Diseñadores de prestigio

[…] pero la moda sobrevivió, desafiando la falta de tejidos,

procesos de manufactura, mano de obra e incluso las restricciones
relativas al traje.

(Laver, 2006, pág. 254)

Las personas que vivieron los duros tiempos de conflictos entre naciones, y
que se encontraban en los primeros años de la posguerra, ahora dejaban
atrás los momentos de sufrimiento, represiones, limitaciones, por lo tanto
también querían dejar atrás los colores apagados y los cortes rígidos,
buscando de manera indirecta una renovación, un grito de libertad y
comodidad. La elegancia, la belleza comenzaron a tener más relevancia
sobre todo en mujeres donde se empezaba a reflejar una mujer segura,
confiada, libre, dispuesta a sentirse completa y a resaltar su silueta
acompañándolo de accesorios que marcaban el buen gusto y la distinción.

Es así como comienzan a asentarse los primeros cimientos de la industria de

la moda que llegara a convertirse en independiente abarcando un gran
mercado masivo, lo vemos dar una iniciativa y probada de este nuevo mundo
que provocará efusividad, aplausos, expresiones llenas de asombro y
derrochará glamur con creaciones jamás vistas utilizadas por modelos que
aparecen seguros, impactantes, haciendo que en cada paso se realce las
puntadas, los colores, el más mínimo botón utilizado. Esto es lo que se verá
en la exposición realizada en 1945 que llevó como nombre “El teatro de la
moda” en el pabellón de Marsan, actualmente conocido como el museo de
las artes decorativas, que esperaban tuviera el efecto de recaudar fondos a
la vez que era financiada por los diseñadores altamente conocidos –Dior,
Jacques Fath, Givenchy- , demostrando, en palabras de Laver: “Los ansiosos
que estaban, tanto ellos como el gobierno por reestablecer la industria de la
moda. (ibid, pág. 264); y tal como si prepararan una casita en miniatura de
juguete, no podían faltar las muñecas con una medición de 70 centímetros
cada una, elaboraciones de cabezas y por supuesto el vestuario que iban a
lucir hecho por cada diseñador.
 1. Teatro de la moda con los
maniquís con prendas hechas por
cada diseñador invitado.

No fueron demasiadas modelos, y esto también debido a que contaban “con

pocos recursos disponibles […] estas medidas de control limitaron la cantidad
de tejido para las distintas categorías de prendas, la calidad del mismo, la
longitud y a anchura de las faldas.” (ibid, pág. 241)

En 1946 la exposición rutilante se actualiza y viaja hasta Nueva

York y San Francisco, en Estados Unidos. Tras la muestra, las
muñecas cayeron en el olvido.

(Luis, 2020) (pp.6)

Se habría prendido una flama en París convirtiéndola en la capital de la

moda, en un punto donde las inigualables invenciones pasaban del papel a la
tela, y la idea de sofisticación se presentaba con mayor fuerza “haciendo que
las mujeres tenían que dar la impresión una gran cantidad de tiempo en
parecer perfectamente elegantes” (Laver, 2006, pág. 263) además de que la
ropa empezaba a cumplir con los deseos y gustos que ellas comenzaban a
tener, incluso utilizaban corsés para tener una figura de avispa, las caderas
comenzaron a ser importantes a la hora de lucir los atuendos, entrando a un
imagen de mujer creada por los modistas implícitamente, mientras que su
vez iba naciendo la imagen del ama de casa perfecta en el hogar utilizando
tacones altos, vestidos con colores cálidos a causa de los años duros donde
el refugio se encontraba en el hogar.

Los pañuelos eran fundamentales para aquellas mujeres que

conducían autos descapotables, este se colocaba sobre el
peinado que se pretendía proteger. Los guantes eran casi un
accesorio obligatorio, a menudo del mismo género que del vestido.
Los cinturones anchos fueron el complemento más importante de
la década para comprimir y resaltar la cintura femenina.

