Papel Literario 2024, Septiembre 29

Esta edición PDF ESCRIBE BÉLGICA RODRÍGUEZ: Un momento histórico fue director por tres años de aquel centro
fue director por tres años de aquel centro de formación que por defi-
que marca el quehacer artístico de Alirio Oramas, y el de otros artistas nición de “libre” hará historia al convertirse en difusor de ideas reno-
del Papel Literario
de la época, es su asociación al Taller Libre de Arte (creado en 1948), vadoras ofreciendo una enseñanza sin academicismos ni restricciones.
se produce
con el apoyo de
DOMINGO 29 DE SEPTIEMBRE DE 2024
•Dirección Nelson Rivera •Producción PDF Luis Mancipe León •Diseño y diagramación Víctor Hugo Rodríguez •Correo e. [email protected]/•https://www.elnacional.com/papel-literario/•Twitter @papelliterario
REPORTAJE >> 37 ANIVERSARIO DE EL NACIONAL, 1980
Las artes plásticas: del Museo de Bellas

Artes a la Galería de Arte Nacional
Coordinada por Pablo Antillano, 37 años haciendo
camino, la edición que celebró el aniversario de El
Nacional en 1980*, es un documento excepcional por
la diversidad y riqueza de sus recorridos. Se reproduce
a continuación, el incomparable reportaje elaborado
por la periodista y poeta Miyó Vestrini (1938-1991),
en el que recorre la relación de El Nacional con el
universo de las artes visuales (entonces comúnmente
denominadas como artes plásticas)
MIYÓ VESTRINI de vanguardia, de revoluciones artísticas, eran
también una manera de escapar a una morda-
L
lámese como se llame, Círculo de Bellas za estúpida y feroz, como era la dictadura. En
Artes, Taller Libre de Arte, Barraca de cierta forma, El Nacional logró salirle al paso
Maripérez, Escuela de Artes Plásticas, a la increíble mediocridad del régimen.
Techo de la Ballena, Pez Dorado, Nue- La historia minuciosa de nuestras artes plás-
vos Espacios o Galería de Arte Nacional, las ticas, lleva firmas muy importantes: Sergio An-
trincheras de los artistas plásticos han estado tillano, Perán Erminy, Juan Calzadilla, Rafael
siempre en la vanguardia, gracias a un ince- Pineda, para citar solo algunos. El investigador
sante conflicto con la retaguardia. Y en nues- encontrará allí fechas, acontecimientos y co-
tro país, encierra no pocos méritos estar en la rrientes. Bases sólidas, pistas fáciles de seguir.
vanguardia, si se mira con ojo panorámico una Por ello escribir sobre lo ocurrido a lo largo de
política cultural que todavía en 1980, muy pocos tres décadas y un poco más, es difícil. Se corre
venezolanos comprenden. el riesgo de repetir un cuento muy bien conta-
En estas trincheras –a veces vencedoras, a do o simple y llanamente de “fusilar” –inefable
veces duramente vapuleadas– El Nacional no término periodístico– lo ya escrito. Este texto
solo ha estado presente, sino que ha jugado un no es pues, sino un punto de vista muy personal
papel excepcional. Los primeros papeles lite- y por ello, fragmentario.
rarios, las páginas de arte diarias, encierran, Si trazáramos una línea imaginaria que tuvie-
como característica permanente, un lenguaje ra como punto de partida el año de 1938 y co-
áspero, combativo. El lector encuentra allí to- mo punto de llegada el de 1980, encontraríamos
do un estilo (a veces aporreado, pero no me- dos instituciones: el Museo de Bellas Artes, que
nos válido...) de campañas enérgicas, plantea- abre un ciclo, y la Galería de Arte Nacional, que
mientos polémicos y, sobre todo, divulgación lo cierra. Como ocurre siempre con las institu-
permanente. ciones, no provocan los estallidos, pero sí reco-
Cierto, los papeles literarios, de un primer gen sus frutos.
momento, aludían más a la escritura que a la Hablaba al principio de trincheras. Quizá se-
plástica. Pero esta primera etapa de 1945, fue ría más apropiado hablar de bandos. El térmi-
rápidamente ampliada hacia todas las manifes- no, reconozco, es desagradable, pero por muy
taciones del arte moderno. Hoy puede parecer lejos que remontemos siempre encontraremos
sencillo, pero hace treinta y cinco años, darle a pintores enfrascados en una polémica, dis-
espacio a expresiones como el abstraccionismo puestos a rugir contra algún grupo contrario,
y todos los ismos que erizaban a las academias, preparados para todo, incluso para la huelga o
requería convicción y valentía. la manifestación.
Para los jóvenes artistas de 1950, esa informa- En el delicioso texto de Luis Alfredo López
ción de El Nacional, era invalorable. ¿Quién Méndez sobre el Círculo de Bellas Artes, el epi-
no recuerda aquellas reproducciones de obras sodio del allanamiento del “Cajón de Monos”
de grandes artistas, cuyos colores y formas sal- (1915), es significativo: en aquella Caracas pro-
taban a la vista, luminosos, pese a las enton- vinciana y dominguera, quienes rugían –tímida
ces deficientes técnicas de impresión? Kupka, pero eficazmente– eran los pintores, el “¡no se MUSEO DE BELLAS ARTES DE CARACAS – TARJETA POSTAL / ARCHIVO DE FOTOGRAFÍA URBANA
Mondrian, Kandinsky, Carrá, Sonia Delaunay, mueva nadie! ¡Están todos arrestados!”, debió
Ralph Coburn, Sofía Taeuber-Arp, Modigliani resonar como un trueno. Resignados, fueron a obras. Sus inmediatos sucesores, Alfredo López a gritos por un reconocimiento inmediato. Al-
y centenares más, del continente americano y parar a la cárcel Manuel Cabré, Rafael Monas- Méndez, Manuel Cabré, van a confrontar las ló- fredo Boulton escribe en El Nacional: “...su
del mundo entero, desfilaron por páginas y pá- terios, el propio López Méndez y otros compa- gicas dificultades de la época: presupuesto ca- trascendental calidad no parece haber sido aún
ginas y revelaron todo su esplendor a jóvenes ñeros, acusados de una subversión pornográ- si inexistente, público reducido, exposiciones reconocida. La calidad estética de un Reverón,
y ávidos creadores. Valga citar como un espe- fica. Años más tarde, serían acusados a su vez limitadas. es tan grande e importante para Venezuela, co-
cial refinamiento, un notable artículo del gran por la generación de jóvenes, de abominables El Museo registra así, años de historia sin his- mo las obras de nuestros mejores escritores y
Benjamín Peret (3/7/52) sobre arte mexicano. hombres de las nieves, cerrados, incapaces de torias. Algo especial, ha roto el hilo: dos años poetas...”.
¿En qué medida interesaba la pintura en 1947? entender el mundo, ni de protestar. Ley inexo- después de su inauguración, nace el I Salón Ofi- Pese a los esfuerzos individuales de los pocos
Una amena encuesta realizada por El Nacio- rable, cuyo peso, creo, se siente con mayor vigor cial de Arte Venezolano. El director es en esa que captaron la magnitud de la obra reveronia-
nal, y publicada el 29/6/47, entre 73 persona- en el campo de la plástica. época (1940), Alfredo López Méndez. Los pre- na, los canales oficiales permanecieron largo
lidades, arroja resultados significativos. La Cuando el 20 de febrero de 1938, López Con- mios son justos y no sorprenden: Marcos Casti- tiempo reacios a una pintura que no soportaba
pregunta planteada era, ¿Cuáles son los tres treras declaró inaugurado el Museo de Bellas llo, pintura; Francisco Narváez, escultura. etiquetas, ni encasillamientos.
venezolanos vivos que usted admira más? Ma- Artes, solo resonaban humildes cantos de chi- El recuento de los salones hasta 1956, ofrece Lo coherente de los premios oficiales señala-
nuel Cabré fue citado unas tres veces, y Reve- charras. Nadie o muy pocos, recordaban el “agi- una sólida indicación del rumbo tomado por dos, provenía en línea directa, del Círculo de
rón, dos. Por supuesto, nuestras artes plásticas te” de los estudiantes de la Academia de Bellas el Museo. Veamos los premios: Marcos Cas- Bellas Artes, que como bien lo señalara Alfredo
no tenían el vigor, ni la cuantía de hoy. Pero Artes (1936) y una calma relativa reinaba en los tillo (1940), Rafael Monasterios (1941), Pedro Boulton, “dio una fuerte sacudida a las arcaicas
existía ya la efervescencia de la Escuela de Ar- predios de la Escuela de Artes Plásticas. Ángel González (1942), Alfredo López Méndez tesis plásticas de nuestra aletargada academia”,
tes Plásticas, sonaban ya nombres como Alejan- El edificio del Museo había sido concebido y (1943), Pedro León Castro (1944), Juan Vicente y de la llamada Escuela de Caracas. Pero la sa-
dro Otero, Mateo Manaure, Pascual Navarro, edificado por Carlos Raúl Villanueva. Si el vi- Fabbiani (1945), Rafael Ramón González (1946), cudida de 1912, inspirada en los impresionistas,
Luis Guevara Moreno y tantos otros que iban, sitante de hoy siente conmovido la prodigiosa Héctor Poleo (1947), Francisco Narváez (1948), corría el peligro de volverse un tenue temblor.
un año más tarde, a dar origen al Taller Libre frescura de un patio interior, el plácido equili- Ramón Martín Durbán (1949), César Prieto Fuera del Museo, las cosas no eran tan apaci-
de Arte. Y cito la encuesta, justamente para re- brio de los largos y acogedores pasillos, ¡cómo (1950), Manuel Cabré (1951), Elisa Elvira Zu- bles, ni tan metódicas. La prodigiosa actividad
forzar el carácter de pionero de El Nacional no brillaría en todo su esplendor, aquel edificio loaga (1952), Armando Reverón (1953), César del Taller Libre de Arte, iniciada en 1948, aglu-
en esta materia. propicio a una época y un tiempo! Rengifo (1954), Giorgio Gori (1955), Armando tinaba pintores, escultores, escritores, músicos
Las crónicas de Alejo Carpentier, de Gastón Pero un museo en la Caracas de 1938, es al- Lira (1956). y era todo un movimiento, al que habría de in-
Diehl, de Arturo Uslar Pietri, de Gómez Sicre y go así como un mausoleo. El horario de visi- El premio a Armando Reverón, llega al artis- corporarse Alejandro Otero, reconocido de in-
de muchos otros escritores venezolanos, eran ta contemplaba solamente domingos y días de ta cuando solo le queda un año de vida. Y no mediato como líder en quien se podía confiar.
un vivo y cálido reflejo de lo que pasaba en el fiesta. El director Carlos Otero, dispone de un puede interpretarse sino como resultado de una
mundo. En los años 50, no lo olvidemos, hablar reducido patrimonio artístico: algo más de cien presión general. Intelectuales y artistas claman (Continúa en la página 2)
2 Papel Literario EL NACIONAL DOMINGO 29 DE SEPTIEMBRE DE 2024

(Viene de la página 1)

Pero el real y fuerte estremecimiento, viene
con el bufido de Los Disidentes. Un bufido que
tendrá saludables repercusiones sobre la vida
del Museo, años más tarde. Recuerdo lo que
una vez un joven pintor me preguntó, no sin
cierto desdén: ¿Por qué Los Disidentes protes-
taron desde París? ¿Por qué no tuvieron el va-
lor de hacerlo aquí? Como joven, al fin y al ca-
bo, le resultaba difícil imaginar que años atrás,
“unos viejos” hubieran sentido la misma ira
que lo animaba a él. De todos modos, le recor-
dé que la década del 40 al 50 no había sido muy
estimulante: el benévolo control de los maes-
tros sobre la enseñanza plástica y subsiguiente
acaparamiento de premios en los salones, una
huelga de chicos plásticos que terminó desagra-
dablemente, una Caracas asfixiada por los ai-
res de grandeza de la dictadura. Aparte de los
bombardeos informativos de El Nacional y la
refrescante atmósfera del Taller Libre de Arte,
no había sino una incitación al exilio, en busca
de aires más propicios.
Fue así como en 1950, se encontraron aquellos
artistas venezolanos, unidos en la intemperie
parisina. Ese año, se vive en Europa una reali-
dad: el abstraccionismo. Lírica como la de Kan-
dinsky, racional y fría, como la de Mondrian,
no importa. Lo que cuenta es estar allí, metido
en la tormenta. Y Alejandro Otero traslada ese
sentimiento con toda claridad, en uno de sus
textos para el folleto número uno de Los Disi-
dentes: “solo una realidad tiene acción primor-
dial para nosotros y esa es la realidad del tiem-
po en que estamos inscritos...”.
París vibra..., pero las puertas no están abier-
tas de par en par. Hay reticencias. La Bienal de
Venecia de ese año, otorga el gran premio de
pintura a Matisse y el de escultura a Zadkine.
El Comité de Selección de obras de la Bienal
se llama “Comité de Selección para las artes fi-
gurativas”. Los mordaces críticos no dejan de
comentar irónicamente, la sala concedida a
Kandinsky, con obras cedidas por la viuda. El
público que acudía al Salón des Realités Nou- MIGUEL OTERO SILVA / ARCHIVO EL NACIONAL
veIles, donde Picabia y Herbin habían colgado
sus obras, era en buena parte escéptico y sar- do a Armando Barrios, un artista que ha esta- nían un peso muy especial (el Premio Boulton, a 100.000 bolívares. Luego, a 70.000. Esta última
cástico, característica muy propia del francés do con Los Disidentes. El reconocimiento a su por ejemplo) y nunca se dirá suficiente bien cantidad se mantendrá igual durante seis años.
medio, sobre todo cuando se le ubica frente a obra, aparece como la firma de un tratado de de las iniciativas de Enrique Planchart en es- Con esfuerzos sostenidos. la Sociedad de Ami-
alguna novedad. paz. Y más aún: el año siguiente, 1958, es de- te sentido. La acción de la empresa privada va gos del Museo mantiene a flote la institución. El
Lo que captaron Los Disidentes, además del signado director del Museo de Bellas Artes. Y a revelarse organizada, metódica, apoyada en Nacional, día tras día, denuncia la situación.
planteamiento plástico, fue la oportunidad de más aún: en el Salón Oficial de ese año, triunfa recursos financieros suficientes y aportará al Finalmente, en 1968, el Congreso Nacional de-
un cambio profundo, que arrancara de cuajo Alejandro Otero. Junto a él, Víctor Valera, el país beneficios indiscutibles. Bastaría citar la creta un nuevo presupuesto: 400.000 bolívares
las raíces muertas y acabara con la inmovili- fenomenal escultor, recibe también el Premio Fundación Mendoza y su Sala de Exposiciones, para adquisiciones.
dad ya no del propio país sino del continente Nacional. Artes Aplicadas: Tecla Tofano. En cuyas actividades ameritarían capítulo aparte, Mientras todo esto pasa, surge una “brillante”
americano todo. Los textos de los cinco folletos 1959, repite un disidente de peso: Luis Guevara y a la Fundación Neumann que hace realidad proposición de ociosos que nunca faltan: cons-
son agresivos. A veces francamente groseros. Moreno. Gana Rubén Núñez el premio de Ar- el Instituto de Diseño, de donde egresó toda truir una fuente luminosa en la Plaza Morelos.
Guevara Moreno llega a calificar la pintura que tes Aplicadas y se inicia el otorgamiento de la una nueva generación de estupendos artistas Gracias a una rápida campaña de El Nacional
se realiza en el país, como perteneciente “bas- mención Dibujo y Grabado. La inaugura Iván gráficos. y de las declaraciones de Villanueva, el dispa-
tardamente al siglo XIX”. Y el Museo de Bellas Petrovsky. Este empuje privado, aparte de los intereses rate es evitado.
Artes recibe parte de la helada ducha: “NO a El Museo ha cambiado y todo parece indicar económicos que ello implicaba, fue también el En febrero de 1971, el presidente Caldera res-
las exposiciones de mercaderes nacionales y ex- que el compás está abierto. Una década está a resultado lógico de la indiferencia y desidia de ponde a una pregunta del reportero Lossada
tranjeros que se cuentan por cientos cada año punto de iniciarse: la del 60, y es justamente los sucesivos regímenes democráticos frente a Rondón, en torno a la ampliación del Museo: el
en el Museo”. dentro de esos diez años, cuando la vida plás- la cultura nacional. El Estado se dejó escamo- proyecto de ampliación no ha sido archivado,
A la luz de 1980 ¿pueden calificarse de pueriles tica venezolana va a estar marcada por una tear muchas veces lo que debía ser un patrimo- dice. No pudo ser ejecutado todavía porque “no
estas protestas? Al contrario, parecerían cobrar explosión general, pero sobre todo por el cine- nio celosamente guardado. Ausente pues la po- hemos tenido las circunstancias más propicias
cierta vigencia. No pocos jóvenes sueñan con tismo. Venezuela es catapultada hacia el exte- lítica cultural gubernamental, florecieron las dentro del juego de prioridades y urgencias”.
furores imposibles y esperan que algo cambie rior, gracias al genio de Jesús Soto. El público iniciativas privadas. El 9 de septiembre, un artículo de Miguel Ote-
en los museos, en las escuelas, en las galerías, no se cansa de ir al Museo, de visitar galerías. El Museo de Bellas Artes fue la institución ro Silva titulado: “¿Cultura para qué?”, va a ser
en los premios. La proposición iracunda de Los Florece lo bueno, pero los tímidos paisajes do- que vivió con mayor intensidad los efectos de el detonante. Sin rodeos, el artículo señalaba
Disidentes, era decididamente menos peligrosa mingueros alcanzan también récords de ventas esa irritante indiferencia oficial y consideró en su comienzo: “...el menosprecio, presente,
que la de los realistas socialistas. impresionantes. Exposiciones como las de Ju- oportuno recordar las etapas de una historia pasado y futuro del Estado venezolano ante los
Siete años más tarde, en 1957, se definen los lio Le Parc y Jesús Soto, colman todas las espe- porque continúa siendo un indicativo válido de requerimientos de la cultura”, alusión directa
bandos, gracias a la más formidable polémica ranzas de público (Soto recibe 250.000 personas nuestras peripecias culturales. a la situación del Museo. Y tras recordar las
jamás registrada en el país: abstracción contra en cuatro semanas). Nos damos el lujo de tener El 22 de julio de 1967, El Nacional le dio des- promesas gubernamentales de todos los presi-
realismo. Protagonistas: Alejandro Otero y Mi- entre nosotros a un famosísimo falsificador que pliegue al anuncio del arquitecto Carlos Raúl dentes, “vanas y desalentadoras”, revelaba lo
guel Otero Silva. A lo largo de las incesantes inunda el mercado de hábiles copias y se hace Villanueva: el proyecto de ampliación del Mu- insólito: una colección (días después revelaría
batallas culturales registradas en Venezuela, rico. seo de Bellas Artes estaba concluido. El edificio que se trataba de la colección Plaza Arismendi),
no se vuelve a encontrar un documento tan se- Con la llegada de Miguel Arroyo a la dirección estaría dotado de cuatro salas de exhibición de avaluada en 9 millones de bolívares había sido
rio y apasionado a la vez. El lector interesado, del Museo, prosigue la corriente renovadora. El 527 metros cuadrados y de una altura de 5,40 donada al Museo, con una condición: “...que las
encontró en la polémica todo lo necesario, para Salón Oficial de 1960 consagra a Jesús Soto con metros, así como de otros espacios suficientes obras fueran objeto de una colocación digna y
entender las razones que oponían con tanta ter- el Premio Nacional. Es, según los observadores, para solucionar los angustiosos problemas de al alcance del público...”. El plazo para entre-
quedad las dos corrientes plásticas. sintomático. La opinión general tiende a identi- espacio del Museo. El anuncio por supuesto, gar la donación vencía en enero de 1972. Era
Dos párrafos solamente de esta polémica, bá- ficar al director del Museo, con el otorgamiento causó gran euforia. obvio que el Museo no podía recibirla en tales
sicos: “…el abstractismo es, sin duda alguna, la de los premios en los salones, tendencia que ha Pasaron dos años y en 1969, el proyecto dor- condiciones. El estado perdió así la colección
ponderación de la tesis del arte por el arte hasta sido enérgicamente desmentida por el propio mía apaciblemente en alguna gaveta de algún más extraordinaria de óleos, acuarelas, dibujos,
llevarla a sus últimas consecuencias: abolición Arroyo, y los colegas que lo precedieron. ministerio. Para esa fecha, el Museo estalla, aguafuertes y esculturas.
total del tema, eliminación radical del hom- En aquel periodo, se hace patente el profun- existen en depósito 2.347 obras y ninguna posi- Aquel artículo era pues fulminante: se aprue-
bre y la naturaleza como elementos inspirado- do interés del sector privado hacia las artes. Ya bilidad de exponerlas. El presupuesto de 1959, ban presupuestos y se realizan construcciones,
res del arte, exaltación de los medios técnicos los premios privados en los salones oficiales te- había sido reducido implacablemente de 300.000 pero “...cuando la edificación propuesta guarda
hasta convertirlos en la finalidad misma de la la más mínima relación con el arte y la cultu-
obra” (Miguel Otero Silva). “...El arte abstrac- ra, entonces el Ministerio de Hacienda arruga
to es precisamente eso: un nuevo lenguaje para el ceño austero, el Ministerio de Obras Públi-
expresar una nueva realidad. ¿No son al fin y al cas sonríe despectivo y las aspiraciones y los
cabo realidad y lenguaje equivalentes cuando planos van a parar de cabeza al basurero. Bajo
se trata de expresión? En el arte abstracto es- este y otros gobiernos”. Y de paso, Miguel Ote-
to se cumple con más eficacia que en ninguna ro Silva recordaba que lo pedido para la cons-
otra forma de arte anterior. En la pintura o la trucción del Museo: seis millones de bolívares,
escultura figurativas una imagen podía ser in- menos de lo que cuesta un Mirage y la quinta
terpretada de muy diversos modos porque los o sexta parte de lo que se juega mensualmente
símbolos son imprecisos. En la pintura o la esen el Hipódromo.
cultura abstracta la forma es directamente lo El detonante funcionó. Poco después, el pre-
que es, porque se ha llegado a identificar forma sidente Caldera anunciaba que los trabajos de
y verdad” (Alejandro Otero). ampliación comenzarían en enero de 1972. Un
El brusco estallido de la nueva figuración, jueves, 6 de diciembre de 1973, es inaugurada
tiempo después, pareciera otorgarle la razón a la ampliación con bombos y platillos. Lo que se
Miguel Otero Silva. Pero una mirada a las es- inauguraba era un cascarón vacío. No impor-
culturas visionarias y humanas de Alejandro taba. Todo el mundo suspiró de alivio: se había
Otero, también nos dicen que estaba en el buen logrado el objetivo tras años de peleas. Miguel
camino. Arroyo anunció entonces que el Museo estaría
Lo cierto es que esta polémica coincide con en pleno funcionamiento a fines de 1974.
una etapa en la historia del Museo. En ese año
de 1957, el Premio Oficial del Salón es otorga- ALEJANDRO OTERO FRENTE AL ABRA SOLAR / FUNDACIÓN OTERO PARDO (Continúa en la página 3)
EL NACIONAL DOMINGO 29 DE SEPTIEMBRE DE 2024
Papel Literario 3

