Traducido del inglés al español - www.onlinedoctranslator.

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Tabla de contenido

Parte 1: Calentamiento
1.1 ¿Qué es producir?
1.2 Ponte de humor
1.3 ¿Cuál es el punto?
1.4 Entregar el mensaje

Parte 2: Creación
2.1 Bombo
2.2 Bajo
2.3 Conseguir que el extremo inferior se gelifique

2.4 Caja, palmas y charles

2.5 líneas principales de sintetizador

2.6 voces
2.7 Platillos y Percusión

Parte 3: La mezcla
3.1 Espacio libre, recorte y puesta en escena de ganancia
3.2 Sobres
3.3 Espectro de frecuencia
3.4 Ecualización
3.5 Compresión (incluida la cadena lateral)
3.6 Reverberación

3.7 Otras funciones

3.8 Acentos
3.9 Automatización

Parte 4: Arreglo
4.1 Conceptos básicos de la estructura

4.2 Introducción

4.3 Introducción
4.4 Descanso
4.5 Desglose
4.6 Salida
4.7 Final

Parte 5: Toques finales

5.1 Masterización improvisada
5.2 Temas y trucos varios
5.3 Ejemplos de diseño de sonido
5.4 El fin
Hacer música electrónica:

Producción simplificada

Chris Crompton

Copyright © 2015 por Chris Crompton.

Tu regalo gratis

Como compraste mi libro, me gustaría ofrecerte una guía gratuita que escribí.
Está disponible sólo para quienes compran mis libros.

¿Cuál es el truco?

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prometo no enviar spam a su bandeja de entrada con un montón de correos electrónicos de
clickbaity y enlaces de afiliados. La única vez que envío correos electrónicos es para ofertas
especiales de equipos y complementos que escucho en línea, cada vez que publico un nuevo libro
o promoción, o si escucho sobre consejos aleatorios de producción/mezcla.

En 53 consejos para mejores producciones, descubrirás una variedad de

sugerencias y consejos que pueden ayudarte en muchas áreas diferentes de la
creación de música electrónica, desde la mentalidad hasta el diseño de sonido.
Aprenderá cómo realizar mejoras duraderas en su proceso de producción.

Este extenso PDF (más de 10 000 palabras) revisa cada consejo de producción y
proporciona un plan de acción simple. Puede descargar este informe gratuito
yendo aquí.

Como usar este libro

Este libro fue diseñado para ser utilizado de múltiples maneras. En esencia, es un
manual que le ayudará en sus producciones y mezclas.

Si no está familiarizado y recién está comenzando, le recomiendo leer este libro de

principio a fin y digerir cada consejo uno por uno. Una vez que hayas terminado el
libro, puedes empezar de nuevo y empezar a probar cada consejo por ti mismo.
Aplique estas técnicas en su DAW o configuración de hardware y sea realmente
creativo con ellas.

Si tiene un poco más de experiencia mezclando y produciendo

música electrónica, puede que le resulte más beneficioso escanear la
tabla de contenidos y seleccionar lo que desea leer. A partir de ahí,
pruébalas, practícalas y conviértelas en tus propias técnicas.

La belleza de trabajar con música electrónica es que te animan a

experimentar y forjar tu propio proceso. Lleve estos consejos más allá
de lo que comparto y conviértalos en algo que funcione para usted. Las
sugerencias de este libro no son más que simples pautas, no reglas
estrictas y rápidas para vivir.

Por último, pero no menos importante, se recomienda tener este libro a mano
para que la creatividad siga fluyendo.
Introducción

Primero que nada, gracias por comprar mi libro electrónico. ¡Espero que disfrutes tu
copia de Production Made Easy! No dudes en compartir esto con cualquiera de tus
amigos con inclinaciones musicales. ¡Estoy seguro de que lo apreciarán!

Quiero dejar una cosa clara: este libro electrónico está diseñado específicamente
para el productor y músico electrónico de hoy. ¡He leído algunos libros obsoletos
que tratan temas como si el año fuera 1995! ¡El objetivo de este libro es
informarle sobre todos los conceptos y técnicas recientes que los productores
utilizan en la escena actual!

Hablando de este libro, esto es lo que encontrará en su interior. Descubrirás por

qué tus canciones favoritas te mantienen en movimiento. Descubrirás cómo hacer
que tus pistas suenen genial y qué técnicas utilizan los profesionales. Aprenderá
qué están haciendo los productores actuales para eliminar esos sonidos gordos del
software, así como algunos trucos que he usado. Te mostraré algunas formas
interesantes de generar energía y cómo utilizar diferentes efectos. Como soy un
entusiasta de la música techno/house, también compartiré contigo mis experiencias
personales como mejor me parezca.

