Historia del Arte 3°AE, Prof. Patricia De León. historia.

La visión renacentista de la historia

constaba de tres partes: comenzaba con la
El Renacimiento, periodo de la historia europea
antigüedad, continuaba con la edad media y se
caracterizado por un renovado interés por el pasado
completaba con la edad de oro, o renacimiento, que
grecorromano clásico y especialmente por su arte.
acababa de iniciarse. Mientras que los eruditos
El renacimiento comenzó en Italia y se difundió por
medievales contemplaban con recelo el mundo
el resto de Europa durante los siglos XV y XVI. En
pagano griego y romano creyendo que vivían en la
este periodo, la fragmentaria sociedad feudal de la
última etapa histórica, previa al Juicio Final, sus
edad media, caracterizada por una economía
colegas renacentistas exaltaban el mundo clásico,
básicamente agrícola y una vida cultural e intelectual
condenaban el Medievo como una etapa ignorante y
dominada por la Iglesia, se transformó en una
bárbara y proclamaban su propia era como la época
sociedad dominada progresivamente por
de la luz y de regreso al clasicismo. Esta visión era
instituciones políticas centralizadas, con una
expresada por muchos pensadores renacentistas
economía urbana y mercantil, en la que se
que recibieron el nombre de humanistas.
desarrolló el mecenazgo de la educación, de las
artes y de la música. La idea renacentista del humanismo supuso otra
ruptura cultural con la tradición medieval. El estudio
El término ‘renacimiento’ lo utilizó por vez primera
de la literatura antigua, de la historia y de la filosofía
en 1855 el historiador francés Jules Michelet para
moral, aunque a veces degeneró en una imitación
referirse al “descubrimiento del mundo y del hombre”
de los clásicos, tenía por objetivo crear seres
en el siglo XVI. El historiador suizo Jakob Burckhardt
humanos libres y civilizados, personas de gusto y
amplió este concepto en su obra La civilización del
juicio, ciudadanos, en definitiva, más que sacerdotes
renacimiento italiano (1860), en la que delimitó el
y monjes.
renacimiento al situarlo en el periodo comprendido
entre el respectivo desarrollo artístico de los pintores La perfección del cuerpo humano mediante el
Giotto y Miguel Ángel, y definió a esta época como entrenamiento físico, ideal que raramente se
el nacimiento de la humanidad y de la conciencia conoció en la edad media, se convirtió en uno de los
modernas tras un largo periodo de decadencia. objetivos de la educación renacentista. Los estudios
humanísticos, junto a los grandes logros artísticos
La más reciente investigación ha puesto fin al
de la época, fueron fomentados y apoyados
concepto de la edad media como época oscura e
económicamente por grandes familias como los
inactiva y ha mostrado cómo el siglo previo al
Medici en Florencia, los Este en Ferrara, los Sforza
renacimiento estuvo lleno de logros. Gracias a los
en Milán, los Gonzaga en Mantua, los duques de
scriptoria (aulas dedicadas al estudio) de los
Urbino, los dogos en Venecia y el Papado en Roma.
monasterios medievales se conservaron copias de
obras de autores latinos como Virgilio, Ovidio, En el campo de las bellas artes la ruptura
Cicerón y Séneca. El sistema legal de la Europa decisiva con la tradición medieval tuvo lugar en
moderna tuvo su origen en el desarrollo del Derecho Florencia en torno a 1420, cuando el arte
civil y del Derecho canónico durante los siglos XII y renacentista alcanzó el concepto científico de
XIII, y los pensadores renacentistas continuaron la perspectiva lineal que hizo posible representar el
tradición medieval de los estudios de gramática y espacio tridimensional de forma convincente en una
retórica. El platonismo y el aristotelismo fueron superficie plana. Las obras del arquitecto Filippo
cruciales para el pensamiento filosófico renacentista. Brunelleschi y del pintor Masaccio son
Los avances en las disciplinas matemáticas deslumbrantes ejemplos del uso de esta técnica.
(también en la astronomía) estaban en deuda con
Donatello, considerado fundador de la escultura
los precedentes medievales.
moderna, esculpió una estatua de David, primer
El renacimiento italiano fue sobre todo un desnudo a tamaño natural desde la antigüedad.
fenómeno urbano, un producto de las ciudades que Desde mediados del siglo XV, las formas y temas
florecieron en el centro y norte de Italia, como clásicos volvieron a ser utilizados: los motivos
Florencia, Ferrara, Milán y Venecia, cuya riqueza mitológicos tomados de las fuentes literarias
financió los logros culturales renacentistas. Esta adornaron palacios, paredes, mobiliarios y vajillas;
fluida sociedad mercantil contrastaba claramente Los ideales renacentistas de armonía y proporción
con la sociedad rural de la Europa medieval. Era culminaron en las obras de Rafael, Leonardo da
una sociedad menos jerárquica y más preocupada Vinci y Miguel Ángel durante el siglo XVI.
por sus objetivos seculares.
El renacimiento fue sin duda una época en la que
Algunos definieron al renacimiento como un las antiguas creencias fueron puestas a prueba y la
periodo de ruptura, mientras que otros consideran ebullición intelectual que entonces se produjo