Alirio Rodríguez, quien fue uno de los autores de
un primer proyecto redactado para Lucila Velás-
quez, expresó públicamente sus reservas muy

claras con respecto a la situación actual del Mu-
seo de Bellas Artes. Jesús Soto, en larga entrevis-
ta con Ramón Hernández, pone el dedo en la lla-
ga: “...no necesitamos directores de museo para
(Viene de la página 2) que peleen entre sí”, dice y comenta su extrañeza
ante el hecho de que “un museo de arte moderno
Como un eco amargo a tan feliz anuncio, el 20 sea negado a los artistas nacionales”. Anterior-
de noviembre de 1974, El Nacional publica a mente, Alejandro Otero había publicado una lar-
cinco columnas la renuncia de Miguel Arroyo, ga defensa de la Galería de Arte Nacional, en la
a la dirección del Museo. Resulta imposible po- que con citas precisas de fechas, proyectos y ex-
ner a funcionar la ampliación del Museo con los posiciones, explicaba la importancia de la institu-
recursos existentes. De la asignación estipulada ción. Pero al final de su texto, puntualizaba no sin
–unos 800.000 bolívares– para 1975, apenas que- cierta hostilidad: “...de buena gana vería yo esas
dan 5.836 bolívares mensuales para programas. dos obras mías, acompañando las ya existentes en
Miguel Arroyo es categórico: “...durante los últi- la Galería de Arte Nacional, entre mi verdadera
mos años el Museo ha venido siendo objeto de la gente y en el marco de mi tiempo”.
mayor desatención por parte de quienes estaban Lo cierto es que los términos del proyecto inicial
y están en la obligación de sustentarlo”, dice. El eran muy claros, no dejaban lugar a equívocos
21 de noviembre le responde Lucila Velásquez. Su en cuanto a las futuras funciones del Museo de
petición de revocar la renuncia es convincente: Bellas Artes. Valga recordar algunos puntos: “...
Arroyo se queda. por el carácter heterogéneo de sus atribuciones,
En febrero de 1975, las cosas no han cambiado. el Museo de Bellas Artes no estaba en condicio-
Es el año de la gran exposición La historia del nes de poder brindar al arte venezolano todo el
grabado, del chileno Matta, del lenguaje del co- apoyo que podía derivar en condiciones nuevas,
lor. Se multiplican los esfuerzos. El patrimonio de un esfuerzo más concentrado en la tarea de su
del Museo asciende a 100 millones de bolívares. valoración y es evidente que para ello, aquel orga-
La promesa del Ministro de Educación, Luis Ma- nismo carecía de espacio suficiente y de mayores
nuel Peñalver, de conceder los fondos necesarios, recursos humanos y técnicos”.
está en pie. Los propósitos no eran menos precisos. Entre
En marzo de 1975, dos noticias aligeran el am- ellos, estimular y propiciar el desarrollo dinámi-
biente y El Nacional las despliega: el doctor Ca- co de una conciencia más amplia acerca de nues-
rrillo Moreno, presidente del Inciba, anuncia que tro patrimonio artístico para su comprensión,
el problema del Museo está solucionado. Hay más preservación y fomento; iniciar el establecimien-
de dos millones para el Museo. ¿Por qué no es- to de las bases para un estudio e investigación sis-
tán en manos del Museo? Porque la cantidad no temática y permanente del arte venezolano de to-
puede ser transferida a una cuenta corriente del das las épocas y desde los más variados enfoques
Museo, ya que este no es un instituto autónomo y criterios de análisis e interpretación; erradicar
con personalidad jurídica. el concepto de museo-visita pasivo, presentando
Las ilusiones de todo el mundo se vienen abajo, el objeto artístico como expresión humana, no pa-
definitivamente: en junio de 1975, Miguel Arro- ra la contemplación fetichista y pasiva, sino para
yo entrega su renuncia irrevocable y con él, rela comunicación múltiple y activa”.
nuncian en pleno, los miembros de la Junta de La resolución de creación de la Galería de Arte
Conservación y Fomento y Sociedad de Amigos Nacional, dictada por el Inciba, remonta al 3 de
del Museo de Bellas Artes. “El Estado venezolano octubre de 1974. La puesta en marcha, en manos
ha respondido una y otra vez, a nuestros reque- del Conac, a mayo de 1976. No se escuchó enton-
rimientos con ofrecimientos engañosos que de ces eco de protesta alguna. El apoyo fue general.
tanto repetirse, está adquiriendo índole de befa”, En cuatro años, los directivos de la Galería han
afirman en el documento. Momentáneamente, es demostrado poder y vigor para obtener recursos
la derrota general. Sin Arroyo, sin la Junta y la GERT LEUFERT, JESÚS SOTO Y MIGUEL ARROYO / ARCHIVO económicos. Se siente con fuerza su definición co-
Sociedad, queda desierto el Museo. mo “la institución museística que está al más alto
Cuando en febrero de 1978, invitan a Miguel de nada nuevo a lo que constituye el núcleo de las pinoza, quien habría de ser designado director de
nivel y jerarquía, está consagrada plena y especí-
Arroyo a la celebración de los 40 años del Museo, trayectorias de nuestros más conocidos artistas”. la galería, trabajó junto a ellos. Para los escépticos,
ficamente, a difundir, preservar, investigar, pre-
hace pública una carta en la que dice: “...estoy en Lo cierto es que la renuncia de Miguel Arroyo la pluralidad de esfuerzos, debería bastar para ad-
sentar y fomentar las artes plásticas venezolanas
total desacuerdo con la forma como ha sido trata- ha marcado el fin de un capítulo. El Museo de Be- mitir la amplitud de criterios que animó el proyec-
de todos los tiempos”.
do el Museo. Considero que solo la arbitrariedad, llas Artes pasa a la retaguardia para dar paso a la to de la Galería, cuyo primer contenido apareció
Hace diez años, el crítico Roberto Guevara, en
la injusticia y el despropósito, podían aconsejar Galería de Arte Nacional. resumido en El Nacional, el 4 de octubre de 1975.
amplio foro realizado por Elizabeth Pérez Luna,
que a la institución que desarrolló durante treinta Queda, para los investigadores, el reino de las El pintor Manuel Quintana Castillo, en declara-
y con él, Miguel Arroyo, Perán Erminy e Inocente
y ocho años y en medio de la más entristecedora cifras: en 16 años, más de 400 exposiciones. Dos ciones del 28 de febrero de 1976, parecía resumir
Palacios (20/12/70), declaraba: “...la crisis actual
penuria, una eficaz acción en beneficio de las artes millones y medio de visitantes en 17 años. Fenó- el criterio general: “...requerimos el compromiso
de nuestra plástica es reflejo directo del subdesa-
plásticas del país, se le premiase quitándole su edi- menos de público nunca vistos: las exposiciones y la identificación incondicional con el país y con
rrollo general del país y es más grave que en nin-
ficio sede, despojándole de su colección de arte ve- de Jesús Soto y Julio Le Parc. Aunque tiempo nuestra propia realidad. La Galería Nacional de-
gún otro terreno de la cultura... Los criterios que
nezolano, imponiéndole restricciones a su acción y después, un crítico hablara despectivamente de be ser una guía y un punto de referencia para fre-
se aplican aquí son los mismos que se aplicaban
arrinconándole en una edificación que no fue con- la “quincalla dominguera” al referirse al revuelo nar el caos, el desorden, el fraude, la confusión, la
hace medio siglo... El énfasis debería ir hacia la
cebida como local autosuficiente, sino como am- que causaban los salones oficiales y aunque hoy ausencia de jerarquía definida, la desorientación
gente joven, hacia las escuelas, hacia la inmensa
pliación. Ni aún en aquellas instituciones en las se cuestione el carácter museo-visita, lo cierto es y el despelote que cada día nos estrangulan y nos
mayoría que constituye el 60 por ciento de la po-
que ha habido robos, malversaciones, distraccio- que el paso dado a través del Museo de Bellas Ar- desnaturalizan un poco más. Si las artes plásti-
blación de Venezuela y que espera de una socie-
nes, despilfarro, mal uso y abuso del poder y de las tes, fue un paso de gigante. cas venezolanas continúan excluidas e ignoradas,
dad determinados valores... ¿Qué es la cultura en
propiedades, han sido tan maltratadas como esta El proyecto de la Galería de Arte Nacional ma- si la pintura venezolana continúa siendo discri-
el fondo? Es la manera como un país y sus habi-
que ahora, en sus cuarenta años de acción, es obli- duró en silencio durante varios años. Ya en 1974, minada, censurada, escondida en los sótanos del
tantes son conscientes de una realidad”.
gada a mirar cómo se le acumulan las miserias”. el Inciba tiene en su presupuesto una partida Museo sin ser vista, asimilada y juzgada por el
Estas palabras podrían ser pronunciadas hoy. A
La historia culmina cuando el 17 de octubre de 1.026.848 para dicha galería. Los artistas apoyan pueblo, entonces será mejor pasarla a la Cine-
fuerza de tantas esperanzas fallidas, de tantas que-
1976 se inaugura al fin la ampliación del Museo la idea. Y realmente, una institución que impu- mateca..., y que el cielo la juzgue...”. (Cuatro años
jas desatendidas, es lógico que muchos artistas ha-
con la exposición Artes plásticas en Venezuela siera orden de prioridades y rescatara nuestra más tarde, Quintana Castillo firmará la carta de
yan vuelto decididos, a las viejas y melancólicas
1976. El crítico Roberto Guevara ataca la mues- historia plástica, como memoria imprescindible, los 26, en la que se pide “mayor autonomía pa-
torres de marfil. En este sentido, las declaraciones
tra: “...la muestra no cumple con su cometido y era una proposición luminosa. Cada quien aportó ra el Museo de Bellas Artes, organismo de igual
de Jesús Soto no tienen nada de plañideras y son,
vuelve a la idea de indiscriminado mercado de su esfuerzo. Los mismos protagonistas de aque- jerarquía e importancia que la Galería de Arte
al contrario, muy lúcidas y refrescantes. Sin llegar
estilos y lenguajes, de las escogencias gratuitas o lla encendida polémica de 1957, Alejandro Otero y Nacional”).
a la banal afirmación de que todo pasado es mejor,
sentimentales, de la inútil insistencia en mostrar Miguel Otero Silva, batallaron en la redacción del ¿Por qué aquel entusiasmo inicial y general,
¿no podrían, acaso, tomarse algunos elementos de
todo lo que ya se sabe hasta la saciedad por el ca- proyecto. El pintor Alirio Rodríguez también ela- degeneró poco a poco en sorda pugna y culminó
experiencias anteriores, si no perfectas, por lo me-
mino de las galerías y que a fin de cuentas no aña- boró un texto con ideas importantes. Manuel Es- en expresiones de público desacuerdo? El mismo
nos vivas y pujantes? ¿No sería válido plantearse
de nuevo la posibilidad de salones, concebidos de
acuerdo a nuestro momento, indicadores de pre-
sencias jóvenes o de testimonios que nunca pier-
den vigencia? La manía del “borrón y cuenta nue-
va” tan frecuente en nuestro cíclico sistema, ¿no
ha sido ligeramente exagerada?
El catálogo general del Museo de Bellas Artes,
que excluye a Venezuela del continente, deja a
nuestros artistas plásticos como silenciosos fan-
tasmas que van y vienen en medio de las disputas.
¿Qué hacen? ¿Dónde están? ¿Qué piensan? El país
necesita saberlo, más allá de catálogos y recintos
reservados. Sartre escribió hace muchos años: “...
las imágenes que se rompen y caen hechas añi-
cos, no es una opción tranquila de los nuevos pin-
tores: es un acontecimiento que dura todavía y
cuyas consecuencias no son conocidas del todo”.
Hay buenas razones para creer que al margen de
las instituciones, los jóvenes artistas venezolanos
–y los menos jóvenes– no tienen opciones tranqui-
las: ¡faltan muchas imágenes por romper!
*Tomado del volumen El Nacional. 37 años haciendo cami-

no. Coordinación: Pablo Antillano. C.A. Editora El Nacional.
Caracas, 1980. Incluye artículos y reportajes de Arturo Us-
lar Pietri, Antonio Arráiz, Juan Liscano, Miguel Otero Silva,
Pedro Espinosa Troconis, Germán Carías, Abelardo Raidi,
Misael Salazar Léidenz, Pablo Antillano (2), Ramón Her-
nández, Oscar Silva, Oscar Mago, Roberto Lovera de So-
la, Arístides Bastidas, Eduardo Delpretti, J.F. Reyes Baena,
GALERÍA DE ARTE NACIONAL / GUÍACCS – DE CARACAS AL MAR Héctor Malavé Mata, Gilberto Alcalá y Cuto Lamache.
DOSSIER >> HOMENAJE A ALIRIO ORAMAS (1924-2016)
Los 90 de Alirio Oramas

