El Organicismo.

Dr. Arq. Jorge Carlos Fernández.

• La arquitectura orgánica debe entenderse como una relación unificada y
simbiótica entre la naturaleza y la arquitectura. En su perspectiva, el
medio ambiente o la forma de construcción no deben tratarse como
entidades independientes que dominan una a la otra. En cambio, los
motivos de la arquitectura deberían integrarse en una relación abstracta
y completa con el entorno. La naturaleza crece con la arquitectura, al
igual que la arquitectura se funde en coherencia con la naturaleza.
• La arquitectura contemporánea no debería estar sujeta a ningún dogma
o estilo, pero creemos en la integración de arquitectura y naturaleza, en
el sentido más orgánico del término.
Los arquitectos estrellas, los métodos y materiales han
homogeneizado la construcción en todo el mundo, hasta el punto
que los proyectos más humildes y gigantescos emulan a menudo
conceptos desarraigados, ajenos a su emplazamiento.
La arquitectura orgánica fue concebida para combatir este
fenómeno y se ha integrado tanto en la cultura oriental, cuyo ideal
estético tradicional tendía a la asimetría, sencillez, modestia e
impermanencia; como en la cultura occidental.
• Aunque el organicismo eclosiona en las primeras décadas del siglo XX con
obras de Antonio Gaudí, Frank Lloyd Wright y posteriormente Alvar Aalto sus
principios ha continuado hasta la actualidad. Además de los referentes
organicistas, algunos de los autores contemporáneos han introducido en sus
obras referencias oníricas de procedencia surrealista. Precisamente buena
parte de los autores nombrados a continuación se nutren de la corriente
subterránea del surrealismo, la línea vanguardista mas beligerante contra el
academicismo de la atracción y del movimiento moderno.
 Lo Onírico:
• Se trata de un adjetivo que se emplea para nombrar
a lo que está vinculado al mundo de los sueños. Más
allá de lo que específicamente transcurre durante un
sueño, la noción de onírico también se utiliza para
calificar a aquello que parece irreal.
• Igualmente se aplica al mundo del arte como son los
casos del español Salvador Dalí y Joan Miró, que
están considerados como pintores onírico por
excelencia. ¿Por qué? Porque sus cuadros reflejan
tal grado de fantasía y de surrealismo que se
consideran por algunos expertos que sólo han
podido ser fruto de sueños.
• Mas allá de esta diversidad, existen una serie de mecanismos
recurrentes: posición antitipológica, gestualidad libre (movimientos
del cuerpo para expresar algo), énfasis ergonómico en la estructura,
intensidad máxima en el diseño y caracterización de cada elemento
distinto, relación de organicidad y continuidad entre partes
heterogéneas y búsquedas de resultados diferentes y
extraordinarios.
• Coop Himmelblau (Austria) en su método de diseño intenta de
eludir los mecanismos de la razón, partiendo de un instantáneo
dibujo automático, haciendo aflorar toda la energía que esconde
en el inconsciente y aflora en la mano. Evidentemente que su
método explicita un renacer del surrealismo con el objeto de
conseguir una arquitectura totalmente libre, se abandona
cualquier forma preconcebida como se puede observa en The
Open House de 1983.
• Casa Das Canoas (1951), ubicada en Rio de Janeiro del Arquitecto Oscar
Niemeyer. La característica más particular es la fusión de la arquitectura
orgánica y la arquitectura minimalista. Ésta fue construida al reparo de una
colina que se asoma sobre la bahía de Río.
• El autor dice al respecto: «Mi preocupación fue proyectar esa residencia con
entera libertad, adaptándola a los desniveles del terreno sin modificarlo,
haciéndola en curvas, de forma que la vegetación pudiera penetrar en ellas,
sin la separación entre ambas.
• La intención de Niemeyer era diseñar su residencia en absoluta
libertad, plasmar suavemente los alrededores y adaptarla a las
irregularidades del terreno: sólo de esta manera podía conseguir
que la vegetación penetrara en la residencia
Richard Neutra.
