5 - Vanguardias

HISTORIA, TEORÍA Y COMPOSICIÓN ARQUITECTÓNICAS 1 - ETSA UNIVERSIDAD DE SEVILLA - curso 2023-2024 – Prof.
Lourdes Royo Naranjo
5. LAS VANGUARDIAS
HISTORIA, TEORÍA Y COMPOSICIÓN ARQUITECTÓNICAS 1 - ETSA UNIVERSIDAD DE SEVILLA - curso 2023-2024 – Prof. Lourdes Royo Naranjo
El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos.
No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones
entre ellas.
Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico.
Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a
principios del siglo XX, sino a fines del XIX.
El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manet pinta Almuerzo sobre la
hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados.
La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos.
El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX.
Edouard Manet . El Desayuno sobre la hierba, 1863

Piero della Francesca
Il Perugino
Impresionismo
1874
El impresionismo se da a conocer en 1874 en una exposición celebrada en París en el estudio del fotógrafo Nadar.
En esa muestra, celebrada de modo paralelo al Salón oficial, un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Monet, Pisarro, Degas,
Morisot, Renoir y Sisley) ponen de manifiesto su voluntad colectiva de hacer UN ARTE NUEVO que rompa con el
academicismo y la trivialidad artísticaa imperante en la época.
Los trabajos expuestos motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público.

Un cuadro de Monet titulado "Soleil levant, Impression" (Sol naciente, Impresión) sirvió al crítico Leroy para bautizar al
nuevo movimiento con el nombre despectivo de "impresionismo".
Claude Monet . Impression, soleil levant.

Antes de esa primera exposición transcurrió un cierto tiempo de formación de unos quince años durante el cual se fueron
fijando las bases que definen este movimiento.
El grupo impresionista realizó siete exposiciones más, en 1876, 1877 (que mostró el momento de mayor cohesión del
movimiento), 1879, 1880, 1881, 1882 y en 1886. A lo largo de esos años dejaron el grupo algunos de los pioneros (Cézanne,
Renoir, Monet, Sisley) y se incorporaron otros (Gauguin, Redon, Cassatt, Seurat, Signac).
El impresionismo se extendió rápidamente por muchos países europeos y EE. UU.
Una modalidad del impresionismo es el divisionismo o puntillismo.

CARACTERÍSTICAS
• Rechazo del realismo academicista: la línea, el volumen y el claroscuro no tienen ninguna importancia.
• Figuración con eliminación del detalle y de todo carácter descriptivo. Búsqueda de la claridad y la luminosidad.
• Indiferencia por el tema, la única preocupación es la LUZ y el COLOR fugaces.
• Búsqueda de la belleza de la sensación directa: las formas se plasman de modo no acabado, impreciso y vaporoso,
llegando incluso a desmaterializarse.
• Preocupación por fijar las impresiones momentáneas de la naturaleza: el pintor sale al campo con su caballete en
busca de la luz fugaz y el rápido cambio de los colores.
• Representación plástica de la vibración óptica de la luz.
• Rechazo de los colores oscuros, el negro queda proscrito.
• Interés por plasmar los efectos cambiantes de la luz (Ejemplo: Monet. Catedral de Ruán).
INFLUENCIAS
• La teoría de las sensaciones de Locke: de aquí el rechazo del realismo clásico como culto a la materia y la búsqueda
de una pintura más sensitiva que plasme la experiencia de las sensaciones visuales fugitivas.
• Las teorías ópticas de Chevreul y de Maxwell: de aquí que los colores no se obtengan por mezcla en la paleta sino por
mezcla optica en el lienzo, que se busque la exaltación de los colores complementarios y que se prescinda del negro
(negación de la luz), todo ello para lograr colores limpios, luminosos y vibrantes.
Claude Monet
Estanque con nenúfares (1899)
Claude Monet
Palacio de Mula Venecia (1908)
Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894

Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894

Edouard Manet, Olimpia, 1863

Edouard Manet, Pífano, 1866,

Edgar Degas
Clase de danza
c.1873-1875,
Edgar Degas
Bailarina en la escena, 1878,
pastel, Musée dÓrsay, París.
Pierre Auguste Renoir,

Le Moulin de la Galette, 1876
Post-Impresionismo
1910
Bajo el nombre de Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos.

Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas.
A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a
la individualidad de sus planteamientos.
Hay una influencia del arte oriental. En 1868 Japón se abre a Occidente.
Las muestras de los UKIYO-E-HANGA ofrecen una alternativa en la que encuentran una nueva forma de realidad.
Katsushika Hokusai, La gran ola de Kanagawa,

1830-1833, grabado.
Utagawa Hiroshige
El puente Ōhashi en Atake bajo

una lluvia repentina 1857
Fueron los pintores de la década de 1880 los que vieron en estas obras grandes descubrimientos aptos para renovar el arte:
• Se apuesta por la recuperación del dibujo y del trazo a diferencia de lo que ocurría en el Impresionismo.
• El color se aplica en grandes superficies planas sin matización y sin perder intensidad en la lejanía.
• Por medio del dibujo se dan las calidades de materia, forma e incluso volumen.
• Se transmite una visión cósmica a partir de lo mínimo.
• Se capta el gesto detenido y fijado, coincidiendo con la idea de instantánea.
• Cobra importancia el dejar sin cubrir.
HAY UNA NUEVA ORGANIZACIÓN DEL ESPACIO:

se usa la diagonal y la línea de horizonte se coloca bastante alta, así, las figuras se van escalonando.
• Se usan diferentes puntos de vista, así, las composiciones pueden resultar asimétricas y descentradas.
• Se usan ENCUADRES ORIGINALES

• Se prefieren los formatos alargados.
• Hay un gusto por los detalles.
• Se transmite una visión edonista de la vida, la misma que reclamaban los impresionistas.
• Gusto por situaciones insólitas.
• Se usan las siluetas.
• En definitiva, se prescinde de todo convencionalismo anterior. Son novedades que influyen en artistas como Gauguin,
Lautrec, Van Gogh e incluso en Matisse.
El Puntillismo
Como su propio nombre indica, esta técnica consiste en pintar a base de pequeños puntos de color puro. En la octava
exposición del impresionista de 1886, se dio la primera alternativa a la crisis de los lenguajes.
El cambio de Impresionismo a Puntillismo se debió a las aportaciones científicas y teóricas. Félix Feneon ya habló de
"Impresionismo Científico" y Chevreul aportó su obra escrita Libro sobre la complementaridad de los colores.
Ahora la Naturaleza hay que verla con los ojos de la mente. Hay que superar la concepción retiniana para incidir en una más
conceptual. Este es el punto de partida para el arte abstracto posterior.
Georges Pierres Seurat, Modelo sentada de perfil, c.1887

Paul Signac,
El palacio papal en Aviñón, 1900
Diferencias con respecto al Impresionismo:
• La imagen adquiere una entidad desconocida

• La obra parte del "plein air", pero a diferencia del Impresionismo se termina en el taller.
• Las figuras en el espacio adquieren monumentalidad y rigidez, lo que potencia la pérdida de la espontaneidad.
• Hay una marcada tendencia a la ESQUEMATIZACIÓN DE FORMAS Y A LOS VOLÚMENES

SIMPLIFICADOS.
• Da la sensación de que la luz emana de los cuerpos. En el Impresionismo el procedimiento era a la inversa, ya que la luz era
la que incidía sobre los cuerpos.
Vincent Van Gogh,

Los girasoles, 1888,
Vincent Van Gogh,

La noche estrellada, 1889
Vincent Van Gogh,

La habitación de Vincent en Arlés,
1889
Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890-1892

Paul Cézanne, Cebollas y botella, c.1895-1900,

Henri Toulouse-Lautrec, El salón de la Rue de Moulins, 1894

Paul Gauguin,Visión después del Sermón, 1888,

Paul Gauguin, Pasatiempo, "Arearea", 1892

Fauvismo
1903-1907
Se desarrolla en Francia durante los años 1903 a 1907.
La primera exposición tiene lugar en París en el Salón de Otoño de 1905 y alcanza su climax en 1906 en el
"Salon des Indépendants".
La denominación deriva de la palabra "fauves" (fieras), término con el que el crítico Louis Vauxcelles denominó a un
grupo de pintores, encabezado por Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura alejado de todo principio
académico.
CARACTERÍSTICAS
• Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el color.
• Plasmación de lo real de manera subjetiva: el artista trata de captar lo esencial interpretando la naturaleza y
sometiéndola al espíritu del cuadro.
• Énfasis cromático mediante colores puros, saturados, principalmente planos, realzados por la línea de los contornos y
sin referencia al tema o a su figura.
ELIMINACIÓN DE LA PERSPECTIVA ESPACIAL

• Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana).
• Relaciones de colores arbitrarias establecidas de manera instintiva e intuitiva, con predominio de colores
complementarios.
• Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental basados en motivos decorativos tomados de papeles de pared
o piezas de artesanía.
Maurice Vlaminck, Restaurante de la Machine a Bougival. (1905)

Henri Matisse.
La raya verde, 1905,
Henry Matisse. La alegría de vivir. 1906

Henry Matisse. La danza. 1906

Henry Matisse. Habitación roja.1908

Henri Matisse
Autorretrato, 1906,
El Cubismo
1907-1914
Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis Vauxcelles), que al ver las obras de este movimiento de
principios del siglo XX, afirmó que "desprecian la forma y lo reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas
geométricos, a cubos".
El cubismo tiene sus bases en Cézanne.
Fue un movimiento muy vinculado a los descubrimientos científicos que se estaban produciendo de forma
paralela en la óptica, la química y la física.
La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón".
Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos,
necesariamente debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo.
Por eso, junto con ELIMINAR LA PERSPECTIVA y LA ILUSIÓN DE PROFUNDIDAD, limitaron los colores a
los tonos grises, verdes y marrones, para que el análisis temático de la estructura corpórea fijada en el espacio, se
expresara con mayor énfasis.
Con el collage, buscaron la liberación formal del color de su tradicional carácter descriptivo.
Pablo Picasso. Les Demoiselles dÁvignon. 1907

Las características de un nuevo lenguaje
1. INDEPENDENCIA Y AUTONOMÍA DE PLANOS, ESTALLIDO DEL VOLUMEN

Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los
grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el
trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de
un caleidoscopio.
2. PERSPECTIVA MÚLTIPLE
Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura
se ha liberado de la tradicional visión monocular.
Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se
puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.
3. DESAPARICIÓN DE GRADACIONES DE SOMBRA Y LUZ
Como consecuencia de la descomposición del volumen.

4. COLOR "TONO LOCAL“

El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en
llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos
5. GEOMETRISMO
Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros,
conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica.
6. BASE FILOSÓFICA
Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo.
Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Los
pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad
misma, sino la idea de realidad que posee el artista.
GUILLAUME APOLLINAIRE, fue el principal teórico del Cubismo, escribió Méditations esthétiques. Les peintres cubistes en
1913. En esta obra estableció las tipología y etapas del Cubismo: Científico, Órfico e Instintivo.
Otros especialistas se han referido a las etapas con otros nombres como fase analítica, fase hermética y fase sintética.
Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan

una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista
infinitas posibilidades de variación.
Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino

también de añadir y construir. Esta técnica constructiva, hace
que se camine lógicamente hacia la escultura y su
tridimensionalidad.
El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los

clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar
parte de un conjunto estético. Los materiales se
descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren
características propias.
Pablo Picasso. Guitarra. (1913)

Pablo Picasso, Guernica, 1937

Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912

Georges Braque
Casas en LÉstaque, 1908
óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm,
Kunstmuseum Bern.
Expresionismo
1905-1913
El expresionismo surge en Alemania en la primera década del siglo XX, como oposición al positivismo materialista imperante
en la época,
en un intento de OFRECER UNA NUEVA VISIÓN DE LA SOCIEDAD basada en la filosofía nietzschena (llena de nihilismo) y la
renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo exclusivamente al sentimiento vital y sin
someterse a ninguna regla.
El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás artes.
En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos distintos.
El primero se desarolla en Dresde, a raíz de la constitución en 1905 del grupo