Europa en el universo de las artes plásticas des-
de finales del siglo XIX. Viaja a París en 1951. Su
vida correspondió a un persistente trabajo para
aclarar las dudas artísticas y existenciales que
frecuentemente le asaltaban; así se preparó in-
telectualmente en la literatura, la poesía, la his-
toria del arte y el estudio de las vanguardias ar-
Creador fundamental de tísticas que cambiaron el mundo. Nació en 1924.
En una primera época formativa en la Escuela
las artes venezolanas, de Artes Plásticas de Caracas rechazó las con-
venciones academicistas de una educación que
infatigable en sus no satisfacía a los estudiantes de la época, y bajo
búsquedas conceptuales la tutela de un gran maestro, Antonio Edmundo
Monsanto, pintor-director de la escuela e inspi-
y estéticas, Alirio rador de muchas de las preocupaciones creado-
ras e innovadoras a las que Oramas no escapó,
Oramas fue artista le tocó desarrollar y avanzar partiendo de sus
propias ideas gracias a una fuerte personalidad
visual, promotor cultural, y solidez en sus conceptos.
museógrafo y educador. Un momento histórico que marca el quehacer
artístico de Oramas, y el de otros artistas de la
Entre los numerosos época, es su asociación al Taller Libre de Arte
(creado en 1948), fue director por tres años de
reconocimientos que aquel centro de formación que por definición de
“libre” hará historia al convertirse en difusor de
recibió por su obra, ideas renovadoras ofreciendo una enseñanza sin
destaca el Premio academicismos ni restricciones. Sin embargo,
hay que hacer honor a la Escuela de Artes Plás-
Nacional de Artes ticas de Caracas que entre 1945 y 1950 formó una
generación de artistas que se marcha a Europa,
Plásticas en 1951 sobre todo a París, y que gracias a Monsanto y
otros profesores, había sido iniciada en el conoci-
miento de los novedosos planteamientos plásticos
BÉLGICA RODRÍGUEZ del cubismo y el expresionismo, elaborando cada
quien su propia versión de estos códigos plásticos
E
n la monografía-catálogo sobre la vida y al estar en contacto directo con otras concepcio-
obra de Alirio Oramas publicada a propó- nes de arte. Esta importante generación, al regre-
sito de su exposición antológica, 1946-2005, sar a Venezuela, iniciara nuevos momentos en al
Del misterio a las revelaciones (Galería de arte del país. Allí estará Alirio Oramas. Un pe-
Arte Nacional de Caracas, diciembre 2005-marzo ríodo muy conocido y analizado en la historia del
2006), se lee una declaración definitoria de su po- arte de Venezuela especialmente con el grupo Los
sición ante la creación y el pleno desarrollo artís- Disidentes como protagonista.
ALIRIO ORAMAS / ©VASCO SZINETAR
tico: “Yo he sido toda mi vida un investigador. No En la serie de pinturas de los años noventa, ya
me considero un pintor convencional de caballe- cas de ideas e investigación de conceptos teóri- pa formativa y como artista plástico reconocido casi última etapa de su vida, Oramas realiza una
te… Yo soy un pintor de ideas. No soy un pintor de cos fundamentales; aquí es preciso mencionar comenzará a formar parte de la historia moder- obra de factura muy compleja cargada de miste-
cuadros”. A propósito de esta suerte de confesión sus reflexiones sobre el comportamiento de la na del arte de Venezuela y de América Latina. rio y simbolismo, así como de un poderoso cro-
de Oramas, en la misma monografía leemos el línea, la forma, el color y los materiales impres- Con pasión, a Oramas le interesó y practicó matismo que podría tomarse como una síntesis
texto de Juan Calzadilla, venezolano, gran crítico cindibles para crear un plano espacial activo y el cambio constante en su trabajo. Concibió co- de todos aquellos planteamientos desarrollados
e investigador de arte, pionero y maestro, publica- así estructurar lo que definirá como la “realidad mo laboratorios los muchos talleres que tuvo, desde los años cincuenta, incluso del que califi-
do en el catálogo de la exposición de 1991 en la Ga- tangible” de la idea sobre un soporte, siguiendo templos sagrados donde le correspondía ser el có de “realismo subjetivo” con la serie Cometas
lería D´Museo, quien acertadamente plantea que la conceptualización general de su pintura. Una máximo y gran sacerdote capaz de dominar sus y papagayos; su espíritu investigativo buscó la
“casi todo el rigor que se encuentra en la obra de consecuencia de esta posición, se refleja en su in- demonios a través de inspiraciones creadoras fe- vibración surcando la idea y la realidad del mo-
Oramas ha sido consecuencia de una evolución terés por las diferentes investigaciones plásticas cundas sin ningún tipo de prejuicios estéticos. vimiento virtual a través de una estructura tri-
articulada entre la pintura y la necesidad de iden- de las vanguardias históricas y de aquellas del Es representativa la pintura correspondiente a dimensional plana de un objeto que libremente
tificar realización con ideas, y eso es lo que, en su subyugante presente, tanto nacionales como in- su penúltima etapa pictórica que abarca desde se mueve y vibra en el espacio; al final, siendo
trabajo temprano, lo condujo a un planteamiento ternacionales. Incursiona con mucho interés en finales de los años ochenta hasta principio de los bidimensional, este objeto pictórico corresponde
abstracto del cual, comenzando los cincuenta, fue los diferentes movimientos plásticos de su actua- dos mil, una síntesis de preocupaciones y plan- a una superficie plana cuya dimensión espacial
Oramas, junto a otros artistas, un adelantado”; el lidad como la abstracción geométrica y el expre- teamientos teórico-conceptuales entre elemen- activa se divide en varios segmentos, uno, de fon-
análisis de Calzadilla es perfectamente aplicable sionismo, así como también en el informalismo, tos plásticos del arte abstracto geométrico de los do, tratado con la técnica divisionista del color a
al conjunto de pinturas que realiza en los años tendencia dentro de la que, a su manera, realizó cincuenta y los recursos pictóricos derivados del fin de lograr superficies cromáticas vibratorias
noventa y principio de los dos mil, a mostrarse un importante trabajo pictórico al experimentar informalismo de los sesenta, períodos represen- y otro, como segundo plano, estructurado con
próximamente en una exposición celebratoria de con figuraciones poéticamente veladas que ori- tativos en toda su trayectoria. Se debe conside- líneas ligeramente valorizadas que forman figu-
los cien años de su nacimiento titulada Los 90 de ginan el período del apreciadísimo tema de las rar a Alirio Oramas como un intelectual, poeta ras geométricas no estáticas.
Alirio Oramas. Manzanas (años sesenta), que a base de veladu- e investigador acucioso del fenómeno de la crea- Este grupo de obras de los años noventa mues-
Precisamente, en la estética plástica del artis- ras y superposición de capas pictóricas influirá ción plástica y su desarrollo teórico y práctico, tra cómo Oramas nunca abandonó sus rasgos
ta, la abstracción de los años cincuenta junto a en el desarrollo del informalismo que se produce tanto local como internacional, siendo un artista plástico-visuales más distintivos logrados desde
la importante y abundante obra informalista de en América Latina. Esta condición conllevó a un creador fiel a sus principios, se relacionó siem- los exitosos resultados pictóricos presentes en su
los primeros años de la década de los sesenta posicionamiento inédito del trabajo pictórico de pre con su tiempo y contexto social, estudioso de obra primera, una de las características que ha-
(1961, 62 y 63), será una base sólida en sus pre- Oramas en los movimientos artísticos de su pre- la historia del arte y testigo de primera fila inte- ce que la obra toda de este artista se sostenga con
ocupaciones por concebir la producción de arte sente, partiendo desde un comportamiento de resado en los grandes cambios que se operaban solidez en la historia contemporánea del arte en
como una consecuencia de elaboraciones plásti- seriedad creadora en sus inicios hasta una eta- en las escenas de fuerte torbellino creativo de Venezuela.
Alirio Oramas,
un par de anécdotas
“En su estadía por Nueva York, Europa y sobre
todo Paris, nunca abandonó el arte geométrico
abstracto. Fue masón adepto, de ahí su matrimonio
con la geometría, así me lo hizo saber, ya que para la
masonería la quinta ciencia es la geometría”
VICENTE ROSA trimonio con la geometría, así me lo hizo saber,
ya que para la masonería la quinta ciencia es la
En 1947, Alirio Oramas es nombrado primer geometría, base científica de la logia masónica y
director del Taller Libre de Arte. Obtiene el la arquitectura de Dios, maestro del universo.
Premio Nacional de Artes Plásticas. Son nu- Tengo varias anécdotas con Alirio, una de ellas,
merosos los reconocimientos que ha recibido y cuando me visitó siendo yo director general del
numerosa su participación en exposiciones, a lo Centro Simón Bolívar, para que impidiera el des-
largo de su fructífera y prolongada vida. De su alojo del grupo Crea-Diez, dónde una docena de
biografía han escrito profusamente destacados artistas visuales tenían sus talleres durante años.
críticos e historiadores, de sus andanzas dentro Dichos talleres pertenecían al Centro Simón Bo- COMETAS Y PAPAGAYOS, PREMIO NACIONAL, 1951 / ALIRIO ORAMAS
y fuera de Venezuela, donde Alirio ha dejado su lívar. Había presión desde las alta esferas para su tro de mis atribuciones, no me costaba nada. donde podían participar críticos acreditados a la
valiosa impronta en la historia contemporánea desalojo. Querían entregarle ese espacio al maes- En otra ocasión, años después me tocó ser secre- AICA. Alirio estaba feliz con su premio. Consta-
de las artes plásticas, hasta su deceso en el año tro José Antonio Abreu, para instalar una escuela tario general de la Asociación Venezolana de Ar- ba de un medallón vaciado en bronce con el ros-
2016, a los 92 años. de música infantil. Mientras estuve como director tistas Plásticos –AVAP–, cuando Diana Lander la tro en relieve de Reverón, creado por el escultor
Conocí a Alirio a finales de los 80. Años des- general, el desalojo no prosperó. Me lo agradecie- presidía. Le entregamos por unanimidad, a Alirio Abigail Varela. Le recordada las veces que estu-
pués nos hicimos amigos, era buen conversador, ron Samuel Baroni, Félix Perdomo, Sydia Reyes, Oramas, el premio Armando Reverón, cuyo jura- vo en el castillete con Reverón. Además le propu-
un apasionado de la pintura con conocimiento de Antonio Moya, Pedro Terán, Alexander Martínez, do conformado silo por artistas plásticos, a saber, so al Consejo Municipal de Caracas de entonces,
causa. En su estadía por Nueva York, Europa y Bruno García, José Guédez, Saracual, Parra, y por Jorge Pizzani, Felipe Herrera, Oswaldo Subero. la creación del primer Museo Armado Reverón, el
sobre todo París, nunca abandonó el arte geomé- supuesto, el maestro Oramas. No acepté ningún Era la norma del gremio, luego esa norma la cual se lleva a cabo con obras originales del maes-
trico abstracto. Fue masón adepto, de ahí su ma- obsequio por gratitud, era mi decisión, estaba den- modificamos y ampliamos a cuatro categorías, tro a raíz de su muerte. Lo demás es historia.
Papel Literario 5
Una vida en el arte con Alirio Oramas

“Alirio tenía un o expectativas del medio ni mucho menos del
mercado del arte hacia el cual mantuvo siem-
temperamento afable y pre un cuestionamiento crítico y constructivo.
extremadamente amigable, Crónica desde las entrañas del arte

Cuando me refiero a “las entrañas del arte”,
apegado a principios me refiero literalmente a la dimensión visceral
verticales e inviolables de del término y la implicación personal vivencial