NO voy a decirte mentiras sobre cómo conseguir un contrato con los sellos más
importantes mañana (Cocoon, OWSLA, Toolroom, Deeperfect, 100% Pure, etc.).
No te voy a decir cómo conseguir los mejores conciertos con DJ de renombre de
inmediato (Carl Cox, Eric Prydz, Tiesto, Maya Jane Coles, Deadmau5, etc.). No vas
a leer ninguna información sobre cómo puedes hacer que tus canciones suenen
tan bien como Laidback Luke, Robert Babicz o Martin Garrix en sólo dos días. Es
imposible. Se necesita práctica para ser increíble, pero leer este libro electrónico
le ahorrará muchas horas y le ayudará a avanzar en su nivel de habilidad. Lo que
estoy diciendo es que armado con el conocimiento de este libro electrónico y un
poco de práctica, ¡te acercarás rápidamente al estatus de profesional!
Mi esperanza es que NO leas esto de principio a fin. Quiero que leas sobre
una técnica o concepto y luego lo pruebes. Quiero que pongas en práctica
todo lo que lees porque pensar en ello no te llevará más allá de donde te
encuentras ahora. Adoptar un enfoque de "parar y probar" significará que
serás mucho, mucho mejor y más hábil cuando termines este libro. Más
importante aún, podrás llevar tus grandes y exitosos temas a los sellos y no
preocuparte de que te digan: “Aún no hemos llegado a ese punto”. No estaré
satisfecho hasta que sepa que estás haciendo temas con rupturas súper
enérgicas y caídas llenas de suspenso; hasta que consigues que la gente
baile una canción que tú produjiste. Créame, es posible. ¡Lo he
experimentado!

Con el auge del dubstep y el trap y la creciente popularidad de la música

dance en los últimos años, sin duda estarás en una posición ventajosa al
mejorar tus habilidades de producción. No hay duda de que firmar con un
sello y tener tu primer lanzamiento estará mucho más cerca de ti después
de leer esto, al menos en el lado de las habilidades. Y si ha tenido un
lanzamiento antes, puede deleitarse con el hecho de que sus lanzamientos
sonarán mucho mejor ahora.

Mucha gente quiere lanzarse al juego y ser el próximo gran productor.

Todo el mundo quiere sacar grandes éxitos nuevos en Beatport y Juno,
pero no tienen las habilidades necesarias. Veo cada vez más personas que
quieren que les entreguen todo y simplemente no puede funcionar de esa
manera. Los mejores productores practicaron y trabajaron para llegar a
donde están ahora, e incluso si les dieran todo, obviamente saben un poco
de algo, de lo contrario sus carreras no habrían durado.
Con la invención de las computadoras portátiles, las tabletas y los software de
creación musical como Ableton Live y FL Studio, ahora es más fácil que nunca
crear tu propia música electrónica. No necesitas un estudio ni miles de dólares en
sintetizadores y cajas de ritmos (aunque sigue siendo muy divertido). Esto ha
hecho que la barrera de entrada al mundo de la música dance sea ridículamente
baja. Resulta que esta es una buena noticia porque puedes hacer la misma
música tan fácilmente como lo hacen los grandes nombres. También es una mala
noticia porque todos hacen lo mismo, lo que hace que la competencia sea mucho
más dura.

También es cierto que puede ser difícil conseguir un contrato con un sello a
menos que tengas una conexión y conozcas a la gente que trabaja allí. Eso hace
que sea aún más importante tener pistas con un sonido excelente. Muchas veces,
la diferencia entre tú y el próximo chico o chica que intenta conseguir un sello es
que tu canción suena mejor. Y aunque puede ser una pequeña diferencia,
¡significa muchísimo! Entonces, ¿qué haces para que tu música suene mejor?

¡Ahí es donde entra este libro electrónico! ¡Todo lo que necesitas hacer es
desarrollar un enfoque práctico y dedicar algo de tiempo a practicar! Si no
hay ningún propósito en tus producciones, no sabrás cómo desarrollar tu
canción, y si no practicas, nunca crecerás ni mejorarás. Es tan simple
como eso.

Este libro electrónico te brindará toneladas de información sobre cómo crear

esas pistas que te encantan. Una vez que termines este libro, si realmente
quieres producir, puedes consultar algunos artículos útiles en mi sitio web.
Por último, pero no menos importante, déjame explicarte quién soy para
que sepas que soy una persona real. Mi nombre es Chris Crompton y soy
productor y DJ. Soy el propietario de MakingEDM.com y el autor de este
libro electrónico. He tocado en muchos shows en mi vida con otras bandas
y DJ como 20/20 Soundsystem, Stacey Pullen, Daedalus, Orchard Lounge,
KJ Sawka y más. He lanzado algunos EP que van desde techno hasta hip-
hop y he aparecido en programas de radio. Llevo una década
produciendo. Ya basta de mí, pongámonos manos a la obra.
Parte 1: Calentamiento

La parte 1 explica cómo abordar tu música de una manera saludable.

Aprenderás a pensar como un profesional.

Comprenderás conceptos clave.

Se producirán cambios de paradigma.

1.1 ¿Qué es producir?

Empezar sin una introducción adecuada a la producción sería un poco

estúpido. Wikipedia define a un productor musical como alguien que
supervisa la creación de música. La palabra "productor" ha evolucionado
desde hace décadas, cuando dicha persona estaba en el estudio con el artista
para asegurarse de que todo saliera bien, así como para mezclar la pieza y
asegurarse de que sonara impecable y pulida. El productor de hoy es alguien
que no sólo hace su propia música, sino que también la mezcla, lo que le
permite crear producciones de calidad con cualquier equipo que tenga. Esta
es la definición a la que me refiero.

