LA BAUHAUS Y SU APORTACIÓN A LA IMAGEN GRÁFICA.

1. ¿Qué es Bauhaus?
2. Antecedentes
3. Artistas de Bauhaus
4. Etapas de la Bauhaus
5. La Bauhaus y el diseño

1. ¿Qué es Bauhaus?

La Bauhaus, u originalmente “La Das Staatliches Bauhaus” (el nombre Bauhaus se crea a partir de la unión
de las palabras alemanas Bau; construcción y Haus; casa) fundada a principios del siglo XX (1919) por
Walter Gropius en la ciudad alemana de Weimar bajo el lema de "La Escuela debe elevarse con el trabajo".
Fue una de las primeras escuelas de diseño, aunque también fue academia de arquitectura y arte
contemporaneo donde se aplicaba un nuevo modo de enseñanza y producción.

Trasladada en 1925 a Dessau y disuelta en 1933 en Berlín por el partido nazi, debido a la visión socialista
y cultura judía del director de aquel momento, Ludwig Mies Van der Rohe.

El resto de miembros de la Bauhaus se exiliaron a Estados Unidos para poder seguir con la ideología de la
escuela sin ser perseguidos por los alemanes.

El objetivo de esta escuela era, como se marcó dentro de su manifiesto de fundación, una utopía de
unificar las artes, tanto de forma teórica como social. Querían juntar la pintura, escultura y arquitectura
que empezó tras el renacimiento, como en la Edad Media, en la cual estas tres eran una. Para demostrar
esta unificación se buscaba la obra maestra o construcción de la obra de arte total, expresada mediante
arquitectura.

La Bauhaus asentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y
gráfico; puede decirse que, antes de la existencia de esta escuela, ambas profesiones no existían de la
forma que la escuela las impartía. Aunque en sus primeros años la Bauhaus no contaba con departamento
de arquitectura, estableció los fundamentos académicos básicos que formarían la nueva estética de la
arquitectura moderna, incluyendo todos los ambientes de la vida cotidiana.

2. Antecedentes

Las consecuencias de la devastadora y creciente industrialización de finales del siglo XIX, surgida primero
en Inglaterra y más tarde en Alemania, influyeron en la clase obrera y en la producción de los artesanos.
El progreso tecnológico también trajo consigo un cambio en las estructuras sociales. Entre ellas destaca
la proletarización de amplios sectores de la población pero también el hecho de que así se pudieron
racionalizar y abaratar los costos de producción de bienes. En el siglo XIX, Inglaterra se alzó como la
potencia industrial más prominente de Europa.

Los antecedentes de la Bauhaus se remontan al siglo XIX que, con la llegada de la industrialización, hubo
grandes cambios en las condiciones de vida y, por consiguiente, en el arte. En las grandes exposiciones de
1851, comenzaron a exhibirse los adelantos técnicos y culturales de las naciones, con dominio de los
ingleses hasta los años noventa.

Esta situación desencadenó numerosas críticas tanto a las reformas sociales como a la producción en
máquina, defendiendo el trabajo al estilo medieval. Uno de los más importantes críticos fue William
Morris que fundó talleres artesanales creando un estilo particular, el llamado Arts and Crafts Stil . Alcanzar
una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en el objetivo de casi todas las corrientes culturales
innovadoras.
A partir de los años sesenta se intentó imitar el éxito de Inglaterra en el ámbito de la producción industrial,
con notables intentos como los de Viena y Berlín pero no surgió un gran cambio hasta que en la década
de los noventa llegó un segundo impulso reformista, importado de Inglaterra a través de Bélgica. Con él
nació el Jugendstil (Modernismo ), que dominaría Europa durante diez o quince años.

Hasta bien entrados los años noventa del XIX, los ingleses se mantuvieron a la cabeza en lo que se refiere
a adelantos técnicos y culturales, resultando los indiscutibles vencedores. Esto ya se anunciaba desde los
años cincuenta, cuando reformaron los procesos educativos tanto para los artesanos como para las
Academias. En éstas se enseñaba a los alumnos a diseñar por sí mismos en lugar de copiar modelos
anteriores.

Más tarde el gobierno alemán envió a un “espía artístico” con el propósito de que analizara el origen del
éxito inglés. A su vuelta y gracias a sus investigaciones se ampliaron las Escuelas de Artes y Oficios
prusianas y se fundaron pequeños talleres privados que elaboraban muebles, textiles y utensilios.
Buscaban un lenguaje estilístico en el mercado que estuviera al nivel de la imagen mundial que proyectaba
Alemania y así es como nació la Werkbund alemana (Liga de Talleres) que pasó a ser la asociación más
importante entre arte y economía anterior a la Primera Guerra Mundial.