• Tras la Segunda Guerra Mundial desplegó una arquitectura que ejemplificó
el nuevo American way of life en los acomodados suburbios residenciales
de Los Angeles a través de elementos comunes como la terraza, la planta
libre, los muros acristalados y la importancia de la luz, y sobre todo, con el
entorno natural de la geografía californiana. Neutra fue uno de los
creadores que más contribuyó a esa conexión entre interior y exterior del
espacio habitado sin la cual hoy es impensable una arquitectura amable
con las personas y con el entorno.
 Enric Miralles (1955-2000), España.
• Toda su obra se caracteriza por construir un complejo sistema de objetos que
configuran un universo propio que parte de la necesidad surrealista
(trascender lo real e ir al campo imaginario e irracional) de crear un mundo
inédito y original. Se trata de una arquitectura en la que, como en los sueños
(lo onírico del surrealismo), se superponen tiempos, materias y capas.
• Terminado en 1994, el Cementerio de Igualada fue diseñado por Enric Miralles y
Carme Pinós para ser un lugar de reflexión y recuerdos. Los arquitectos pensaron
en el cementerio para que fuera la "Ciudad de los muertos", donde los muertos y
los vivos se acercan en espíritu de reflexión y recuerdos.
• Miralles y Pinos conceptualizaron las ideas poéticas de un cementerio para los
visitantes, para empezar a entender y aceptar el ciclo de la vida como un vínculo
entre el pasado, el presente y el futuro. Incrustado en las montañas de Cataluña,
el Cementerio de Igualada es un movimiento de tierra que se funde con el
paisaje como si fuera un aspecto natural de la tierra. El cementerio fue diseñado
como un paisaje escalonado que se desarrolla en el paisaje como una progresión
continua y fluida.
• Los materiales del cementerio de Igualada atan el proyecto de nuevo
al paisaje. Miralles emplea materiales terrosos de hormigón, piedra y
madera en el proyecto. Los muros de gaviones, el hormigón
envejecido, y los durmientes de madera incrustadas en los muros de
piedra evocan el paisaje duro y áspero de las colinas de los
alrededores. Los tonos terrosos de los materiales transforman la
arquitectura en una estética natural, creando la apariencia como si
cementerio existiera desde hace mucho tiempo, como parte del lugar.
• El Parlamento de Escocia (2004) terminada en gran parte del
atractivo de la propuesta de Miralles era su incorporación
articulada de la herencia escocesa en un diseño radicalmente
aventurero. Inspirándose en el paisaje escocés, tomó prestadas las
formas de los barcos, a partir de una línea en las inmediaciones, así
como los motivos de las pinturas de la flor de Charles Rennie
Mackintosh, un arquitecto de Escocia convertido en héroe nacional.
• Como una obra de arquitectura, el Parlamento es una experiencia
sensorial (fenomenología) casi aplastante de formas complejas, materiales
y dispositivos estructurales. Cada característica del edificio está
excepcionalmente detallado, con ciertos temas y líneas claras de visión
para unificar el diseño altamente abstracto y aparentemente al azar.
• Charles Jencks, luego de servir como juez en el comité del Premio Stirling,
analizó el diseño de los puntos sensibles del proyecto elogiosamente: "En la
época del edificio icónico, [el Edificio del Parlamento Escocés] crea una
iconología de referencias a la naturaleza y del entorno local, utilizando
mensajes complejos como un sustituto de una sola línea. En lugar de ser un
edificio monumental, como es el punto de referencia habitual de la capital, su
camino está ubicado en el medio ambiente, un icono de la resolución orgánica,
del tejer juntos la naturaleza y la cultura en una unión compleja."
• El Mercado de Santa Caterina, Barcelona, 1997-2005, es su obra mas urbana y
se configura como un nudo de la máxima tensión superponiendo varias capas
urbanas. Diversos sistemas constructivos generan una gigantesca cubierta
asimétrica de formas onduladas revestidas de miles de piezas cerámicas
hexagonales que recrean figuras gigantescas de frutas, todo ello apoyado sobre
los muros del antiguo mercado y unos restos arqueológicos medievales.
• El punto de partida es la inspiración del mundo orgánico de la naturaleza a través
de las geometrías sistematizadas por la ciencia, de las formas onduladas.
• Se sintetizan distintas posiciones arquitectónicas: organicismo,
surrealismo, pop y memoria urbana. La fuerza interna que
eclosiona en el edificio cristaliza en estas formas onduladas de
inspiración gaudiana, y las estructuras tubulares comprimidas y
torcidas intentan integrarse al contexto de la ciudad histórica.
