los personajes intercambian más que palabras cuando hablan. Detrás de ellas se pueden ver sus limitaciones, sus frustraciones, sus necesidades.

Whisky es del tipo de cine que no da respuestas al espectador, más bien deja en el aire preguntas para que cada espectador llegue a sus propias conclusiones. Es por eso que los directores ofrecen una información mínima sobre sus personajes. Ellos son por lo que vemos de ellos e intuimos.

A pesar de mostrar una realidad en la que prima la tristeza de la rutina, la mediocridad, la fealdad visual (¡ese piso de Jacobo!, ¡el decadente hotel de la costa!) Whisky es un film de una rara fuerza y belleza, muy atento en la composición de los encuadres y utilizando de manera muy efectiva los objetos y decorados que acompañan la desangelada vida de estos inadaptados emocionales a los que la pareja de directores uruguayos observan sin juzgar y sin aportar ningún énfasis melodramático.

La música del azar: Björk & Thom Yorke, "I've Seen It All".

Festival de Cannes, año 2000. Björk gana el Premio a la mejor actriz por Bailar en la oscuridad que consigue también la Palma de Oro. Su interpretación de Selma, una inmigrante checa en los Estados Unidos que encuentra en los musicales de la época dorada de los años 40-50 una vía de escape a sus muchos problemas, cautivó al jurado. Pero Björk declara que una y no más, que ella no quiere ser actriz. Prefiere disfrutar la música que está en su cabeza a rompérsela en un territorio ajeno al suyo como es el cine en el que nunca podrá tener el control como en sus discos. Para Lars Von Trier, ella no es una actriz profesional, y en lugar de interpretar el personaje, cometió el error de vivirlo.

De lo que sí quedó satisfecha la islandesa fue de la magnífica banda sonora de la película, Selma songs: Music fron Dancer in the Dark. "I've Seen It All" es el tema estrella. Una canción que comienza acompasada al sonido de los chasquidos de un tren de mercancías. Un bello dueto con Thom Yorke, líder de Radiohead, siguiendo la línea de los clásicos que suena como un cruce de "You're the Top" de Cole Porter" y el "They All Laughed" que cantaban los inimitables Louis Armstrong y Ella Fitzgerald.

La belleza natural de Virginie Ledoyen.

Filmografía seleccionada:

1991 El ladrón de niños (Christian de Chalonge)

1993 Las marmotas (Elie Chouraqui)

1994 L'eau froide (Olivier Assayas)

1995 La ceremonia (Claude Chabrol)

1995 La file seule (Benoit Jaquot)
1996 Mahjong (Edward Yang)
1998 Jeanne y el chico formidable (Olivier Ducastel & Jacques Martineau)

1998 Finales de Agosto, principios de Septiembre (Olivier Assayas)

1999 La hija de un soldado nunca llora (James Ivory)

2000 La playa (Danny Boyle)

2002 8 mujeres (François Ozon)

2003 Bon Voyage (Jean-Paul Rappeneau)

2005 El internado (Pascal Laugier)

2006 Bosque de sombras (Koldo Serra)

2006 El juego de los idiotas (Francis Veber)

2009 L'armée du crime (Robert Guediguian)

La última película en Anarene.

Peter Bogdanovich se había estrenado bajo el manto protector de la factoría de Roger Corman con una película con Boris Karloff titulada El héroe anda suelto (1968). El también director y uno de los dueños de la productora BBS, Bob Rafelson, se fijó en ella, pero sobre todo en su realizador, del que pensó que sabía mucho de cine y podría encajar en alguno de los proyectos de su empresa. Tras un intento frustrado para que dirigiese la adaptación de la novela "The Looters", fue la esposa de Bogdanovich, Polly Platt, quien apuntó la posibilidad de adaptar una novela de Larry McMurtry titulada "The Last Picture Show" publicada en 1966. Bert Schneider, otro de los socios de la BBS aceptó la propuesta siempre que ellos tuvieran derecho al final cut. Además impuso una serie de condiciones, como que su presupuesto no superara el millón de dólares, la inclusión de desnudos y que el salario del director sería de 75000 dólares más un 20% neto de los beneficios obtenidos con el film.

A Peter le gustaba la novela, pero pensaba que era muy complicado llevarla a la pantalla. Para un neoyorkino como él, los ambientes de una cerrada comunidad rural tejana le resultaban muy lejanos. Pero con la insistencia de su esposa trabajó en el guión con Larry McMurtry modificando y suprimiendo partes de la novela. Para el director supuso un reto para su inspiración aquel material en principio tan ajeno a él, pero a la vez tan motivante. Para el escritor "Bogdanovich está tan conmovido como yo por el final de las cosas, por el ocaso de los periodos, las generaciones, las parejas, una ciudad.Pude haberlo deducido de su gusto por Ford o Hawks."

La película trata, en resumen, del paso de la adolescencia a la edad adulta de dos amigos en un pueblo de Texas, Anarene, con sus 1131 habitantes y sus calles polvorientas, todo ello ambientado en un pasado reciente, concretamente 1951. En el libro aquella población se llamaba Thalia, pero Bogdanovich le cambió el nombre por Anarene como un homenaje a la Abilene de Texas, en Río rojo. La última película es una historia coral de gentes que no son felices y que se debaten entre el inconformismo, el tedio, la rutina y el dolor. Todo tamizado por unas imágenes que transmiten un sentimiento crepuscular de final de una época a la vez que fin de la inocencia de unos personajes que se han de enfrentar de bruces a la vida adulta, un mundo contaminado donde el placer sólo es momentáneo y la esperanza algo inútil. En esa línea crepuscular está la desaparición del único cine del pueblo que otorga ese simbolismo buscado por el director, sintetizando así la desaparición de un tipo de vida y la entrada en un nuevo orden y una nueva moral. Y la última película en el cine de Anarene es ... un western, Río rojo (Howard Hawks, 1948) que para Bogdanovich "era una película acerca de los días en que Texas tenía gloria y una especie de razón para existir. Quería una película de aventura, una película acerca de dejar senderos".