Abril de 1919: es la fecha en que abrió sus puertas una de las escuelas más importantes del mundo.
Asimismo, es también la fecha en que se institucionalizó una nueva forma de pensar, de ver el mundo y
de atisbar el futuro de la floreciente industria. Catorce escasos años de existencia pudieron haber
significado su pronto olvido, sin embargo, como toda buena obra del diseño, su legado ha trascendido
generación tras generación.

Han pasado casi 100 años desde que en la Bauhaus se impartió el primer curso, lo que también significó
que se establecieron nuevas líneas de pensamiento artístico, técnico y filosófico. Fue ésta una suma
creativa que ofreció, ante todo, un nuevo profesional adecuado a las nuevas tecnologías, que
compaginaba un mundo industrializado con nuevos retos y, sobre todo, con un estilo de vida innovador.

3. Artistas de Bauhaus

3.1. Walter Gropius

Fue arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus y uno de los miembros más jóvenes del
Werkbund. Nacido en Berlín. Gropius estudió arquitectura en las universidades de Munich y Berlín-
Carlottenburg. Trabajó de 1908 a 1910 en el estudio del arquitecto Peter Behrens, uno de los pioneros del
diseño moderno. Después montó su propio estudio de arquitectura en Berlín. En 1912 es nombrado
miembro del Werkbund.

Fundó la Bauhaus en 1919. Su ideología se reflejaba en los principios de la escuela. Consideraba

indispensable la formación artesanal básica para los estudiantes en los estudios y talleres. Fue director
hasta 1928, luego continuó su carrera como arquitecto.

De 1921 a 1925 fue profesor en el curso de carpintería. Hasta 1925 trabajó en casi todos proyectos junto
a Hannes Meyer. Por su oposición al partido nazi se vio obligado a abandonar Alemania en 1934.

En Estados Unidos dio clases en la Universidad de Harvard. Creó un grupo llamado Architects’
Collaborative, que se hizo cargo de algunos proyectos: el Harvard Graduate Center, la embajada de
Estados Unidos en Atenas o la Universidad de Bagdad. También construyó el edificio de la Panam en Nueva
York, junto con el arquitecto Pietro Beluschi. Gropius murió el 5 de julio de 1969 en Boston.

3.2. Johannes Itten

Profesor de arte, diseñador y pintor suizo. Creador del Vorkus (curso de ingreso de la Bauhaus). Nació en
Suderen-Linden/Suiza. De 1904 a 1908 asistió a un seminario de profesorado cerca de Berna. Entre 1910
y 1912 estudió matemáticas y ciencias naturales en este ciudad. En 1913 inició sus estudios en la Academia
de Stuttgart, donde fue alumno de Adolf Hoellzel.
En 1916 comenzó su actividad docente en Viena, el una escuela de arte. En esta época también participa
de sus primeras exposiciones: La primera en el Sturm, Berlín, y la segunda en 1919 en la exposición de
Viena organizada por Adolf Loos.

En este mismo año conoce a Walter Gropius, esto lo ayuda a entrar como profesor de la Bauhaus. En 1919
se convierte en creador y director del Vorkus, curso preliminar de la Bauhaus, donde enseñó hasta 1923.
Al tener demasiadas diferencias con Gropius decide renunciar a su cargo, siendo reemplazado por Lászlo
Moholy-Nagy.

Durante este período de enseñanza en la Bauhaus participó en lo que sería la etapa de creación de dicha
escuela y se relacionó con personajes prestigiosos para el diseño como: Paul Klee, Wassily Kandinsky, etc.
Ocupó los talleres de metal, pintura mural y pintura en vidrio.

En 1926 abre una escuela propia en Berlín, la Escuela Moderna de Arte (privada). A partir de 1929 crea la
Escuela Itten, hasta 1934. Dirige la Staatliche Flächenkunstschule de Krefeld (escuela textil) desde 1932
hasta 1938.

De 1952 a 1953 dirige el Museo y Escuela de Artes y Oficios en Zurich. A partir de 1950 se encarga de la
organización del Museo Rietberg de arte europeo en Zurich, que dirige hasta 1956. Luego de dirigir estas
escuelas y museos decide dedicarse a la pintura. Muere en 1967 en Zurich.

3.3. Paul Klee

Representante del arte moderno tuvo un estilo artístico específico con el que pintó obras famosas, estas
se caracterizaban por ser imágenes fantásticas, ingeniosas e imaginativas. La concepción que Klee tenía
del arte lo relaciona estrechamente con Kandinsky, con Schlemmer, ya que todos ellos pensaban que la
misión del arte no a copiar la realidad, sino crear una nueva naturaleza, imitando al Creador del mundo
real.