directa que tuve en la vida y obra de mi padre
integridad ética y moral, prácticamente desde antes de nacer. Para co-
menzar, mi mamá Lucila Maza Zavala, conoció a
basados en sus principios Alirio en París en 1954, a través de Mario Abreu
y Oswaldo Vigas, amigos en común de la Escuela
masónicos y teosóficos de Artes Plásticas. Poco tiempo después se casan
que en algún momento y un año más tarde me tocaría nacer en Barce-
lona, la capital de Cataluña, terruño de Gaudí,
bordeaban lo dogmático Miró y Dalí. De tal manera que mi destino y con-
dición como “hijo de artista” estaba inevitable-
e intransigente, aunque mente preasignado. La mayoría de los testigos
de esta historia ya han desaparecido, muchos
con una propensión de ellos compañeros de aventuras y vivencias de
a la comprensión y la mi padre en el Taller Libre y el período parisi-
no de los años 60. Omar Carreño, Perán Erminy,
indulgencia. Tenía una Adriano González León, Juan Sánchez Peláez,
Oswaldo Vigas y Pascual Navarro son algunos
personalidad compleja sin de los actores en el libreto de mi vida como el
“hijo de Oramas”. De igual manera Pedro Bri-
duda, aunque consciente ceño, Alberto de Paz y Mateos, el poeta Juan Sa-
y firme en sus ideales. lazar Meneses, Víctor Garrido Sutil y el argenti-
no Alberto Greco, para citar a los más cercanos.
La amistad honesta e Por ejemplo, Vigas fungiría ocasionalmente co-
mo pediatra, Omar Carreño (mi padrino) el “va-
incondicional fue también quero” que se batía a duelo conmigo cada vez
que me veía, y el caso de Pascual Navarro que
un valor sagrado para él” fue particularmente protagónico. Ocasional y
oportuno babysitter mientras Alirio, Lucy y Ca-
rreño asistían a sus clases de historia del arte
SANDRO ORAMAS en el Louvre, Pascual me llevaba a recorrer las
sombrías salas de las colecciones de arte egipcio
... en el arte, donde nos falta el tiempo, para ver las momias de los gatos y los faraones.
no estaría mal vivir más de una vida. Único autorizado a visitarme en el internado de
Vincent van Gogh Massy-Palaiseau, una hora al sur de París, y que
más tarde en Caracas me enseñara a manejar el
Epitafio pastel y ver los cuadros a la manera de Renoir:
Una de las últimas frases que dijo mi papá sobre es el mismo Pascual que aparece junto a mi papá
su vida fue: “Soy eterno, me iré algún día, pero en una foto en grupo con Aimée Battistini, Omar
volveré para realizar lo que no pude hacer en Carreño, Alfredo Maraver y otros artistas nota-
esta vida...”. Una afirmación inspirada segura- ALIRIO ORAMAS / ©SANDRO ORAMAS bles como Yacov Agam y Wilfredo Arcay, posan-
mente de sus lecturas de las Cartas a Theo, de do “para la eternidad” en el jardín de la Acade-
Vincent van Gogh, uno de sus libros más pre- ríquez y Alirio en el Taller Libre, motivado por mia de Arte Abstracto Dewasne y Pillet en 1951.
ciados. Tal fue su identificación con Van Gogh, “un malentendido...” posteriormente superado Son muchas vivencias que me implican de ma-
que, teniendo yo apenas 7 años, parados frente que no alteró nunca la amistad entre ellos. nera directa como testigo de la vida artística de
a las tumbas de Vincent y Theo, en el cemente- A pesar de sus intempestivas y vehementes mi padre y muchos de los protagonistas de la
rio de Auvers-sur-Oise, cerca de París, donde salidas, Alirio tenía un temperamento afable y historia de la pintura de este país. A propósito
solíamos ir de visita a la casa taller de Emilio extremadamente amigable, apegado a princi- de estas implicaciones y parafraseando el título
Boggio, me dijo: “El día que yo me muera quiero pios verticales e inviolables de integridad ética del texto “Manos fuera del cuadro” de Juan Cal-
que eches mis cenizas aquí al lado de Van Gogh”. y moral, basados en sus principios masónicos y zadilla para la exposición El Edén de Adán de
Magna y macabra encomienda para un hijo, de teosóficos que en algún momento bordeaban lo Alirio Oramas, en 1966, quiero referirme a una
la que fueron testigos mi mamá (Lucila Maza dogmático e intransigente, aunque con una pro- anécdota que podría funcionar como una especie
Zavala de Oramas) y el pintor Pascual Navarro. pensión a la comprensión y la indulgencia. Te- de making of de la realización de la obra titulada
Hoy, esa voluntad romántica de trascendencia nía una personalidad compleja sin duda, aunque Teddy Boy, en París, 1962, de la que fui testigo y
“inmortal” del artista, cobra vigencia en la oca- consciente y firme en sus ideales. La amistad ho- partícipe. En el trayecto al colegio en Montrou-
sión de celebrarse este año el centenario de su nesta e incondicional fue también un valor sa- ge con mi papá, una mañana lluviosa de otoño
nacimiento. grado para él. Era poco tolerante con la traición en París (1961), me llamó la atención uno de esos
y la hipocresía, lo que le costó grandes decepcio- trapos amarrados que ponían los barrenderos
Génesis nes y diferencias insolubles con algunos de sus entre la acera y la calle para canalizar el agua,
Para comprender ciertos rasgos que determina- TEDDY BOY, 1962 (BIENAL DE VENECIA) – ALIRIO compañeros de fila, a los cuales, sin embargo, algo que describe muy bien Didi-Huberman en
ron la personalidad, el temperamento y la evolu- ORAMAS / ARCHIVO FUNDACIÓN OSWALDO VIGAS siempre supo dejar la puerta abierta a la recon- Ninfa moderna:
ción como artista de Alirio Oramas, es necesa- ciliación. Son esas cualidades humanas las que
tarde, partiendo del ejemplo de Klee y Kandins-
rio saber por ejemplo que fue un niño huérfano le permitieron lograr un consenso de aceptación “...en la calle, con la cabeza gacha, la mirada
ky, conciba su ópera magna, Cometas y papaga-
de madre. Mi abuela Blanca Príncipe, su madre, y apoyo a su gestión como líder y director del errante, flotando. Un trapo viejo se arrastra
yos, con la que obtiene el Premio Nacional de
muere de tuberculosis a los 21 años, cuando Taller Libre de Arte en 1948, donde propició un por la acera y el agua corriente de la alcantari-
Artes Plásticas en 1951. Obra fundamental que
aquel apenas tenía 3 años, quedando al cuidado espacio de intercambio y participación abierto lla arrastrando su ‘inmunda costra’ sobre él”.
consideraba la base conceptual de todos los as-
de sus tías abuelas Mercedes y Clara Rosa Ora- como lo describe Gastón Diehl:
pectos, etapas y planteamientos esenciales de su
mas, normalistas con formación artística, edu- lenguaje plástico. Esa “inmunda costra” es un blue jean viejo y
cadas muy a la francesa. Alirio, se cría entonces “El dueño del lugar, el principal interesado y raído, y le sugerí que podía servir para hacer
En lo que respecta a su personalidad, Gastón
como hijo único en el seno de la familia de mi responsable, Alirio Oramas, piensa menos por un cuadro como esos que él hacía en esa época
Diehl, en su libro sobre el Arte en Venezuela en
abuelo Luis Ramón Oramas Rivero, un acadé- lo que ha llevado a cabo con la ayuda de sus (informalista) con cosas pegadas. Lo recogió del
los años 50, hace una semblanza muy acertada:
mico, por lo general ocupado en sus quehaceres compañeros, que en discutir conmigo la co- piso y a mi regreso del colegio ya la obra estaba
científicos, que asume una figura paterna au- rriente que para la época prevalece entre mu- en proceso, y al poco tiempo terminó exhibién-
“Me había impresionado la llama chispeante
sente, la cual aparecerá más tarde aportándole chos de ellos, ese deseo que les inculcó la expo- dose con gran éxito en las paredes de la XXXI
de sus ojos que contrastaba con su rostro de-
el gusto por la investigación no sin ser un tanto sición de Gómez Sicre de revincularse con las Bienal de Venecia del año 62, según una reseña
macrado, extrañamente alargado, y desmentía
crítico de la vocación de artista de su hijo. De fuentes típicas de América Latina...”. del New York Times de la época. Lamentable-
el aspecto endeble, casi enclenque, del persona-
tal manera que Alirio se convierte en un niño je, atestiguando la vitalidad de la que siempre mente, el destino de esta obra se desconoce ya
más confinado a la soledad, enfermizo, con ex- En cuanto a su temperamento artístico y ma- que se quedó en Italia junto con otras 20 del pe-
sabía dar prueba”.
trañas distracciones, según su propio testimo- nera de abordar el proceso y oficio de la pintu- ríodo informalista que han ido apareciendo en
nio, como jugar con las cucarachas o dar libre ra, Víctor Guédez, por su parte aporta un lúcido subastas y colecciones privadas en Roma y Nue-
A propósito de esta semblanza, es difícil ima-
curso a su imaginación buscando figuras fan- testimonio que considero oportuno citar aquí: va York. Años después en Caracas, realizó una
ginarse al “enclenque” Alirio, aparentemente
tásticas en las paredes derruidas de la solariega frágil, conduciendo una moto Harley-Davidson segunda versión, la cual conservo con especial
casa de sus tías ubicada en la vieja parroquia “Muchas veces se han levantado voces poco predilección.
por las calles de Caracas en 1948. Sin embargo,
caraqueña de San José. Etapa difícil durante la generosas, y menos comprensivas, que recla- No quiero concluir esta breve semblanza tes-
su gran amigo y compañero de aventuras de la
cual, testimonia Alirio, entre otras anécdotas, man en él una entrega más consecuente con su timonial sobre mi padre, el artista y el maestro,
época del Taller Libre, Régulo Pérez, prontamen-
que se despertaba en las mañanas viendo cómo creación. Alirio no pinta por pintar pues sabe sin hacerle aquí un reconocimiento personal a la
te centenario, aún recuerda la caída que sufrió
en las paredes de su cuarto se proyectaban a tra- que la finalidad de su actuar no se agota con los nobleza y amplitud de la que siempre hizo prue-
como parrillero en la Harley de Oramas, inci-
vés de un orificio en la ventana figuras del mun- resultados concretos y materiales de su obra. ba, al involucrarme de manera directa en su vi-
dente que afortunadamente no tuvo consecuen-
do exterior, cual cámara oscura de Leonardo da Pinta cuando siente deseo de pintar y esto debe da y en su obra, de lo cual me considero afor-
cias que lamentar, más allá de la cómica imagen
Vinci. Otra afición, quizás la más determinante reconocérsele como el ejercicio de su derecho tunado e inmensamente agradecido. Por otra
de Régulo viendo alejarse a Alirio en la distan-
para su devenir artístico a los 12 años, fue vo- a ser diferente”. parte, oportuna sea también la ocasión para ce-
cia sin percatarse de nada. Otro paradójico dato
lar cometas y papagayos durante sus vacacio- que contrasta con la imagen debilucha que evo- lebrar, de manera más amplia, el ejemplo de su
nes en el pequeño pueblo de El Cojo, cerca de Una aclaratoria necesaria que contribuye a extensa y prolífica trayectoria como pionero del
ca Gastón Diehl es que Alirio, por aquellos años,
Macuto, no muy lejos del Castillete de Reverón disipar las interrogantes un tanto injustas que arte abstracto y contemporáneo en Venezuela,
también practicaba boxeo como lo atestigua su
quien para la época pintaba a Juanita en el Pla- gravitaban en el medio artístico, producto de siempre preocupado por alcanzar, con absoluto
Autorretrato con el ojo morado de 1948, producto
yón en pleno período blanco. Es allí que Alirio la incomprensión. Preocupación a la que por compromiso y dedicación, los más altos niveles
de un combate de entrenamiento o el intercam-
adquiere los elementos de comprensión visual, supuesto hizo caso omiso manteniendo su fir- de excelencia en el ámbito del arte latinoameri-
bio de puños entre el pintor y cineasta César En-
sensorial, lumínica y espacial que, 15 años más me convicción de no sucumbir a las exigencias cano y universal.
Alirio Oramas:
el arte como alquimia
cisivo Taller Libre de Arte en 1948. Es imposible
Algunas de sus obras abordar la producción artística venezolana del
de los años noventa – “siglo XX corto” sin tener en cuenta el trabajo de
esta asociación cultural, que fue fundamental en
tan bellas como poco el proceso de filtración de las ideas artísticas in-
ternacionales en el medio caraqueño. Oramas es-
discutidas– evidencian tuvo activo en el Taller hasta que viajó a Europa
cómo sus habilidosas para continuar su formación luego de ganar el

Premio Nacional de Artes Plásticas en 1951. Se es-
manos transformaron los tableció inicialmente en París y entró en contacto
con la abstracción. Tras volver al país en 1956, fue
metales más corrientes en invitado por Carlos Raúl Villanueva a participar
en su proyecto de “integración de las artes” en
oro simbólico. Ahí su gran la Ciudad Universitaria de Caracas y realizó cua-
contribución al realismo tro murales abstracto-geométricos en el campus

universitario. Su espíritu renovador, típicamente
mágico pintado moderno, lo hizo abandonar la geometría hacia
el final de la década e integrar nuevos talleres y
movimientos de vanguardia en los años siguien-
tes. Pero a diferencia de sus compañeros de ge-
ALBERTO FERNÁNDEZ R. neración, siendo un artista ya maduro, Oramas
también se interesó por las propuestas de esos jó-
E
l historiador Tomás Straka asegura que venes que buscaban sus fuentes en Nueva York
entre los años veinte y los noventa, en lo y no en París. Durante los años ochenta, llevó a
que –parafraseando a su colega británico cabo instalaciones y una serie de acciones que lo
Eric Hobsbawm– denomina el “siglo XX acercan a las propuestas conceptuales.
corto” venezolano, se produjo una “explosión de Es interesante que tan ecléctica producción no
creatividad” que actualmente despierta un cre- carece de hilo conductor. Félix Suazo acierta en
ciente interés entre académicos y especialistas señalar cómo lo esotérico atraviesa la obra de
dentro y fuera del país1. Además, explica que la Oramas, desde sus pinturas hasta sus acciones2.
puesta en valor a nivel internacional de la obra, No es un dato menor. En Venezuela, en esencia,
muchas veces excepcional, de los referentes de la figuración de posguerra fue más social que fan-
la modernidad artística local es el resultado más tástica; siendo su modelo la pintura comprome-
destacado de dicho proceso de redescubrimiento. tida políticamente de Jacobo Borges. Y esto fue SIMULTANEIDAD CROMÁTICA, PARÍS, 1953 / ALIRIO ORAMAS
Con ello se refiere a las importantes exposiciones así pese a que el país, con seres mitológicos como
retrospectivas que instituciones estadounidenses María Lionza o José Gregorio Hernández, en don- los principales autores de ese realismo mágico es- del trópico. Es decir, en esas piezas tan bellas
dedicaron a Gego y Alfredo Boulton entre 2023 y de la santería deja escenas tan sorprendentes co- crito, que estuvo exiliado en Caracas entre 1945 y como poco discutidas, manipula de tal manera
este año. Resulta inevitable que de las oportunas mo las captadas por la fotógrafa Cristina García 19593. Vigas pintó sus conocidas brujas, esas lo- los metales más corrientes que se transforman
reflexiones de Straka se desprendan otras; es la Rodero, bien pudo ser inspiración para el realis- gradas reinterpretaciones de la Venus de Tacari- en un oro (simbólico), tan enigmático como ese
cadena lógica del conocimiento. Así, entre esas mo mágico escrito por Gabriel García Márquez y gua, tal vez, la más bella pieza cerámica entre to- que fundamenta el mito de El Dorado e, incluso,
consideraciones colaterales, podría señalarse pintado por Frida Kahlo, Wifredo Lam, Alejandro da la cultura material prehispánica encontrada tan valioso como aquel que se vende por lingo-
cómo los investigadores e historiadores del arte Obregón o Fernando de Zsyszlo. De ahí la urgen- en Venezuela. Mientras que Abreu ensambló sus tes. No se trata de una traducción de imágenes
tienen en Venezuela un campo de trabajo fértil, cia de revisar las imágenes realmaravillosas de cajas mágicas, en las que convierte objetos trivia- como en Vigas, ni de la producción de amule-
tanto por su riqueza como por lo incipiente de su Oramas, que lo emparentan con una de las prin- les, mediante procesos de resignificación a los que tos sagrados como en Abreu. La contribución
exploración; son más los creadores que esperan a cipales corrientes artísticas latinoamericanas, la los somete, en objetos rituales. capital de Oramas al realismo mágico pintado,
que su legado intelectual sea revisado de manera única con la que se identificaba a la región fuera Otro aspecto interesante de la historia de Ora- o esculpido, es su acertada concepción del arte
comprehensiva. El caso de Alirio Oramas (1924- de sus fronteras, antes de la oportuna revisión de mas es que, en la medida en que envejece, su como alquimia.
2016) bien lo ejemplifica. Ese “siglo XX corto” es las geometrías modernas suramericanas. quehacer se revela más ingenioso. Dicha situa-
también el marco temporal en que este artista Oramas no estuvo solo. Ningún artista, por muy ción tampoco fue común entre sus compañeros 1 https://revista.drclas.harvard.edu/reticularea-
formuló su heterogénea obra, la cual constituye genio que parezca, lo ha estado. Olwaldo Vigas y de generación, sin ser un hecho excepcional en with-a-bullfighter-in-the-background/
parte significativa de tal “explosión de creativi- Mario Abreu lo precedieron, y con resultados en- el mundo del arte. En este sentido, y siempre consultado por última vez: 18/08/2024.
dad” insuficientemente narrada. tonces más notables, en la formulación de un arte guardando las proporciones, su caso podría 2 Félix Suazo, “Alirio Oramas: entre la pintura y
La reconstrucción de su trayectoria profesio- vinculado a lo mítico, lo vernáculo y lo fantástico. compararse al de Claude Monet, Louise Bour- el cuerpo”, en: Alirio Oramas: Del misterio a las
nal revela su papel protagónico en el desarrollo Este dato tampoco es menor. Juan Carlos Palen- geois o la misma Gego. En los años noventa, revelaciones, Catalogo de exposición, Galería de
de la escena local. Junto a Oswaldo Vigas, Ma- zuela reseñó cómo los integrantes del Taller Libre Oramas enunció una serie de obras como El oro Arte Nacional, Caracas, 2006, p. 23.
rio Abreu, Régulo Pérez, Marius Sznajderman y de Arte, entre los que estaban estos tres artistas, filosofal (1995) y El cucharón dorado (1998), en 3 Juan Carlos Palenzuela, “Taller Libre de Arte”,
Humberto Jaimes Sánchez, Oramas fundó el de- tuvieron contacto con Alejo Carpentier, uno de las que se asume como una suerte de rey Midas en: ArtNexus, No. 28, Abril-Junio, 1998.
Performance, instalación y magia en Alirio Oramas