Die Brucke (El Puente), y dura hasta 1913.
El segundo se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), del que
surgirá la primera pintura abstracta; el tercero se desarrolla en el período de entre guerras (desde comienzos de los años
veinte hasta 1933, año en el que subió al poder el nazismo) y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva
objetividad), con un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los otros grupos citados.
El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia.
El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", los artistas de esta tendencia fueron proscritos y
muchas de sus obras destruidas.
CARACTERÍSTICAS
• La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del
artista basada en una necesidad interior (carácter instintivo y exaltada en Die Brucke / carácter espiritual y sosegada
en Der Blaue Reiter).
• Liberación del contenido naturalista de la forma mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son
creadas, no copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista.
• Utilización de diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: desproporción y distorsión de las formas
según un impulso interior; esquematización o reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital
de depuración de lo objetivo (por este camino Kandinsky llegará a la abstracción total).
• Utilización del color y el trazo para expresar simbólicamente estados de ánimo.
• Destrucción del espacio tridimensional. Aglomeración de formas y figuras.
• Ausencia de carácter decorativo.
Edvard Munch, El grito, 1893,

Edvard Munch, Madonna,

1893-1894,
Futurismo
1909-1914
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo
aparece en Francia.
Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el
Manifiesto Futurista.
Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese
en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
Manifiesto Futurista. Marinetti. 1907

Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido

con una belleza nueva; la belleza de la velocidad.
Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que

parece correr sobre una estela de metralla, es más
hermoso que la Victoria de Samotracia
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá,
Boccioni, Balla o Severini.
El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia,
donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los
nuevos tiempos y las nuevas necesidades.
Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el
movimiento y la deshumanización.
Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas
metas. La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento.
Concepto de Dinamismo Universal
El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo
multisensorial de espacio, tiempo y sonido.
Umberto Boccioni. La ciudad se levanta. 1911.

Visiones simultáneas. Boccioni.

1911
Umberto Boccioni. Formas únicas de continuidad en el espacio. 1913.

Giacomo Balla. Dinamismo de perro con correa. 1912

A. SantÉlia. Città Nuova. 1914.

Dadaísmo
1915-1922
El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922.
La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término que apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al
azar y fue adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del
desconcierto, el inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad y de todos los valores establecidos hasta
entonces.
Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta rumano Tristan Tzara.
Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York, donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a
Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados (los
llamados ready-mades).
A partir de 1920, muchos de los artistas plásticos de este movimiento evolucionaron hacia el surrealismo.
CARACTERÍSTICAS
• Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y
expresionista (actitud anti-arte).
• Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho
cotidiano.
• Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.
• Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen
la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
• Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
• Motivaciones de disociación.
• Auge del disparate.
• Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea
sus ready-mades: Término utilizado por Marcel Duchamp para designar los objetos del entorno (un botellero
metálico, un urinario, una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor artístico en si
mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un sentido distinto, cuestionando el
concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido de objetos artísticos
• Temática en la que predominan los MECANISMOS ABSURDOS ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica
de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad
moderna de la época).
• Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a
base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage
dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.
Marcel Duchamp,
La novia puesta al
denudo por sus
solteros, incluso.
1915.
En 1917 Marcel Duchamp fue invitado por la

galería Grand Central de Nueva York a
formar parte del jurado de una exposición
de artistas independientes. Sin informar a
nadie, el propio Duchamp envió para
exponer en esa exposición este urinario de
porcelana blanca firmado con el seudónimo
"R. Mutt". Cuando su Fuente fue rechazada
para la exhibición, Duchamp renunció al
jurado y el incidente causó un escándalo
que sacudió al mundo del arte.
Marcel Duchamp, Rueda de

Bicicleta, Objeto Pronto, 1913
Surrealismo
1924-1939
El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo
abarca todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.
El término fue inventado por APOLLINAIRE en 1917, y se popularizó en la revista Littérature, fundada en 1919 por André
Breton, L. Aragon y Ph. Soupault. En esa revista publicaban sus planteamientos vanguardistas Breton, Paul Eluard, Francis
Picabia y Man Ray, entre otros muchos autores.
En 1924 se produce el primer manifiesto surrealista de Breton, que da cuerpo al movimiento.
Su ideal era sobrepasar la realidad y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales y
científicos por medio del automatismo psíquico.
La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los PROCESOS ONÍRICOS, el humor corrosivo y el erotismo,
concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa.
Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y vida burguesa tenían una raíz política y un sector del
surrealismo empezó a considerar insuficientes las manifestaciones culturales y se afilió al Partido Comunista Francés.
Surgieron así las primeras discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación entre arte y política. Se
sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro, en 1938 se celebra
en París la Exposición Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por muchos países.
CARACTERÍSTICAS
• Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter
figurativo desaparece en el llamado "surrealismo abstracto").
• Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad.
• Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio.
• Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador
queda desorientado, sin saber a qué atenerse.
• Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio
de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa.
• Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.
• Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales.

• Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc.
• Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y
lejanías).
• Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.
• Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí).
• Utilización del claroscuro y del color modelado.
• Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática, frottage y grattage.
Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929

Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria, 1931

Salvador Dalí.
Sueño causado por el Vuelo de una abeja en torno a una
granada un segundo antes de Despertar, 1931,
Salvador Dalí, Crucifixión o Corpus

Hipercubicus, 1954,
René Magritte. El castillo de los Pirineos (1959)

René Magritte.
La condición humana (1933)
René Magritte.
El imperio de las luces
(1954)
René Magritte
El dominio de
Arnheim (1949)
Joan Miró. Nocturno (1940).

Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966

Suprematismo
1915-1922
Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de KASIMIR MALEVITCH.

Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas
previas.
Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de
color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco saturado.
Al ser obras de pocos elementos, y además geométricos, tendrá mucha importancia la composición y distribución de éstos
en las obras.
Malevich. Cuadrado negro Malevich. Cuadrado blanco

sobre fondo blanco. 1913. sobre fondo blanco. 1918.
Malevich. Suprematismo con

Malevich. Cruz negra. 1915.
ocho rectángulos 1915
Malevich. Construcción suprematista. 1916

Malevich propone liberar a las artes figurativas de la representación objetiva para optar por la “la supremacía de la pura
sensibilidad plástica”.
Su abstraccionismo geométrico se deriva del cubismo por su extremada

simplificación y una reducción de éste a las figuras elementales de la
geometría: el rectángulo, el triángulo, la línea y la circunferencia o como el mismo
comenta:
“pero el éxtasis de la libertad de la no-objetividad me empujo al desierto donde no existe otra realidad que la
sensibilidad….y así, la sensibilidad se convirtió en el único contenido de mi vida”.
Malevich. Arkhitektonics. 1920

Constructivismo
1913-1920
El termino Construction Art fue utilizado de forma despectiva por Malevich y Rodchenko (1917).
El movimiento en si surge en Moscú, después de la Primera Guerra Mundial
Los hermanos Naum Gabo y Antoine Prevsner publicaron el “Manifesto Realista” donde se exponía la ideología del
constructivismo.
Se define como la aproximación al diseño que se asocia con la producción industrial, con un enfoque específicamente en
el área de la construcción.
Su valor estético se delimita por la relación que guardan las líneas y planos con el espacio-tiempo.
El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa,

pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo
con una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus.
Este hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron profesores o impartieron seminarios en algún momento en
dicha escuela alemana. Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo.
Prueba de lo completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien tiene en la cinta de
“El acorazado Potemkin” un gran ejemplo.
Monumento a la III Internacional (Vladimir Tatlin)

Alexander Rodchenko Tapa para la antología poética “Flying” (1923)

Lea el diario de la Jóvenes Guardia (1923)

El Lissitzky
Reconstrucción de un Proun
Pevsner
Naum Gabo
Las dos ESCUELAS DE ARQUITECTURA que se desarrollaron en Moscú durante esta época fueron:
El MVTU que se fusionó en 1925 con el Instituto de Ingenieros Civiles. Fue la más fuerte exponente del
constructivismo en arquitectura.
LA VKHUTEMAS (Talleres Superiores Artísticos y Técnicos Estatales)

Se enfocaba principalmente en el arte y el diseño.
Existió una intención por juntar ambas Escuelas para consolidar la educación en arquitectura, pero no se llevó a cabo.
En 1927 se organizó la “Primera Exposición de Arquitectura Moderna” en interacción de ambas Escuelas.

Neoplasticismo
1917-1925
De origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre “De Stijl” (el estilo) debido al nombre de la revista en la
que trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos.
Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su ideología y compromiso político.
Demostraron su intento por aunar disciplinas en proyectos completos.
Diseñaban el edificio y el interiorismo (muebles, colores de las paredes, colocación de los mismos…) en un mismo proyecto
porque entendían que no eran conceptos distintos.
Con ánimo de huir de las referencias naturales recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados,
especialmente los primarios y el negro para dar contraste.
Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian.