¿Cómo se produce realmente música? Resulta que hay un millón de maneras,

sin embargo, estamos tratando con música electrónica de baile (EDM), así que
lo explicaré desde esa perspectiva. Eres productor si estás utilizando
hardware de grabación (Pro Tools) o software (Logic, Ableton, Cubase) para
hacer una canción. En algún momento durante o después del proceso de
creación, la canción se mezcla para que suene lo mejor posible antes de que
un ingeniero de masterización la masterice. Mezclar una canción requiere
ajustar todos los parámetros necesarios para refinar y mejorar los sonidos. La
mezcla es muy subjetiva y esto significa hacer las cosas de manera diferente
cada vez dependiendo de la pista. Dejando esto de lado, veamos para qué
compró este libro electrónico.
1.2 Ponte de humor

Producir comienza con la mentalidad. Es literalmente tan simple como tener

ganas de hacer música. Cada uno tiene diferentes rutinas y prácticas, métodos y
enfoques. Es probable que tú también tengas el tuyo. Si no lo haces, construye
uno. Para hacer una pista espectacular, no puedes estar preocupado. El tiempo
de calidad es mucho más importante cuando la cantidad de tiempo disponible es
baja. Esto parece una obviedad, pero te sorprendería saber cuántas personas no
siguen este concepto básico.

Puede parecer obvio, pero no me siento a escribir un tema cuando tengo

hambre porque no me concentro. Tampoco compongo cuando estoy muy
cansado porque termino quedándome dormido en lugar de encontrar nuevos
ritmos. Gracias a años de observación, he aprendido que obtengo mejores
resultados cuando tengo la mente abierta y soy feliz. Quizás esté pensando:
"Por supuesto, esto es obvio". Para algunos, no lo es. Si vas a producir y
mezclar música para que suene lo mejor posible, necesitas un entorno
productivo en el que puedas concentrarte realmente. Para comenzar con un
entorno ideal para producir, hágase estas preguntas:

¿Cuándo tengo tiempo para hacer música? ¿Es por la mañana o por la
noche?
¿Cuándo he producido mis mejores canciones?
¿En qué estados de ánimo me gusta estar cuando produzco?
¿Feliz? ¿Triste? ¿Desahogas mi ira o proyectas felicidad?

Acción:Escribe tus respuestas y descubre tu escenario ideal porque será

la forma en que lograrás tus mejores resultados y mejorarás más
rápido. ¡Conduce a sesiones más productivas y te encontrarás volviendo
al estudio con más frecuencia!

Consejos:
Manten una mente abierta. Cuanto más específicos sean tus objetivos, más
decepcionado te sentirás cuando tu canción no suene como suena en tu
cabeza.
Reserva algo de tiempo cada semana para hacer música. La práctica
deliberada y regular te hará mucho mejor que las rutinas inconsistentes.
Además, te ayudará a equilibrar tus pasatiempos y pasiones con tu vida
laboral o escolar.
No practiques todo el día todos los días. Incluso los mejores productores y
músicos necesitan un descanso mental para no agotarse. Cuidado con la
fatiga del oído. Es un fenómeno real que se produce después de escuchar
música durante largos periodos de tiempo. De hecho, tus oídos se cansan
como resultado de escuchar música durante horas y horas.
1.3 ¿Cuál es el punto?

Cada canción debe tener un punto. Haz una declaración o serás olvidado. Si
tienes dudas, mira las canciones pop para ver a qué me refiero. El formato típico
consta de un par de versos, un estribillo principal o “gancho” que aclara el punto
y un puente para mantener la variedad. Los versos explican cosas, pero el coro es
el punto focal principal. Es la letra del coro lo que la gente recuerda y muchas
veces el título de la canción lleva el nombre de una parte del coro. Queremos
luchar por algo similar. Las mejores canciones de baile tienen secciones que
tarareas en tu cabeza día tras día. De hecho, ahora mismo puedo pensar en
varias canciones que me encantan y que son fáciles de reproducir en mi cabeza.
Todos ellos también ocupan los primeros puestos en las listas de éxitos.

Entonces, ¿cuál es el tema principal de una canción? Para “Eleanor Rigby” de The
Beatles, es la historia de una mujer pobre y solitaria. Probablemente puedas
profundizar más si quieres, pero para nuestros propósitos es suficiente. Toda
buena música electrónica también tiene un punto; Por lo general, se hace sin voces
ni versos. Para dejar claro un punto, una pista de EDM debe tener un tema
repetitivo. El tema permite que la canción se destaque, y la naturaleza repetitiva es
para que la multitud pueda encontrar un ritmo y bailar. Si alguna vez vas a crear
una canción contundente, ya sea música house o un himno dubstep, debes
transmitir el mensaje y lograr que se mantenga.

Para hacer nuestra propia canción, necesitamos descubrir cómo se

estructura típicamente y cómo se revela el tema. Permíteme contarte un
pequeño secreto: la mayoría de las pistas se basan en uno o dos bucles y
pasan toda su existencia construyendo y descendiendo desde ese bucle
principal. Esto significa que necesitarás comprender la estructura básica
de una canción de baile para comprender mejor la perspectiva ideal
beneficiosa para producir música electrónica.
Para empezar, la mayoría de las canciones de baile funcionan en sincronización 4/4, o cuatro
notas por compás. Además de esto, las canciones de baile operan en medios ciclos de cuatro
o ciclos completos de ocho compases de duración. Para aquellos de ustedes que no son
aficionados a las matemáticas, cada medio ciclo tiene 16 tiempos y cada ciclo completo tiene
32 tiempos. Al agregar nuevos elementos y capas cada cuatro u ocho compases, estos ciclos
son esencialmente la forma en que EDM rastrea el progreso y la construcción. Tenga esto en
cuenta todo el tiempo que esté produciendo. La forma de onda a continuación es de una
pista techno. Como puede ver, he delineado los ciclos para que sea más fácil entender cómo
funcionan todas las pistas dentro de la estructura cíclica. La “cl” significa ciclos. Vale, es un
poco descuidado, pero entiendes el punto.