Nacido en Munchenbuchsee, cerca de Berna. Vivió la mayor parte de su vida en Suiza. En 1897 en Munich
estudió arte en una escuela privada y en la Academia de Bellas Artes de la ciudad. En 1910 tuvo su primer
exposición individual en Berna. Sus primeros trabajos de influencia impresionista fueron paisajes
realizados a lápiz. Luego de su viaje a África (1914) sus pinturas y acuarelas mostraron el dominio de unas
armonías cromáticas, sus composiciones eran sencillas y semiabstractas y algunas asemejaban a
mosaicos.

Fue profesor en la Bauhaus desde 1921 hasta 1931. Dirigió los talleres de: encuadernación, pintura en
vidrio, dictó cursos de la distribución elemental de la superficie, pintura libre y dibujo de desnudo.
Maestro de la forma en el Taller de Tejido donde diseñó hasta que se fue de la escuela.

Según Klee la teoría y la práctica están inevitablemente unidas. Las obras que realizó entre 1921 y 1930
muestran las preocupaciones teóricas que tuvo durante este período. Realizó gradaciones de color, para
las que utilizó hojas de pequeño formato, divididas en campos diferentes, sobre los que aplicó colores a
la acuarela, y a través de transparencias y superposiciones, consiguió gradaciones múltiples. Fue el
período en que realizó sus pinturas a base de cuadrados, bajo la influencia del Cubismo y del Grafismo.

De 1931 a 1933 fue profesor en la Academia de Arte de Dusseldorf. A partir de 1935, a causa de una
enfermedad, Klee adoptó un estilo de pintura con tono pesimista y dramático, claro, sencillo,
caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados. Klee murió
en Suiza en 1940. Su obra influyó en los surrealistas posteriores, así como en los artistas no objetivos, y
fue una fuente de inspiración fundamental para el nacimiento del expresionismo abstracto.

3.4. Moholy-Nagy
Pintor, escultor, diseñador y fotógrafo húngaro – estadounidense. Fue director del curso de ingreso de la
Bauhaus, reemplazando a Johannes Itten.
Nació en Bárcbasód, Hungría y se nacionalizó en Estados Unidos. En 1913 inició la carrera de derecho, en
Budapest, para después estudiar arte en Berlín, después de su participación en la 1° Guerra Mundial,
donde se adscribe al movimiento abstracto del Constructivismo . Entró en contacto con el movimiento
“MA”. Su primera exposición individual fue en 1922 en la galería Der Sturm, en Berlín.

De 1923 a 1928 enseñó en la Bauhaus convirtiéndose en uno de los miembros más destacados del arte
abstracto. Maestro de la forma del taller de metal, director del Vorkus (curso preliminar) ya que fue
llamado por Walter Gropius para sustituir a Johannes ltten, en un momento en que la Escuela iniciaba su
primer cambio de orientación radical.

Dio el curso de Materia y espacio, se dedicó a la pintura, tipografía y fotografía. Editó varios libros estando
en la escuela, por ejemplo: “Pintura fotografía cine” en 1925 y “Del material a la arquitectura” en 1929.
Progresista y partidario de la unión entre arte y técnica.

Su objetivo era educar la sensibilidad del hombre con la finalidad de permitirle disfrutar activamente del
mundo moderno. Moholy incluyó la técnica como medio que le garantiza la fabricación óptima.

Investigó las relaciones entre la luz y el movimiento en su rotatorio Modulador espacio – luz y en las series
de Moduladores del espacio, que constituyen los primeros ejemplos de escultura cinética. Afirmaba que
en cada hombre hay un potencial de expresión, susceptible de manifestarse a través de los diferentes
medios artísticos. Y creía que esto se debía enseñar en la Escuela. Encaminó la mayor parte de sus
ejercicios hacia la educación de los sentidos. También enseñó a sus alumnos a través de la
experimentación de volúmenes y la construcción de estructuras tridimensionales.

Tuvo un taller de diseño gráfico en Berlín hasta 1934. Emigró a Londres donde se dedicó al diseño gráfico.
Se trasladó a Estados Unidos y fundó en Chicago la Nueva Bauhaus (1937), que se convertiría
posteriormente en una escuela de diseño integrada en el Instituto de Tecnología de Illinois. La formación
que impartía se basaba en sus conceptos de la composición arquitectónica y en el uso de nuevos
materiales; estos conceptos se plasman en Doble curva, una escultura de forma liberada en plexiglás
doblado. Sus teorías artísticas están recogidas en dos libros: “La nueva visión” y “Visión en Movimiento”.
También trabajó en otros géneros como la tipografía, la fotografía y el cine. Dirigió este instituto hasta su
muerte.