• Las obras de Frank Gerhy también son emblemáticas de esta exploración
sistemática de formas, gestuales, orgánicas y oníricas que surgen del
impulso creativo del inconsciente, además de que, desde el principio, su
obra ha estado marcada por una fuerte voluntad comercial.
• En el Museo Guhhenheim (Bilbao, 1991-1997) alcanzó su momento mas
creativo y con mayor capacidad de dialogo con el contexto. En este museo
de experimenta la continuidad de este espacio onírico, informe y
deforme, como un bulbo que estalla libremente en su contexto y con
capacidad de enroscarse debajo de un viaducto contiguo.
• Las fachadas y las cubiertas son volúmenes sin solución de continuidad,
con zócalos pétreos hacia la ciudad y cubiertas etéreas de chapas hacia el
cielo. Esta obra constituye una síntesis muy singular y emblemática, una
arquitectura biomorfica lograda gracias a los mayores avances en los
sistemas de representación digital de la arquitectura, el programa Catia.
• En este caso se consiguen introducir en un único gran edificio los diversos
tipos de espacio que necesita un museo contemporáneo, desde salas
convencionales hasta grandes salas para nuevos formatos de instalaciones
temporales, trasladando en esta confluencia urbana entre museo y
monumento, río y puente todas las sinergias urbanas.
• Aunque Gerhy haya mantenido cierta calidad en algunas de sus obras, su
arquitectura se ha convertido en una marca que se repite en cualquier lugar del
mundo y su figura omnipresente y prepotente se ha convertido en una de las
estrellas de la arquitectura mas mediática, icónica e, incluso ironizada.
• Una de sus ultimas grandes creaciones ha sido la Fundation Louis Vuitton (París,
2006-2014) en la que continua su manierismo, con formas exteriores aun mas
arbitrarias, con menos logros en el espacio interior y con mas referencias a otros
arquitectos. El edificio intenta emular al museo de Bilbao sin conseguirlo.
• Desde el primer boceto, el edificio que Frank Gehry ha diseñado para la Fondation
Louis Vuitton tiene su gesto artístico inaugural. El diseño combina todos los
métodos, códigos y modos de expresión del arquitecto y marca un nuevo escalón
en su obra.
• Para el edificio de la Fondation, se fijó en las velas de los barcos que a finales del
siglo XIX y principios del XX participaban en la Copa América, transcribiendo la
flexibilidad y la curva de una vela hinchada a los materiales rígidos del vidrio y el
metal. En este caso la inspiración nació de la observación del yate Susanne,
construido en 1911. Frank Gehry también imaginó la Fundación Louis Vuitton
como un Iceberg de 9.000m2 envuelto por velas de vidrio.
• El diseño comienza con una serie de bocetos a los que Gehry denomina
“garabatos”. Nacen de la observación de diversas imágenes y del libre
desplazamiento de la mano sobre un papel para plasmar líneas continuas,
círculos, curvas, remolinos y meandros cuya yuxtaposición hace aflorar lo que
subyace, la idea principal. Los bocetos para la Fundación desde sus comienzos
expresan una dinámica y ondulación en las que se pueden divisar los contornos
de un barco empujado por el viento. El edificio se adapta fácilmente en el
medio ambiente natural, entre bosques y el jardín, mientras que al mismo
tiempo juega con la luz y su reflejo.
• Josep Llinás (Barcelona, 1945) ha alternado propuestas racionalistas con
otras organicistas que se moldean con formas retranqueadas, con fachadas
sinuosas en insufladas como la biblioteca del barrio de Grácia (Barcelona,
2000-2002).
• Josep Llinàs ha vuelto a hacer de las suyas en el barrio de Gràcia en
Barcelona 2002. El arquitecto es capaz de crear comunidad de barrio en sus
edificios donde todo está perfectamente dibujado. Este edificio contaba
además con un reto añadido: encajar todo el programa en una crujía de 8m
sin dejar de prestar atención a la luz.