Revista De Stijl. 1917-31

Mondriand. 1904 Mondriand. El árbol rojo. 1908

Mondriand. Composición en gris-azul. 1912

Mondriand. Composición oval. 1914
Mondriand. Composición en azul. 1917 Mondriand. Retablo II. 1921-25

Theo Van Doesburg. La vaca. 1916-17

Theo Van Doesburg. Ritmos de un baile ruso. 1918

Gerrit Rietveld. Silla roja y azul. 1918

Casa Schröder. Gerrit Thomas Rietveld. Utrech. 1923
El programa era impreciso y la necesidad de un uso flexible requería una solución que renovara del concepto tradicional de vivienda familiar. El
resultado alcanzado por Rietveld es uno de los más importantes logros del movimiento De Stijl.
Todos los elementos, planos o lineales, se extienden más allá del punto de intersección con cualquier otro
elemento.
Los planos horizontales atraviesan los verticales, simulando estar embutidos en estos.
Los elementos lineales actúan como ejes del sistema de composición.
En los solapes, siempre un plano supera el borde del otro.
La intersección de planos genera vacíos o “planos transparentes”.
Los elementos se diferencian por el uso del color.
La independencia de los elementos se construye mediante la disociación de las partes.


5 - Vanguardias

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

5 - Vanguardias

Cargado por

Información del documento

Título original

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

5 - Vanguardias

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

HISTORIA, TEORÍA Y COMPOSICIÓN ARQUITECTÓNICAS 1 - ETSA UNIVERSIDAD DE SEVILLA - curso 2023-2024 – Prof.

Lourdes Royo Naranjo

Edouard Manet . El Desayuno sobre la hierba, 1863

Piero della Francesca

Los trabajos expuestos motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público.

Claude Monet . Impression, soleil levant.

El impresionismo se extendió rápidamente por muchos países europeos y EE. UU.

Una modalidad del impresionismo es el divisionismo o puntillismo.

Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894

Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894

Edouard Manet, Olimpia, 1863

Edouard Manet, Pífano, 1866,

Pierre Auguste Renoir,

Bajo el nombre de Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos.

Katsushika Hokusai, La gran ola de Kanagawa,

El puente Ōhashi en Atake bajo

HAY UNA NUEVA ORGANIZACIÓN DEL ESPACIO:

• Se usan ENCUADRES ORIGINALES

Georges Pierres Seurat, Modelo sentada de perfil, c.1887

Diferencias con respecto al Impresionismo:

• La imagen adquiere una entidad desconocida

• Hay una marcada tendencia a la ESQUEMATIZACIÓN DE FORMAS Y A LOS VOLÚMENES

Vincent Van Gogh,

Vincent Van Gogh,

Vincent Van Gogh,

Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890-1892

Paul Cézanne, Cebollas y botella, c.1895-1900,

Henri Toulouse-Lautrec, El salón de la Rue de Moulins, 1894

Paul Gauguin,Visión después del Sermón, 1888,

Paul Gauguin, Pasatiempo, "Arearea", 1892

Se desarrolla en Francia durante los años 1903 a 1907.

ELIMINACIÓN DE LA PERSPECTIVA ESPACIAL

Maurice Vlaminck, Restaurante de la Machine a Bougival. (1905)

Henry Matisse. La alegría de vivir. 1906

Henry Matisse. La danza. 1906

Henry Matisse. Habitación roja.1908

Pablo Picasso. Les Demoiselles d´Avignon. 1907

Las características de un nuevo lenguaje

1. INDEPENDENCIA Y AUTONOMÍA DE PLANOS, ESTALLIDO DEL VOLUMEN

3. DESAPARICIÓN DE GRADACIONES DE SOMBRA Y LUZ

Como consecuencia de la descomposición del volumen.

4. COLOR "TONO LOCAL“

Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan

Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino

El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los

Pablo Picasso. Guitarra. (1913)

Pablo Picasso, Guernica, 1937

Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912

En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos distintos.

El primero se desarolla en Dresde, a raíz de la constitución en 1905 del grupo

El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica y Francia.

Edvard Munch, El grito, 1893,

Edvard Munch, Madonna,

Manifiesto Futurista. Marinetti. 1907

Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido

Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que

Concepto de Dinamismo Universal

Umberto Boccioni. La ciudad se levanta. 1911.

Visiones simultáneas. Boccioni.