“Le interesaba ponerse a ra el culto. Si consideramos que el étimo de au-
gurio es augere (crecer, incrementar), podemos
acción, un instante, capaz de expandirse al in-
finito. Así fue El coito de Adán y Eva (1981), un
prueba, apartar los hábitos estimar que su cuerpo expandido en los perfor- objeto sexual-mágico-temporal, donde la pareja
mances y las instalaciones era producto de una primigenia estaría un siglo amándose. El con-
sociales –la oferta y la energía mágica que le permitía ser, indistinta- tenido oculto, esotérico, al interior de una caja
demanda–, y saltar hacia mente, Alirio, Peter Müller, Adán o Mercurio:
“yo me dejo llevar por la influencia de una se-
sellada con cadenas y candados, debía ser re-
velado al pasar cien años. Luego de ese perío-
temporalidades míticas” gunda personalidad o por las vibraciones que
percibo en el taller”.
do debía abrirse el séptimo candado y liberar a
los amantes. Hoy la obra está perdida, pero nos
Cuerpos, movimientos, pinturas, luces, incen- queda la sospecha de que ellos continuarán su
dios, palabras y tecnologías constituyen el de- coito al infinito.
HUMBERTO VALDIVIESO venir de las metrópolis. Infinidad de materias El trabajo de Oramas no duplicaba lo vivido ni
y energías integran el flujo de lo cotidiano. De hacía registros de la historia. Cada obra provenía
Desde que los generales ya no mueren a ellas extraía lo necesario para tejer vínculos y de una investigación muy personal y de su cuerpo
caballo, los pintores no están ya en la obligación generar situaciones creativas. Las manzanas, en movimiento. De extender lo humano más allá
de morir ante el caballete por ejemplo, las encerró en una jaula bajo cade- de sí: “El pie, siempre el pie, como prolongación
Marcel Duchamp nas y candados (Manzanas de Hong Kong, 1966), de mí, es la raíz del árbol”. Partía de sí mismo pa-
las sirvió en un plato de estaño (El Edén de Adán, ra ampliarse hacia todo lo que le permitiera in-
¿Es necesario expandirse hacia otras especies, 1966) o pintó con spray (Simposium de manza- dagar en los misterios de lo visible y lo invisible.
tecnologías o identidades para poder situarse en nas, 1966). En su trabajo nada estaba fuera de De ahí sus sombras, sus múltiples identidades
el mundo hoy? ¿Debemos ir más allá de aquello la vida. Los demonios y los dioses mismos eran y la curiosidad por los enigmas en las obras de
llamado por la tradición “el arte” para encon- llamados a este plano por él. Todo permanecía Reverón, Magritte y Durero. No le interesaba “el
trar las ficciones, conceptos y experiencias in- atado a la experiencia como acción fáctica, real mundo romántico de la tela, del caballete, del olor
dispensables para elaborar una obra? ¿Hay que y simbólica. La trascendencia era indiscernible a trementina”. Sentía el llamado de la calle, los
ALIRIO ORAMAS EN LA GAN / ©CAUPOLICÁN
apartarse del “yo soy” y asumir un “nosotros de lo cotidiano: “El artista siempre tiene que in- medios y la tecnología. En el Manifiesto expansio-
OVALLES
vamos siendo” para ser artista? ¿Podemos olvi- tegrar lo más simple y darle trascendencia para nista de 1967, del cual fue autor junto a Omar Ca-
darnos de ser sujetos históricos y convertirnos prueba, apartar los hábitos sociales –la oferta y que automáticamente se convierta en símbolo de rreño, Andrés Guzmán y Rubén Márquez, estaba
en energías mágicas, alquímicas, para alcanzar la demanda–, y saltar hacia temporalidades mí- alguna cosa”. De ahí que le dedicara una obra y latente esa idea: “Nuestro puente es la cibernéti-
una dimensión estética? No tenemos todas las ticas. Acostumbraba experimentar, a todo ries- un homenaje a la pintura Sapolín (1982). ca. La cibernética en tanto que medio (…) La obra
respuestas. Pero, podemos decir con Octavio go, en espacios donde su cuerpo hacía las veces El performance, la instalación y el ensamblaje debe integrarse a la vida misma del hombre”.
Paz que volver a la magia es “restablecer nues- de santuario mágico: “Mi cuerpo es un templo”. fueron en este artista el resultado de investiga- A cien años de su nacimiento, cada performan-
tro contacto con el todo y tornar erótica, eléctri- Para él, ideas, gestos (signos que circulan en ciones minuciosas y procesos creativos sin proce –El coito de Adán y Eva (1981), La creación de
ca, nuestra relación con el mundo”. Eso es lo que el espacio-tiempo), energías y rituales integra- tocolos preestablecidos. Provenían de las vibra- Adán (1982), El asesinato de la paleta (1985), El
Alirio Oramas hizo a lo largo de su vida feraz. ban una misma acción. Obra y cuerpo eran in- ciones percibidas en sus viajes y talleres (San paseo de Mercurio (1985)– y cada instalación –La
Este maestro caraqueño solía deshacerse, di- separables: “Es a través de mi cuerpo que flu- José del Ávila y Naiguatá 1948-51, París 1951-61, era del Sapolín (1982), El camino de las estrellas
luirse como un filtro mágico, en la materia del yen las ideas que van a gestar la obra”. Pero ese Roma 1961-63, León de Oro 1965-68, Puerta de Ca- (1983), La casa amarilla (1989)– continúan siendo
mundo y del inframundo: “La manzana, Ma- templo-cuerpo era el de los augures (un espacio racas 1980-1989, Parque Central 1990-2006 y La un misterio y una revelación. Son gestos que nos
gritte y yo somos uno”. Le interesaba ponerse a abierto en el cielo) y no un edificio cerrado pa- Candelaria 2003-2016). Su trabajo constituía una conducen hacia “la parte oculta del artista”.
Papel Literario 7
Arte y acción en
Alirio Oramas
“Una vez en París, a donde viaja en 1951 luego de su
premiación, prosigue su formación en la Academia
La Grande Chaumiére. Entonces, imbuido en los
intereses de la abstracción geométrica, realiza su serie
Progresiones que expone en la Galería Arnaud en 1953,
enfocándose en la idea de la progresión del color”
SUSANA BENKO tematización interesó al arquitecto Carlos Raúl ALIRIO ORAMAS, ROMA, 1962 / ARCHIVO
Villanueva como para invitarlo a elaborar, entre
E
s un acto generoso recordar a quienes se 1955 y 1957, cinco murales para el Proyecto de In- Este tema lo pintó durante tres años más, aun- Omar Carreño, Rubén Márquez y Andrés Guz-
han ido. Hoy, en ocasión de los cien años tegración de las Artes de la Ciudad Universitaria que la referencia bíblica siguió presente en los mán en el Museo de Bellas Artes de Caracas. La
del nacimiento del artista Alirio Oramas, de Caracas. eventos performáticos que realizó durante la dé- exposición se llamó Obras transformables. Ellos,
es momento de hacerlo. Por fortuna, ha Si bien el arte informal estuvo en boga en va- cada de los ochenta. Este sentido esotérico y mís- junto a otros artistas, conformaron el Grupo Ex-
quedado su legado, tanto en obras como en ac- rios países antes de los años sesenta, es a partir de tico, analizado por críticos como Juan Calzadilla, pansionista creado en ese mismo año 67. La in-
ciones, pues, ha sido maestro de nuevas genera- 1961, que el abandono de la geometría y el uso de Víctor Guédez y Bélgica Rodríguez en diferentes tención: crear obras que superaran sus límites,
ciones de artistas, un activo promotor cultural y materiales no pictóricos, marcaron otra fase inte- medios, así como sus experiencias corporales, sea expandiéndose sobre el muro o bien transfor-
ha quedado como referencia puntual en la histo- resante en el proceso artístico de Oramas. Realiza fueron revalorados y vistos en contexto en la ex- mándose por medio de la manipulación del espec-
ria del arte venezolano. pinturas muy texturadas integrando el collage y posición Alirio Oramas: del misterio a las revela- tador. Fue en esa exposición que publicaron su
Una vez una persona amiga me señaló que no materiales diversos como nylon, papel periódico, ciones, retrospectiva realizada en la Galería de Ar- primer manifiesto, en el que se leen los siguientes
todo en Oramas se circunscribía en la pieza Co- trozos de blue-jeans y harapos de todo tipo. Pese a te Nacional en 2005. Fue una excelente ocasión objetivos: 1. Ruptura total con la pintura de dos
metas y papagayos (1951), pintura con la que ga- estas texturas extremas y las mezclas heterogé- para rescatar estos y otros tópicos de su amplia dimensiones reales. 2. Creación de obras no figu-
nó, junto a otras tres obras, el Premio Nacional neas de materia y pigmento, en sus obras priva, trayectoria. rativas, geométricas y transformables. 3. Inter-
de Artes Plásticas en el Salón Oficial Anual de sin embargo, un fuerte sentido de la composición. En el ensayo curatorial de dicha muestra, Fé- vención activa del espectador en la transforma-
Arte Venezolano. En efecto, antes de ese año tu- En el magnífico archivo visual que llevan adelan- lix Suazo hace una interesante relación entre el ción de la obra. 4. Empleo de nuevos materiales
vo actividad memorable como también la tuvo te su hijo Sandro y su nieta Alejandra Oramas sentido ritual de Armando Reverón durante sus adaptados a los fines expansionistas. 5. Constitu-
después. Contaba apenas con 24 años cuando fue a través de Instagram (@aliriooramas), vemos, procesos creativos y la obra de Alirio Oramas. ción de centros de cooperación y de investigación
copartícipe en la fundación del Taller Libre Arte a modo de anécdota, una fotografía tomada por Dice: “Atrapado entre la pintura y el cuerpo, las estética en distintas ciudades del mundo. Los dos
en 1948 y lo dirigió desde su inicio hasta 1951. En Emiliano Tolbe. En esta aparecen el artista jun- acciones de Oramas parecen recobrar la plasti- últimos puntos no los pudieron realizar.
1950, todavía estando en Caracas, participó en Los to a su esposa, Lucila Oramas, en el mercado de cidad histriónica de Armando Reverón, cuya ca- La pintura esotérica, de atractivos “espacios si-
Disidentes, grupo de artistas reunidos en París, las pulgas de Porta Portese en Roma en busca de sa-taller visitara a finales de los años cuarenta. derales” sustentada en formas y color, la conti-
quienes promovieron a través de su revista –de insumos para sus obras informalistas. Era 1963. De aquellos primeros contactos y de su labor al núa realizando entrados los años noventa. A ello
mismo nombre– la importancia del arte abstrac- Tres años más tarde, el artista participa en dos frente del museo que lleva el nombre del pintor de se agrega la integración de objetos en pinturas
to. La conciencia de la modernidad estuvo muy situaciones plásticas interesantes: la vuelta a la Macuto, proviene esa fascinación que lo acerca a de significación igualmente mística y misteriosa.
presente en Oramas así como en los demás artis- figuración y, a la vez, su coparticipación en el la dimensión ritual del arte”. Oramas fue, junto a Vista en su conjunto, cabe concluir, que la obra de
tas de su generación. El deseo de renovar y actua- Grupo Expansionista conformado por artistas de su esposa, cofundador y primer director del des- Oramas abarca tantas facetas que bien mereció la
lizar los parámetros artísticos estaba ya signado tendencias diversas con el objetivo de expandir aparecido Museo Armando Reverón, cargo que retrospectiva en la GAN para observarla y anali-
desde los tiempos del Taller. sus obras. En el primer caso, debemos mencionar ocupó formalmente de 1974 a 1977. Sin embargo, zarla en profundidad. Y es que transitó en la abs-
Alirio Oramas fue un artista particularmente la exposición El Edén de Adán, realizada en 1966 este matrimonio trabajó desde los años sesenta en tracción geométrica, en el arte matérico o infor-
productivo. Su obra presenta varias fases y ten- en la Galería 22. Presenta pinturas en torno a la el rescate de El Castillete, así como de los objetos mal, en la figuración con elementos surrealistas,
dencias, propias de un artista en el fondo “inves- imagen de las manzanas, además de realizar un de Reverón, llegándose inclusive a inaugurarse en la abstracción esotérica, intervino objetos, rea-
tigador” de nuevos recursos y conceptos. Una performance y una instalación en la que invitaba con la presencia de Juanita Mota, pareja de Re- lizó acciones performáticas e incluso instalación.
vez en París, a donde viaja en 1951 luego de su a los participantes a comer manzanas para reme- verón, El taller de Armando Reverón en el Salón Todo ello, más su rol como docente y gestor cultu-
premiación, prosigue su formación en la Acade- morar “El Pecado Original”. En las pinturas tra- de los Espejos del Concejo Municipal de Caracas ral al fundar espacios propicios para la creación,
mia La Grande Chaumiére. Entonces, imbuido en baja por vez primera la pintura al duco en spray en 1966. Vale la pena revisar las imágenes alusi- completan la visión que tenemos acerca de una
los intereses de la abstracción geométrica, reali- utlizando plantillas y esténciles sobre maderas y vas de todo ello en la cuenta antes mencionada personalidad libre, inquieta y creativa en búsque-
za su serie Progresiones que expone en la Gale- lienzos, logrando transparencias y veladuras cu- en Instagram. da de una constante renovación. Precisamente, la
ría Arnaud en 1953, enfocándose en la idea de la ya apariencia es asociada a cierta simbología eso- Veamos ahora, brevemente, lo que ocurrió un condición esencial de todo artista innovador e im-
progresión del color. Una obra cuya peculiar sis- térica, incluso surrealista. año después. En 1967, Oramas expone junto a pulsor del devenir del arte venezolano.
La perseverancia de un buen hombre

Canogar y Guinovart. Enriquecido con esa expe-
riencia regresa a Caracas donde realiza cuatro
murales para la UCV. Siempre tuvo claridad que
debía regresar a su país a devolver lo aprendido
y a generar conocimiento en los artistas jóvenes.
“En la serie Cometas y Otro de los grandes atributos de Oramas fue la
coherencia en su obra. Un breve paso por el in-
papagayos simplifica formalismo deja huella, en el uso de texturas, que
las formas, en una estuvo siempre presente en su trabajo.
Oramas siempre andaba en búsquedas perma-
composición no lineal, sino nentes. En la serie Cometas y papagayos simplifi-
ca las formas, en una composición no lineal, sino
de masas y combinando de masas y combinando la geometría. Utiliza plan-
la geometría. Utiliza tillas, tramas y aerosoles. Maneja con destreza el

grano de la materia y color. También, introduce
plantillas, tramas y colores pasteles a la policromía, en el arte abstrac-
to. Existe un punto focal que se hace central y so-
aerosoles. Maneja con bre el cual gira la obra. Puede ser un papagayo, un
circulo, un astro o cualquier elemento geométri-
destreza el grano de la co. Cézanne usaba la manzana como pretexto para
materia y color” analizar formas puras. Oramas lo usa para resal-

tar la propuesta y dirigir la mirada del espectador,
a composiciones asimétricas. Esa combinación de
técnicas, composición y texturas da una musicali-
BEATRIZ SOGBE dad a la obra. Hay un ritmo, una cadencia.
ALIRIO ORAMAS, OSWALDO VIGAS, MARIO ABREU, TALLER LIBRE, 1948 / FUNDACIÓN OSWALDO VIGAS Hay una precisión en la observación que equiva-
Desde hace décadas entendí que cuando se ana-
le a precisión en el pensamiento. Veo sus obras y
liza la obra de un artista hay que separar la vida pero tuvo una vida personal bastante complica- (1951)– porque no los buscaba. En cierta manera, lo recuerdo: lo visualizo en su desordenado taller
de la obra. Por supuesto, que hay hechos en la vida y, por decir lo menos, desagradable. Hoy se le fue siempre un rebelde. Aclaro, un rebelde en el de la antigua Escuela de Artes Plásticas donde no
da de un artista que pudieran señalar determi- pudieran imputar muchos calificativos a su vida uso de técnicas y buscando innovar. Y en oponer- solo veíamos sus obras, sino recortes de prensa de
nados signos en la obra. Eso es indiscutible, Pero personal. Pero nadie cuestiona su genio. Tampoco se a lo establecido. Por eso desde temprana edad décadas. Cuando no conseguía información era
suelo desmarcar lo personal a mis análisis. No es- nadie pregunta si le dieron premios o condecora- se opuso a las enseñanzas de la Escuela de Artes seguro que Alirio la tenía en su archivo. Siem-
cribo porque un artista es mi amigo o por perci- ciones. El talento sobrepasa esas menudencias. Plásticas y no duda en cuestionar las enseñanzas pre estaba dispuesto y de humor para la plática.
bir el justo honorario. Se trata de sentir la obra. El breve preámbulo anterior es para hablar de y las políticas culturales de la época. Siento escuchar su voz chillona, la repetición en
Identificarse con el trabajo. Incluso nos podemos Alirio Oramas (Venezuela, 1924-2016). Un hombre Su vida está llena de sorpresas. Muy joven fue las frases. Nada se convalida con la obra que es
equivocar en nuestra percepción, pero siempre bueno, sencillo y honesto, pero que también fue codirector del Taller Libre de Arte, por dos años. concisa y clara.
de buena fe. un buen artista. ¿Por qué hablo de esos atributos No hay dudas del inmenso aporte que el Taller Ciertamente, pocas exposiciones, premios y re-
Si se analiza la obra del gran Miguel Ángel, antes de hablar de la obra? Porque sé que a Ora- Libre de Arte tuvo en Venezuela para el arte abs- conocimientos. ¿A quién le importa? A nadie. El
por ejemplo, era un hombre malhumorado y, así mas, como masón, le hubiera gustado. Estos son tracto. Viaja a París a formarse y se une al taller premio –merecido o no– lo da la vida. El castigo
mismo, siempre se consideró incomprendido. Se cultores de la verdad y la honestidad. También de Jean Dewasne –de quien Venezuela también –por tus errores– lo da la muerte, que finalmente
puede tener mucho carácter, pero poco talento. A porque Oramas fue un hombre leal y correcto. tiene una deuda pendiente por su influencia en es el juez implacable de la obra. Alirio se fue si-
Miguel Ángel le sobraban los dos. Pero el talen- Sin embargo, detrás de esa bonhomía había un nuestros artistas. Se une a Los Disidentes. Com- lenciosamente. Pero tengo una certeza. No solo
to se le desbordaba. Su obra tanto en pintura, es- artista. No descubriremos grandes exposicio- parte habitación en París con Sam Francis y Gon- saldé una deuda afectiva al analizar su trabajo,
cultura y arquitectura es colosal. Magnifica e im- nes, ni premiaciones –a pesar de haber obtenido zalo Fonseca. Conoce a Breton y a George Braque. sino que Alirio no será un artista olvidado. Tuvo
perecedera. Picasso a su vez, rebosaba simpatía, muy joven el Premio Nacional de Artes Plásticas Viaja a Barcelona y alterna con Tapies, Cuixart, sentido de la historia.
EXPOSICIÓN >> MERCEDES ELENA GONZÁLEZ EN NEW YORK
A propósito de los Agujeros negros