Fue su amigo Orson Welles quien le sugirió filmar en blanco y negro. La dirección de fotografía se le encargó al veterano Robert Surtees que había sido asistente de Greg Toland. Su trabajo, lleno de sombras y contrastes, es de una absoluta sobriedad y clasicismo, en un momento en el que el clasicismo no estaba bien visto.

Bogdanovich se implicó personalmente en la elección del reparto imponiendo su idea de que los actores jóvenes no fueran demasiado conocidos. Tymothy Bottoms, en el papel de Sonny, sólo había trabajado en una película: fue el protagonista de Johnny cogió su fusil. Jeff Bridges, que interpreta a Duane, pertenecía a una saga de actores y tenía algo más de experiencia, sobre todo en TV. El caso de Cybill shepherd fue un ejemplo de la tozudez del cineasta neoyorkino. Ella era una modelo de 20 años a la que Peter vió en la portada de la revista Glamour y se empecinó en que sería su Jacy. Cybill acabaría siendo la causa de la ruptura del matrimonio Bogdanovich, según parece fue un amor a primera vista. "Tienes que aceptar. Con este papel conseguirás una nominación de la Academia". Con estas palabras Peter Bogdanovich intentaba convencer a un reticente Ben Johnson. Finalmente recurrió a las buenas artes de John Ford que tantas veces le había dirigido, para que firmara. El actor ganaría el Oscar a mejor secundario.

The Last Picture Show obtuvo un gran éxito, refrendado con las nominaciones en 8 categorías de los Oscars, incluyendo mejor película y mejor director. Además del citado premio a Ben Johnson, Cloris Leachman triunfó como mejor actriz de reparto.

McMurtry y Bogdanovich intentaron en 1990 repetir éxito con una secuela que seguía la estela en el tiempo de sus personajes y que se tituló Texasville. La mayoría de los actores del reparto repitieron en sus papeles, pero los tiempos habían cambiado y la película pasó con más pena que gloria. De Bogdanovich poco más se supo. Hoy en día está desaparecido del mapa y parece un director del pasado.

Miradas: Bob Willoughby (1927-2009)

Vincente Minnelli, Gene Kelly y Eric Carpenter, 1954

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Olivia de Havilland, 1954

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Montgomery Clift, 1956

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Kirk Douglas, 1952

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Humphrey Bogart, 1952
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Audrey Hepburn y Georges Cukor, 1963
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Montgomery Clift, 1956
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Frank Sinatra, Otto Preminger y Kim Novak, 1955
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Humphrey Bogart, 1956
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James Dean, 1955
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Otto Preminger y Kim Novak, 1955
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Rock Hudson, 1957
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Gregory Peck y Deborah Kerr, 1957
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Jean Seberg, 1957
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Julie Christie, 1967
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Charles Vidor y Rock Hudson, 1957
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Alfred Hitchcock, 1964
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Montgomery Clift, 1956
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Billy Wilder, 1964

Miradas: Nuri Bilge Ceylan (Estambul, 1959).

Nuri Bilge Ceylan es un director de cine y fotógrafo turco casado con la actriz, escritora y también fotógrafa Ebru Ceylan.
Tras estudiar Ingeniería y Cine en su ciudad natal, completa su formación cinematográfica en Londres.
Su filmografía es corta, 5 largometrajes:
Kasaba (El pueblo, 1997)
Mayis sikintisi (Nubes de mayo, 1999)
Lejano (2002)
Los climas (2006)
Tres monos (2008)

El cinesta turco es un representante típico de lo que se ha etiquetado como cine de autor. Él dirige sus propios guiones y ha ejercido también en sus películas de productor, montador y director de fotografía. además utiliza generalmente actores no profesionales, a veces hasta familiares suyos. En Lejano los dos protagonistas son un amigo y un primo del propio director y gran parte de la acción se rodó en el apartamento de Ceylan. En Los climas, el realizador turco y su esposa interpretan los papeles de una pareja enfrascada en un proceso de separación y desamor.
Sus películas giran sobre la soledad, la incomunicación, presentan una visión sombría y decadente de las relaciones familiares, se alejan radicalmente del estereotipo colorista asociado a su país, hasta mostrar una imagen demoledoramente triste de Turquía.
Se caracteriza su puesta en escena por tomas estáticas, planos largos y sostenidos, pocos movimientos de cámara. Los diálogos son parcos y escasos, los abundantes silencios llegan a ser inquietantes y dicen mucho de sus personajes. Tiene el cineasta nacido en Estambul, una habilidad para componer con la cámara encuadres de una belleza plástica inconfundible, casi pictórica, una gran capacidad para retratar estados emocionales a través del paisaje.
Pero hoy nos vamos a centrar en su faceta de fotógrafo, presentando aquí una selección de sus instantáneas, muy cercanas a la estética de su trabajo cinematográfico: