CANCIÓN

TEXTO Y
MELODÍA

CONCEPTO

Es una composición para la voz humana que une texto y melodía, donde la música
reafirma los sentimientos del autor expresados en el texto.

Es la forma musical que junto a la forma sonata ha permanecido a lo largo de la historia

de la música.

Puede ser cantada por un único vocalista, o por agrupaciones vocales, dueto, trío, etc,
coro.

Puede ser cantada por el mismo compositor que la compuso, en cuyo caso este se llama
cantautor, o por otros artistas entonces estos ofician de intérpretes de la misma.

La letra de las canciones son habitualmente de naturaleza poética con rima, aunque
pueden ser versículos religiosos o de prosa libre.

Origen de la canción
Según los estudios musicológicos, la canción como estructura compositiva, aparece a lo
largo de la historia del ser humano y en las más diversas culturas. Dependiendo de la
época y la sociedad en cuestión, las canciones ocuparán roles diferentes o tendrán fines y
estructuras variadas.

Nuestra cultura, como heredera de la cultura occidental o europea, se ha enfocado

especialmente en el estudio la evolución de la canción a partir de la Edad Media, ya que a
partir de esa etapa histórica existen documentos concretos que posibilitan su análisis.

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Es así que en la Edad Media, tanto en el ámbito de la música religiosa como en el de la
profana, el desarrollo con fines específicos fue muy importante. La Iglesia Cristiana
encontró en la canción una forma de alabar a Dios y los Trovadores y Juglares
desarrollaron en los castillos y las villas canciones para honrar a los héroes de las batallas
o para cantarle a las amadas. Estas canciones colaboraron a conocer y comprender
hechos y costumbres de la época.

Canción (trovador)

La canción es un género trovadoresco condicionado por el contenido.

Tabla de contenidos [ocultar]

1 Aspectos generales

2 Personajes

3 Tipos de enamorados respecto a la dama

4 Ejemplo

Aspectos generales

Los trovadores expresaban sus sentimientos a través de la

composición denominada "canción". Su tema principal, y casi exclusivo, era el amor: el
amor cortés que participaba de los aspectos sociales y espirituales de la época medieval.

Así, el amor tiene el mismo significado que en la época actual, pero también tiene un
significado añadido: el de alianza (pacto, favor), es decir, el trovador intentará conseguir a
través de su relación algún tipo de trato beneficioso en el aspecto material.

También hay que tener presente el adjetivo "cortés". Cortesía es el término que designa la
conducta y la posición del hombre que vive en la corte y que, por una educación especial,
se convierte en modelo del ideal humano de refinamiento y valores espirituales. El
trovador, como personaje cortesano, participaba de estas características que, entre otras,
son la lealtad, la generosidad, la valentía, el trato elegante, etc.

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Ampliando estas dos ideas (amor y cortesía), hay que
constatar que las relaciones jurídicas feudales se
utilizan en la canción:

La mujer está casada, ya que sólo así consigue

categoría jurídica.

A menudo se habla de midons ("mi señor") y el

trovador se define a sí mismo como om/hom (uno). De
esta forma se reproduce la situación propia del vasallazgo.

Muchas veces se establece una doble relación amorosa y social. Es decir, no se busca
únicamente la consecución del amor sino una relación en que la dama, directamente o
intercediendo por él, pueda concederle valores materiales. De hecho, con frecuencia, el
trovador habla de su señora casi como una obligación lo que es aceptado por el marido
como algo natural.

Sea como sea, la dama suele se inaccesible y el trovador tendrá que hacer méritos para
ponderar las virtudes de la dama y la perfección de su amor para conseguir así el premio.

En este proceso se encuentran una serie de conceptos importantes, propios de una

educación cortesana como puedes ser la generosidad moral frente a la avaricia. Un
término utilizado con bastante frecuencia es el de Joi-terme de difícil traducción que se
corresponde con una especie de alegría, de exaltación interior, asociada a menudo con la
primavera o a la presencia o el recuerdo de la dama.

Personajes

El amor del trovador exige discreción ya que la mujer a la que se canta está casada. Los
personajes que intervienen normalmente, además del trovador, son:

El gilós (marido) del que hay que evitar las sorpresas y las iras.

Los lauzengiers (aduladores, calumniadores) que con tal de hacer méritos están dispuesto
a contar la infidelidad de su señora.

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Para no descubrir sus amores, el trovador designa a su dama con una senhal
(pseudónimo) que suele aparecer al final del poema.

Tipos de enamorados respecto a la dama

Aunque no suelen aparecer de forma explícita, en las canciones de trovadores suele

aparecer una gradación en la actitud y en las características del enamorado que no están
muy alejadas del proceso amoroso actual:

Fenhedor (tímido): no se atreve a dirigirse directamente a la dama.

Regador (suplicante): la dama le da ánimos para que exprese su amor.

Entendedor: la dama le entrega prendas de amor.

Drutz (amigo, amante): completamente aceptado por la dama (esta situación se da pocas
veces en la literatura, aunque es el personaje principal del Alba)

En buena parte de las canciones los trovadores se sitúan en el primer estadio y sólo son
capaces de manifestar lo que siente por la dama a través del juglar. El trovador espera un
pequeño reconocimiento por parte de la dama que puede proceder de una mirada, una
palabra u otro gesto insignificante. Es posible que esto sea únicamente una estrategia
para desviar la atención del marido o de otros personajes, que consienten esta situación y
que incluso la consideran gratificante. Algunos maridos se sienten orgullosos de que su
esposa o señora sea alabada por otros peor jamás aceptarían que su esposa tuviera un
drutz.