Hasta el 19 de pecie de visiones fantasmales. En su
inmensa capacidad de creación, Gon-
e incorporando una cosmografía par-
ticular al conjunto. Corona Roll (2020-
octubre estará zález trabaja distintos tópicos simul-
táneamente, otorgando continuidad
2021) –asombrosa franja continua de
once metros– configura, ciertamen-
abierta la exposición a un ejercicio que retoma, al presente, la reinterpretación caricatures-
te, metodologías del pasado, coinci- ca del personaje maléfico de un film
de Mercedes Elena diendo con el período de aislamiento noir, evocando el insondable sentido
González, Agujeros producto de la pandemia. La presen-

te propuesta expositiva configura un
de fragilidad de la especie humana
cuando se enfrenta al virus.
negros, en la Galería amplio repertorio de obras realizadas
desde 2019 que irán avanzando en un
La serie de Tapices (2019-2023) –uno
de los conjuntos más destacados de
Henrique Faría, heterogéneo rizoma creativo. Los Di- su trabajo– constituye otra inda-
latagramas (2015-2023) figuran, a ma- gación significante donde la lógica
en New York nera de transcripciones científicas o geométrica opera como un vehículo
partituras musicales, las fluctuacio- estructural para abordar la idea del
nes rítmicas y pulsaciones eléctricas tejido artesanal. Estos ensamblajes,
RUTH AUERBACH que perciben las ondas oscilantes de resultado de secuencias de módulos
la actividad corporal, asentándolas idénticos de muestras de pintura co-
L
a sostenida trayectoria artísti- en patrones lineales. En los pliegues mercial, configuran una apretada
AGUJEROS NEGROS – MERCEDES HELENA GONZÁLEZ / GALERÍA HENRIQUE FARÍA, NUEVA YORK
ca de Mercedes Elena Gonzá- de estas dilataciones descubrimos, trama intervenida con los signos y
lez ha desarrollado en el tiem- sibilitando nuevos relatos y composi- mía femenina. Por otra parte, la in- parcialmente visibles, aquellos aguje- códigos característicos de su obra y
po un lenguaje propio y un ciones formales; bien sea derivados dagación sobre la división celular la ros negros iniciales, vulvas o peque- una suerte de escritura automática
amplio volumen de trabajo produci- de una modernidad “melancólica” y conduce a utilizar estrategias de frag- ñas pupilas camufladas en la estruc- ilegible. Cada lámina de cartulina o
do desde las postrimerías de la dé- superada, o a través de la introduc- mentación y serialización en sus tra- tura reticular. Así mismo, las figuras de fórmica es singular y en su totali-
cada de 1970. A partir del incesante ción de una geometría expresiva y es- bajos posteriores. Estos enigmáticos ojivales, reminiscencias de los orifi- dad logran, a partir de franjas hori-
impulso creador, su obra explora un pontánea, yuxtapuesta a sutiles ins- orificios, bordeados por delgados fi- cios biológicos, reaparecen con más zontales y verticales, la organización
complejo universo de imágenes que cripciones de un lenguaje ilegible e lamentos orgánicos y, así mismo, las fuerza en contundentes formatos de un amplio plano multicromático
revela la estrecha conexión entre el imaginario, encriptado a la manera formas ojivales obtenidas de la inter- verticales denominados Neurojivas en el que esa geometría flexible, ob-
cuerpo físico y la cosmogonía cien- de texturas y escrituras orgánicas. sección de dos círculos anuncian la (2000-2020) y Linojivas (2023), en cu- servada de lejos o en detalle, rela-
tífica, la biodiversidad y el sistema González pertenece a una genera- etapa más productiva y madura de su ya superficie superpone la geometría ciona la abstracción de una narrati-
estructural. ción de artistas que en Venezuela tu- trabajo. Las ojivas exploran simultá- cartesiana con las finas líneas de una va sensible y expresiva. Del mismo
En sus inicios en 1976, y al margen vo que marcar distancia con la nueva neamente las entidades cósmicas y el capilaridad orgánica. modo, las proyecciones planetarias
de las tendencias dominantes de su figuración y el informalismo exacer- espacio sideral. De aquí derivan en- Cuerpo, paisaje y cosmos dimensio- generan tramas diversas que nos co-
contexto, la naturaleza femenina de bado, así como con la hegemonía ci- tonces las paradojas ubicadas en las nan una trilogía implícita que, desde nectan con los tejidos ancestrales,
su propuesta estableció un marco de nético constructivista que dominó el antípodas del cuerpo biológico y el la práctica del arte, reduce la distan- soberbiamente materializadas en
referencia explícito, que despliega en escenario local durante las décadas de universo astral: lo micro y lo macro, cia ontológica entre latitudes opues- el tríptico Retazos (2022), en Table-
la práctica a través de sofisticados di- 1950 y 1960. El cuestionamiento a estas el color y la oscuridad, la representa- tas. Así, la serie de horizontes noctur- ro (2023) y en el destacado grupo de
bujos, pinturas y objetos, elaborados tendencias se verá reflejado en el sur- ción y la abstracción. nos y enigmáticas regiones del espacio Retablos (2023), donde el fragmento
con minuciosas técnicas y materiales gimiento de experiencias vinculadas La operación recurrente del hacer sideral remiten a vistas telescópicas ampliado de la construcción formal
mixtos. Vulvas, flores, neuronas, cé- al conceptualismo y a los “nuevos me- –el hilo conductor que atraviesa su donde los agujeros –ahora ilumina- fusiona, en un vocabulario subjetivo
lulas y orificios diversos, examinados dios”, instalaciones y performances. obra–, reedita, invariablemente, frag- dos– mutan en estrellas, planetas y y contemporáneo, la instintiva racio-
bajo su curiosa mirada microscópica, Dentro de este panorama, ella repre- mentos de procesos anteriores, ajus- eclipses, desarrollando una geometría nalidad de una modernidad perdida
corresponden a una iconografía bio- senta, no obstante, una figura aislada tándose a nuevas prácticas formales expansiva y reveladora en el conjunto con la iconografía de signos atávicos
lógica sugerente y esencial que alude y singular que no pertenece a grupos y principios argumentales. Así, al re- de Nacientes y Ponientes (2023). En sin- y universales.
a sí misma, a su condición de mujer. o categorías tendenciales. crear y reconsiderar, recuperar y re- cronía con esta búsqueda y a partir de
En estos potenciales autorretratos, La exposición Agujeros negros toma capitular un proceso continuo en dos una serie de estudios a lápiz de las pro- (1) La obra de Mercedes Elena Gonzalez
en la autoexploración de paisajes su nombre de un políptico de seis di- tempos, desarrolla las series Neurohi- yecciones astrales y de imágenes cien- formó parte de la exposición Radical Wo-
uterinos, pioneros para su época en bujos, en tinta china y témpera sobre lados (2000) y Ovularias (2006), repre- tíficas apócrifas, introduce un aspecto men: Latin American Art, 1960-1985, or-
nuestro país, González redescubre papel artesanal, realizado al inicio sentaciones de finísimas nervaduras inédito en su trabajo: los triángulos y ganizada por el Hammer Museum de Los
una sensibilidad referida al género y del milenio. En cada uno de ellos, las pintadas sobre lienzo en la gama de diagonales resultantes de la intersec- Angeles en 2017 y curada por Cecilia Fajar-
una belleza fluida que trasciende la pequeñas formas ovoides van aumen- negros, blancos y grises, o sobre tapa- ción de líneas. do-Hill y Andrea Giunta. Allí expuso, junto
racionalidad teórica de la ciencia y, a tando en proporción al centro del so- ras, en tonos tierra, que ejercen como En los años de reclusión y desde a las también artistas venezolanas Mari-
la vez, las ideologías de los diferentes porte. Pareciera que esta pieza mar- metáforas visuales del tejido vascu- otra perspectiva, González recopila sol, Margot Römer, Yeni y Nan, Antonieta
movimientos feministas (1). Progre- caría la transición entre sus obras lar y, luego, del sideral. Las apare- una antología de dibujos –desarro- Sosa y Tecla Tofano, su tríptico Vulvosa
sivamente, la reconceptualización de tempranas, concebidas cuando estu- cidas, despliegan una colección de llados minuciosamente en bolígrafo, (1979-1981). De la misma época también
una política del cuerpo biológico y so- diaba en la escuela del Museum of Fi- pequeñas telas pintadas en 1998 cu- marcadores, grafito y creyones sobre sobresalen la serie Vulvarrosas (1983),
cial, entrará en diálogo permanente ne Arts de Boston, aquellas referidas yos fondos son intervenidos en la ac- papel de contacto– reivindicando sus obras que resuenan con las florescencias
con distintos registros temáticos, po- a la especulación visual de la anato- tualidad para restituirlos en una es- ilustraciones biológicas preliminares de Georgia O’Keeffe.
EXPOSICIÓN >> MARIANA COPELLO Y LUISA DUARTE EN MIAMI
Geométricas: Mariana Copello y Luisa Duarte

Geométricas, ro”. Con una práctica que abarca es- carrera artística en 2003, a la par de
culturas, instalaciones y obras sobre su traslado a los Estados Unidos. En
exposición que papel, sus trabajos revelan una con- Texas, Duarte ha realizado estudios de
tención formal forjada en el estudio de arte independientes en varias institu-
permanecerá abierta los ritmos, las progresiones y los des- ciones, incluida la Southwest School of
hasta enero el 2025 doblamientos de la línea, las tensiones
surgidas entre planos geométricos que
Arts en San Antonio, la Glassell School
of Art, Art League Houston, y la Wa-
en el Centro Cultural se encuentran y, en general, de las di- tercolour Art Society of Houston, que
námicas que crean estos elementos en le permitieron definir su lenguaje y
Imago de Miami, su interacción con el espacio. Su uso transitar diversos medios que abarcan
reúne trabajos de del color es concreto. En algunas pie-

zas el blanco sobre blanco, o los sutiles
desde experimentaciones gráficas en
obras múltiples y monotipos compues-
Mariana Copello contrastes neutros, acentúan la apari-
ción de ritmos y tensiones. En otras, el
tos hasta pinturas de vibrante colorido.
A pesar del substrato matemático del
y Luisa Duarte, color plano enfatiza la explosión diná- geometrismo, el talante de las obras de
mica de las líneas. Duarte es emocional y poético. Sus pie-
dos creadoras Copello ha estado involucrada acti- zas surgen a partir de situaciones que
venezolanas cuyas vamente en la escena artística de los

Estados Unidos y ha participado en
generan “movimientos interiores”,
emociones y sensaciones que la ar-
prácticas coinciden en numerosas exposiciones en alrededor
del mundo. En 2019, su obra fue selec-
tista canaliza a través de esas formas
que le son tan familiares y que maneja
el uso de la geometría cionada para formar parte de la Expe- con destreza. Su geometría es espon-
riencia Latinoamericana, evento bie- tánea, ya que no acude a cálculos sino
nal organizado por el Departamento a cavilaciones subjetivas, lo que con-
de Arte Latinoamericano y el Centro fiere una originalidad distintiva a sus
KATHERINE CHACÓN Internacional de las Artes de las Amé- composiciones.
ricas (ICAA) del MFAH. Sus escultu- Duarte ha realizado residencias artís-
Nacidas en Caracas y establecidas en COSTA DEL ESTE, 2020 / LUISA DUARTE ras se exhiben en espacios públicos de ticas en Houston en Asia Society Texas
Maracaibo –la segunda ciudad más Houston. Center y P.A.C. Art Residency, y ac-
importante de Venezuela–, ambas inspiración. Allí, en 2018 y 2019, realizó el Programa Luisa Duarte (1959) es una artista tualmente es miembro del Throughli-
continuaron sus carreras en Houston, Mariana Copello (1976) creció en Ma- BLOCK de estudios artísticos avanza- multidisciplinaria. Graduada como ne Collective de esa ciudad. En 2019,
Texas, donde han realizado aportes sig- racaibo, donde se licenció en Publici- dos en la Glassell School of Art del Mu- arquitecta en la Universidad del Zulia fue honrada con la Beca de Iniciativa
nificativos al panorama artístico. Aun- dad y Relaciones Públicas en la Univer- seum of Fine Arts de Houston. en 1987, se desempeñó profesionalmen- de Ciudades de 2019 a través del Hous-
que sus obras abordan diversos proble- sidad del Zulia. Al inicio de su carrera La obra de Copello se inscribe dentro te en este campo por algunos años en ton Arts Alliance. En 2022, formó par-
mas formales y surgen de reflexiones trabajó en el Museo de Arte Contempo- de la vertiente más cartesiana del geo- Maracaibo. De allí que el lenguaje de te de la exposición Artistas de Texas.
distintas, la impronta de la amplia tra- ráneo del Zulia (MACZUL) y, en 2011, metrismo, derivada de maestros que, la geometría estuviera perfectamen- Mujeres de la abstracción realizada en
dición abstracto-geométrica venezola- se mudó a Houston, donde comenzó su como Jesús Soto o Lía Bermúdez, se te instalado en su pensamiento y pul- el Art Museum of South Texas en Cor-
na permanece en ellas como pivote e formación académica como escultora. formaron en la filosofía del “arte pu- siones creativas cuando emprendió su pus Christi.
Papel Literario 9
ENTREVISTA >> ASDRÚBAL SALAZAR, ARTISTA SURREALISTA
“La fotografía es una boca para mis gritos”

Profesional mas. El arte me ha enseñado a descu-
brir mi fuerza interior. En momentos
experimentado en difíciles, he encontrado refugio en mi
trabajo y en mi creatividad. Para mí,
doblaje audiovisual el arte es una forma de conectar con
algo más grande y de encontrar un
con 37 años de sentido en la vida.
experiencia, encontró ¿Cuándo piensa que una obra es-