que es una etapa donde alcanzan la madurez los preparó el camino a los pensadores y científicos del
procesos iniciados en la Edad Media. Por supuesto, siglo XVII. La idea renacentista de que la humanidad
la edad media no acabó de forma repentina. No domina a la naturaleza es análoga al concepto del
obstante, sería falso considerar la historia como una control del hombre sobre los elementos de la
perpetua continuidad y, por tanto, al renacimiento naturaleza explicado por Francis Bacon, concepto
como una mera continuación de la edad media. Una que inició el desarrollo de la ciencia y de la
de las más significativas rupturas renacentistas con tecnología moderna. No obstante, el renacimiento
la tradición medieval se encuentra en el campo de la ha legado, por encima de todo, monumentos de
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gran belleza artística que se mantienen como Escultura del quattrocento
definiciones perennes de la cultura occidental.
Las primeras manifestaciones artísticas del
Escultura y Pintura Renacentistas, estilo renacimiento, en los comienzos del siglo XV, se dan
artístico que se manifiesta en pintura, escultura y en el campo de la escultura.
arquitectura en toda Europa aproximadamente
Donato di Niccolò di Betto Bardi, más conocido
desde 1400 hasta 1600. Los dos rasgos esenciales
como Donatello fue uno de los artistas más
de este movimiento son la imitación de las formas
influyentes del renacimiento no sólo por la fuerza
clásicas, originariamente desarrolladas en la
expresiva de sus figuras sino porque sirvió como
antigüedad griega y romana, y la intensa
vehículo de difusión de innovaciones artísticas en
preocupación por la vida profana que se expresa en
Italia, sobre todo en lo que se refería a la
un creciente interés por el humanismo y la
perspectiva. Entre sus principales obras destacan el
afirmación de los valores del individuo. El
bronce del David (c. 1430-1435, Florencia, Museo
renacimiento se corresponde en la historia del arte
del Bargello), que representa al héroe bíblico con la
con la era de los grandes descubrimientos,
cabeza de Goliat a sus pies. La figura semidesnuda,
impulsados principalmente por el deseo de examinar
concebida para ser rodeada por otras, fue la primera
todos los aspectos de la naturaleza y del mundo.
escultura exenta realizada desde la antigüedad.
Durante el renacimiento, los artistas no eran
considerados más que meros artesanos, al igual que
en la edad media, pero por vez primera fueron vistos
como personalidades independientes, comparables
a poetas y a escritores. Buscaban nuevas
soluciones a problemas visuales y formales, y
muchos de ellos realizaron experimentos científicos.
En este contexto, se desarrolló la perspectiva
lineal, donde las líneas paralelas se representan
como convergentes en un punto de fuga. En
consecuencia, los pintores comenzaron a ser más
exigentes con el tratamiento del paisaje, por lo que
prestaron mayor atención a la manera de
representar los árboles, las flores, las plantas, la
distancia de las montañas y los cielos con sus
nubes. Los artistas estudiaron el efecto de la luz
natural, así como el modo en el que el ojo percibe
los diversos elementos de la naturaleza.
Desarrollaron la perspectiva aérea, según la cual
los objetos perdían sus contornos y su color a tenor
de la distancia que los alejaba de la vista. Los
pintores del norte de Europa, especialmente los
flamencos, eran más avanzados que los artistas
italianos en la representación del paisaje y
contribuyeron al desarrollo del arte en toda Europa
al introducir el óleo como una nueva técnica
pictórica. Entre 1444 y 1446 Donatello esculpió en bronce
Aunque el retrato se consolidó como género al David. El joven aparece desnudo, con el pelo
específico a mediados del siglo XV, los pintores largo, cubierto por un sombrero florentino y botas.
renacentistas alcanzaron la cima con otro tipo de Su mano derecha sostiene una espada mientras que
pintura, histórica o narrativa, en la que las figuras la siniestra tiene la piedra que utilizó para dejar
contextualizadas en un paisaje o en un marco de inconsciente a su enemigo. Su pierna derecha
fondo, relatan pasajes de la mitología clásica o de la soporta firmemente todo el peso, mientras que la
tradición judeo-cristiana. Dentro de un contexto, el izquierda descansa sobre la cabeza de su
pintor representaba hombres, mujeres y niños en adversario.
diferentes poses, que además mostraban diversas La desnudes permite observar el conocimiento
reacciones emocionales y estados anímicos. anatómico del artista. Un suave contrapposto
incorpora sinuosidad a la escultura (también
conocida como curva praxiteliana). La delicadeza y
El renacimiento en Italia gracia de la postura imprimen cierta ambigüedad
El primer centro donde surgió el renacimiento fue sexual en el personaje.
Italia. El substrato proporcionado por la antigüedad El rostro emana un aire de serenidad, producto
grecorromana fue una constante en el mundo de las estudiadas proporciones de sus facciones.
italiano. Se encontraron restos de arquitectura
romana prácticamente en casi todas las ciudades. Como temática aborda el relato bíblico, el cual
señala que cuando el rey David era joven y cuidaba