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Durante el Renacimiento, la canción tuvo un papel fundamental en la interpretación vocal
sobre todo grupal, a capella o con acompañamiento instrumental.

MADRIGAL: Es una forma vocal profana cultivada en el Renacimiento italiano. Son

canciones polifónicas a cuatro o cinco voces, de estilo homofónico y contrapuntístico en
idioma italiano y de gran expresividad. Los hay exclusivamente vocales a capela para las
cuatro voces principales, y en otros se interpreta vocalmente la primera voz y las otras
voces son interpretadas por instrumentos. De temática popular, algunos trataban la
temática pastoril, amorosa, et

Hacia comienzo del siglo XVII, la introducción de la Ópera en el mundo musical , influyó
en gran medida en el desarrollo de la canción y también en el desarrollo de métodos y
técnicas para el uso de la voz.

En el siglo XIX, en Alemania se desarrolló una forma de corta duración denominada

Lied, que tuvo grandes creadores como Schubert, Schumann o Brahms. Generalmente el
Lied es interpretado por un cantante solista y piano. Es una canción breve para voz y
piano en idioma alemán. El piano no es un mero acompañante, sino que se implica en la
expresión del carácter y del texto poético. El texto casi siempre se trata de un poema ya
escrito, no hay en general colaboración entre el poeta y el músico. El músico le imprime
un sentido que subyacía en el poema, y que al ser cantado alcanza más completa
perfección.

El lied era un género de amplia tradición en Alemania; pero es ahora cuando se convierte
en el principal vehículo de expresión sentimental de muchos compositores alemanes. Su
equivalente en otras lenguas es la “chanson” francesa y la canción española.

El siglo XX tuvo a la música popular como estrella, y allí, la canción ocupó un lugar
fundamental, impulsada principalmente por la invención del disco, la radio y la televisión.
La posibilidad de grabar, volver a escuchar y difundir canciones cambió totalmente el rol
de la canción a nivel musical y social.

Con la aparición de internet, el acceso a las canciones de cualquier parte del planeta es
inmediato y de muy buena calidad. Así, cada persona tiene la posibilidad y la libertad de
elegir que escuchar.

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Muchos músicos o compañías discográficas se han acoplado al sistema de Streamin, con
sitios como Spotify, donde "cuelgan" las canciones en espacios virtuales para que los
oyentes las puedan escuchar.

- Guía para el Análisis de un tema musical –

Debido a su complejidad, para su estudio, se analiza por componentes, sin olvidar que
son parte de un todo integrado, que lleva impresa el sentimiento y la forma de pensar de
su autor.

ELEMENTOS DE UNA CANCIÓN

ELEMENTOS MUSICALES
Las voces pueden ser: masculina, femenina, mixta.
Puede estar cantado por:- solista
- agrupaciones vocales dúo, trío, cuarteto
- coros.
Melodía :

La melodía es el eje principal, que la hace única e individual.

Debe haber una melodía principal y puede haber melodías secundarias que bien o
complemente la melodía principal o que generan un contrapunto que es la combinación
de 2 o mas melodías simultaneas. Al menos suele haber 2 melodías por canción, una
para los versos y otra para los estribillos.

Monofónico = 1 melodía.
Heterofónico = más de una melodía simultánea.

-El ámbito, es decir, la distancia entre la nota más grave y la más aguda, así una
melodía puede tener un ámbito estrecho, medio o amplio.
-El registro, una melodía puede utilizar sonidos muy agudos, o puede utilizar
sonidos medios, o sonidos graves, así el registro de una melodía puede ser agudo, medio o grave
Ritmo

Podemos definir el ritmo como las diversas maneras en las que un compositor
agrupa los sonidos y los silencios, atendiendo principalmente a su duración ( largos y cortos) y a los
acentos.

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El elemento más básico del ritmo es el pulso, el pulso organiza el tiempo en partes
iguales con la misma duración y con la misma acentuación, (uno, dos, tres, cuatro, ....).
Al combinar pulso y acentos obtenemos los ritmos básicos:

- Ritmo binario , divide el tiempo en dos partes iguales acentuando más el primero.
Por ej marchas
- Ritmo ternario divide el tiempo en tres partes iguales acentuando más el primero:
Este ritmo lo podemos encontrar endeterminados tipos de danzas como en los valses, o en las
sevillanas
- Ritmo cuaternario , divide el tiempo en cuatro partes iguales y acentúa más el
primero y un poco el tercero: Este ritmo lo podemos encontrar en gran parte de la música ligera
contemporánea: jazz,pop, rock, etc.
.
Poliritmia- que consiste en la interpretación de dos o más ritmos diferentes, de forma simultánea, es
decir, que suenen a la vez.
Ritmo libre-También podemos encontrar obras musicales en las que el ritmo es libre, en la que no
existe un ritmo regular o basado en un pulso continuado, es un recurso de ciertas obras de música
contemporáneas.