• El resultado es un edificio que se va adaptando a lo que sucede a su
alrededor. Las entradas de luz parecen ser el resultado de lo que el edificio y
el programa le pedía al arquitecto. Lucernarios, ventanas corridas, luz
cenital. Empiezan a pasar muchas cosas y el edificio se mueve. Cada
ventana adquiere la forma que necesita para enseñar un pequeño pedacito
de Gràcia, para ver la gente pasar, leer lo que pasa en la ciudad desde el
interior. Estas entradas de luz y estos volúmenes hacen que la fachada se
hinche en cada planta y que se vuelque hacia las casas vecinas.
 Biblioteca Jaume Fuster, Barcelona, 2005.

• La idea fue crear el límite ciudad-montaña configurando una volumetría

característica, expresada mediante cubiertas que se fragmentan y planos que se
desmaterializan, potenciando el dinamismo de la visual, consiguiendo así una
fachada abstracta diluida con el caos circulatorio de la plaza. Dicha fragmentación
juega un aspecto importante no sólo en el exterior, sino también en su interior,
pudiendo ser observada desde todo el edificio, gracias a la transparencia entre los
diferentes espacios, que se articulan mediante dobles alturas, grandes vidrios y la
posición estratégica de los núcleos de comunicación.
• Una de las líneas mas elaboradas y sofisticadas de la Alta Tecnología ha tenido
continuidad en las formas orgánicas de bulbos. Como culminación de las
propuestas del grupo británica de Archigran de los años 60 se presenta el grupo
de Future Systems.
• Así el asombroso edificio que contiene los Grandes Almacenes Selfridges,
cuenta con una mezcla de aluminio y acero en su fachada, diseñado por la firma
Future Systems, este emblemático edificio se considera un símbolo de la
regeneración de la ciudad inglesa de Birmingham. La fachada consiste en 15000
discos de aluminio de 60 cm de diámetro puestos sobre una superficie azul.
• El efecto de la portada es asombroso y mágico. Nada es angular ya que
Future Systems siente una pasión por los temas orgánicos. Además sus
curvaturas y evoluciones imprevisibles hacen que sea un objeto único. En
la piel destacan amplias terrazas de azul metálico sustentadas por soportes
de acero, ventanas ovaladas o células resaltadas por marcos amarillos. Su
interior también es espectacular por que cuenta con dos pozos grandes de
luz y con escaleras recubiertas de acero, que sus partes dan un aspecto a
la de una nave espacial o de igual forma simulando huesos.
• Y dentro de un cierto organicismo dinámico y monumental se encuentra el
proyecto experimental con lo que los miembros del equipo Foreing Office
Architectura, Alejandro Zaera Polo y Farshid Moussavi, ganaron el concurso
para la Terminal Marítima de Yokohama en 1994. El contundente
planteamiento del proyecto proponía la estetización de una infraestructura
marítima, convirtiéndola en paisaje dentro de un limite metropolitano, una
especie de un gran origami recostado. La Terminal se encuentra en la
ciudad japonesa de Yokohama, junto al parque municipal de Yamashita. Se
sitúa en el límite entre la tierra y el mar, al borde de la bahía, eliminando el
límite entre ellas.
• La idea del proyecto se basaba en potenciar
la continuidad, el flujo y el nexo, con voluntad
de construir un edificio plaza con vegetación,
potenciando el volumen horadado como
calle y plataforma, como lugar de paso y de
contemplación, como estructura y espacio a
la vez. El resultado, finalizado en el 2002,
mantiene el concepto de topografía
artificial, longitudinal y habitable, que por
su horizontalidad no sobresale, y que se
inspira en la iconografía de los cruceros. Se
trata de una propuesta urbana. No es
únicamente un edificio sino que es una parte
fundamental de la ciudad, del espacio
urbano.
• Casa de la Ópera de Guangzhou, en China (2010), Zaha Hadid: La propuesta
busca entrar en armonía con su entorno, junto a un río, a través de un
innovador diseño que sigue el concepto de piedras erosionadas al borde del
agua. Imágenes y la descripción del proyecto a continuación.
• El concepto inicial para el diseño fue el paisaje natural y la interacción
fascinante entre la arquitectura y la naturaleza; comprometerse con los
principios de la erosión, la geología y la topografía. Su diseño tuvo como
influencias los valles fluviales y la forma en que estos se transforman por la
erosión.