3.5. Kandinsky
Nació en Moscú. De 1886 a 1892 estudió derecho y economía en Moscú. Luego trabajó en la misma como
asistente. En 1896 se trasladó a Munich donde estudió pintura y dibujo en la Escuela de Arte Azbé.
Estableciéndose como pintor.

Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, su pintura se
hizo más colorista y adquirió una organización más libre; esto se observa luego de su viaje a París, en el
que quedó profundamente impresionado por la obra de los fauvistas y de los post- impresionistas.

Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente
abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se
inspiraban en el lenguaje musical, del que tomaban los títulos.

Entre 1922 y 1933 dio clases en la Bauhaus de Dessau, Alemania. Cuando Gropius lo llamó, la Bauhaus
estaba dejando atrás su fase expresionista y empezaba a penetrar las formas del Constructivismo . Dirigió
el taller de pintura mural hasta 1925. A partir de entonces imparte cursos de dibujo analítico y elementos
formales abstractos.

Sus enseñanzas en el Curso preliminar se centraron en dos puntos fundamentales: una introducción a los
elementos de la forma abstracta y un curso de dibujo analítico. A partir de 1927 enseñó pintura libre. El
propósito fundamental de la pedagogía de Kandinsky era dotar a los estudiantes de un lenguaje elemental
obligatorio que les permitiese avanzar en su camino hacia la creación artística libre. La razón de ser de
estos cursos fue comprendida por Walter Gropius. No ocurriría lo mismo con Hannes Meyer y Mies van
der Rohe, quienes cuestionarían su utilidad.
En 1933 se traslada a París. Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más
geométricas. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación. Como uno de los primeros
exploradores de los principios de la abstracción geométrica o pura. Murió el 13 de diciembre de 1944 en
las afueras de París.

3.6. Herbert Bayer

Diseñador gráfico y pintor austríaco. Fue el diseñador de publicidad más innovador de la Bauhaus, su
trabajo se destaca por la temprana introducción de la fotografía en los años 20. En los Estados Unidos
pudo ampliar su actividad al diseño del medio ambiente.

Nació en Haag, Austria. De 1919 a 1920 fue aprendiz en el estudio del diseñador Georg Schmidtthammer,
en Linz, donde realizó sus primeros trabajos tipográficos. En 1921 trabajó en el taller del diseñador
Emanuel Margol en Darmstald.

Estudió en la Bauhaus en período 1921-1923 y de 1924-1925. Asistió al taller de pintura mural con
Schlemmer y Kandinsky.

Profesor y joven maestro en la Bauhaus en 1925 a 1928. Director del nuevo taller de impresión y
publicidad, que más tarde se llamaría taller de tipografía y diseño publicitario. Realizó varios diseños de
impresos en la escuela. Fue director de la Bauhaus de 1928 a 1930. En 1928 también dirigió la sucursal
berlinesa de la agencia publicitaria Studio Dorland. Organizó exposiciones, entre ellas la sección alemana
de la Exposition de la societé des artistes decorateur, en 1930 en París.

Se dedicó a la pintura y la fotografía. Emigró a EE.UU. en 1938, en el mismo año organiza la exposición y
catálogo Bauhaus 1919-1918 en el Museum of Modern Art. Despues trabajó en Nueva York como
diseñador gráfico. A partir de 1946 realizó diseños en el Centro cultural Aspen/Colorado, con trabajos de
pintura, diseño gráfico, arquitectura y ordenamiento paisajístico.

De 1946 a 1956 fue consejero artístico de la Container Corporaton of America y desde 1966 de la Atlantic
Richfield Company. En 1968 realizó una exposición y catálogo “50 años Bauhaus” en Stuttgart. En 1975 se
trasladó a Montecito, California. Murió en Santa Bárbara.

3.7. Joost Schmidt

Tipógrafo y escultor. Importante profesor de la Bauhaus, reemplazó a Herbert Bayer tomando a su cargo
el curso de publicidad. Nació en Wunsdorf, Hannover. Comenzó sus estudios en 1910 en la Escuela de
Bellas Artes del Gran Ducado de Sajonia, en Weimar. Obtuvo el diploma de pintura. Participó en la guerra.
Estudió en la Bauhaus de 1919 a 1925 en el taller de talla de Itten y Schlemmer. Sus primeros trabajos
tipográficos fueron en 1923.

Fue profesor de la Bauhaus de 1925 hasta 1932. Dirigió el taller de escultura, y la sección de publicidad.
Impartió el curso de “Escritura” y de dibujo de desnudo y de figuras.

En 1934 diseñó con Gropius la exhibición “Metal sin hierro” en la exposición “Pueblo alemán, trabajo
alemán”, en Berlín. Alquiló un taller en Berlín y trabajó como dibujante de mapas para una editorial. En
1935 enseñó en la Escuela Reimann bajo Hugo Haring hasta que se le prohibió enseñar. Su taller en
Charlottenburg fue destruído.

Participó en la guerra de 1944 a 1945. Max Taut lo llamó, en 1945, para que enseñe en la Escuela Superior
de Bellas Artes de Berlín el curso preparatorio de arquitectura. En 1946, junto a un grupo de alumnos de
la Bauhaus, organizó la exposición “Berlín proyecta”. En 1947 recibió una oferta del USA Exhibition Center
como diseñador de exposiciones. Planeó una exhibición de la Bauhaus y un libro Bauhaus. Murió en
Nuremberg.

3.8. Josef Albers

Pintor y docente de arte. Teorizó en la Bauhaus sobre la construcción, el material y su forma de
presentarlos, su pintura y su enseñanza se centró a partir de los años 40 en el efecto óptico del color.
Estimuló la vanguardia americana de los ’60 y ’70 siendo precursor del Pop Art.

Nació en Boltrop. Estudió para ser maestro de primaria de 1905 a 1908, profesión que practicó 8 años.
Sus primeras producciones fueron litografías, y grabados sobre madera, influidos por el Cubismo y por el
Expresionismo.

Entre 1913 y 1915 estudió en la Real Academia de Arte de Berlín y obtuvo el diploma de docente de arte.
Desde 1916 estudió en la escuela de Artes y oficios de Essen, mientras trabajaba como profesor. De 1919
a 1920 fue asistente de Franz Von Stuck (profesor de Kandinsky y de Klee) en la academia de Munich.

Fue estudiante en la Bauhaus de 1920 a 1923. Asistió al curso preparatorio de Itten y estudió en el taller
de pintura en vidrio.

Fue profesor en la Bauhaus de 1923 a 1933. Impartió el aprendizaje con materiales y su utilización en la
formación básica, de 1928 a 1929 dirigió la carpintería y el curso preliminar. A partir de 1930 enseña en
el curso “dibujo figurativo” para semestres superiores. Estuvo a cargo del curso de ingreso.

En 1933 emigra a Estados Unidos donde da clases en el Black Mountain College de chicago, una escuela
vanguardista, hasta 1949. De 1950 a 1959 es director del departamento de diseño en la Universidad de
Yale en New Haven, Connecticut. Tabién enseñó en la universidad de Harvard.

A partir de ahí enseñará cursos en diferentes escuelas americanas y europeas, entre ellas la Escuela
Superior de Diseño de Ulm. Murió en 1976 en New Haven.

3.9. Mies Van Der Rohe

Arquitecto alemán nacionalizado estadounidense, se le compara con los maestros más importantes de la
arquitectura moderna: el suizo-francés Le Corbusier y el estadounidense Frank Lloyd Wright.

Nació en Aquisgran. En 1902 en Aquisgrán empezó como dibujante proyectista en oficinas de

arquitectura. Fue dibujante de estucados y ornamentos en talleres y sus primeros estudios fueron en su
ciudad natal. De 1904 a 1907 estudió en la Escuela de artes y Oficios mientras trabajaba con Bruno Paul,
donde conoció a Walter Gropius.

Se dio a conocer a finales de la década de 1920 a través de sus obras maestras más representativas: el
pabellón alemán para la Exposición Universal de Barcelona de 1929 y la casa Tugendhat (1930) en Brno
(actual República Checa).

Mies dirigió la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus entre 1930 y 1933. En este período organizó la
escuela en cuatro secciones: Arquitectura y decoración, tejido, fotografía y publicidad.

Trabajó de arquitecto en Berlín, donde también dio clases de arquitectura. En 1937 emigró a Estados
Unidos, donde ejerció el cargo de director del Armour Institute, y mas tarde en la Escuela de Arquitectura
del Illinois Institute of Technology. Tuvo una influencia profunda en Estados Unidos y la mayoría de los
rascacielos construidos por todo el mundo, ya que siguen parcial o totalmente sus planteamientos
compositivos, que se caracterizan por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus
elementos estructurales, su racionalismo y su funcionalismo.