Armonía

La armonía se produce cuando tres o mas notas diferentes suenan a la vez, formando un

acorde. Un acorde es un conjunto de tres o más sonidos que suenan al mismo tiempo.

El término armonía se utiliza de dos maneras diferentes, para hacer referencia a las

notas escogidas para formar un acorde, y en sentido más amplio para describir las

sucesiones de los acordes a lo largo de una composición. La armonía regula la relación

entre una melodía y su acompañamiento.

Cuando una persona canta con una guitarra, está tocando con ella, acordes que

acompañan a la melodía que está interpretando. Esos acordes pueden ser interpretados

también con otros instrumentos. La formación de acordes y la sucesión de los mismos

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en una obra, viene regulado por las leyes de la armonía, que han ido cambiando y

evolucionando a lo largo de la historia de la música.

Tempo

Marca la velocidad del pulso(negra) que desea el compositor, indicado en Bpm (beats por
minuto). Recordemos que se puede medir con el metrónomo.

La Textura de las voces o de la melodía puede ser:

La textura es la manera en la que un compositor combina las melodías, podemos

distinguir varios tipos:
- Textura monofónica : aquella en la que sólo se emplea una melodía ya sea
interpretada por una o varias personas, ya sea vocal, instrumental o mixta, todos
realizan la misma melodía. La textura monofónica no tiene acompañamiento. Es la
textura más antigua, la podemos encontrar en obras musicales muy antiguas,
también es la que encontramos en muchas canciones populares y de trovadores, etc.
- Textura polifónica : es la que está formada por varias voces o melodías agudas y
graves), que suenan al mismo tiempo, ya sean interpretadas por voces, instrumentos
o por ambos. Según como se organice puede ser Homofónica, en la que las distintas
voces tienen el mismo ritmo, es decir que está compuesta como por bloques sonoros
(acordes), que se suceden uno detrás de otro. Y Contrapuntística o de contrapunto,
en la que las distintas voces o melodías (agudas y graves) van de forma
independiente, con su propio ritmo, y no destacan más unas que otras, puesto que
todas presentan la misma importancia. Esta textura polifónica es la más compleja.
- Textura de melodía acompañada: es la formada por una melodía principal ya sea
vocal, instrumental o mixta, que destaca sobre las demás que la acompañan. Es la
textura más frecuente en la historia de la música, y la podemos encontrar en la
mayor parte de la música ligera contemporánea.
- Textura no melódica: es la que se utiliza en la música experimental o de
vanguardia, en la que no se percibe una melodía, sino que se juega con las
características de los sonidos: alturas, duraciones, timbres, intensidades, etc. Se
utilizan con frecuencia instrumentos de percusión, pero también la podemos

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encontrar en obrar vocales, instrumentales o mixtas. Este tipo de textura la podemos
encontrar también en algunas bandas sonoras de películas para crear cierto clima,
tensión, etc.
Por último, comentar que una obra musical no tiene porque ceñirse a uno de estos tipos
concretos, sino que puede presentar una textura mixta en la que puede tener partes en
las que predominen unos tipos de textura y partes en las que predominen otros.

Monódico = 1 melodía.
Polifónico = más de 1 melodía simultánea. -vertical-homofonía
heterofonía
-horizontal-canon
-quodlibet
-contrapunto imitativo

GÉNEROS
CLASÍFICACIÓN
Existen diversos tipos de canciones que se pueden clasificar según su función en diversos
géneros. Cuando un artista crea una obra con un estilo que luego se generaliza y luego
este estilo lo realiza un grupo de personas pasa a ser un género

Según los medios sonoros empleados, la música puede ser

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- Música instrumental: interpretadas exclusivamente por instrumentos musicales. Si es
interpretada por un único instrumento se habla de solista, si es un grupo reducido de
Instrumentos se denomina conjunto, o agrupación instrumental, dentro de la música
clásica, este tipo de agrupación reducida de instrumentos, se denomina música de
cámara.

Cuando la obra musical es interpretada por una orquesta sinfónica se habla de música
sinfónica.

- Música vocal: Es decir, una obra interpretada por la voz..

A la música vocal sin ningún tipo de acompañamiento se le denomina “a capella”.

Al igual que en la música instrumental se habla de solista, cuando la obra es

interpretada por una sola persona; coro, coral, agrupación vocal o de cámara cuando se

trata de un número reducido de voces; coro sinfónico (el más habitual), integrado de

treinta a sesenta integrantes; orfeón compuesto por más de cien integrantes; escolanía o

coro de voces blancas cuando son niños sus componentes. También se distinguen coros

femeninos, masculinos y mixtos.

- Música vocal-instrumental: es la interpretada con la presencia conjunta de

voces e instrumentos. A esta categoría pertenece la canción.

2- Según la función.

- Música religiosa: son las obras relacionadas con alguna religión o creencia

religiosa, sea del tipo que sea. Este género se divide en: Litúrgica, si ha sido creada
paraalguna ceremonia o culto religioso (misa, etc.) y no litúrgica en caso contrario.

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Organum, Misa, motete,

ORGANUM:

Forma vocal religiosa de la polifonía primitiva. Los organa primitivos se construían

partiendo de una melodía gregoriana, que pasó a denominarse vox principalis o cantus
firmus, a la que se le añadía otra voz llamada vox organalis. Los organa evolucionaron en
el tiempo apareciendo varios tipos:

 Organum purum: la voz añadida es una melodía idéntica a la existente a distancia de

4ª, 5ª o 8ª.