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un rebaño de ovejas, se ofreció a Saúl –rey de
Israel- para aceptar el desafío lanzado por Goliat –el
gigante filisteo-. Este propuso determinar la guerra
entre hebreos y filisteos con una sola lucha entre los
dos hombres elegidos por cada pueblo.
Sorprendentemente, David consiguió vencer a Goliat
utilizando su honda y cortándole posteriormente la
cabeza.
Para los teólogos, este suceso es la prefiguración
de la victoria de Jesús sobre Satanás, es decir, el
Bien contra el Mal.
Históricamente, se ha interpretado el yelmo con
visor y alas de Goliat como una alusión a los duques
de Milán que en esos años amenazaban a la ciudad
de Florencia, que estaría representada por David, La diosa Venus desnuda sobre una concha
quien lleva el típico sombrero (petaso) característico marina aparece en el centro de la escena del
del campesino florentino. Nacimiento de Venus (1485). Su diseño anatómico
Con esta estatua exenta de tamaño natural, revela un alto grado de idealización –cuello
Donatello rompió los estereotipos góticos y liberó a demasiado largo, hombros estrechos y caídos-. Para
la escultura de las limitaciones del marco complementar ese anti-naturalismo, Botticelli
arquitectónico. Además, inauguró los nuevos recurrió al equilibrio clásico del contrapposto, para
cánones de belleza renacentista y recuperó el representar este tema mitológico en témpera sobre
estudio de la perfección del cuerpo humano. lienzo.
La esbelta figura de la Venus se establece como
eje simétrico del triángulo imaginario compositivo
La pintura del quattrocento formado a partir de las diagonales creadas por el
El primer gran pintor del renacimiento italiano fue resto de los personajes. Éstos, situados en los
Masaccio creador de un nuevo concepto de extremos, dirigen sus acciones directamente a
naturalismo y expresividad en las figuras, así como Venus, compensando el espacio escénico y
de la perspectiva lineal y aérea. A pesar de que tuvo dotándolo a su vez de un ritmo dinámico
una carrera corta (murió a la edad de 27 años) la contrapuesto a la serenidad del personaje central.
obra de Masaccio tuvo una enorme repercusión en Toda la escena se ve enmarcada sobre un paisaje
el curso del arte posterior. Los frescos de la capilla de naturaleza solitaria e ideal, acorde a la belleza
Brancacci sirvieron de inspiración a pintores armónica de la diosa.
posteriores, entre ellos el propio Miguel Ángel. El dibujo lineal de los contornos, tanto de las
También debe mencionarse a Bellini, quien figuras como del paisaje, no sólo ayuda a distinguir
promovió la pintura al óleo en lienzo, en con nitidez la figura del fondo sino que estiliza y
contraposición a la pintura al temple sobre la pared; suaviza la forma. Con el mismo objetivo es tratada la
la pintura al óleo se convirtió en el siglo XVI en la luz, uniforme en casi toda la superficie –sin
técnica más común. claroscuros-, y los colores, dominados por una
paleta clara y sin estridencias.
La segunda generación de pintores está
representada por Sandro Botticelli un artista que Como temática aborda la mitología clásica, en la
disfrutó del mecenazgo de la familia de los Medici en que existen dos versiones sobre el nacimiento de
Florencia. Su estilo es lírico, fluido y a menudo Venus (Afrodita), la diosa del amor. Según Hesíodo,
decorativo y abarca tanto temas religiosos como nació de la espuma del mar, en el que habían caído
paganos. Sus dos obras más famosas, ambas en la los genitales de Urano, castrado por su hijo Cronos.
Galería de los Uffizi son el Nacimiento de Venus En una segunda versión, explicada por Homero,
(después de 1482) y la Primavera (c. 1478). El Venus nació en el mar y es hija de Júpiter (Zeus) y
modelo de la figura del Nacimiento de Venus está Dione, diosa de la tierra.
tomado de la escultura antigua, pero aquí la diosa No obstante, lo que Botticelli representa en su
se muestra de pie emergiendo de un pálido mar lienzo no es –como sugiere el título- su nacimiento,
azul. Botticelli realza el contorno de las figuras con sino su llegada a las costas de la isla de Citerea
una línea que les proporciona una singular después de haber nacido en el mar, tal y como
elegancia; por el contrario, sólo en contadas cuenta Homero en uno de sus relatos.
ocasiones utiliza el claroscuro.
La diosa está acompañada por los soplos de
Céfiro, el viento del oeste, y de Cloris, diosa de la
brisa, y es recibida en tierra por una de las Horas
(estaciones del año), que por las flores de su vestido
es identificada con la Primavera, la estación del
amor. También con el amor se identifican las rosas,