(Dulce, 2011) (pp.9,10)

 Definitivamente había distintos grupos que le daban a cada tela un
significado y uso diferente, y es por eso que Saltzman escribe:

El vestido refleja las condiciones de la vida cotidiana. Imprime su

sello en el modo de actuar en las diferentes circunstancias que
tocan al individuo y actúa sobre su ser, hacer y parecer en el
contexto de la sociedad. La indumentaria y la persona social se
influyen mutuamente […] Así, el vestido conforma hábitos y
costumbres que ese consolidan en normas vestimentarias típicas
de una determinada cultura o grupo.

(Saltzman, 2004, pág. 117)

2. Foto de una mujer luciendo un traje

de hombros redondeados, cintura de
avispa, cadera voluminosa, falda muy
amplia y taco de aguja. Conjugado con
unos guantes y sombrero.

Al final, cada pieza de ropa se convirtió en un adorno que ofrecía una

personalidad y un status social entre la sociedad que solo lo podían realizar
ciertos grupos de mujeres con una situación financiera estable o superior,
debido a que en ciertos lugares, como es E.E.U.U, utilizaban los cupones por la
racionalidad que predomino al tener la incertidumbre de que una tercera guerra
mundial ocurriera; eventualmente diseñadores como Dior, Coco Channel o
Amies fueron obteniendo ese prestigio que caracteriza personalmente a cada
uno de ellos aunque no presentaran sus creaciones con esos motivos de deleite
para sus clientas. Podríamos decir que llegaron en el momento oportuno donde
sacudieron el gris de los uniformes, beneficiando su economía, sus casas de
moda y sobre todo a ellos mismos.
Pero, ¿Qué los diferenciaba de los demás modistas? ¿Qué implementaban
en sus diseños que provocaban perplejidad? Cristian Dior supuso un nuevo
soplo de feminidad para el mundo, introdujo formas de manipulación de tela
innovadoras creando siluetas que se convirtieron en bases de construcción
de moda.

3. Christian Dior, el rey de Paris

como algunos lo llamaban.

Sus chaquetas presentaban una cintura marcada y caderas

amplias, […] implemento el cuello tipo u en el sweetheart y una
falda con pliegues orientados en sentido contrario creando una
ilusión óptica de un vestido en zigzag. […] Introdujo un chaleco
que acentuaba la cintura y la falda de línea recta que llegaba justo
debajo de las rodillas; presentó innovadoras siluetas, un cuello
completamente horizontal que creaban una H en el top del vestido.

(Alerviú, 2020 ) (pp. 14, 15, 16,)

 Hardy Amis llegó incluso a ser modista de la Reina Isabela II;
creaba trajes elegantes femeninos y discretos; Su innovación más
notable durante esta época fue rebajar la cintura de los trajes de
mujer, colocándola en la parte superior de la cadera en lugar de
en la cintura natural, dando un aspecto más femenino.

(Delwende) (pp. 8)

En cambio, Balenciaga quien era español, se va a mudar a París en donde

comenzara a tener un enorme éxito, y se hará amigo de varios modistas. Sus
creaciones estarán llenas de color presentado nuevos cortes y técnicas. “Va
a presentar su gran precisión, su manejo de la técnica y perfeccionismo;
lanzó el vestido camisero, el traje de chaqueta y el tacón bajo […] su
propuesta proponía u aire fresco, menos rígido y convencional.” (Fernández,
2004) (pp.2)

Pero Jacques Fath no se quedaba atrás con

8. Balenciaga
sus decía que “un
siluetas modisto debegrandes escotes,
curvilíneas,
ser arquitecto para los planos, escultor para
formas, pintor para el color, músico para la armonía
y filósofo en el sentido de la medida”.
 cinturas diminutas y faldas de vuelo. Lanzó una línea más
económica y sus complementos podían encontrarse a un buen
precio en su boutique. Y se le atribuye la introducción de las
medias de encaje.

(EcuRed) (pp, 1,2)

h 10. Vestido Red Shoes, Otoño, 1950.