Su ideología se basa en la frase: “menos es más”. Sus composiciones son rígidamente geométricas y con
ausencia total de elementos ornamentales. Generalmente empleó materiales como: mármol, ónice,
travertino, acero cromado, bronce o maderas nobles, rematados siempre con gran precisión en los
detalles. En 1958 abrió un estudio propio. Murió en Chicago en 1969.
4. Etapas de la Bauhaus

4.1. Primera etapa (1919 - 1923)

La primera época se inicia en 1919, momento en el que se funda la escuela pionera en el mundo del diseño
por Walter Gropius , quien une la Escuela Ducal de Artesanía y la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas.
En estos años predominó la vertiente de vanguardia alemana expresionista. W. Gropius da prioridad al
estudio de la línea coordinando las tendencias ideológicas, artísticas y religiosas de los docentes.

Desde el momento de su apertura se establecieron los objetivos de la escuela recogidos en el manifiesto

de la Bauhaus: “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia
artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la
producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público”. Gropius
declaraba los principios que, en su opinión, deberían regir la escuela desde su inicio. Se refirió a ellos en
los siguientes términos retóricos, que evocan un ideal casi cercano a la Edad Media por unificar las artes
alrededor del eje de la arquitectura:

"Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual [...]
Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una
clase de la otra y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas. Anhelemos,
concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo a la arquitectura,
a la escultura y a la pintura en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de
artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega."

Con la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad se pretendía eliminar las diferencias
entre artistas y artesanos además de intentar vender sus propios productos realizados en la escuela para
dejar de depender del Estado (que hasta ese momento era quien los subsidiaba).

En esta época surge el "vorkurs"(1920), (conocido posteriormente como “Método Bauhaus”), un curso
preliminar de seis meses destinado a prácticas en talleres con materiales como piedra, madera, metal,
barro, vidrio, colorantes, etc., en el que se despiertan las dotes de los alumnos y se les orienta para su
formación. El primer maestro de este curso fue J. Itten quien implantó una enseñanza que se
fundamentaba en el expresionismo pictorico. También destacó Oskar Schlemmer con una tendencia
basada en el expresionismo aplicado a manifestaciones sociales como el teatro. Los pintores Paul Klee y
Kandinsky se unieron a la escuela en esta primera época: Paul Klee dando clases de composición en el
taller de tejidos (su enseñanza se basaba en las formas elementales y el arte debía hacerlas visibles) y
Kandinsky, en el taller de pintura mural y dando clases en el curso de diseño básico junto con Klee.
Kandinsky sustituye a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño
básico.

Durante seis meses, los alumnos trabajaban en los distintos talleres. Así, bajo la metodología de “aprender
trabajando”, se formaban en las distintas áreas para descubrir sus preferencias y orientarse para su
posterior formación: trabajaban con piedra, madera, metal, barro, tejidos, vidrio, colorantes y tejidos
mientras se le enseñaba dibujo y modelado. Aprendían las pautas básicas de diferentes oficios y el trabajo
con materiales nuevos para la elaboración de edificios y todo tipo de objetos.

De esta forma, al salir de la escuela, salían con una formación completa: dibujo, modelado, fotografía,
diseño de muebles, escenificación, danza, tipografía… Es la fase idealista, expresionista y de
experimentación de formas, productos y diseños. Se utilizan las formas geométricas básicas (el círculo, el
cuadrado y el triángulo) junto con los tres colores primarios como base aunque los colores principales
fueron negro, blanco y rojo.

Entre los alumnos destacan Marcel Breuer y Jost Schmidt. Éstos, junto al resto de alumnos, salían de la
escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles gracias a los diversos
talleres de ebanistería, diseño, cerámica, vidriería, encuadernación... Sin embargo la escuela carecía, por
el momento, de talleres de pintura y escultura en sentido tradicional.

4.2. Segunda etapa (1923 - 1925)

El estilo expresionista en el que se fundamentaba la anterior etapa fue sustituida a partir de 1923 por la
imposición de otras ideas provenientes de la vanguardia internacional de la época.
En 1923 el gobierno exigió a la escuela muestras de lo que estaban trabajando por lo que se realizó la
Primera Exposición de la Bauhaus.
La gran influencia de la escuela, mediante cursos impartidos, de Theo van Doesburg, creador del
neoplasticismo en los Paises Bajos, sustituye la tendencia anterior en la escuela por la de Nueva
Objetividad, un estilo mucho más sobrio que el expresionista.
Itten es sustituido por Laszlo Moholy-Nagy quien introduce las bases del constructivismo para un arte que
se basa en la idea y no en la inspiración.
El periodo de Weimar finalizó con la crisis financiera de la escuela e iniciándose una nueva etapa con sede
en Dessau (1925).