tá completa?
un nuevo propósito Considero que una obra está com-
pleta cuando la imagen me comuni-
en el arte digital ca algo, ya sea un susurro o un gri-
to que indica las decisiones que debo
tras enfrentar una tomar. A veces, es simplemente por
enfermedad. Su agotamiento, ya que este tipo de tra-
bajo requiere una atención detalla-
exploración en el da. A pesar de los desafíos, siempre
termino cansado pero satisfecho. Mi
fotomontaje digital proceso creativo sigue un patrón, pe-
ro permite la intervención del azar.
se convirtió en una A través de asociaciones inespera-
forma de expresión das, descubro que algo inusual pero
viable puede surgir. Es en ese mo-
significativa y un mento que considero que la obra es-
tá completa.
medio para sanar. ¿Qué le llevó a utilizar princi-
palmente el blanco y negro en sus
Su trabajo le valió fotomontajes?
el Premio Tresy3 en La gama de grises tiene un atracti-
vo especial para mí, ya que requiere
su cuarta edición, que el espectador se involucre para
comprender lo que se le presenta. No
permitiéndole 080920 / ASDRÚBAL SALAZAR S. descarto el color, simplemente lo veo
como una experiencia distinta. Has-
exponer su obra A nera autodidacta a través de las revis- Durante mi enfermedad busqué en modificarlas y crear algo nuevo. Em- ta ahora, he optado por mantenerme
contraluz del silencio tas que coleccionaba. Mi padre poseía
una cámara Nikon con la que comen-
el arte una forma de recuperar mi au-
toestima y encontrar una forma sig-
pecé experimentando con técnicas de
fotomontaje y collage analógico, pero
en lo monocromático. Algunas de mis
piezas están concebidas en blanco y
(2018) cé a tomar fotos. Posteriormente, ar- nificativa de expresión. Fue fascinan- pronto descubrí las amplias posibili- negro, pero también tienen una ver-
mé mi propio laboratorio fotográfi- te descubrir en el arte y la fotografía dades que ofrece la edición digital. sión en color.
co y comencé a trabajar de manera un medio para canalizar y sanar mis ¿Qué artistas o fotógrafos han ¿Ha considerado hacer su arte
analógica. experiencias. El arte se convirtió en influido en su arte? accesible para todos o lo ha enfo-
¿Cómo describiría su estilo? mi salvación y me permitió materia- Entre mis principales influencias se cado hacia un público específico?
MÓNICA PUPO Me encanta el surrealismo, lo oníri- lizar mis ideas. encuentran Jerry Uelsmann, Storm No busco complacer a todos con mi
E
co y lo intangible. Disfruto represen- ¿Cómo ve la influencia de la in- Thorgerson, Joel Peter Witkin, Gil- arte. Mi enfoque es plasmar algo muy
n marzo 2023, Salazar compar- tando lo que trasciende lo existente. teligencia artificial en su trabajo? bert Garcin y Arthur Tress. Estos personal e íntimo que surge desde mi
tió su viaje en una entrevista Este enfoque me remonta a mi infan- La inteligencia artificial es una he- artistas y fotógrafos han dejado una interior. Aunque me atrae lo oscuro,
realizada en la Universidad cia, cuando buscaba algo que escapa- rramienta fundamental en mi traba- huella en mi trabajo, ya que com- busco la luz y el significado de lo que
Central de Venezuela, en el ba a mi comprensión. Recuerdo que jo. La tecnología nos abre nuevos ho- parto su fascinación por lo irreal. está oculto en mi ser. Me interesa có-
marco de la exposición de la Bienal solía imaginar escenarios fantásti- rizontes que pueden ser intimidantes Además de ellos, otros artistas que mo los espectadores interpretan mi
de Fotografía Mérida Imagina Ca- cos, como estar reducido dentro de o sorprendentes. Creo que es impor- han influido en mi trabajo incluyen trabajo, más que su opinión al respec-
racas. Ahora, esta inspiradora con- un jardín o una selva. Esta imagina- tante acoger todas las innovaciones. a Paul Delvaux, Joseph Cornell, Ro- to. Me intriga conocer sus reacciones,
versación se presenta nuevamente ción ha sido una constante en mi vi- Me preocupa que la inteligencia ar- bert Rauschenberg, Dino Vals, Luz ya sea de aceptación o rechazo. En ge-
para el distinguido lector de Papel da y me ha impulsado a innovar. Me tificial pueda adquirir autonomía y Letts, Jonas Burgert, Gary Epting, neral, he recibido más críticas positi-
Literario. atrae lo surreal para reinventar la actuar sin regulación. Es crucial es- Robert Riggs, Leonora Carrington, vas que negativas. Lo que me impulsa
¿Podría contarme sobre su ca- realidad y siempre he estado seduci- tablecer una ética sólida en su imple- Remedios Varo, Dave McKean y Roj es comunicar y otorgar significado a
rrera, intereses y preocupaciones? do por la transición hacia lo descono- mentación y respetar la autoría de Friberg. lo que está oculto en mi interior.
Fui productor audiovisual durante cido. Creo que el surrealismo, defini- los elementos. El derecho de autor se ¿Cuáles son los elementos claves ¿Es esencial la presencia huma-
37 años, especializado en el doblaje do por estas características, es lo que ve amenazado. Estamos en una fase para mantener la coherencia en na o animal en todas sus obras?
de contenido televisivo. Comencé mi mejor describe mi obra. de constantes reformulaciones, y eso los fotomontajes? Siempre. A veces me pregunto por
carrera en Etcétera Group, una em- Siendo un productor audiovi- es algo que valoro de la inteligencia En mi trabajo, es esencial que mis qué no dejo ese espacio sin la figura,
presa venezolana, y desde allí, he tra- sual especializado en doblaje, ¿có- artificial. Sin embargo, siempre con- montajes no se perciban como tales. pero siento que algo falta si no está.
bajado en varios lugares, incluso en mo fue su transición hacia el arte sidero que la inteligencia natural de- Me enfoco en mantener la coherencia La presencia de la figura humana o
Miami. Mis intereses incluyen la pin- digital? be prevalecer y que las máquinas no en términos de luz, sombras, tonali- animal es decisiva para la composi-
tura, el dibujo, el cine y tocar la gui- Una experiencia cercana a la muer- deberían gobernarnos. dades y proporciones. Me aseguro de ción, establece una conexión con el
tarra. Me preocupa profundamente te por una enfermedad me llevó al ar- ¿Has experimentado con los nue- que la fuente de luz sea coherente con espectador, proporciona perspectiva
lo que sucede en nuestro país y en el te digital. Sobreviví y consideré que vos programas de inteligencia la dirección de las sombras y que to- e incluso puede contar una historia.
mundo, especialmente las guerras y esto debía tener un significado im- artificial? do tenga una armonía visual. A pesar ¿Cómo ha cambiado su enfoque
las amenazas de conflictos nucleares. portante. Desde entonces, he estado No. de que puede parecer que todo está hacia el desnudo y la representa-
¿Cómo surgió su interés en la buscando darle un propósito a todo. ¿Podría describir su proceso de inventado, me dedico a explorar nue- ción de la figura femenina en su
fotografía? Durante mi recuperación, los medi- creación? vas formas de crear imágenes. Este obra a lo largo del tiempo?
Mi infancia transcurrió en Judiba- camentos me hacían alucinar. Tuve Hubo un momento en que mi cá- proceso de creación me ha permitido Con el tiempo me he dado cuenta de
na, un campo petrolero en Amuay. A experiencias profundas y me pregun- mara se averió, lo que me llevó a ser experimentar un crecimiento perso- que el desnudo puede ser manipula-
pesar de las limitadas opciones cultu- taba cómo comunicarlas. A pesar de creativo con los recursos que tenía nal y profesional. dor y reducir al cuerpo a un simple
rales, encontré una librería que im- intentarlo con palabras, sentía que no a mi disposición. Descubrí que po- ¿Qué ha aprendido sobre sí mis- objeto. Por esta razón, trato de ser
portaba material de Estados Unidos, era suficiente. Descubrí el arte digital día crear imágenes desde cero utili- mo a través de su experiencia moderado con los desnudos en mis
incluyendo obras de reconocidos fo- a través de Photoshop. Me interesé en zando mi computadora en casa. Un artística? obras y evito abordar el tema de los
tógrafos. Esto me inspiró a coleccio- aprender más sobre arte contempo- lienzo vacío, ya sea en blanco o en He descubierto mi creatividad y mi niños. Considero que es un asunto
nar revistas de fotografía y arte. Mi ráneo y su integración con la fotogra- negro, se convirtió en un nuevo reto capacidad para adaptarme a diversas delicado y prefiero no involucrarme
pasión por la fotografía surgió cuan- fía y el dibujo. para mí. Como fotógrafo, siempre he situaciones. A lo largo de mi carre- en él.
do intenté hacer un dibujo hiperrea- ¿Cómo le ayudó el arte a proce- buscado ir más allá del mero regis- ra he superado desafíos gracias a mi ¿Qué es la fotografía para usted?
lista y necesité una referencia visual. sar y sanar las emociones durante tro documental en mi trabajo. Mi ob- perseverancia y resiliencia. Prefiero Para mí la fotografía es una boca
Aprendí técnicas fotográficas de ma- su enfermedad? jetivo es intervenir en mis imágenes, que mis imágenes hablen por sí mis- para mis gritos.
Comentarios del artista

Utilizo un lápiz Wacom para dar vi- que siempre me ha fascinado. Mis
da a mis dibujos y me gusta segmen- obras suelen tener un ambiente noc-
tar al personaje para que luzca real. turno, y en esta serie en particular, se
Las nubes son un elemento recurren- crea una especie de escenario teatral.
te en mi trabajo. Me fascina el efecto En esta serie, un ojo destaca mientras
de las luces barridas, ya que repre- que el resto de las personas tienen los
sentan el paso del tiempo en una obra ojos vendados. Esto crea una intere-
bidimensional. Al observar estos ele- sante ambigüedad. También hay un
mentos, puedo percibir la duración personaje con una señalización, algo
de un tiempo determinado. En cuanto que surgió de manera azarosa. Agre-
a los rostros, prefiero que sean ambi- go muchos detalles dibujados, ya que,
guos. Utilizo el filtro Motion Blur pa- para mí, la fotografía es una proyec- 103021 / © ASDRÚBAL SALAZAR S. 012322 © ASDRÚBAL SALAZAR S.
ra crear efectos de barrido que sim- ción del ojo y el espectador debe crear
bolizan la temporalidad. El tiempo es una experiencia a partir de la nada.
capturado fotos de estas texturas y sótano. Siempre hago referencia a la fotográfica es notable. En cuanto a
un elemento crucial en mi obra. -o-
les he añadido perspectiva, lo que ha fotografía, ya que es una obsesión pa- los rayos de luz, es un tema audaz por
-o- A veces, confino a las personas en
dado lugar a una serie que evoca la ra mí. En esta serie en particular, la mi parte, ya que implica jugar con lo
A menudo incluyo cuadros dentro un espacio similar a un búnker, un
sensación de estar en un calabozo o presencia constante de una cámara metafísico y lo surreal.
de cuadros en mi trabajo, una idea lugar desagradable y en ruinas. He
EXPOSICIÓN >> ALFREDO BOULTON EN EL GETTY RESEARCH INSTITUTE, LOS ÁNGELES
Un país que se te parece.

La fotografía de Alfredo Boulton
El ensayo que sigue, forma parte del extraordinario volumen,
Alfredo Boulton. Looking at Venezuela, 1928-1978, publicado en
2023 por el Getty Research Institute, Los Ángeles. La impecable
publicación, que reproduce centenares de fotografías de Boulton,
incluye textos de Mary E. Miller –directora del Getty Research
Institute–; de Idurre Alonso *, uno de los cuales se reproduce
a continuación; y ensayos de Ariel Jiménez, José Antonio
Navarrete, Sofía Vollmer Maduro, Gabriela Rangel, Jorge Francisco
Rivas Pérez, Mónica Domínguez Torres, Natalia Majluf, Janeth
Rodríguez Nóbrega y Alessandra Caputo Jaffe
IDURRE ALONSO figura relevante de la vanguardia li- Mariátegui reprodujera en la revista

teraria y también un político esen- de vanguardia Amauta diversos capí-
E
n 1947 Alfredo Boulton tomó cial en su país. Más allá de los lazos tulos de su novela The Re-Discovery
una fotografía de la escultura familiares, a Boulton y a Uslar Pie- of America4.
situada en el frente de la pis- tri les unía una relación muy cerca- En la época en que Frank publicó
cina de su casa en los Guaya- na de amistad, pero también un inte- su libro, Uslar Pietri trabajaba en la
bitos, Caracas. Barutaima, la pieza rés común en la construcción de una embajada venezolana en París, donde
que Boulton encargó al artista Fran- nueva identidad venezolana moderna residió entre 1929 y 1934. Uslar Pietri
cisco Narváez, se erige majestuosa que dejaría atrás las convenciones ar- estaba al corriente de las discusio-
sobreponiéndose al Ávila, el icónico tísticas de la academia y el criollismo nes que circulaban entonces sobre la
cerro del paisaje caraqueño situado y el costumbrismo en la literatura. construcción de una cultura genuina-
al norte de la ciudad. En la imagen Este deseo de ruptura y renovación mente latinoamericana que asimila-
que Boulton configuró como la vis- puede enmarcarse en el contexto de se las tradiciones europeas pero que
ta principal de su espacio doméstico, la generación del 28, el grupo de jóve- al mismo tiempo hiciese hincapié en
el lugar esencial lo ocupaba esta fines intelectuales que se rebeló contra los temas vernáculos. En París, cono-
gura con nombre de cacique indíge- la dictadura de Juan Vicente Gómez ció a los escritores Alejo Carpentier
na, de cuerpo clásico y anónimo (la (1908-1935) proponiendo una transfor- y Miguel Ángel Asturias y comenzó a
escultura no tiene cabeza ni brazos) mación social y cultural dentro de los plantearse los rasgos distintivos de la
que emerge de un pedestal rodeado parámetros de la modernidad. Uslar identidad venezolana comparándola
de la planta de origen africano cono- Pietri y Boulton no pertenecieron a con las nociones que manejaban su
cida como “lengua de suegra”. En el esa generación, pero tuvieron con nuevos amigos. Si para Carpentier la
reflejo que devuelve el agua de la pis- ALFREDO BOULTON / ©ALFREDO BOULTON
ella un contacto cercano y compar- cultura africana era parte intrínse-
cina, como si se tratase de un espejo, tían sus ideas. ca de la identidad cubana y Asturias
se unen todos los componentes en un La correspondencia temprana en- fijaba su mirada en el mundo maya ca. Cuando en 1932 le pide imágenes drón, Antonia Palacios y Guillermo
solo plano: el paisaje, el hombre y la tre Boulton y su primo muestra des- para definir Guatemala, Uslar Pietri para ilustrar un libro, le propuso: “to- Meneses.
casa. de un principio sus aspiraciones de comprendió que “Venezuela, en cam- ma: personajes, paisajes, evocación,
A petición de Boulton, el modelo forjar un nuevo panorama en la pro- bio, es un país de un inmenso mesti- etc.; algo en el género del reportaje (Continúa en la página 11)
que Narváez usó para esculpir su ducción cultural de Venezuela. Uslar zaje” y añadió: “yo venía de un medio cinematográfico de Eisenstein sobre
obra era el protagonista de una de Pietri, por ejemplo, habla de su inten- cultural muy distinto, muy mestizo, Méjico”8. Es posible que Uslar Pietri 1 Carta de Arturo Uslar Pietri a Alfredo
sus fotografías, el pescador margari- ción de “dar una impresión venezo- en el que la presencia española, indí- viese fotografías fijas de la película Boulton del 4 de junio de 1928 en el Ar-
teño Luis Acosta, quien en una ima- lana sin venezolanismos y sin pato- gena y negra están muy mezcladas, que estaban circulando en revistas9 chivo Alfredo Boulton en el Getty Re-
gen de 1943 sale del mar mostrando chadas”1 refiriéndose a “Miralejos”, muy filtradas, muy combinadas”5. En o que inclusive tuviese acceso a ver search Institute Los Ángeles.
su torso desnudo. Nueve años más unos de los cuentos en su primera la década de 1930, las nociones sobre fragmentos de la misma. El filme de 2 Carta de Arturo Uslar Pietri a Alfredo
tarde Boulton abandonaría la fo- publicación, Barrabás (1928), y le pi- mestizaje manejadas por Uslar Pietri Eisenstein ¡Qué viva México! se cen- Boulton de 1930 en el Archivo Alfredo
tografía para dedicarse a la inves- de a Boulton que haga circular el Pri- comenzaban a cobrar importancia en tró en generar una particular his- Boulton en el Getty Research Institute,
tigación de la historia del arte. Sin mer mensaje a la América hispana del Venezuela y también en la visión de toria cultural del país en donde se Los Ángeles.
embargo, para este momento había escritor, periodista y crítico literario Boulton, a quien influenciaron en su unían pasado y presente a través de 3 Barrera Enderle, Víctor. “El interlocutor
producido ya sus series fotográficas estadounidense Waldo Frank, que se- enfoque temático. cuestiones como la representación incómodo. Waldo Frank y su relación con
más importantes y había desarrolla- gún sus propias palabras “es un libro La experiencia europea de Boulton del México rural y las comunidades el ensayo latinoamericano”. Colindancias,
do un lenguaje personal entroncado que urge ser leído por todos”2. Esta fue algo anterior a la de Uslar Pie- indígenas, el folklore y la religión. La revista de la Red de Hispanistas de Eu-
en su búsqueda particular de la esen- recomendación entusiasta de la pu- tri. Vivió seis años en Europa, pri- aproximación vanguardista del mon- ropa Central, no. 7, 2016. 4Frank, Wal-
cia de lo venezolano desde un punto blicación de Frank en 1930 nos per- mero en un internado en Suiza, en- taje de la película, así como la cons- do. The Re-discovery of America: An In-
de vista moderno. Lo que hace espe- mite situar a Uslar Pietri como cono- tre 1922-1927, y después en Londres, trucción simbólica de sus imágenes, troduction to a Philosophy of American
cialmente relevante esta fotografía cedor de las principales ideas sobre donde prosiguió con sus estudios de tuvieron un impacto profundo en el Way. New York, Charles Scribner’s Son,
es que en ella convergen varias de identidad que circulaban entre los negocios. Su estancia le permitió ver mundo del cine y del arte. Es específi- 1929.
las principales preocupaciones esté- intelectuales en América Latina, con las obras de los artistas europeos de camente la combinación de temas au- 4 Frank, Waldo. The Re-discovery of Amer-
ticas y temáticas en la obra Boulton, pensadores como el mexicano José las vanguardias modernas, y con ese tóctonos con un lenguaje moderno, y ica: An Introduction to a Philosophy of
que lo alineaban con los movimientos Vasconcelos y el argentino Ricardo bagaje regresó a Venezuela en 1928. en ocasiones narrativo, la principal American Way. New York, Charles Scrib-
artísticos y literarios de renovación Rojas. El libro de Frank recomenda- Allí, tras conectarse con los artistas característica distintiva que surgirá ner’s Son, 1929.
que se venían dando desde finales de do por Uslar Pietri, reunía todas las y escritores jóvenes de Caracas gra- en la fotografía madura de Boulton 5 Viloria Vera, Enrique. “La venezolanidad
los años veinte en su país: desde la re- conferencias dictadas en su viaje por cias a Uslar Pietri6, como él mismo en los años siguientes. en la obra de Uslar Pietri”. Pizarrón Lati-
presentación de la “belleza criolla”, Latinoamérica en 1929; en ellas se dijo, empezó a trabajar “dentro del noamericano, vol. 1 no. 1 pp. 408-409
un término acuñado por Boulton, a exaltaba el potencial del continente concepto de la imagen de arte que se Boulton y Francisco Narváez 6 “Cuando Andrés y yo llegamos de
la definición de un paisaje autóctono, americano como “el futuro y destino desarrollaba en Estados Unidos y Eu- En el camino de Boulton hacia el de- Europa nos encontramos con Artu-
desde la construcción de un arqueti- de Occidente”3. Frank había conoci- ropa”7. Sus referentes eran fotógrafos sarrollo de un lenguaje propio que ro que ya era un muchacho lleno de
po local, específicamente masculino do a la red de intelectuales america- como el estadounidense Man Ray y se alejase del uso estricto de mode- posibilidades literarias … entre inme-
en su caso, a las conexiones estéticas nistas a través del mexicano Alfonso también las imágenes publicadas en los de fotografía moderna europea, diatamente en el círculo de amigos de
con la obra de los artistas e intelec- Reyes. Un claro ejemplo de su inser- revistas como US Camera y Photo- la relación con algunos de los artis- Arturo: Pedro Sotillo, Fernando Paz
tuales de su círculo cercano. ción en estas corrientes lo indica el graphie, algo que queda patente al tas venezolanos de su época como Castillo, Vicente Fuentes, Augusto Mi-
A lo largo de este ensayo, enfocado hecho de que el peruano Jose Carlos observar algunas de sus primeras Rafael Monasterios, Manuel Cabré jares…”. Una visión integral de Venezu-
particularmente en la investigación piezas como Estudio para Macbeth y Francisco Narváez tuvo una hue- ela. Homenaje a Alfredo Boulton. Cara-
del archivo de Boulton, se analizan (1932) y Estudio para decapitación lla relevante en su obra, mucho más cas, Museo de Arte Contemporáneo de
sus relaciones con dos figuras clave (ca. 1930s). En ambas series de foto- que cualquier vínculo con otros fotó- Caracas, 1987. p. 11
de la Venezuela moderna, Arturo Us- grafías Boulton retrata objetos des- grafos venezolanos. Aunque Boulton 7 Boulton, Maria Teresa, “Alfredo Boul-
lar Pietri y Francisco Narváez, exa- contextualizados de su entorno a la mencionase su contacto con fotógra- ton una trayectoria fotográfica”.
minando las ideas y estilos que tuvie- manera surrealista, unas manos con fos como Guillermo Zuloaga, Victo- https://prodavinci.com/alfredo-boul-
ron un impacto en el desarrollo de su guantes blancos sobre fondo negro riano de los Ríos, Carlos Herrera, Fi- ton-una-trayectoria-fotografica/ (acce-
lenguaje fotográfico. El texto se cen- realizando diversas posiciones en el na Gómez, Ignacio García Gómez y dido en 5/27/2021)
tra especialmente en la formación de caso de Macbeth y un papel recortado Aníbal Romero, la realidad es que co- 8 Carta de Uslar Pietri a Alfredo Boulton
la representación del hombre criollo, en forma de espiral en Decapitación. mo él mismo señaló, entre ellos: “No del 24 de octubre de 1932 en el Archi-
por medio de la observación y proble- Eran sobre todo juegos de formas en había cohesión, ni sentido de trabajo vo Boulton del Getty Research Institute,
matización de las especificidades de el espacio fotografiadas en series, que colectivo”10. En donde Boulton sí par- Los Angeles.
la mirada de Boulton. bajo la palabra “estudio” en su título, ticipaba activamente era en eventos 9 La revista Experimental Cinema pro-
parecían funcionar como ejercicios relacionados con las artes plásticas ducida en Los Ángeles, dedicó en 1932
Boulton y Arturo Uslar Pietri estéticos o experimentos visuales. y la literatura, especialmente en los su número 4 a ¡Qué viva México! repro-
Una persona clave para entender el Uslar Pietri no solo sugirió a Boul- encuentros que a partir de 1932 se ha- duciendo gran cantidad de fotografías fi-
pensamiento, los intereses y la obra ton lecturas sobre la identidad lati- cían en el estudio del pintor y escul- jas de la misma.
fotográfica de Boulton es su primo noamericana, también se refirió a la tor Francisco Narváez, en Catia, los 10 Alvarez, Esso, “Alfredo Boulton. La
hermano, Arturo Uslar Pietri. Escri- temática y estética en la que debería cuales reunían a personas como los belleza de las cosas simples”, Economía
tor e intelectual, Uslar Pietri fue una fijarse para su producción fotográfi- escritores e intelectuales Julián Pa- Hoy, Caracas, 9 de noviembre de 1991.
Papel Literario 11
Un país que se te parece.