 Organum libre o de estilo discantus: El cantus firmus se sitúa en la voz inferior. Las
notas de la voz añadida se mueven con intervalos diferentes unas de otras llegando
incluso a cruzarse. El sistema de relación entre las voces es de punctum contra punctum
(nota contra nota) y va a empezar a denominarse a partir del siglo XII como técnica de

DISCANTUS.

 Organum melismático: Cultivado en la catedral de Santiago de Compostela en el siglo

XII.La voz principal, situada en el registro grave, lleva el canto gregoriano en notas
tenidas, origen de la denominación de tenor gregoriano (tenere, mantener). La voz
organal se desarrolla por encima de forma melismática abandonando la técnica de nota
contra nota.

MISA

En el Renacimiento, la misa era una forma musical vocal polifónica normalmente en estilo
contrapuntístico a cuatro voces, normalmente con acompañamiento instrumental.
Con la Contrarreforma la textura se simplificó con el objetivo de la hacer inteligible el texto
El motete renacentista es una forma vocal polifónica de texto sacro y en latín. Suele ser
contrapuntística con frecuencia imitativa de voces de igual importancia; en el siglo XV
solían ser cuatro y cinco o seis en el s: XVI.

MOTETE

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En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar
préstamos ajenos como en la misa. En la segunda mitad del siglo XVI aparece el motete
policoral de la escuela Veneciana, que utiliza más de un coro para crear “efectos sonoros
espaciales”, tales como ecos o pregunta-respuesta.

- Música profana: Es el género contrario al anterior, al que pertenece toda música no

religiosa.por ejemplo la canzona de los trovadores y toveros

2-Según a quien va dirigida la obra y quien la ha compuesto, se clasifica la música en:

música académica o canto lírico, música folklórica, música popular y música ligera. Se
trata de una clasificación socio cultural.

Musica Folklórica :
La palabra folklore proviene del inglés y traducida significa “pueblo-saber” o sea , saber
del pueblo
El folklore fue creado en base a la sociedad europea del siglo pasado, donde se
observaban en las comunidades rasgos primitivos que estaban desapareciendo.La
palabra, o mejor dicho, el vocablo FOLKLORE fue propuesto por William John Thomson
en una carta dirigida a la revista 'The Athenaeum" en Londres; dándole nombre así "al
saber tradicional del pueblo"..y fue utilizada por este en 1846 para denominar una ciencia
que estudiara el conjunto de valores culturales o saberes que son parte del patrimonio
de una cultura, ubicada en una determinada región y que son fruto del aprendizaje
humano.
El folklore se encuentra presente tanto en comunidades rurales como urbanas, siendo
estos conocimientos transmitidos de generación en generación, siendo parte activa del
aprendizaje y de la vida comunitaria, por lo que no es posible encontrar los autores de
esta música.

Todos aquellos fenómenos pertenecientes al saber tradicional del pueblo, se conocen

mediante una investigación sistemática y científica.

Este vocablo, FOLKLORE a dado lugar a 2 divisiones o niveles en la sociedad.

1) Llamado Letrado
2) El Folklore
Un 3ero. que se da en el resto del mundo: la etnografía.

Carlos Vega dice que se dan 3 niveles:

1) Superior: El cual se encuentra con adelantos técnicos y culturales, el cual acepta con
facilidad los cambios.
2) Inferior: De carácter etno¬gráfico (indígena), de rasgos primitivos, con un sistema de
vida totalmente cerrado a los avances.

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3) Abstracto: En el cual se encuentra ubicado el folklore, cuyos elementos son parte de los
niveles anteriores; el cual acepta los cambios según se los requiera.

Según Cargos Vega en nuestro país hay dos formas de folklore musical.
1) Cuando una cultura es dominada por otra superior, pero mantiene sus rasgos naturales
en mayor parte.
2) Cuando los rasgos de la ciudad pasan al medio rural.
Para saber si un hecho es folklórico debe cumplir ocho condiciones: colectivo, popular,
empírico, oral, funcional, tradicional, anónimo y regional.

El mismo comprende : creencias, leyendas , costumbres, vestimenta, literatura oral,

música, baile y arte en general(artesanías) populares compuestos espontáneamente
desde tiempo inmemorial. Con esta enumeración se evita la creencia de que lo folklórico
se refiere solo a la música y el baile.
Un valor cultural se considera folklore si
1-es colectivo: porque siendo creado por un individuo luego es compartido por una
comunidad.
2-es anónimo
3- Popular: porque ha sido adoptado por el pueblo
4-Empírico: porque es fruto de la experiencia adquirida
5:es de transmisión oral: porque no se transmite por escrito, sino por la palabra de
generación en generación.
6-Funcional: porque satisface necesidades colectivas
7-Regional: porque representan la cultura de una región determinada.
El folklore uruguayo nació de cantos y danzas europeas y africanas llegadas en los SXVIII
Y XIX, junto a las provincias litoraleñas argentinas y Río Grande del Sur que sufrieron
aculturación tanto en la ciudad como en el campo. La documentación de esta música se
realiza recién el siglo XX por Lauro Ayestarán.
La ausencia de música autóctona ocasionó que el proceso fuera de transformación de
elementos europeos y africanos presentes, primeramente en la ciudad para continuar
luego modificándose al trasladarse al campo, donde las danzas europeas volvieron a
sufrir las adaptaciones propias de ese nuevo entorno.
La contradanza inglesa, el minué, la polca, el vals, el chotis y la mazurca de los salones
montevideanos dejan sentir su influencia en el campo y originan danzas folklóricas que
identifican la realidad criolla. La primera de ellas permitirá el surgimiento del pericón, el
cielito y la media caña, bailadas en la primera mitad del SXIX.