Pierre Balmain creó un estilo audaz y femenino para las mujeres,

creando diseños que se separaban de las piezas utilitarias de la
época. Sus primeros diseños fueron siluetas acampanadas de
cintura ajustada, también mostró también mujeres en pantalones
de pinza, zapatos de tacón bajo en gamuza y chaquetas de estilo
marinero.
 (Cabrices, 2020)

11. Pieere Balmain ajustando uno

de sus primeros vestidos.

Y bien, como podemos notar la mayoría de los modistas eran hombres creando,
innovando, modificando en un lienzo de mujer, pensando en qué se vería mejor
para resaltar un lado femenino que solo pocos cuerpos eras aptos y adecuados.
Además de que no se preguntaban si eran realmente cómodos, si esos tacones
llamativos pero no tan prácticos se pudieran adaptar al tipo de actividad que
realizaba cada mujer. Esto comienza a cambiar con la aparición de Coco
Channel, Lavin y Emmanuelle Khanh, quienes liberarían a las mujeres del
convencionalismo y rigidez; Tal como lo mencionaba Coco, los hombres hacen
ropa para mujeres, pero es momento que ahora sean atuendos hechos por
mujeres para mujeres, en donde los vestuarios si puedan habituarse a sus días
triviales de cada una de nosotras.

Por lo que Coco Channel comenzó a introducir atuendos que no

necesariamente llevaran un corsé para poderse lucir y sobre todo, entrar en la
prenda, sino que mostró estilos deportivos, juveniles, casuales. Se
confeccionan con las medidas de cada clienta y tal vez me permita pensar,
incluso creer, que en cierta medida fueron mostrándose otros tipos de cuerpos,
diferentes tallas de manera indirecta, lo cual tomaría más relevancia en otros
momentos de la historia.

Sus diseños más icónicos fueron:

El Little black drees, hechos en lana o chenilla para usarlos en el

día, y de satén, crepe o
terciopelo para la noche,
Chanel permitió a la mujer
de bajos recursos caminar
como millonarias.

nhnh

El traje de tweed, el cual se

distinguía por la practicidad
 y comodidad
que daba la
mujer para
realizar sus
tareas tardes
tras tarde,
mañana tras
mañana, las
24 horas tras
las 24 horas
sin tener que
comprometer
su estilo, o
exponer lo
que no quería
mostrar. El set
de chaqueta y
falda de tweed
no tenía hombreras ni pinzas en las
líneas del busto como se
acostumbraba el diseño de la época.

(Idm. pp. 10, 11)

13. El traje de tweed de Chanel.

12. Coco Chanel.

 14.Little Black Drees, la prenda era vista como
perfecta para sacarte de un apuro, ya que era
fácil de combinar y las hará lucir estilizada sea
cual sea la ocasión.
Lavin, se podría decir que su musa fue principalmente su hija, a la que le
diseñaba bastantes atuendos, donde el color azul predominaba y es por eso
que se le conocerá más adelante como el “azul de Lanvin”; esos vestuarios
comenzaron a llamar la atención quizá cuando salía a pasear con su hija y
las señoras de alrededor no podían evitar mirar a esa jovencita con un
diseño diferente, nuevo, no visto en los aparadores.

Sus diseños se vieron fuertemente influidos por el arte y la pintura

y consiguió crear una moda en la que las madres e hijas pudieran
intercambiarse la ropa, igualando así el armario femenino y
desmotando mitos en torno a la edad […] optó por una estética
más romántica y unos trajes que marcaba la cintura femenina, con
 la utilización de detalles como volantes, bordados y unas telas
finísimas.

(Moya, 2020) (pp. 4, 5)

15. “De todas las costureras de la

época, Jeanne Lanvin fue la más
misteriosa y menos conocida”,
explica Alber Elbaz, diseñador de la
marca desde 2001

16. No se ocupó solo de hacer

vestidos, sino de responder a todas
Muy
las necesidades de la contrariamente
mujer de su a
Lavin, de sus
época. Estoas son algunos Emmanuelle
bosquejos que diseñaba
principalmente para su hija,
Khanh quien era modelo y diseñadora, “imaginó un vestuario para mujeres
modernas, libres y activas y de esa manera ofrecía una facilidad de
movimiento en las mujeres” (Emanuelle Khannh ) (pp. 5. 6) especialmente
destacaba por sus gafas de sol con un tamaño más grande de lo usual,
sumándole las faldas con cintura baja y camisas de cuello largo.