4.3. Tercera etapa (1925 - 1933)

En esta etapa se produce una fuerte presión comunista ejercido por el grupo de docentes y alumnos,
alcanzando la escuela su mayor reconocimiento.
En 1928 Hannes Meyer se hizo cargo del centro introduciendo el ideal del interés popular produciéndose
un acercamiento al poder social: "El acto de construir es un fenómeno biológico, el acta de construir no
es proceso estético".
En 1932, Van der Rohe (director de la escuela desde 1930) traslada la escuela a Berlín debido a la decisión
del partido nazí de cerrarlo. Pero en 1933 cierra las puertas completamente.

5. La Bauhaus y el diseño

La Bauhaus fue la primera escuela oficial de diseño, en la que se defendía la idea de que no debía haber
diferencias entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. En ella se unieron las diferentes corrientes
artísticas vanguardistas a la tecnología moderna, ya que buscaban una mayor oferta de diseño para todos
los niveles socieconómicos. Para ello, establecieron los siguientes principios universales:

- Predominio del carácter funcional del diseño sobre la forma.

- Unión del diseño con las ciencias aplicadas.
- Ruptura con los estilos tradicionales y creación de nuevas formas de diseño.
- Trabajo conjunto de los artistas y los técnicos.

En arquitectura, se caracterizó por construcciones rectangulares, con escasa ornamentación, con base de
hormigón y cristal.

En el campo del diseño gráfico, la escuela de Bauhaus supone una renovación. Esta renovación se produce
fundamentalmente en los campos de la tipografía y en el uso de la fotografía con carácter publicitario.

En cuanto a la tipografía, la Bauhaus se caracterizó por su estilo funcional y constructivista y por el

predominio de las formas circulares, triangulares y cuadradas junto a colores primarios. Así, en los textos
se destacaban las palabras con los colores de fondo e incluso utilizaron textos breves en un ángulo de 90°.
La tipografía que utilizaba en la gran mayoría de sus trabajos fue la sans serif. Las imágenes se imprimían
en colores surrealistas.

Pero esta evolución en el diseño no hubiese sido posible sin las ideas de otra escuela: La Gestalt. Su
nombre se puede traducir al castellano como “forma”, “figura” o “estructura”. En esta escuela, un grupo
de psicólogos alemanes formularon un conjunto de teorías sobre la percepción. Fueron los creadores de
las herramientas de persuasión y comunicación utilizadas por primera vez en el diseño por la Bauhaus.

En esto, al menos, el mito estuvo a la altura de los hechos: en el campo de la gráfica, la Bauhaus representa
uno de los picos más altos alcanzados en investigación llevada a cabo en el siglo 20, destinado a tener una
influencia duradera en la historia posterior del diseño. "En la Bauhaus de Weimar", explicó Herbert Bayer
en 1928 en "Tipografía y Gráfica Publicitaria", una imprenta fue usada para la reproducción de obras
gráficas ... Cuando los talleres del nuevo edificio de la Bauhaus en Dessau se establecieron .. . funcionó
una pequeña imprenta que se instaló como parte del taller de enseñanza. En la fabricación de pedidos,
los estudiantes fueron capacitados en la práctica del trabajo a mano, la prensa y la impresión. Sin estéticas
de moda, en el sentido de la 'gráfica de consumo' sino inspirados en una obra con conciencia de los
objetivos y de un mejor uso de material tipográfico, hasta entonces oscurecido por una tradición
anticuada ".

En efecto, la enseñanza y la producción de la primera época de la Bauhaus, el instituto fundado en Weimar

por Walter Gropius en 1919 (con la intención no cumplida de que fuera, ante todo, una escuela de
arquitectura) se limitó a la realización de impresiones de arte (confiada a las habilidades de Carl Zaubitzer,
bajo la dirección de Lyonel Feininger).

Los artefactos gráficos que nos pueden interesar (algunos carteles, tarjetas postales y no mucho más de
lo que se hizo) en su mayor parte se caracterizan por un sello de caligrafía-primitivista, vinculado al gusto
del maestro Johannes Itten, profesor de la Vorkurs o curso preliminar.

Fue necesario esperar hasta la primera gran exposición de la Bauhaus, en 1923, para ver una renovación
en el enfoque (en parte gracias a los esfuerzos de Oskar Schlemmer, comenzando con la marca de la
escuela en 1922), con el apoyo decidido de un nuevo maestro, el húngaro Laszlo Moholy-Nagy.