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El minué dará lugar al minué montonero, la mazurca, a la ranchera, el chotis, al shotis y
la polca, a la polca de acordeón
Las canciones recuerdan el cancionero español antiguo por su verso y rima. Se
interpretaban siempre “a solo”, excepto la "payada a contrapunto" que permitía rivalizar en
el canto con otro oponente.
Las investigaciones del musicólogo uruguayo Lauro Ayestarán constituyen un aporte
valioso y fidedigno para conocer las especies del folklore uruguayo que él clasifica en
cuatro ciclos:
1) Danzas y canciones rurales que conviven con las danzas Argentinas de BS As y Entre
Ríos: Estilo,Cifra, Vidalita, Milonga y Pericón.
2) Cancionero norteño; que conviven con Rio Grande Del Sur, y el Fandango Brasileño, la
Chamarrita , el Carangueijo, la Tirana.
3) Cancionero europeo antiguo; que sobrevive a partir del cancionero infantil,
4) Música afrouruguaya, El Candombe con tambres de riqueza tímbrica, danzada en los
salones montevideanos durante el siglo XVIII y XIX
El canto folkórico es silábico (a diferencia del canto gregoriano que es silábico y
melismatico, lo que significa que una sílaba se puede prolongar por varias notas).

Música Académica : Esta requiere un aprendizaje continuo y detallado y el desarrollo de

una habilidad técnica, tanto teórica como de ejecución que va más allá de la simple
interpretación. Requiere de cierto conocimiento poder comprenderla por eso está dirigida
a un público minoritario.

Música Popular: Esta es la música, como lo indica su nombre, que se adapta fácilmente
al sentir del pueblo expresa su sentir. Tiene influencias de la música culta y folklórica
quienes toman este repertorio o su música y la modifican según la necesidad expresiva de
la comunidad. El Tango y la Milonga son un ejemplo significativo de música popular y a su
vez típica rioplatense. Surge con la urbanización e industrialización del siglo XVIII,
desarrollando características propias siendo la respuesta a las inquietudes populares
mayoritarias.

Se difunden gracias a los medios masivos de comunicación de masas, se habla

generalmente de un género musical con fines recreativos, la misma se caracteriza por el
uso de ritmos y melodías fácilmente reconocibles y repetibles.

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En realidad esta serie de estilos musicales llevan impreso el sello de la relación histórico
social con ella, ya que se ve influenciada permanentemente por estos factores que se
modifican en forma constante, muchos investigadores la ven como una música
generacional, ya que identifica gustos y costumbres sociales referida a formas de vidas
concretas, lo que llevo a la creación de modas, tanto en la forma de vestir maquillaje y
formas de comportamiento.

Música ligera: es la dirigida a la gran masa de población, realizadas por lo general como
producto de consumo, por lo tanto está unida a la moda del momento. Es una música
sencilla, fácil de captar.

- 3-Según los contenidos y la manera de exponerlos.

Música abstracta: A este género pertenecen generalmente las obras instrumentales.

Es la música basada en el puro lenguaje musical, que no hace referencia a algo
extramusical, no trata de describir o sugerir algo concreto, no va más allá de lo que el
oyente sea capaz de percibir, sentir y emocionarse.

Música programática: Es la música que hace referencia a algo extramusical, es la que

se basa en un programa, guía o argumento, por lo que para comprenderla mejor habría
que conocer ese programa o argumento. Es la música que intenta contar una historia o
cuento, o describir un paisaje o el carácter de un personaje, etc.

Música dramática: Pertenecen a este género las obras en las que se usa la palabra con
un significado preciso. La música ayuda o eleva el sentido expresivo del texto. Este
género se subdivide en música teatral, en la que los cantantes actúan representando a su
personaje a la vez que cantan (ópera, etc.) y música no teatral, como es el caso de la
canción.

Música para la imagen: pertenecen a este género las obras musicales creadas para
acompañar una imagen, es el caso de la música para el cine, la televisión (publicidad,
documentales, etc.).

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Carácter: Representa al estado de ánimo del tema.

El poder comunicativo de la música es conocido y aceptado por todos. Sin embargo,

resulta más fácil comprender el sentido de la música cuando va asociada a la palabra;
como en la ópera o en la zarzuela, que en aquellas obras de carácter sinfónico.

A lo largo de la historia de la música, los compositores han dado rienda suelta a su

imaginación a la hora de crear música y modificar el estado de ánimo del oyente.
Para ello se han servido de recursos musicales como el patrón melódico, el rítmico, el uso
de determinados instrumentos por su timbre, etc...
Ya en el Barroco, Vivaldi utilizó esa capacidad descriptiva de la música y la plasmó en su
obra Las Cuatro Estaciones, una serie de conciertos para violín y orquesta en los que,
mediante la música y el uso de determinados adornos, Vivaldi intentó reproducir rasgos
del clima y el tiempo de las diferentes estaciones del año.