(Viene de la página 10)
Boulton había conocido a Narváez

en París en 1928 gracias a la intro-
ducción de Uslar Pietri, quien le pidió
ayudase al artista a establecerse en la
La fotografía de Alfredo Boulton
ciudad: “se trata de un caso heroico,
no conoce a nadie (…). Aparte de que
verdaderamente se trata de un artis- tos sociales bajos, pero no mostró
ta de muy viables méritos”1, le dijo. su rostro. Nuevamente puso el énfa-
Ese primer contacto fue el inicio de sis en el cuerpo perfecto de marcada
una relación de amistad y mecenaz- musculatura pero no en generar una
go en la que Boulton apoyó a Narváez conexión entre retratado y observa-
mediante la organización de exposi- dor. Deshumanizó al modelo convir-
ciones, la coordinación del envío de tiendo en un bello objeto digno de ser
sus piezas para participar en salones inmortalizado.
de arte, la gestión de la venta de sus Boulton construyó una idealización
obras y la redacción de ensayos so- y objetualización del cuerpo criollo
bre su trabajo para diversos libros2. basándose en modelos clásicos (ana-
Su relación estrecha se extendió tam- tomías y poses que nos llevan a las
bién a su trabajo como fotógrafo, por- esculturas de la antigüedad greco-
que existe una correlación entre la rromana) y en la monumentalidad
evolución y los temas en la obra de de las figuras (hombres que emergen
Narváez y la fotografía de Boulton, del agua o que nos miran desde los lo-
especialmente en los años 30. A prin- mos de su caballo). Barutaima, como
cipio de esa década, Narváez realizó el torso arcaico de Apolo, representa
una serie de esculturas representan- la esencialidad clásica de la belleza
do arquetipos de diferentes razas, que, ambos, tanto Boulton como Nar-
particularmente afrodescendientes, váez, fueron capaces de trasponer en
y también tipos raciales que podían el hombre mestizo venezolano. Qui-
asociarse a ciertas regiones de Ve- zás por primera vez en la historia de
nezuela, como la Isla Margarita, su la fotografía de Venezuela, Boulton
lugar de nacimiento. Obras como La imprimió en el arquetipo del hombre
margariteña (1933), Cabeza de negro local la belleza, y también una dimen-
(1933) o Cabeza con cambures (1934) sión de deseo erótico.
evidencian este tipo de aproximacio-
nes. Lo que interesaba a Boulton de *En su extensa trayectoria como investi-
estas piezas era que, a diferencia del gadora y curadora de arte moderno y con-
trabajo de artistas de épocas anterio- temporáneo latinoamericano, Idurre Alon-
res como Cristóbal Rojas o Arturo so ha desarrollado también una actividad
Michelena, las obras en cuestión no como articulista y ensayista. Actualmente
tenían, según su punto de vista, una es curadora asociada de Arte Latinoame-
dimensión política, la importancia ricano del Getty Research Institute. Pre-
de su mensaje estaba más bien en “la viamente, entre los años 2003 y 2014, fue
belleza y la fuerza de las formas” en curadora en el Museum of Latin American
las que se representaba “la exuberan- Art –MOLAA–, en Long Beach, California.
te belleza de nuestra raza”3. De igual *La exposición Alfredo Boulton: Looking at
forma, la masividad y monumentali- Venezuela, 1928-1978, en los espacios del
dad de los cuerpos de las esculturas Getty Institute de Los Ángeles, permane-
de Narváez era algo que a Boulton le ció abierta entre el 29 de agosto de 2023
parecía particularmente relevante, y el 21 de enero de 2024.
así como su ruptura con las tradicio-
REPARANDO EL CHINCHORRO, 1944-1950, DE LA SERIE PERLA DEL CARIBE. LA MARGARITA / ALFREDO BOULTON
nes artísticas venezolanas y su capa-
1 Carta de Uslar Pietri a Alfredo Boulton
cidad para asimilar lo aprendido en
dos imágenes que aparecen en uno de del 14 de agosto de 1928 en el Archivo
París, en cuanto al primitivismo y la tratar a un hombre criollo como la tuviese alguna relación con temas
sus álbumes bajo el epígrafe “Estudio Alfredo Boulton del Getty Research In-
negritud. Para Boulton, Narváez fue imagen de Venezuela. El país se cris- sociales. Aclaraba que, para él, la
para cartelones escolares del MEN”. stitute, Los Ángeles.
capaz de generar un lenguaje artís- talizaba para Boulton en El Chino de fotografía era fundamentalmente
Aunque la fecha escrita junto a las 2 A lo largo de la correspondencia entre
tico personal entroncado en temas Maracaibo, un hombre de piel oscura una manifestación estética ligada al
imágenes señala el año 1934 se trata Narváez y Boulton en el archivo Alfredo
típicamente venezolanos, sobre su y ojos rasgados. deleite visual y a la belleza8. Es pre-
probablemente de un error y las foto- Boulton del Getty Research Institute,
obra escribió: “Narváez fue parte del cisamente su interés por captar la
grafías fueron tomadas en 1939, cuan- Los Ángeles, hay numerosas menciones
muy pequeño grupo de artistas que Hacia la construcción del arquetipo belleza desligándose de la realidad
do Uslar Pietri era ministro de Edu- a las transacciones y proyectos con los
rompió con las cansadas y caducas El salto definitivo de Boulton hacia social lo que hace que exista en sus
cación y llevó a cabo una significativa que Boulton ayudó a Narváez a lo lar-
formulas tradicionales imperantes una obra fotográfica intrínsecamen- imágenes una otredad y una mirada
y exitosa campaña de alfabetización. go de los años. 3 Boulton Alfredo, La
en la Venezuela de 1930 (…), él se en- te ligada al retrato identitario del país de superioridad de aquel que se ve a
Estas fotografías fueron seguramen- trayectoria de Francisco Narváez. Cara-
caró a nuestra tierra, nuestro hom- se dio con su mudanza a Maracaibo sí mismo como perteneciente a otra
te un pedido de Uslar Pietri para ser cas: Museo de Arte Contemporáneo de
bre y nuestra materia valiéndose de en 1937. Fue entonces que formali- clase social y a una raza distinta, la
usadas por el Ministerio de Educa- Caracas, 1976. p. 8
una expresión plástica que era la más zó su objetivo claro de fotografiar de alguien que retrata para glorificar
ción Nacional (MEN) con fines pu- 3 Boulton Alfredo, La trayectoria de Fran-
avanzada que entonces se conocía en la geografía de Venezuela y su gen- aquello que identifica como símbolo
blicitarios. Las imágenes muestran cisco Narváez. Caracas: Museo de Arte
nuestro medio”4. En cierto modo pa- te, comenzando con su primer fotoli- de su país pero que al mismo tiem-
a un hombre de piel oscura de espal- Contemporáneo de Caracas, 1976. p. 8.
recía estar hablando de lo que even- bro Imágenes del occidente venezola- po niega su propio vínculo con el re-
das, sin camisa y con un sombrero 4 Ibid. p. 7
tualmente sería su propio trabajo fo- no (1940), para el que Uslar Pietri y tratado, muchas veces representado
típico de la isla Margarita conocido 5 “Iba a la escuela de arte, donde esta-
tográfico, especialmente a partir de Julián Padrón escribieron los textos, como objeto de deseo del fotógrafo.
como “sombrero de cogollo”. Frente ban Francisco Narváez, Alejandro Ote-
1937. y que prosigue posteriormente con Algunos autores han identificado
al modelo aparecen las letras del abe- ro, todos mis amigos, a fotografiar a
Como prueba de su interés en la la publicación de Los llanos de Páez referencias homoeróticas de ciertas
cedario en una pared que el retratado las modelos y los modelos. A veces
obra de Narváez, Boulton compró (1950) y La Margarita (1952). Aunque fotografías de Boulton9. Habría que
señala con su dedo. Indudablemente, los contrataba y me los llevaba al tall-
al artista dos piezas tempranas de Boulton incluyó también algunos re- añadir que esas aproximaciones se
Boulton pensó en utilizar como mo- er de Francisco”. Boulton, Maria Tere-
esta época: una talla en caoba titu- tratos de los habitantes de la zona, dan específicamente en las imágenes
delo a alguien que reflejase a la gente sa, “Alfredo Boulton una trayectoria
lada Barloventeña con hojas de cam- Imágenes del occidente venezolano es donde los retratados son hombres de
a quien estaba dirigida la campaña, fotográfica”. https://prodavinci.com/
bur (1930) y La pescadora (1930), esta un libro particularmente centrado en raza mixta pertenecientes a estratos
individuos sin educación, de estra- alfredo-boulton-una-trayectoria-fo-
última realizada en piedra. Los mo- el paisaje. A partir de las fotografías sociales populares. La diferencia en
tografica/ (accedido en 5/27/2021)
delos criollos empezaron entonces a sobre la isla de Margarita, realizadas aproximación al sujeto es clara cuan-
6 El poema fue publicado por primera vez
aparecer en las fotografías de Boul- alrededor de 1944, se ve un cambio, do se observan los retratos que rea-
en Baudelaire, Charles. Les Fleurs du
ton, aunque todavía con imágenes desde ese momento prevalece la re- lizó a su círculo cercano de amigos,
mal. Paris: Auguste Poulet-Malassis &
de un marcado carácter modernista presentación del habitante en las artistas e intelectuales como Carlos
De Broise, 1857.
europeo. Incluso, sabemos que Boul- imágenes centradas en las regiones Raúl Villanueva, mayoritariamente
7 Liscano, Juan, “Una exposición de fo-
ton contrataba a los mismos modelos de Venezuela. En esas fotografías so- fotografiados en estudio. Son imáge-
tografías. Alfredo Boulton por las tier-
usados por Narváez y otros artistas bresalen por su poder visual los re- nes en las que no hay un interés par-
en la escuela de arte, quienes también tratos de los pescadores, ya sea en ticular en la anatomía de sus cuerpos Para Boulton, ras y los aires marineros”. El Nacional,
Caracas, 1944.
posaban para sus fotografías5. No se-
ría de extrañar que “El chino de Ma-
imágenes donde realizan sus faenas
de trabajo en el mar, como en figuras
sino más bien en revelar la persona-
lidad del retratado demostrando una Narváez fue capaz 8 Alvarez, Esso. “Alfredo Boulton. La
belleza de las cosas simples”, Economía
racaibo”, fotografiado por Boulton en
1933, hubiese sido también uno de los
frontales en donde Boulton resalta
sus cuerpos musculosos y su potente
cercanía con el fotógrafo.
El impacto que tiene en su obra su
de generar un Hoy, Caracas, 9 de noviembre de 1991.
9 En su ensayo “Alfredo Boulton V /
modelos de Narváez. En las fotogra-
fías, El Chino, retratado de cintura
presencia a través de miradas direc-
tas a la cámara y contrapicados. Ya
propio status social y su desconexión
con las clases bajas no pasó desaper-
lenguaje artístico Corolarios” del 2020 Ariel Jiménez
para arriba, posa sin camisa, con los en 1944, en una reseña sobre la expo- cibida en su época. Cuando, en 1952, personal habla del tema homoerótico en la
producción fotográfica de Boulton.
ojos cerrados levantando su cara, y a sición de las fotografías organizada el escritor Antonio Arráiz10 le escribe
veces sus brazos, en actitud sensual. por el Museo de Bellas Artes, Juan una carta para agradecerle el envío entroncado Ver: https://prodavinci.com/alfre-
do-boulton-v-corolarios/ (accedi-
En algunas de las fotografías, especí- Liscano captó esa mezcla en la re- de su libro La Margarita le hace una
ficamente aquellas que Boulton im- presentación, que va de la documen- dura crítica: “estás haciendo obras de en temas do 08/25/2021). Anteriormente en
el 2016, la exposición Do Ask, Do Tell
primió en mayor tamaño, jugó con los
contrastes de luz mostrando la piel de
tación de las duras labores en el mar
a la sensualidad del cuerpo mestizo:
arte muy bellas pero para una ‘élite’.
Esos libros lujosamente encuaderna-
típicamente llevada a cabo en la galería Henrique
Faria Fine Art de Nueva York y enfo-
un tono más oscuro y dándole con los
reflejos una calidad de pátina de es-
“Poesía (…) del trabajo pescador, de
las manos recias, de los pies surca-
dos y numerados, en los que magní-
ficamente gastas tanto dinero, ¿qué
venezolanos” cada en el arte homoerótico en Latino-
américa, incluyó el trabajo de Boulton.
cultura de bronce, conectando clara- dos por las grietas que el incesante resultado tienen? Llegan a las ma-
10 A diferencia de Boulton, Antonio Arráiz
mente así con los repertorios visua- caminar abre delicadamente en la nos de tus amigos, que ya te quieren
era un hombre criollo que no pertenecía
les del mundo clásico. Boulton tituló armazón carnal de pesados contor- o que fingen quererte, y de los círcu-
a la clase alta. Debido a sus posiciones
esta serie de imágenes Ensayo de Au nos, de los tórax desnudos pintados los artísticos que ya te conocen y te
políticas alineadas con ideologías de
Pays qui te ressemble en alusión a un por la luz, de los músculos tensos”7 y aprecian”11. Arráiz le aconseja que
izquierda estuvo preso y exiliado en
verso de Baudelaire de L’Invitation apuntó también al acercamiento na- haga libros más asequibles que pue-
varias ocasiones.
au Voyage6. Más allá del contenido rrativo de Boulton en estas fotogra- dan llegar a los miles de niños vene-
11 Carta de Antonio Arráiz a Alfredo Boul-
del poema original, que tiene como fías comparándolas con una novela zolanos en las escuelas. Sin embargo,
ton del 2 de julio de 1952 en el archivo
tema unas vacaciones, la traducción visual de la vida de los pescadores Boulton no estuvo nunca interesado
Alfredo Boulton en el Getty Research
literal del verso elegido, Un país que margariteños. en explorar los aspectos sociales de
Institute, Los Angeles.
se te parece, revela su interés en re- Boulton siempre negó que su obra su obra fotográfica. La excepción son

Papel Literario 2024, Septiembre 29

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Esta edición PDF ESCRIBE BÉLGICA RODRÍGUEZ: Un momento histórico fue director por tres años de aquel centro

DOMINGO 29 DE SEPTIEMBRE DE 2024

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