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y la concha que transporta a la diosa, con la
fecundidad.
Entre 1501 y 1504 Michelangelo Buonarrotti
Más allá de la lectura iconográfica existe la esculpió su David, utilizando un solo bloque de
interpretación neoplatónica, corriente filosófica muy mármol. Esta obra se convirtió en símbolo del poder
ligada al entorno cortesano del pintor, según la cual de Florencia, de la libertad de la república. Desde
el lienzo representaría la unidad entre la belleza, el muy joven Miguel Ángel había estudiado anatomía,
amor y la verdad, cualidades que se encarnan en la gracias al mecenazgo de los Medici, y conoce
figura de Venus. dominar las proporciones en busca de la belleza y el
equilibrio de la composición.
En la obra de 5,16 metros de altura y 5.500 kilos
Artistas del cinquecento
de peso, el artista no sólo consiguió representar con
Los artistas de la siguiente generación fueron los excelencia la musculatura, el cabello y las uñas, sino
responsables de elevar el arte a su expresión más que también pueden percibirse las venas y tendones
noble. Este periodo, que comprende el siglo XVI, se de las manos. El pulido de la obra es tan bueno que
inició con Leonardo da Vinci cuando regresó de pareciera tener luz propia.
Milán a Florencia en el año 1500. Allí, encontró al
El contrapposto está manejado con naturalidad,
joven Miguel Ángel que realizaría la famosa
la mayor parte del peso se dirige a la pierna
escultura del David (1501-1504, Academia,
derecha, mientras la izquierda aparece distendida,
Florencia). Esta emblemática obra pronto se
incluso la planta del pie izquierdo está un poco
convirtió no sólo en el símbolo de la ciudad de
separada de la base. El brazo derecho aparece
Florencia, sino también en el del cinquecento. David
relajado, en tanto el izquierdo sostiene la honda
como representación del poder y de la fuerza lo
sobre el hombro.
tiene todo, pero Miguel Ángel lo eligió precisamente
para mostrar su autocontrol en el momento antes del La mirada hacia el costado es otro detalle que
encuentro con Goliat, como Leonardo hizo con las contribuye a romper la frontalidad. El rostro muestra
figuras de los apóstoles en La última cena (1495- la serenidad durante una situación sumamente
1497, Santa María, Milán) al elegir el momento justo difícil, sin duda es una influencia del arte greco-
después del que Cristo dijo a los presentes que uno romano.
de ellos le traicionaría.
Cuando el David fue presentado al público Miguel
Ángel expresó: “como David ha defendido a su
pueblo, así quien gobierna Florencia debe
justamente defenderla y gobernarla con justicia”.
Vale agregar que el David ha debido enfrentarse
a otros adversarios además de Goliat. En 1512 la
escultura recibió un rayo en su base. Quince años
más tarde, en una revuelta popular contra los
Medici, fue amputado el brazo izquierdo.
Actualmente la escultura está en la galería de la
Academia, y una réplica permanece al aire libre, que
fue atacada por un desequilibrado en 1991.