Exponente de la vanguardia europea de arte, Moholy-Nagy fue nombrado para un puesto de profesor (a
cargo del departamento de metalurgia) en abril de 1923 y de inmediato se hizo un defensor de un cambio
radical "de la paleta de pintor a la máquina." No es coincidencia que haya escrito en 1923, "La tipografía
es un instrumento de comunicación, ha de comunicar claramente y de la manera más urgente. La claridad
se ha de enfatizar puesto que, en comparación con los pictogramas prehistóricos, es la esencia de la
escritura...Por lo tanto y sobre todo, la tipografía debe ser inequívocamente clara. La legibilidad de la
comunicación nunca debe sufrir debido a un código estético adoptado de antemano."

"Una construcción tipográfica es moderna", continuó en 1926, dos años antes de salir de la Bauhaus y
trasladarse a Berlín, "si se deriva de los medios que adopta a partir de sus propias leyes internas... El
elemento que caracteriza a la técnica de nuestro actual trabajo y que es crucial para su desarrollo es la
explotación de las posibilidades que ofrecen las máquinas. Nuestros productos tipográficos modernos...
tendrán que tener características de claridad, concisión y precisión."

Moholy-Nagy fue el responsable de la aparición del interés específico en la tipografía y el equipamiento

(mentalizador y ejecutor) de la Bauhaus en esa área, a lo largo de unas proféticas lineas en que prevé la
transición de un tipo de gráficos estáticos a una forma de hibridación entre el texto dinámico y la imagen,
desde un enfoque visual debida a su pasión por la experimentación con la fotografía y el cine.

"La forma, la representación", explicaba Moholy-Nagy en su primer libro, Malerei Photographie Film, en
1925, "se basa en las relaciones ópticas y asociativas: a través de una visual, asociativa, conceptual,
sintética continuidad; a través del "tipofoto" como representación inequívoca, como una forma
ópticamente eficaz... ¿Qué es "tipofoto"?

Tipografía es la comunicación compuesta con tipos, fotografía es la representación visual de lo que puede
ser capturado ópticamente, "tipofoto" es la representación visual más exacta de la comunicación.

En el campo de la producción gráfica, su contribución más importante fue la concepción innovadora de la

serie Bauhausbücher: Moholy-Nagy se hizo cargo personalmente de doce de los catorce "libros de la
Bauhaus" que se elaboraron entre 1925 y 1931 (los primeros ocho estuvieron listos en 1924), incluso
diseñó algunas de sus portadas.

Junto con él, otros profesores -como Josef Albers, quien tomó a cargo a Moholy-Nagy en el curso
preliminar, Herbert Bayer y Joost Schmidt- desarrollaron la idea de una "nueva tipografía", tanto en lo
referente al diseño de las letras (con miras al "monoalphabet" previsto por Portsmann, como en el caso
de la Universal de Bayer de 1926) como el de la comunicación gráfica a través de material impreso, en
una serie de experimentos extraordinarios. Formado primero en Linz y Darmstadt, Bayer llegó a la
Bauhaus para completar sus estudios en 1921 y luego fue nombrado profesor en la nueva escuela en
Dessau (después de un viaje a Italia en 1923-24) y fue puesto a cargo de la imprenta entre 1925 y 1928.
Luego salió de la Bauhaus y se trasladó a Berlín, donde (entre otras cosas) trabajó en la agencia Dorland,
antes de emigrar a los EE.UU. en 1938, en vísperas de la guerra.

Después de graduarse en pintura en la Escuela de Bellas Artes de Weimar en 1914, Joost Schmidt estudió
escultura en la Bauhaus y se le encomendó la dirección de ese taller en 1925. Tras la partida de Bayer se
hizo cargo de la imprenta (1928-32) hasta la clausura de la escuela, él también se distinguió por su trabajo
en el campo del diseño de exposiciones (una zona a la que su predecesor había dedicado una atención
considerable). Los principios de composición de la tipografía en la Bauhaus, en un principio derivado del
neoplasticismo de Van Doesburg y del constructivismo ruso, se habían ido consolidando a lo largo del
tiempo y a través de la práctica, con la introducción de consideraciones económicas y el manejo científico
de la máxima eficiencia y economía de los medios.

A pesar de los esfuerzos de los maestros, sin embargo, el resultado de esta experimentación fue la difusión
de la idea del "estilo" Bauhaus. "El resultado fue la rápida adopción" resumió Bayer amargamente "de
una apariencia externa banal... lo que quedó fue el abuso de los puntos grandes, líneas gruesas, florilegios
e imitaciones de la naturaleza con los materiales tipográficos, pero, visto de esa manera, las cosas
volvieron al punto de partida."