Cubismo:

El cubismo fue considerado el primer movimiento artístico de la vanguardia del siglo XX. Se dice que
sus creadores fueron Pablo Picasso y Georges Braque. Su estilo característico explora una nueva
perspectiva geométrica de la realidad, mirando a los objetos de todos los puntos de vista, lo cual fue
una ruptura de los modelos pictóricos vigentes desde el Renacimiento.

Las pinturas cubistas carecen de profundidad, ofrecen múltiples puntos de vista, se hace uso de más
de una técnica (collages, tipografías, etc.), se incorporan varios ángulos de un mismo plano, y
cuentan con una visión analítica de los elementos de representación

Algunos artistas influyentes del movimiento son Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris y André
Derain.

Obras mas destacables: Guernica (1937) Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon (1907) Pablo
Picasso, Violín y Paleta (1909) Georges Braque.

Surrealismo:

Fue un movimiento cultural desarrollado en Europa tras la primera guerra mundial, este movimiento
utilizo los mitos, la fantasía y las imágenes oníricas para crear arte. Es considerado por muchos la
última de las grandes vanguardias. Este surge tras el escrito de André Breton, el cual está inspirado
en un libro de Freud en el que este explora la idea de que la mente humana posee un nivel oculto
llamado inconsciente, el surrealismo buscaba superar esta limitación permitiendo que el
subconsciente se expresase a través del arte

Las características de estas obras son la expresión del subconsciente el cual representaba realidades
absurdas, oníricas y fantásticas, el automatismo que consiste en hacer emerger las imágenes del
subconsciente de forma automática a través de recursos psíquicos como el estado de trance- la
hipnosis-etc.), la expresión espontánea y desinhibida del pensamiento y su carácter interdisciplinario
al favorecer la colaboración entre disciplinas

Algunos de los artistas más reconocidos de este movimiento son Max Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró.

Obras mas destacables: Las llaves del campo – René Magritte, La persistencia de la memoria –
Salvador Dalí, Todavía y Siempre – Yves Tanguy

Impresionismo:

La pintura impresionista se origina en Francia a mediados del siglo XIX y se caracteriza por su
experimentación con la iluminación, como quiere plasmar la luz y el instante, las cosas no se definen,
sino que se pinta la impresión visual de estas cosas. El manejo de la luz se considera como un factor
crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura. Estas obras se construyen técnicamente a partir
de manchas bastas de colores, que actúan como puntos de una policromía más alta. Por ello, al
observar los lienzos es necesario tomar cierta distancia para captar las luces sombras y figuras. Este
estilo se clasifica como la primera ruptura del proceso que desembocaría al arte moderno. El
impresionismo no solo abre los ojos al espectador a la nueva técnica, sino también a la variedad de
formas y y la captura de paisajes cotidianos vistos desde ingeniosas perspectivas.

Los principales exponentes Camille Pissarro, Alfred Sisley y Claude Monet, AugusPrincipales Mary
Casatt
. Obras más destacables: Caldero de patatas – Anders Zorn, Nocturno en negro y dorado: Cohete
cayendo – James Whistler, Triste Herencia -- Joaquín Sorolla

Post impresionismo:

Es representado como una continuación y contraposición del impresionismo, toma elementos de

este, pero a su vez rechaza las limitaciones que este supone. El post impresionismo es la base de los
estilos modernos y contemporáneos. Se caracteriza por las pinceladas cortas y precisas, reflejos de
los rápidos cambios que se desarrollan en la época, los colores puros evocan la radicalidad que
evoca en la sociedad, la naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, sino que se observa como un
conjunto. El postimpresionismo consiste en una liberación de las formas clásicas, los colores y
texturas se transforman junto con el cambio social surgiendo en el 1800

Principales artistas son Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Henry de toulouse-lautrec y
Georges Seurat

Y las obras más destacables del movimiento son Terraza de Café por la noche – Vincent van Gogh,
Cristo amarillo – Gauguin, Las bañistas -- Paul Cézanne y Domingo en la tarde en la isla de la Grande
Jatte – Georges Seurat.