Siglos más tarde, cuando la música empezó a asociarse a la imagen, sobretodo en el

caso del cine, primero mudo y luego sonoro y con el nacimiento de los medios de
comunicación de masas como la televisión e internet, el carácter de la música se convirtió
en la pieza clave a la hora de crear anuncios publicitarios o poner música a una escena
en teatro, cine u ópera.
El carácter se indica, por lo general, con palabras italianas.
Estos son algunos de los indicadores de carácter más usados con sus significados:

• agitato: agitado, excitado.

• mesto, lacrimoso o piangevole: triste, con tristeza.
• con brio o vitamente: con brío, con vida.
• con grazia, giocoso o grazioso: con gracia.
• con anima: con alma, con mucha carga sentimental.
• deciso: decidido, seguro.
• scherzando: jugueteando.
• marziale: marcial.
• comodo: cómodo.
• con amore: con amor.

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• con passione, passionato, passionatamente, con fuoco: con pasión, con fuego.
• con dolore, 'doloroso o dolorosamente: con dolor.
• espressivo: expresivo, con mucha transmisión sentimental.
• lontano: lejano.
• misterioso: misterioso.
• mosso: movido.
• piacévole: placentero.
• risoluto: resuelto.
• sémplice: simple.
• tranquillo: tranquilo, con paz.
• vigore: vigoroso.

Si bien el carácter y el movimiento son distintos elementos, están íntimamente

relacionados. Esto significa, por ejemplo, que si una pieza posee un
carácter tranquillo (tranquilo), el movimiento nunca será rápido. Del mismo modo, cuando
el movimiento de una pieza es ad líbitum o a voluntad del intérprete, también suele serlo
su carácter.

Objetivo del tema: Cada tema tiene o posee un objetivo , ¿por qué fue creado? por su
autor, esta tiene relación con la aplicabilidad del tema dentro de un contexto social
(ejemplo: cortina de película, shingle publicitario, como simple forma de diversión o sea
bailar, escuchar cuando posee un mensaje implícito de importancia, etc.).

Función del tema o temática

Se define en pocas palabras ¿para qué se escribió la canción?
Ejemplos;
-narrativa, para narrar una historia; una leyenda
-comunicativa, para dar a saber algo
-descriptiva, una descripción de un paisaje situación o persona,
-.persuasiva, como arma ideológica, religiosa
.-comercial, publicitaria(políticas)

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-de cuna
-infantil
-identidad
-protesta-
-trabajo
-para honrar personas, momentos(.basadas en hechos reales )
-de esperanza
-temáticas sociales( -feminista, alcohol, prostitución, violencia, de denuncia ,de
derechos humanos, de proteccion ambiental,
-villancicos( navideñas)
-de bodas
-de animales, mascotas
-Educativas
-de cuadros deporrtivos
-de solidaridad
-de siembra
-positivas
-para bandas sonoras

Dinámica: Las diferentes variaciones que se producen durante el desarrollo de una obra,
como por ejemplo la variación de intensidad o de las cualidades tímbricas, movimiento de
instrumentos, etc.

Análisis del texto: Cuando el compositor está desarrollando una idea dentro de un tema
musical, está pensando en su forma de vida o sea en sus experiencias, esto va a
condicionar la forma de codificar el mensaje .Lo mismo sucede con el receptor que va a
interpretar el mismo influenciado por su forma de vida , lo que hace que muchas veces el
mensaje original se pierda por el camino. Cuando analizamos no debemos influir en lo
que nos quiso decir el autor, no debemos quedarnos en la superficie, sino reflexionar
profundamente y desde un punto de vista objetivo para que lo personal no influya en lo
que nos quiso decir el autor.

La sociedad crea sus propias reglas estas están determinadas por el tipo de cultura,

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donde las creencias y la sociedad establecen límites que se van modificando en forma
dinámica, por eso es que se debe en un análisis buscar que códigos lingüísticos utiliza o
formas del lenguaje para que le interpretación sea la correcta (metáforas, forma
gramaticales etc.).

Una interpretación de un tema entonces es el análisis del contenido latente e implícito en

el tema, no la mera trascripción del texto literario del mismo.

También existe un componente externo al texto que debe ser tomado en cuenta para su
análisis, que es la forma de expresión del texto, ya que su contenido se puede estar
reflejando en la tonalidad , en la pronunciación en que se expresa.

ESTRUCTURA

La estructura de una canción es la relación que tiene la música con el texto.

Las canciones populares casi siempre tienen una estructura bien definida. La canción se
compone habitualmente de secciones musicales separadas, las cuales después se
ordenan para formar una canción completa.
Por ej. una típica canción popular, podría tener los siguientes elementos:
 Introducción
 Estrofa
 Estribillo (coro)
 Puente o solo
 Estrofa
 Estribillo (coro)
 Final o Coda

Esta sencilla estructura se puede complejizar de muchas maneras añadiendo en lugar de

un solo estribillo dos estribillos, o en lugar de acabar con una repetición del estribillo
añadir una parte específica para el final. A veces se llama a esta parte coda. Puede haber
un estribillo que se alterna con otros versos que no se repiten.