Consejos:

Crea un bucle con un único punto focal principal (normalmente una línea de bajo o un
sintetizador principal).
Experimente sumando o restando diferentes elementos con cada
nuevo ciclo para evitar la previsibilidad.
Menos es más. Vea cuántos instrumentos se pueden quitar sin
dejar de ilustrar el mensaje.
1.4 Entregar el mensaje

Al crear una canción de baile que viola el suelo, aprende a consolidarla. Si eres
nuevo en la producción, intenta siempre hacer menos y usar menos. Crear
una base y construirla sin duda terminará con canciones demasiado
complicadas en las que suceden demasiadas cosas. Al presentar el tema de la
canción, acostúmbrate a recortar siempre más de lo que crees necesario. Te
sorprenderá la cantidad de variación posible simplemente eliminando
elementos en lugar de agregarlos siempre.

La estructura de la canción debe ser concisa porque debe transmitir el mensaje

sin convertirse en una sesión improvisada de 20 minutos. Una buena pista
genera energía y mantiene a la multitud con ganas de más agregando capas y
eliminándolas inteligentemente. Por ejemplo, entra el charles abierto, seguido
de la caja en el siguiente ciclo, y luego, en el tercer ciclo, se agrega un platillo
ride pero se quita la caja. Al considerar la estructura de la canción y cómo crecer
en su bucle, tenga en cuenta que hacer referencia a otras canciones es la mejor
y más rápida forma de crear la suya propia. Escuche sus temas favoritos de
otros artistas y observe sus estructuras compositivas. Normalmente encuentro
una canción que suena similar a mi propia pista o al menos similar a la dirección
que me gustaría tomar. A partir de ahí escucho cómo se construye la pista,
dónde entra completamente el bucle principal y cómo lo toman. abajo al final.
Esto me da algo con lo que comparar continuamente mi canción y, por lo
general, tengo una gran estructura después. También ayuda con la mezcla
porque estás comparando tu borrador con una pista terminada y masterizada.
Escuche la parte más intensa de una canción y vea si el mismo loop con todos
sus elementos aparece en algún otro punto. Analiza las huellas de quienes han
recorrido el camino antes que tú. Recuerda también que la clave es permitir que
tu canción cuente una historia.

Si simplemente no tienes idea de cómo construir la progresión de una

canción, aquí tienes algunos ejemplos:
Parece que el tipo más común hoy en día es el "Ultra Breakdown". Este tipo
de pista comienza bastante construida y solo se vuelve más intensa,
alcanzando un clímax entre 2:30 y 3:30 minutos, momento en el que se
produce una ruptura gigante que dura hasta 2 minutos.
Estas estructuras son comunes en muchas pistas de trance y
electrohouse. Para ver ejemplos de artistas y canciones, consulte Avicii
o Wolfgang Gartner.
La segunda estructura de la canción es lo que yo llamo “Short Blast” porque solo
dura entre 4 y 6 minutos con cambios relativamente menores. Ciertas pistas de
techno utilizan este esquema y, a menudo, contienen una línea de sintetizador
que se repite, mientras simplemente agregan o sueltan elementos del ritmo del
tambor para proporcionar variación. Un gran ejemplo de artista que ha utilizado
este formato es Robert Hood. También puedes consultar a otros productores de
techno de Detroit como Kevin Saunderson o Jeff Mills.

A la tercera estructura me gusta llamarla "Versión súper extendida".

Es el tipo más experimental en el que la canción suele durar entre 9 y
12 minutos, y a veces se extiende hasta 15. Estas canciones varían
mucho de una a otra. Algunos no tienen ningún bombo y
simplemente van y vienen mientras aparecen y desaparecen nuevos
instrumentos. Otros son pistas tribales largas y prolongadas donde se
agregan o eliminan elementos constantemente. Un maravilloso
ejemplo es el productor Martin Buttrich.
El cuarto y último formato que se suele utilizar es el formato “No Break”,
o la pista sin grandes desgloses. Estas pistas se encuentran a menudo
en los géneros tech-house y techno. La canción suele durar de 7 a 9
minutos y puede tener una o dos rupturas breves de no más de dos
ciclos de duración. El énfasis está en la preparación y finalización de la
canción utilizando cada elemento sabiamente. Una gran canción en este
formato puede intensificarse durante minutos sin sufrir nunca una
ruptura. Los artistas que han producido canciones en este formato son
Gary Beck y Carlo Lio, así como Joseph Capriati.
Existen otras variaciones estructurales y subestilos, sin embargo, el objetivo aquí es
presentarte lo que hace que una canción electrónica de baile sea excelente. Cualquiera
que sea el formato que siga tu canción, es importante darte cuenta de que la variación y
la concisión son clave, ya que eso es lo que mantiene al bailarín bailando. Ahora
echemos un vistazo al diseño de un bucle inicial.
Parte 2: Creación

La parte 2 trata sobre la construcción y el diseño de una canción.

Todo será analizado y discutido.

Se revelarán consejos y secretos.

Tus ritmos serán frescos.

2.1 Bombo

La raíz de todo baile comienza con el bombo. Es la columna vertebral de una

pista. Si eliges comenzar una canción con el bombo como lo hago yo, te
ayudará a mantener el ritmo y el tiempo. Usando Ableton Live, cargo mi
sampler en el primer canal. Resulta que uso la batería de Native Instruments
como muestra, pero también hay otras opciones. Usar un sampler te permite
editar y refinar cualquier sonido de muchas maneras. La siguiente imagen
muestra la batería cargada en un canal con una muestra seleccionada.