La Última Cena de Leonardo da Vinci es una

obra de grandes dimensiones (4,6 m por 8,8 m),
realizada en temple y óleo sobre yeso. Esta técnica
mural era realmente difícil y no soporta de buena
manera el paso del tiempo.

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 La obra fue sustentada por el Conde Ludovico artistas contemporáneos de Rafael. Rara vez la
Sforza quien la encargó para la iglesia Santa María pintura ha alcanzado la claridad y la perfección de la
de las Gracias en Milán. El tema está asociado al Escuela de Atenas. Como fuente de inspiración
relato bíblico, cuando Jesús explica que hay un pudieron servirle a Rafael los inmensos frescos de la
traidor entre sus allegados. capilla Sixtina pintados por Miguel Ángel.
Técnicamente debe destacarse el manejo de la
perspectiva lineal (gracias a los elementos
arquitectónicos como las ventanas y los casetones
del techo) y la perspectiva aérea (el paisaje natural
representado en las ventanas aparece difuso).
La composición es simétrica, siendo Jesús la
figura central. Los doce apóstoles se agrupan en
triadas (dos a cada lado). La horizontalidad se ve
fortalecida por la larga mesa cubierta por un mantel
blanco que atraviesa todo el mural.
Los personajes aparecen de derecha a izquierda
en el siguiente orden: Bartolomé, Santiago, Andrés,
Judas Iscariote (con una daga en la mano derecha y
cabello negro), Pedro (que originalmente tenía la
daga en su mano derecha), en joven Juan con su
pelo largo (algunos creen que es María Magdalena),
Jesús (con el rostro sereno y sus brazos abiertos
formando un triángulo), Mateo, Judas, Tadeo,
Simón, Santiago el mayor y Felipe. La mayor parte La Escuela de Atenas fue realizada entre 1510 y
de los personajes están cargados de expresividad 1511 en el Vaticano, también tiene grandes
en sus rostros, en las manos y la postura de los dimensiones (5 m por 7,7 m). En ella Rafael Sanzio
cuerpos. La noticia debería haber generado representó a distintos personajes relacionados con
sorpresa, temor, indignación, sospechas. Solamente la filosofía que se sitúan en un graderío. En el centro
Jesús y San Juan se muestran apacibles. del fresco aparecen caminando y dialogando Platón
(con la mano derecha señalando hacia el cielo) y
Es llamativo el manejo de la luz y las sombras.
Aristóteles (con su brazo derecho hacia adelante),
Hacia el año 1500 La Última Cena comenzó a ellos representaban a las dos doctrinas filosóficas
deteriorarse. más importantes del mundo griego.
Parado a la izquierda, aparece Sócrates
conversando con varias mujeres y hombres.
Durante el cinquecento, los artistas intentaron
reducir sus temas a la más pura esencia; las Al pie de la escalinata y al centro de la escena
características secundarias, los detalles o las aparece un bloque de piedra (que podría simbolizar
anécdotas captaban la atención del espectador para a Cristo), sobre el que se apoya Heráclito, al que
conducirle a la esencia real del tema. Rafael representó con los rasgos faciales y las botas
que utilizaba Miguel Ángel. Se cree que Rafael
El epicentro artístico durante este período fue había quedado impactado por los frescos de la
Roma y la corte de Julio II, que contrató a los bóveda de la Capilla Sixtina y decidió homenajear a
artistas y arquitectos más importantes para sus su par.
ambiciosos proyectos.
Recostado en las escaleras, un poco maltrecho y
Rafael Sanzio se encuentra entre los pintores destartalado, aparece la figura de Diógenes, quien
asentados en Roma. Estudió en Florencia al mismo promulgó la austeridad.
tiempo que estaban allí Leonardo y Miguel Ángel,
dando forma al lenguaje artístico del cinquecento. En los nichos de los muros aparecen las estatuas
Rafael se trasladó a Roma en el año 1508 y allí se de Apolo y Minerva (Atenea).
quedó hasta su muerte en el año 1520. Se convirtió
A la izquierda de la pintura, y caminando hacia el
en el pintor más célebre y abrió un próspero estudio
centro con su ropaje totalmente blanco y mirando al
en el que trabajaban muchos ayudantes. En el otro
espectador, aparece Hipatia de Alejandría, una
lado de la estancia se encuentra la Escuela de
importante filósofa que dedujo el movimiento de
Atenas, que representa la filosofía clásica, haciendo
rotación y traslación de la Tierra y padeció la
pareja con La disputa, que permanece de pie junto a
persecución de los católicos.
la teología cristiana. En la primera de estas obras la
representación es horizontal, más centrada en la A la derecha de la composición encontramos a
tierra que en el cielo. El punto de fuga se sitúa un hombre de cabello negro mirando al espectador,
detrás de las figuras centrales de Platón y se considera que es un autorretrato del propio
Aristóteles, rodeados por célebres pensadores del Rafael.
pasado. Muchas de estas figuras son retratos de