Abstracción:

Se llama arte abstracto a aquellas expresiones artísticas basadas en elementos como la línea, el
punto, el color y el material como lenguaje autosuficiente e independiente de la reproducción de
objetos reconocibles, es decir, del figurativismo. El arte abstracto renuncia por completo al
figurativismo al prescindir de representar objetos, el protagonismo lo tienen los elementos plásticos
en sí, sobre los cuales se carga todo el peso significante. La línea, el punto, el color, el plano, la
geometría (plana o espacial), el material y la composición son el foco de interés del artista, el
abstraccionismo libera al arte de la subordinación al tema. Con ello, afirma la posibilidad de que sea
valorado con absoluta autonomía. De este modo, deja atrás la idea de trascendencia artística
asociada a los grandes relatos (religión, mitología, etc), su enfoque favorece la originalidad y la
libertad absoluta de los artistas en materia de composición plástica.

Principales artistas: Vasili Kandinsky, El Lissitzky, Kazemir malevich, Piet Mondrian. Y las obras más
destacables son Jackson Pollock – Convergencia, Piet Mondrian – Composición en rojo amarillo y
azul, Vasili Kandinsky – Amarillo, rojo y azul.

La perspectiva en el arte:

Por perspectiva se refiere a la tecnica usada para representar objetos tridimencionales y

profundidad en el dibujo de una superficie bidimencional. Crea la ilusión de distencia y volumen en
una superficie plana.
Sus dos tipos mas comunes son la perspectiva lineal y la perspecgtiva atmosferica . La perspectiva
lineal utiliza puntos de fuga y lineas convergentes, mientras que la perspectiva atmosferica maneja
el color y la claridad para insinuar profundidad.

Sus componentes esenciales:

La línea del horizonte – representa el punto divisable mas lejano donde el cielo se encuentra con la
tierra o el mar, sirve como punto de referencia, su ubicación puede alterar dramaticamente la
percepcion por parte del espectador
El punto de fuga – es el lugar en la línea del horizonte donde todas las lineas paralelas parecen
coincidir, A medida que los objetos se desvanecen en la distancia, parece que su tamaño se reduce,
hasta que se fusionan en el punto de fuga. Este es un fenómeno natural que percibe nuestra vista en
la vida real y es reproducido en el arte para crear una sensación convincente de profundidad
espacial y realismo

Líneas ortogonales - son líneas imaginarias que se desvanecen al acercarse al punto de fuga en la
línea del horizonte. Ellas son esenciales para crear la sensación de profundidad y tridimensionalidad
en una superficie bidimensional

Plano de tierra - consiste en la superficie horizontal debajo de la línea del horizonte, que podría
representar la tierra o el agua, Establece la sensación de profundidad y las relaciones espaciales en
un dibujo o pintura.

Líneas convergentes - son líneas que parecen encontrarse en un punto común a medida que se
desvanecen en la distancia, crean una sensación de profundidad, distancia y dinamismo que hace
que las imágenes planas luzcan tridimensionales y más atractivas para el espectador ando una
sensación de profundidad en una superficie bidimensional.

Otros tipos de perspectiva son: la perspectiva de un punto, perspectiva de dos puntos, perspectiva
de tres puntos, perspectiva aérea y perspectiva curvilínea.

La historia del cine:

la historia del cine se inicia un 28 de diciembre de 1895, cuando los Hermanos Lumière realizaron la primera
proyección pública de su cinematógrafo. El cine es el resultado de una evolución científica y que proviene ya
desde Arístóteles con la invención de la conocida como la cámara oscura, La cámara oscura es, por lo tanto, el
primer antecesor de la fotografía y, en consecuencia de ello, del cine. no sería hasta finales del siglo XIX
cuando no veríamos las primeras imágenes en movimiento. Su nacimiento fue el resultado de una
combinación de la fotografía, con una serie de aparatos y artilugios que se han denominado juguetes ópticos,
de los que podemos decir que es de donde surgen los orígenes del cine. Los juguetes ópticos son una serie de
máquinas que recrean imágenes: linterna mágica, el traumatropo, fenaquistiscopio, zoótropo, praxinoscopio.
Se puede decir que la concepción del cine no se entiende sin estas ilusiones ópticas. En los inicios del cine no
se cuentan historias, los filmes de aquel entonces tienen un lenguaje diferente, los expertos lo catalogan como
cine primitivo. En 1888 George Eastman inventa el rollo de película Kodak. Esta película fotográfica de 35mm
supone toda una revolución para los inicios del cine y que utilizarán tanto Edison en Estados Unidos, como los
hermanos Lumière en Europa. Ellos tuvieron la idea de añadir perforaciones a la película fotográfica con un
sistema de arrastre unido a un sistema de proyección. Se puede decir que Edison fue unos de los inventores
del cine. Su aportación para el medio fue la invención de un aparato llamado kinetoscopio. Edison, al igual que
hicieran los Lumiére, se valió de la película de Kodak de 35mm de Eastman para lograr que el kinetoscopio
pudiera reproducir imágenes en movimiento. En Europa, los hermanos Lumière, a diferencia de Edison que es
comerciante, a ellos les ellos les mueve la curiosidad científica. así nace el cinematógrafo, como una máquina
científica que es capaz de captar el movimiento. A diferencia del Kinetoscopio, el cinematógrafo de los Lumière
tiene una mayor calidad técnica, es decir, su emulsión tiene más calidad, y a su vez inventan el proyector, lo
que significará la reproducción pública de los filmes. A finales del XIX hacen una demostración pública en París,
en un pequeño salón situado en los bajos de una café llamado El gran café.

Los inicios del cine sonoro datan de finales de la década de 1920. No obstante, se puede decir que el
sonido ha estado ligado directamente al cine desde sus inicios aunque las películas fueran mudas. El
cantor de jazz (The Jazz Singer) (1927), considerada la primera película sonora de la historia del cine.
supuso un antes y un después en la historia del cine. La implantación del sonido en el cine supuso
nuevo paso tecnológico que influirá de manera determinante en la industria, en los profesionales
que en ella trabajan, en los planteamientos estéticos de las historias, obligando a una
reestructuración industrial que afectará, inevitablemente, a la comercialización de las películas en
todo el mundo.

La historia de la animación:
La animación se trata de un proceso mediante el que se da una apariencia de movimiento a dibujos,
fotografías, figuras y otros objetos estáticos. La animación tradicional, en general, es la caracterizada por el
dibujo de manera individual de cada uno de los fotogramas que formarán la animación. Sus personajes tienen
únicamente dos dimensiones (animación 2D), y para dar profundidad a las escenas se juega con el color y la
perspectiva. También se la llama animación clásica o animación 2D, y es la que se utilizaba en los dibujos
animados populares durante el siglo pasado.

La primera animación: La técnica de dibujo animado es la más antigua utilizada en el mundo de la animación.
También la más popular. Por eso no es de extrañar que la primera animación realizada en el mundo sea un
dibujo animado. Aunque tiene varios antecedentes en diversas máquinas en el siglo XIX, como el taumatropo,
el zootropo y el praxinoscopio; el primer dibujo animado o animación fue Humorous Phases of Funny Faces, de
James Stuart Blackton. Se presentó en 1906. La segunda, que para muchos fue la primera, puesto que es el
primer dibujo animado mostrado en un proyector de cine moderno, es Fantasmagorie. La dirigió el francés
Émile Cohl y se proyectó por primera vez el 17 de agosto de 1908. utilizó una técnica de animación bastante
primitiva para realizarla. Para ello creó alrededor de 700 ilustraciones, que iba poniendo sobre un cristal con
luz. Los dibujos simulaban estar creados en una pizarra, pero se trataba de una ilusión óptica que provocaban
sus negativos. Muchas más fueron las ilustraciones empleadas para crear Gertie el dinosaurio: 10.000 dibujos,
todos realizados a mano. Estas ilustraciones se mezclaron con imágenes reales para crear la película. En 1920,
con el nacimiento de Félix el Gato, como un personaje creado específicamente para una película de animación.
Sus películas ya mostraron que la animación avanzaba y mejoraba con rapidez. Y ya en 1922 Walt Disney, con
Ub Iwerks, crearon Laugh-O-Gram Films, para crear cortometrajes de animación. En 1923 llegan los Estudios
Disney. La década de los años 30 llevó a un gran avance en la animación, y en 1937 se proyectó el primer
largometraje de animación: Blancanieves y los siete enanitos. En ella se pueden ver los avances, que
desembocaron en un mayor realismo en las escenas y sin exageración en los movimientos. Mientras tanto, en
Japón, tras la II Guerra Mundial, comienza la llamada industrialización del manga. Llegó de la mano de Osamu
Tezuka, uno de los que más contribuyó al crecimiento de la animación japonesa. Tezuka encontró una gran
influencia en Walt Disney, y sus dibujos empleaban secuencias de viñetas animadas. Así conseguía personajes
más fluidos y con más movimiento, y carentes de rigidez. Pero el gran cambio en la animación llegó en 1995,
unos años después de que empezasen a utilizarse los ordenadores en animación. Ese año se estrenó Toy Story,
que además de ser el primer largometraje de Pixar es la primera película realizada mediante animación digital
3D.