Una vez hecho esto, lo siguiente que debe hacer es crear una región o clip con una
nota midi en cada tiempo para que tenga un ritmo básico a partir del cual construir
todo lo demás. Haga un bucle en la sección para que el clip se reproduzca una y otra
vez, asegurándose de que el bombo no suene a más de -12 a -18 decibeles (dB) en el
medidor de nivel. Para conocer los motivos, consulte la Parte 3, sección 3.1.
Es obligatorio que la patada encaje bien en la mezcla. Esto se puede hacer
creando primero el bombo y moldeando los demás instrumentos a su
alrededor, o dejando espacio para los demás instrumentos antes de colocar el
bombo. De cualquier manera funciona.

Al decidir qué tipo de bombo elegir, piensa en el tipo de canción que estás
haciendo. Algunas pistas suenan mejor con bombos contundentes como el
sonido TR-909, donde la frecuencia fundamental ronda los 70 – 90 Hz. Otros
funcionan mejor con un sonido suave como el TR-808 y, a menudo, dan en el
blanco en el rango de 35 a 55 Hz. Las canciones de house progresivo y trance a
menudo tienen bombos muy ruidosos que bajan de tono rápidamente. Esto se
hace con una envolvente de tono, de modo que el bombo comienza en un tono y
cuando termina, baja aproximadamente 20 hz. Mira la imagen a continuación
para ver a qué me refiero. La línea roja es el tono y, como puedes ver, cae al
principio y aumenta al final. Tenga en cuenta que todo esto ocurre en
aproximadamente un segundo.
De todos modos, los bombos de dubstep y drum n' bass suelen estar más arriba
en el espectro de frecuencias, ya que el bajo suele situarse debajo de ellos. Sus
frecuencias primarias suelen ser de 80 a 100 Hz. Hay muchas opciones y, por lo
general, tendrás los tipos correctos si has descargado paquetes de muestra
relacionados con tus géneros favoritos.

Al darle forma a tu patada, hay varias opciones para explorar. Ajuste siempre la
envolvente antes de agregar complementos. Siempre que no pueda lograr el
sonido que desea con una envolvente o un modelador de transitorios, puede
intentar usar un complemento Gate o una compresión de cadena lateral. Tenga
cuidado con estos complementos porque pueden provocar efectos antinaturales y
no deseados.

Otro método para editar tu patada es dividirla en capas. Usando filtros de paso bajo
y paso alto, puedes dividir tu bombo en canales bajos, medios y altos, dejando
espacio en el medio para tu línea de bajo o instrumentos de percusión. La otra
forma, menos común, de superponer capas es dividir el bombo horizontalmente
según los segmentos de la envolvente. Un canal puede ser el ataque inicial, otro
puede ser el cuerpo principal y un tercero puede ser la cola. Tenga en cuenta que es
fácil estropear las cosas al unir su patada, por lo que puede que sean necesarios
varios intentos antes de hacerlo bien.

Una vez que tu bombo esté completo, podrás crear tu siguiente elemento. Cuando estoy
produciendo, dependiendo de mi estado de ánimo, puedo empezar con una línea de bajo o
una caja o incluso una línea de sintetizador principal.
2.2 Bajo

El bajo es todopoderoso en el mundo del EDM. Va de la mano de la patada, y juntos

se encargan de mover los pies. El primer paso es crear una línea de bajo que vaya
con la dirección en la que te diriges. El tipo de onda también juega un papel
importante en las líneas de bajo. Por ejemplo, las ondas sinusoidales son las ondas
sonoras más simples porque son solo la frecuencia fundamental. La mayoría de las
líneas de subgraves están formadas por ondas sinusoidales o triangulares. Otras
ondas sonoras, como las ondas cuadradas y de sierra, se componen de la frecuencia
fundamental, pero también de frecuencias armónicas. Si el objetivo es crear una
pista de deep house, una línea de bajo suby será suficiente. Si te gusta el dubstep,
probablemente querrás una línea de bajo cruda cuadrada o de onda de sierra con
mucho filtro y acción LFO.

Dependiendo del estilo de canción que estés creando, la línea de bajo desempeña una de
varias funciones. El primero es el papel del ritmo, que es relativamente estático e inmutable.
El propósito de esta función es simplemente proporcionar un riff pegadizo que funcione
bien con el bombo. Muchas pistas de tech house cuentan con este tipo de bajo. Mantiene un
perfil bajo, lo que permite que las capas de plomo brillen y, al mismo tiempo, se mantiene lo
suficientemente fuerte como para mantener los pies en movimiento. Un subgrave hace el
trabajo lo suficiente para este papel.

Otro papel que puede desempeñar el bajo es el papel principal, donde el foco de la canción
está en el bajo mismo. Este tipo de bajo puede ocupar una mayor parte del espectro de
frecuencias, ya que es el reproductor estrella de la canción y no tiene que dejar espacio para
otros sintetizadores. En lugar de utilizar ondas triangulares u sinusoidales de subgraves,
estas líneas suelen presentar múltiples ondas de sierra o cuadradas. Dos osciladores
apilados a una octava de distancia pueden proporcionar un sonido potente. Además, la
función de unísono en un sintetizador es otro truco para hacer que tu bajo suene más
grueso cuando toca el sonido principal. La creatividad es clave aquí porque puedes
comenzar a mezclar y combinar sonidos de bajo para crear una línea impresionante.
Intente usar una onda sinusoidal de subgrave para su línea de bajo y luego duplique la
línea usando un sonido de bajo de onda cuadrada una octava más alta.