17 .Emmanuelle Khan, más

conocida por sus lentes
cuadriculares y grandes.

Siendo los años 60 cuando Emmanuelle empieza a adentrarse más en ese

mundo con ideas, creaciones de nuevas experiencias y marcas personales,
se ven en los jóvenes una nueva conciencia y por qué no, una revolución
hacia los atuendos de damas elegantes, debido a que no pretendían y no se
visualizaban utilizando las prendas del guarda ropas de sus madres, querían
su propia moda, una donde marcaran la etapa de adolecente y no solamente
se pasara de ser una niña a la adultez , por lo tanto empiezan a usar
sweaters amplios, polleras amplias y por supuesto habían algunas que no
usaban maquillaje.

Aparecían notas que hacían mención sobre como las chicas iban
vestidas para asistir al colegio con sweater y falda, pero en sus
tiempos libres elegían prendas como jeans y camisas que
parecían haberlas pedido prestadas del armario de sus padres,
hermanos o amigos.

(Pozzetti, 2021) (pp. 30)

 18. Comenzaron a usar sweater y
jeans en busca de comodidad.

19. Las minifaldas fueron

revolucionarias en los años 60.

No todas seguían este estilo, pues tambien apareció el uso de la minifalda

(Invención de Maru Quant, diseñadora inglesa) que era más corta de las que se
venían utilizando en años anteriores, y el estilo babydoll que mezclaba la
sensualidad con sus vestidos, cuellos de tortuga, medias de colores, incluso
algunas daban la apariencia de aniñadas y delgadas. Muy pocas mujeres
usaban el traje del baño porque aún eran criticadas. El objetivo primordial ya no
era buscar resaltar ni remarcas sus siluetas ni mostrar sus atributos, lo que más
buscaban era utilizar una prenda que les diera comodidad. No era más que la
manera para poder expresar sus ideales, su rebeldía, su manera de decir que
las cosas estaban cambiando y que esa etapa media existía, mereciendo ser
alegre, con más libertades y comodidades, representando lo que cada una cree
y quiere mostrar entre la gente con la que se rodeaban, “el cuerpo era un lienzo
donde podía plasmarse cualquier nacimiento o idea” (Laver, 2006, pág. 264)
Las prendas empezaron a utilizarse de manera unisex, “los estilos cambiaban
tan deprisa que las fábricas no daban abasto a la demanda existente” (ibid, pág.
267) y me parece que fue el tiempo en donde más se mostró la feminidad, no
refiriéndome a entrar en una imagen creada, sino a enseñar y mostrar los
ideales, las disconformidades que ciertos grupos de mujeres sentían con
respecto a la ropa, me da la impresión de no verlas denotar miedo a las críticas.

Y pese que se podría ver como una metamorfosis las cuestiones de las telas,
los diseñadores producían el siguiente “grito” y las chicas lo comprarían porque
claro, ya estamos volviendo a sacar la personalidad en cada tejido y
combinación o estampado sobre los trozos de ropa. “Porque la ropa reafirma
valores morales precisos: opulencia, ostentación, disipación, modestia, reserva,
austeridad, poder, conformismo, provocación”. (Tidele, 2021, pág. 32)

Eventualmente esta influencia llegaría hasta las mujeres americanas donde ya

veía más reflejada estos estilos; y las europeas que tambien querían medirse
los trajes, los vestidos, las faldas largas o corta “anhelaban reemplazar los
rígidos cortes masculinos por curvas femeninas y alegres faldas” (Laver, 2006,
pág. 259) a su vez la industria prêt-à-porter que fue propuesto por Pierre Cardin
donde ya se empezaba a producir en serie por la alta demanda que habían
estado teniendo, lo harían en distintas tallas y de esa forma se venderían en
distintas tiendas, en diferentes lugares, estando disponibles a un número de
clientes más amplio sin hacer un hincapié en las diferentes clases sociales.