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 Varios personajes manejas instrumentos renacimiento en Florencia como Rafael, Andrea del
relacionados con las ciencias (compas, esferas, Sarto y Fra Bartolommeo, aprendieron esta técnica
libros, etc.) y los rostros parecerían demostrar de Leonardo.
interés y reflexión.
La protagonista del cuadro es Lisa Gherardini,
Rafael consiguió adaptar con éxito al fresco a la una dama florentina casada con Francesco
arquitectura y ornamentación existente. La Giocondo (que en italiano significa “alegre”), un
perspectiva está manejada con maestría. El paisaje banquero napolitano. Otros investigadores han
arquitectónico resulta fundamental para generar la planteado teorías menos aceptadas señalando que
sensación de tridimensionalidad. Los casetones de la imagen es de la española Constanza de Ávalos o
las bóvedas y las esculturas en los muros incluso del propio Leonardo.
rememoran la antigüedad greco-romana.
Algunos consideran que la obra carece de cejas
La mano extendida de Aristóteles marca el centro por la costumbre de las damas florentinas del
de la composición. La disposición espacial de los renacimiento de depilarse totalmente la cara. Otros
personajes también parece un arco que deja un creen que las cejas se perdieron por el tratamiento
espacio libre en el centro. agresivo de malas restauraciones.
Da Vinci demoró cuatro años en terminar de
retocar la obra (1503-1506), algunos consideran que
está inacabada. Lo cierto es que se ha convertido en
uno de los retratos más famosos de todos los
tiempos. La combinación de la perspectiva aérea
junto al sfumato consigue instalar la sensación de
profundidad. Los críticos coinciden en destacar la
capacidad técnica reflejada en el diseño de las
manos y en la enigmática sonrisa (que según
estudios recientes representa felicidad, con un 83%
de probabilidad).
En esta pintura al óleo sobre tabla, la dama
aparece sentada en un sillón, y posa sus brazos en
los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos
puede verse un claro ejemplo del sfumato y también
puede destacarse el juego que hace con la luz y la
sombra para dar la sensación de volumen.
Sobre su cabeza lleva un velo, signo de castidad
que aparece frecuentemente en los retratos de
mujeres casadas.
La forma en que se disponen los brazos trasmite
la serenidad del personaje, que parece dominar sus
sentimientos.
La Gioconda, la obra más famosa de Leonardo El paisaje posee una atmósfera húmeda y
da Vinci, sobresale tanto por sus innovaciones acuosa que parece rodear a la modelo.
técnicas como por el misterio de su legendaria El lado izquierdo parece estar más alto que el
sonrisa. La obra es un ejemplo consumado de dos derecho, entrando en oposición con la física, puesto
técnicas —el sfumato y el claroscuro— de las que que el agua no puede encontrarse estática a
Leonardo fue uno de los primeros grandes desnivel en el terreno. Al respecto E. H. Gombrich
maestros. El sfumato consiste en eliminar los comenta: “Cuando centramos nuestras miradas
contornos netos y precisos de las líneas y diluir o sobre el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece
difuminar éstos en una especie de neblina que más alta o más erguida que si tomamos como
produce el efecto de inmersión en la atmósfera. En centro la derecha. Y su rostro, asimismo, parece
el caso de La Gioconda el sfumato se hace evidente modificarse con este cambio de posición, porque
en las gasas del manto y en la sonrisa. El claroscuro también en este caso las dos partes no se
es la técnica de modelar las formas a través del corresponden con exactitud”.
contraste de luces y sombras. En el retrato que nos
ocupa las sensuales manos de la modelo reflejan En el medio del paisaje natural aparece un
esa modulación luminosa de luz y sombra, mientras puente, elemento de civilización.
que los contrastes cromáticos apenas los utiliza.
Especialmente interesantes en la pintura de
Leonardo son los fondos de paisaje, en los que
introduce la perspectiva atmosférica (creación de
efectos de lejanía aplicando el sfumato y otros
recursos ambientales). Los grandes maestros del
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 de la perspectiva, pero Miguel Ángel buscó dar
cierto realismo a la obra aplicando sus
conocimientos anatómicos y resaltando la
volumetría del físico humano.
Años más tarde (entre 1536 y 1541), nuevamente
el artista fue requerido para pintar al fresco la pared
posterior al altar. Nuevamente la pintura debió
adaptarse al marco arquitectónico para la
representación del Juicio Final.