La línea de bajo también puede desempeñar el papel con el que se la asocia más
típicamente: la línea de bajo tradicional (¡obviamente!). Muchas pistas de música disco y
funk presentan esta función y, muchas veces, un bajo eléctrico real suena mejor que un
sintetizador para estos escenarios. ¡Un bajo eléctrico con algo de distorsión o
sobremarcha puede sonar devastador!

A diferentes géneros les gustan los diferentes sonidos de bajo. El drum n' bass a
menudo utiliza lo que se llama el bajo "Reese", que consta de dos ondas de
sierra desafinadas y, a veces, de alta resonancia. Un ejemplo de este tipo de bajo
sería la canción “Reece” de Ed Rush & Optical. Otro tipo de bajo es el subgrave
simple, que se puede escuchar en muchas pistas de techno y techhouse. Un
ejemplo sería la canción “Sketches (Slam Remix)” de Kenny Larkin y Shlomi Aber.
El loco sonido del bajo solista se puede encontrar en artistas de electro-house y
dubstep como Wolfgang Gartner y Rusko. Recientemente, el bajo “wobble” se ha
vuelto popular, particularmente en el dubstep. Finalmente, está el sonido clásico
del TB-303 que todos replican. Este sonido casi siempre se utiliza exclusivamente
en pistas de techno. Para ver ejemplos de canciones que incorporan este sonido,
consulte el grupo Hardfloor.

Cuando tengas una idea para tu línea de bajo, crea una versión preliminar
en un clip midi y haz un bucle con el bombo antes de comenzar a editarla.
Podrás escuchar cómo suena en contexto y tendrás una mejor idea de qué
refinar. La siguiente imagen muestra un riff del piano roll para una línea
de bajo.
Una vez establecida la pista de bajo, la edición se convierte en el foco principal. Al igual que
con el bombo, dar forma al sonido con envolventes es la primera prioridad, ya que es el
menos perturbador. Después de eso, la compresión de cadena lateral juega un papel
importante en las líneas de bajo de la música electrónica. También es divertido dividir tu
línea de bajo en grupos de frecuencias. Puedes colocar la parte aguda de tu bajo a través de
un Phaser o Flanger o incluso agregar algo de reverberación o panorámica mientras
mantienes los graves centrados. Una vez terminada la línea de bajo, es hora de asegurarse
de que el bajo y el bombo se sientan cómodamente juntos.
2.3 Conseguir que el extremo inferior se gelifique

Tanto el bajo como el bombo son instrumentos potentes. Si no se gestionan con

cuidado, lucharán por el espacio y uno dominará al otro. Peor aún, podrían
comenzar a cancelarse entre sí y tu mezcla sonaría muy turbia. Esta sección está
dedicada estrictamente a hacer que ambos elementos combinen bien entre sí.
Puedes hacer que tu bombo y bajo encajen cómodamente de cuatro maneras:
planificación básica, envolventes, ecualizador y encadenamiento lateral. Las
descripciones están en orden descendente, de mayor a menor preferencia.

La primera opción es una planificación sencilla. Esto requiere correcciones

mínimas y suena bien desde el principio. Significa configurar la línea de bombo y
bajo de tal manera que encajen sin editar ni retocar. Si estás usando una línea de
bajo profunda, un bombo más alto no chocará. Si estás usando una patada
profunda, una línea de bajo más alta estará bien. Si usa tanto un bombo subby
como un bajo, alterne las notas para que nunca se reproduzcan al mismo tiempo
o agregue compresión de cadena lateral al bajo para que nunca interfiera con el
bombo.

La siguiente opción es hacer uso de sobres. La línea del bombo y el bajo se puede
compensar ajustando la envolvente de amplitud en uno o ambos instrumentos. Al
ajustar los valores de ataque del bajo, puedes hacer que el bombo golpee primero
mientras el bajo se desliza hacia adentro. Si se hace correctamente, esto crea espacio
para ambos instrumentos mientras suena como si ambos estuvieran tocando
simultáneamente.
La tercera opción es la igualación. Al ecualizar su bombo, asegúrese de agregar un
filtro de nivel bajo alrededor de 20 a 30 hz para reducir el ruido no deseado. La
comparación de espectros de frecuencia se realiza a través de herramientas de
análisis de espectro como Span de Voxengo, un complemento gratuito. Una vez
localizadas las frecuencias problemáticas, se deben eliminar mediante cortes
estrechos para no sacar demasiado. Además, si el bombo no atraviesa lo suficiente
los agudos de la línea de bajo, será útil un amplio impulso en el rango de agudos, así
como un suave filtro de agudos para los graves.

La última opción es utilizar cadena lateral. Este tipo de compresión reducirá

el volumen del bajo cada vez que suene el bombo, asegurando que sus
instrumentos no choquen. Este efecto se utiliza a menudo deliberadamente
para crear un sonido de bombeo.