• Las transiciones suaves entre los elementos dispares y los diferentes niveles
mantienen esta analogía con el paisaje. En el interior, en las salas de ensayo,
se usaron unidades moldeadas de fibra de vidrio reforzado con yeso para
potenciar este lenguaje de fluidez y continuidad.
• Las líneas de plegado en este paisaje definen territorios y zonas dentro de la
Ópera House, tanto en el interior como el exterior se crean dramáticos
cañones para la circulación, pasillos y cafeterías, permitiendo que la luz
natural penetre profundamente en el edificio. Transiciones suaves entre los
elementos dispares y diferentes niveles continúan esta analogía paisajista.
Museo Nacional de Qatar (2010-2019) Jean Nouvel.

• De forma similar a los cristales, con una

serie de propagación entrelazada, el
sorprendente museo está inspirado en la
rosa del desierto, que es el nombre
coloquial que se le da a las formaciones
en forma de rosa de grupos de yeso o
barita que incluyen abundantes granos
de arena. Las rosas del desierto se has
encontrado en el noreste de Qatar,
especialmente en Jebel Al Jassasiya, cerca
de Fuwairit.
• Este innovador diseño inspirado en la rosa del desierto crece
orgánicamente en torno al Palacio original del siglo XX de Sheikh
Abdullah Bin Jassim Al Thani. La relación entre el edificio nuevo y el
antiguo forma parte de la creación del puente entre el pasado y el
presente que propugna Sheikha Al Mayassa, hermana del emir, ya que
es la forma de, definirnos a nosotros mismos para siempre, en lugar de
ser definidos por los demás, y celebrar nuestra identidad.
• El diseño también es una respuesta al clima
local: los grandes aleros proporcionan
espacios sombreados, el hormigón y la
vegetación son nativos y las zonas de
amortiguamiento térmico dentro de las
cavidades del disco crean una masa térmica
que reduce las cargas de enfriamiento. El
hormigón de color arena se integra
perfectamente en el ambiente húmedo y
polvoriento del lugar. El edificio, al igual que
la gente del desierto cuya historia cuenta,
se basa en la luz, la sombra y el movimiento
que fluye, y crece a partir de la tierra,
fusionándose con él.
• Los edificios concebidos por el premio Pritzker 2012, Wang Shu devuelven
el significado a, quizá, la frase más tópica y recurrente de los artículos
sobre diseño y arquitectura: esta vez de verdad, Wang Shu mezcla
tradición y vanguardia con una madurez milenaria.
• La simpleza rústica, ideal estético muy presente en la cultura oriental, ha
influido en los diseños humanos, también arquitectónicos, de países cuya
comprensión del mundo, la existencia humana y la naturaleza se basa en
la impermanencia (taoísmo, budismo).
• “El reciente proceso de urbanización en China -dice el jurado del
Pritzker- invita a debatir sobre si la arquitectura debe estar anclada en
la tradición o debe mirar sólo hacia el futuro”. Como sucede con
cualquier gran obra, el trabajo de Wang Shu es capaz de trascender
ese debate, produciendo una arquitectura intemporal,
profundamente arraigada en su contexto y, a la vez, universal”.
• En el concepto de diseño para el Museo Histórico de Ningho, el arquitecto
Wang Shu combinó el paisaje duro de montaña con la suavidad del agua y el
océano, contemplando el importante papel que el Mar Oriental de China ha
desempeñado en la historia de Ningbo e integrando las características de las
viviendas de Jiangnan con las decoraciones de azulejos y bambú. El aspecto
del edificio no sólo deriva de la colina y el valle, sino que también incluye
diversos cambios leves de inclinación que lleva a los visitantes a asociar el
edificio con el espacio y la escala de los pueblos tradicionales de Ningbo.
• El chileno Alejandro Aravena, miembro del jurado del premio Pritzker, habla
sobre la técnica utilizada por el nuevo ganador del premio arquitectónico:
“Wang Shu utiliza muchos materiales de descarte como ladrillos, tejas o
piedras sobrantes de desastres naturales como terremotos o tifones”.
También advierte que su obra busca recuperar historia y tradición, pues con la
modernización del país asiático las técnicas más tradicionales de construcción
se han perdido. La obra de Wang Shu busca entonces hacer una mezcla
arquitectónica entre lo moderno y lo tradicional.