En Estados Unidos la técnica de la producción en masa estaba ya

muy desarrollada, y se producía ropa deportiva y prendas sueltas,
independientes, que tuvieron mucho éxito en Europa, donde esta
moda informal no había cuajado.

(Laver, 2006, pág. 264)

Poco después diseñadores italianos también se unieron a esta industria, tal

como fue en el caso de Pucci pero no Balenciaga quien se negó a participar.
Los diseñadores en algún momento comenzaron a tomarse más libertades en la
confección de la ropa, entre esos modistas Dior, Balenciaga y Balmain pero:

Fueron signos para de amplitud económica […] pareciendo

intentos desesperados de mantener el despótico dominio de París
para evitar que se prestase demasiada atención a las nuevas
influencias que aparecían en la moda.

(Ibid, pág. 262)

 Aunque Yves Lauren, aprendiz de Dior, tiene un fracaso con su línea de
faldas con corte hasta la rodilla, donde podremos decir que el dominio de la
moda parisina se termina aunque las marcas sigan en pie y eventualmente
empiecen a ser de difícil acceso incluso si eso no pretendía Dior, el mercado
de la moda saca provecho con las boutiques que crecen y aparecen de un
día a otro, mostrando sus ofertas y teniendo lleno los almacenes. Es verdad
que la producción en serie ha innovado el mundo de la moda, las economías
crecen y se va formando un consumismo que ya se venía mostrando por los
placeres que se podía sentir una vez comprado. Porque incluso el buen
gusto ve de manera negativa el mero hecho de comprar ropa porque ya no
tienes más prendas, creyendo que era más correcto comprar más aunque ya
tuvieran y tener en las manos un signo simbólico dentro de un status social.

Ya lo hemos mencionado, si bien las confecciones sirven como accesorio

para poder identificarnos en una idea, en un grupo, y en algunas ocasiones,
lastimosamente para poder diferenciar entre clases, sumando, como se verá
más adelante, la manera en que la publicidad iba dirigida para las mujeres,
mostrando que si necesitábamos especialmente esos atuendo para poder
ser felices, para poder demostrar nuestras opiniones e ideólogas y creencias.
Al final, lo que vendieron, aunque en mi opinión, ninguna de las dos partes
tanto como los modistas como las clientas en estos años lo sabían, fue un
prestigio, un estilo de vida que nuestro gusto está encargado de hacer. El
gusto es poseído por grupos privilegiados con libertad para elegir en el
ámbito del consumo, mientras que los grupos no privilegiados consumen con
la simple necesidad económica. (Rodriguez, 2019, pág. 35), tal como lo
menciona Tidele:

En este juego social de negociación permanente entre las partes,

las apariencias son fundamentales porque va a enfatizar y
complementar, con el poder de la experiencia de la imagen el
conjunto de las actitudes y comportamientos involucrados.

(Tidele, 2021, pág. 34)

Quizá el empuje que necesitaba un cierto consumismo para nacer

completamente fue el complemento exacto de los modistas por su situación
económica de su país, por mostrar sus creaciones a los ojos de miles de
personas y el prestigio que indudablemente habían ganado por haber
compartido un pedazo de sus vidas y opiniones a través de cada pieza con los
que más de una persona se identificó, sumándole nuestro gusto, y el modo de
producción pensado en grande para alcanzar otros países, las capitales de
estos mismos y apostar por el mejor importador.
Lista de ilustraciones

1. Estas imágenes son de David Seidner que fue el encargado de fotografiar

las muñecas, restauradas para la ocasión, cuando el Museo de las Artes
Decorativas de París organizó una retrospectiva de la exposición en
1990.
2. Foto de una mujer luciendo un atuendo diseñado por Christian
Dior de la exposición New Look.
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