Si el bombo no es lo suficientemente potente con los graves, suba las frecuencias de

subgraves, preferiblemente aquellas a las que está sintonizado el bombo. Si necesita
más fuerza para atravesar la línea de bajo o los sintetizadores, modifique las
frecuencias medias. Si el bombo se pierde entre los charles y la caja, juegue con la
parte de gama alta. Aquí hay una tabla para las frecuencias del bombo:

Golpe de subbajo 30 - 120 Hercios

Golpe de bajo 120 - 400 Hercios

Bofetada de rango medio 400 - 1000 Hercios

Clic medio alto 1000 - 5000 Hercios

Silbido de gama alta 5000 - 20000 Hercios

Para el bajo, puedes aumentar la porción de 30 a 80 Hz si no resiste por
sí solo el bombo. Sin embargo, tenga cuidado, ya que es fácil dominar
las frecuencias secundarias sin darse cuenta. Asimismo, puedes bajar
las frecuencias si esto abruma la patada. Si desea que su línea de bajo
atraviese más sus sintetizadores, aumente las frecuencias medias o
altas.

Sin embargo, cabe señalar que cuanto menos ecualización tengas que hacer, mejor
estarás. La filosofía detrás de esto es que, si sus instrumentos encajan en primer lugar,
sólo tendrá que haber una ecualización mínima. Por último, pero no menos importante,
a continuación se ofrecen algunos consejos adicionales para que tanto el bajo como el
bombo suenen geniales.
Consejos para patear:

¿Por qué quedarse con una muestra? Capa tus patadas usando dos o tres
muestras. Uno de paso bajo alrededor de 100 o 150 hercios y el otro de paso
alto alrededor de 150 a 400 hercios. Esto también libera espacio para tu línea
de bajo.
Coloque un charles cerrado encima de su muestra de bombo para agregar claridad
superior.
¡Agregue overdrive o una ligera distorsión para aumentar la presencia!

Consejos para el bajo:

Divide tu bajo en dos canales. Pase uno por bajo alrededor de 150
hercios y luego pase por alto el otro entre 200 y 300 hercios. Agregue
un coro al canal de paso alto.
Para bajos profundos con pocos agudos, utilice un complemento excitador para
añadir profundidad y dimensión.
Divide tu bajo en dos pistas y agrega un efecto de extensión estéreo
a los agudos manteniendo el mono de graves.
2.4 Caja, palmas y charles

Los siguientes elementos para un bucle fundamental son las pistas de caja y charles.
Una vez construido el extremo bajo, es hora de ascender en el espectro de frecuencias.
Primero comencemos con un sonido de caja o palmada. La caja o la palmada añaden
energía instantáneamente a cualquier pista y, a menudo, son un instrumento
fundamental para la mayoría de las pistas de EDM. Ya sea que elijas los famosos
sonidos de palmas del TR-808 o una voluminosa caja del TR-909, todo depende de lo
que encajará con tu canción.

La rutina más común es cargar una muestra de caja o palmada en el sampler de su

elección. Una vez seleccionada una muestra, el siguiente paso es crear una región/clip
midi para escuchar cómo suena inicialmente en la mezcla. Coloque una nota midi en los
tiempos 2.º y 4.º de la región como se muestra a continuación:

Una vez que la región creada se reproduce como parte de su bucle, es hora de editarla y
perfeccionarla. Si la muestra no se ajusta correctamente, puede volver a utilizar el
ecualizador y las envolventes. Dado que los graves y el bombo ocupan la parte inferior
del espectro, es una buena idea cortar las frecuencias por debajo de 100 o 150 Hz con un
filtro de paso bajo. Esto elimina frecuencias innecesarias sin afectar el cuerpo de la
trampa. Los aplausos suelen tener mayor frecuencia, pero se aplica el mismo principio.
Complete el extremo inferior de los aplausos alrededor de 200 o 400 Hz. Una buena idea
de dónde se ubican las trampas y las palmas en el espectro se encuentra a continuación:
Cuerpo 150 - 400 Hercios

Ajuste de rango medio 500 - 1000 Hercios

Gama alta 1000+ Hercios

Una vez que haya finalizado la ecualización y la configuración de la envolvente, es hora de

agregar efectos creativos como la reverberación. Hay miles de formas de modificar los
sonidos de caja/palmada, de las cuales solo se enumeran algunas a continuación:

Envíe su muestra a través de un complemento de efectos bit-crusher/lo-fi.

Utilice reverberación para alargar la cola.
Agregue una pequeña cantidad de Flanger/Phaser para darle vida a las cosas.

Los charles son la segunda pieza de esta sección. Están prácticamente en todas las
canciones de EDM y casi siempre están presentes de principio a fin. Los charles
vienen en dos sabores, abiertos y cerrados. A continuación se muestra un ejemplo
de bucle: utilizando muestras de charles abiertos y cerrados, coloque el charles
abierto en las notas off (1-y-2-y-3-y-4-and) y el charles cerrado en las semicorcheas
alrededor. el sombrero abierto. Para ilustrar mejor lo que quiero decir, consulte la
imagen a continuación. Colocar notas midi, aunque a veces sea tedioso, es la mejor
manera de construir ritmos complejos e intrincados.

Por supuesto, los ritmos rectos son posibles, pero también lo son los ritmos swing y
shuffle. Nuestro bucle de charles contendrá un ritmo de swing hat.
Para agregar carácter a su pista de charles, intente cargar un Flanger en el canal de
charles. Los Flangers replican el sonido producido por dos señales de audio duplicadas,
donde una tiene un ligero retraso (menos de 100 milisegundos). Crea lo que puedo el
sonido del “motor a reacción”. En un Flanger normalmente puedes controlar la cantidad
de seco/húmedo, la profundidad, la velocidad y la cantidad de retroalimentación.
Experimente con cada parámetro para tener una idea de cómo funciona.
Al ecualizar sus charles, tenga en cuenta en qué parte del espectro se encuentran. A
menudo es una decisión inteligente filtrar cualquier ruido no deseado por debajo
de 400 – 1000 Hz, dependiendo de tu pista y de cómo suenan las cosas.