El puente musical suele presentar una variación en la armonía musical y en muchos

géneros musicales, principalmente en el rock o el heavy metal, suele incluir un solo.

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Generalmente, este solo suele ser de guitarra eléctrica, aunque puede ser ejecutado por
otros instrumentos musicales.

Sea del género que sea: rock, cumbia, hip hop, reggaetón, etc; esta estructura aparece
una y otra vez. Muchas otras veces, esta estructura puede variar un poco, repitiendo,
agregando o quitando secciones.
¿Por qué las canciones tienen estructura?
Todo trabajo artístico o intelectual tiene un orden. Así que es importante que las
canciones tengan una estructura que principalmente es una convención. Eso significa que
es un “pacto” entre público y artistas. En otras palabras, el público espera este orden
También es necesario que ciertos elementos se repitan.
¿Por qué es necesario que se repitan elementos?
Al repetirse la gente puede recordarlos y familiarizarse con ellos.

¿Qué es una estrofa y que es un estribillo?

La estrofa es donde se desarrolla la idea musical y principalmente narra la historia de la
canción. (cuando dos o más secciones de una canción tienen básicamente la misma
música y diferente letra esas partes se las considera estrofas de la canción).

El estribillo es cuando dos o más partes de una canción tienen básicamente idéntica
música y letra.

FORMA MUSICAL

Se llama forma musical a la manera de organizar la estructura de una pieza

musical, que resulta del orden elegido por el compositor para presentar los
distintos temas o ideas musicales que la integran.

RECURSOS COMPOSITIVOS

Para crear una forma musical los compositores utilizan dos recursos básicos: la

repetición y el contraste.

- La repetición de una idea musical, puede ser literal o presentar alguna variación con

respecto a la idea original. La repetición ayuda a dar unidad a la obra musical (algunos

temas pueden escucharse varias veces a la largo de una obra).

- El contraste: para evitar que la música sea monótona, se utiliza el contraste, que es la

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presentación de una idea nueva que contrasta con lo ya escuchado.

Partiendo de estos dos recursos básicos, podemos decir que las partes de una

composición pueden estar relacionadas entre sí de varias maneras diferentes:

- La repetición exacta.

- La variación: Es la repetición con ciertas modificaciones (ornamentación de la

melodía, alteración de la armonía, cambios rítmicos, etc.) de un tema, parte o motivo.

En cada variación siempre queda algunos aspectos esenciales para poderla identificar

como repetición del original.

- La imitación: Es la repetición de una estructura melódica, rítmica, armónica, etc.,

por una voz, instrumento o grupo distinto al que la interpretó.

- El desarrollo: Es una transformación o elaboración de elementos de la parte inicial,

(un fragmento melódico o rítmico, etc.), extraídos y combinados de manera diferente

para crear una nueva parte, que puede tener algún rasgo reconocible o presentar nuevas

ideas irreconocibles respecto del original.

- El contraste: la nueva parte es completamente diferente de la precedente. Muchas

formas musicales se basan en el contraste —además de la repetición— de las secciones.
La forma binaria consta de dos secciones opuestas que tienen la función de exposición y
contraexposición. El patrón puede ser un simple AB, o complicarse con repeticiones,
como en la balada medieval (AAB), o mediante variaciones, como en la melodía
"Greensleeves"(AA'BB', siendo A' la variación de A). En la forma binaria que puede

encontrarse en gran parte de la música barroca (c. 1600-c. 1750) el patrón

exige un cambio de tonalidad: la sección A comienza en una tonalidad y

acaba en otra; la sección B comienza en la nueva tonalidad y finaliza en la

original; cada sección se repite, dando como resultado el patrón AABB.

Estas relaciones constituyen la base de las formas musicales.

TIPOS DE FORMA MUSICAL

1.- Formas basadas en la repetición por secciones

FORMA PRIMARIA– forma mono estrófica), A A A.

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Es la forma más simple de estructura musical. Son las que están constituidas por una sola
frase aunque ésta se repita varias veces (cambia la estrofa, no la melodía).Son canciones
sin estribillo.

FORMA BINARIA A A'./AB

Está dividida en dos secciones: si se trata del tipo A A, la segunda sección no puede ser
la repetición exacta de la primera, ya que entonces resultaría del tipo primario, son pues
indispensables algún tipo de modificación A'.

Si es del tipo A B, habitualmente la primera tendrá final suspensivo y la segunda, final

conclusivo.
Con frecuencia, si ambas secciones se repiten: AABB, estas repeticiones no alteran la forma binaria
básica de la pieza. A B
Por lo general A es la estrofa y B el estribillo

FORMA TERNARIA- A A B, A B B, y A B C.

Es la que está estructurada en tres partes con todas las combinaciones posibles: A B A, A A B, A B
B, y A B C.

Una de las formas más usadas por los compositores, es la que presenta la siguiente estructura:
ABA’. En donde A sería el tema principal, B el tema contrastante, y A(’), la repetición literal o
variada del tema principal. Una variante de la misma sería A A B A.

Cuando una obra musical de estructura ternaria, presenta en cada una de sus tres
secciones un diseño binario o ternario, estamos ante una forma musical llamada Minuet
con trío:

ABA
||:a:||:b a':|| ||:c:||:d c':|| ||a||b a'||

Rondó

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Es una forma en la que hay un tema principal que se repite y entre cada repetición hay
un tema que contrasta con él: A B A B A o A B A C A.., etc.