La historia de la fotografia:

La cámara fotográfica es la aplicación de la óptica a la química. Su precedente remoto es la cámara

oscura, fenómeno conocido por los chinos hace dos mil quinientos años y que tomó cuerpo en el
siglo XVI. A finales de la Edad Media, el sabio árabe Al-hazen observaba los eclipses de sol a través de
una cámara oscura que describe así en pleno Renacimiento Leonardo da Vinci: “Si un rayo de sol
penetra en una cámara oscura a través de un agujero proyectará sobre el lado opuesto una imagen
invertida”. Para inventar la cámara fotográfica y obtener una imagen bastaba con sustituir ese
agujero por una lente. Cosa que hizo el italiano Aniello Barbaro en 1568, introduciendo una lente
convergente para mejorar la nitidez de la imagen. Sólo faltaba una cosa, y era encontrar un método
para poder fijar la imagen de forma natural, sin recurrir al lápiz o el pincel. La reproducción invertida
y reducida de una imagen a través de una lente convergente es un fenómeno denominado cámara
oscura, De este modo, al interponer entre la pared y el haz luminoso un papel o cualquier otro
soporte es posible dibujar en él la imagen expuesta. Este procedimiento fue usado por los artistas
para obtener imágenes según cuenta el físico napolitano Giambattista della Porta en su Magia
naturalis (1569), el primero en utilizar la cámara obscura con aquel fin.
LA LUZ EN EL ARTE

La luz en la pintura cumple varios objetivos, tanto plásticos como estéticos: por un lado, es un factor
fundamental en la representación técnica de la obra, su presencia determina la visión de la imagen
proyectada, ya que afecta a determinados valores como el color, la textura y el volumen; por otro
lado, la luz tiene un gran valor estético, ya que su combinación con la sombra y con determinados
efectos lumínicos y de color puede determinar la composición de la obra y la imagen que quiere
proyectar el artista. Asimismo, la luz puede tener un componente simbólico, especialmente en
religión, donde a menudo se ha asociado este elemento con la divinidad.

La influencia de la luz en el ojo humano produce las impresiones visuales, por lo que su presencia es
indispensable para la captación del arte. Al tiempo, la luz se encuentra de forma esencial en la
pintura, por cuanto es indispensable para la composición de la imagen: los juegos de luces y sombras
son la base del dibujo y, en su interacción con el color, suponen el aspecto primordial de la pintura,
con una influencia directa en factores como el modelado y el relieve.1

La representación técnica de la luz ha evolucionado a lo largo de la historia de la pintura y para su

plasmación se han creado a lo largo del tiempo diversas técnicas, como el sombreado, el claroscuro,
el esfumado o el tenebrismo. Por otro lado, la luz ha sido un factor especialmente determinante en
diversos períodos y estilos, como el Renacimiento, el Barroco, el impresionismo o el fauvismo.2 El
mayor énfasis otorgado a la plasmación de la luz en la pintura se denomina «luminismo», término
aplicado generalmente a diversos estilos como el tenebrismo barroco y el impresionismo, así como a
diversos movimientos de finales del siglo xix y comienzos del siglo xx como el luminismo americano,
el belga y el valenciano.

¿Qué es el genero en el arte? – El género es una especialización en la que se suele categorizar a las
pinturas según su contenido temático : retrato y autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades,
pintura religiosa, paisaje, marina, mitología, etc.

No debe confundirse con la técnica, que esto es el proceso y los materiales que el artista utilizan
para llevar a cabo la obra: dibujo, grabado, óleo, temple, etc. Ni con los soportes : lienzo, mural,
papel, etc.