Miguel Ángel además de ser un magnífico

escultor, también demostró su habilidad en la
arquitectura y en la pintura. En la Capilla Sixtina el
artista llevó adelante sus obras maestras. Entre
1508 y 1512 el Papa le encargó la decoración con
frescos de la gran bóveda ubicada a 25 metros de
altura. El artista debió trabajar recostado sobre Es una visión apocalíptica, cargada de emotivo
andamios para representar los siguientes temas dinamismo, donde aparecen 400 personajes (aprox.)
bíblicos: 1) La separación de la luz y las tinieblas, 2) en una especie de torbellino, donde un Cristo
Las creación de los astros, 3) La separación de las robusto y sin barba decide el destino de las almas.
tierras y las aguas, 4) La creación de Adán, 5) La
creación de Eva, 6) El pecado original y la expulsión En la parte izquierda de la obra están las almas
del Paraíso, 7) El sacrificio de Noé, 8) El diluvio que fueron salvadas y se ayudan mutuamente para
universal, 9) La embriaguez de Noé. escalar al cielo. En la otra parte encontramos a los
condenados al infierno. La Virgen María, los profetas
Tal vez el cuarto registro sea el más conocido, y apóstoles que rodean a Cristo (algunos con
donde aparece la imagen de Dios (con un ropaje tan instrumentos de martirio) guían a las almas.
blanco como su pelo y barba) rodeado de angelitos,
dando la vida a Adán al tocarse los dedos.

Las dimensiones de la obra son asombrosas: 36

m por 13 m (468 metros cuadrados). La bóveda
aparece dividida por diez arcos fajones que Miguel
Ángel aprovechó para separar las escenas.

Algunos autores creen que la volumetría que le

da Miguel Ángel a las figuras, particular de su estilo,
constituye uno de los primeros ejemplos del El artista consigue trasmitir el dramatismo, la
manierismo. Son personajes robustos, musculosos, tensión y la energía de un suceso escalofriante
que sobre salen de los fondos generalmente (capacidad que se desarrollara en la pintura
monocromáticos. Esta decisión implica el abandono barroca).
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 Algunos consideran que Miguel Ángel se retrató
en el lado derecho de la obra, siendo la piel
deformada en manos de uno de los servidores de
ese Cristo terrible (que condena con su mano
derecha levantada y tensa). Simbolizaría la actitud
atormentada del artista ante la fe.
En el ángulo inferior derecho aparece como juez
del inframundo una bestia con cuernos de toro,
orejas de asno y el rostro de Biagio da Cesena –un
noble que se opuso a los desnudos que aparecen
en el fresco-. Cierto es que las partes íntimas de las
figuras fueron ocultadas en 1564, una decisión de la
Iglesia que se mantuvo hasta finales del siglo XX.