La repetición del tema principal, también llamado estribillo (ritornello) le da unidad a la

obra y los temas contrastantes o variaciones (episodios o estrofas), mantienen el interés del oyente.

Esquema del Rondó, (tema A) de la Sonata en Do mayor k 545 de Mozart

||:A:|| B A C A Coda

2- Formas basadas en la variación.

Tema con variaciones

Esta forma se basa en la aplicación del procedimiento de la variación. En la mayoría de

los casos se suele presentar en secciones independientes, cada una de las cuales presenta una
modificación distinta, más o menos alejada del original
El compositor elige un tema y posteriormente lo repite con variaciones que pueden ir
modificando la melodía; o cambiando la armonía, el ritmo, el compás, la velocidad, el
registro, los instrumentos, etc. Pero siempre es reconocible el tema del que parte la obra.

3- Formas basadas en la imitación

La imitación es uno de los principios fundamentales de la polifonía, consiste en la

repetición de un fragmento o motivo melódico en una o varias voces diferentes a la que
inicialmente lo ha expuesto.
La imitación puede hacerse a cualquier distancia, al unísono, a la 2ªº, a la 4ª, etc., la
imitación puede ser literal o imitando sólo algún aspecto (melodía o ritmo).
La imitación puede ser:
- Por movimiento directo, se mueve en la misma dirección.
- Por movimiento contrario, se mueve en dirección opuesta cambiando los intervalos,
los que eran ascendentes ahora son descendentes y a la inversa.
- Por movimiento retrógrado en donde se respeta los intervalos pero la imitación se
inicia desde el final al comienzo, es decir de derecha a izquierda.
- Por aumentación: Cambiando los valores de las figuras proporcionalmente por otros

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de mayor duración.
- Por disminución: Cambiando los valores de las figuras proporcionalmente por otros de
menor duración.
El canon
1ºvoz
2ª voz
3ª voz
4ª voz
Cuando una imitación es sostenida largo tiempo y especialmente si persiste en toda la
composición, se denomina canon.
En el canon una voz inicia la melodía y luego sucesivamente le siguen las demás,
imitando la melodía original.
La Invención
A diferencia del canon, la invención no se limita a imitar el tema de forma rigurosa,
sino que lo varía y desarrolla
La fuga
Es una composición polifónica, normalmente es una obra para instrumentos de tecla,
(aunque puede ser para cualquier otro instrumento polifónico o para conjuntos tanto
instrumentales como vocales).
La fuga se desarrolla en un solo movimiento. En esencia se basa en la técnica de la
imitación. La fuga es una obra para varias voces, con una estructura compleja que
básicamente consiste en la reaparición constante de un tema o melodía principal,
llamado sujeto, acompañado de otros temas secundarios.
El sujeto o tema principal se presenta por primera vez en una sola voz, luego va siendo
interpretado por las demás voces, una por una a manera de imitación. A lo largo de la
fuga el tema reaparece constantemente, junto con los tema secundarios, al final de la
fuga las voces terminan juntas en un final común.

ELEMENTOS GENERALES

Efectos sonoros: En este punto se hace referencia a los sonidos no musicales de una
canción que se usan para decorar y generar ambiente. Van desde lluvia, sonido de dinero,
autos, trenes, etc. Estos elementos pueden aparecer en cualquier momento de la canción
y son ajenos y no necesarios a la canción. Por ejemplo, Pink Floyd – Money, Iron Maiden
– 2 Minutes To Midnight,Dire Straits – Money For Nothing, Fastball – The Way.

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Fills Sus funciones son:

Aquí entra en juego un elemento del cual su función es unir las partes por ejemplo verso y
estribillo de una canción: son los “fills” en criollo “rellenos”.

¿Qué es un fill?

Por “fill” se entiende a un pasaje musical de corta duración, que ayuda a mantener la
ateción del oyente durante el traspaso de una sección a otra.

El fill es un arreglo que puede ser un sonido, un riff, una melodía, una frase melódica o
una frase rítmica.

Dependiendo el tipo de fill puede servir para aumentar la tensión o relajar, dar inicio a la
canción o incluso cerrarla. Supongamos tenemos un sección A de la canción lenta y una
sección B rápida, utilizando un fill podremos unir esas dos secciones haciendo que
suenen en contexto, unidas y no como ajenas a si mismas. Es decir, los fills funcionan
como la escalera que une la planta baja con la planta alta de nuestra casa.

La diferencia entre un Fill y una nueva sección

Un detalle a tener en cuenta es que los fills funcionan como una pequeña ruptura del
patrón rítmico o de la idea musical. Generalmente el tiempo no se altera, y el patrón
principal tiende a retomarse. En otras palabras, ellos se ubican al final de una estrofa o
estribillo, aunque pueden utilizarse (dependiendo de la canción) cada 4 u 8 compases
sirviendo como refuerzos de un trozo musical o reiteración de una sección:

Por tanto sus funciones son:

a) Decorativa: generar una pequeña variación o ruptura del patrón principal.

b)De cambio: sirve para realizar un cambio entre dos patrones o secciones de diferente,
ritmo, de energía, de ambiente.

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c) De interés: sirve para renovar la atención dentro de un patrón.

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