Trozo de gama baja 400 - 1000 Hercios

Claridad de gama alta 1000+ Hercios

Al colocar charles en su mezcla, asegúrese de que encajen bien. La mayoría de las veces los
sombreros no se superpondrán con la trampa o la palmada, pero si lo hacen, elimine las
frecuencias innecesarias. Para darle a sus charles un sonido más nítido, aumente las
frecuencias entre 5 kHz y 18 kHz. Para sombreros más gruesos, aumente un poco las
frecuencias por debajo de 1 kHz y baje un poco las frecuencias por encima de 5 kHz.

Si te sientes experimental, prueba nuevos ritmos. En lugar de colocar sombreros en los

tiempos fuera de tiempo, coloque 5 notas en un compás para crear un patrón polirítmico.
Intente desplazar una capa de charles ligeramente hacia la izquierda para emular una
batería real y coloque los platillos hacia la derecha. También puedes agregar un efecto de
retardo o reverberación para agregar más color a tu capa. Hay muchas cosas que puedes
hacer con los charles con un poco de experimentación.

Consejos para trampa/aplausos:

Invierta la muestra para incorporarla justo después de que suene el bombo. Envíe su caja/
aplauso a través de un triturador de bits o una unidad de efectos de baja fidelidad para darle
más color.
Para canciones centradas en el ritmo, agregue un retardo largo y continuo a su caja para
obtener ritmos adicionales.
 Deje espacio para que el clic del bombo atraviese la mezcla
alargando el tiempo de ataque.

Consejos para el charles:

Envía el lazo de tu sombrero a través de un fáser lento o un Flanger para agregar

carácter.
Envía tus charles a través de un bus de reverberación y desplaza los sombreros hacia la
izquierda y la reverberación hacia la derecha. Asegúrese de que la reverberación sea 0% seca
y 100% húmeda.
Aumente el ataque a la envolvente del amplificador para crear sonidos similares a los de un
agitador.
2.5 líneas principales de sintetizador

En este punto, las regiones midi en bucle empiezan a sonar como una canción EDM
real. Lo único que falta es una línea de sintetizador y acentos para completar el
bucle. Con las líneas principales, realmente se aplica el dicho "menos es más". El
objetivo final es encontrar una línea atractiva que suene increíble durante un
período prolongado de tiempo. Las líneas principales pueden ser cualquier cosa,
desde riffs completos hasta breves momentos. Experimente con sonidos jugando
con los osciladores, LFO, envolventes, filtros y otros parámetros.
Para darle una idea de las posibilidades de diseño de sonido, vea la imagen a
continuación del complemento de sintetizador Massive y todos los diversos
parámetros que se pueden modificar.
Una vez que la línea principal esté completa, deberá editarla nuevamente para que
encaje cómodamente con el resto de la pista. Además del ecualizador y las
envolventes, también puedes añadir muchos efectos creativos. Una táctica común es
ampliar el sonido para que no compita con los instrumentos del centro. Esto se
puede lograr utilizando complementos de ancho estéreo como Stereo Spread de
Logic o, alternativamente, se puede lograr duplicando las pistas y retrasando
ligeramente una. En Logic, simplemente use el complemento Sample Delay. Con
Ableton, puedes duplicar la pista y ajustar el retardo de la muestra que se encuentra
en la parte inferior del canal en lugar de utilizar un complemento. Sin embargo, es
importante agregar solo un retraso a una de tus pistas, de lo contrario sonarán igual
pero se reproducirán más tarde que el resto de tus canales. Proporcioné una imagen
que muestra un retraso de muestra en Ableton a continuación:
También es posible inventar una línea principal con otros instrumentos. He creado
melodías principales a partir de todo, desde percusión tribal hasta ruido blanco.
Para nuestra canción actual, nos quedaremos con el sintetizador, pero tómate tu
tiempo y experimenta con pistas futuras.

Consejos de sintetizador:

Duplique su pista de sintetizador y agregue diferentes efectos a cada pista

antes de desplazar una hacia la izquierda y la otra hacia la derecha.
Experimente con retrasos y reverberaciones, fásers y Flangers. Crea un acorde
con una nota por canal y luego panorámica de las pistas.

Puedes crear líneas principales en forma de barridos,

sirenas, arpegios, secuencias y más.
2.6 voces

Las voces son el único elemento que puede llevar a cualquier productor al otro
lado de la frontera hacia la corriente principal. Buenos ejemplos son David
Guetta, Eric Prydz, Deadmau5 y Tiesto. Si deseas utilizar voces, debes asegurarte
de hacerlo todo bien, ya que esa es la pieza central de una canción.

Hay varias formas de implementar voces en tu pista. En primer lugar, se

pueden fragmentar y utilizar más como efecto que como verdaderas letras.
Estas canciones tendrán como máximo una frase que se repite, pero más a
menudo tienen una sola sílaba o palabra. Dos ejemplos de temas como este
son “The Stalker (Laidback Luke Remix)” de Green Velvet y “The Organ Track
(Carlo Lio Remix)” de Samuel L. Session. El primero incluye frases, mientras
que el segundo tiene palabras y frases cortadas. Otra forma importante de
incorporar voces es a través de la estrofa y el estribillo tradicionales. Las
canciones más populares se hacen de esta manera porque son las más
memorables y el público puede cantarlas. Algunos de los muchos ejemplos
de la música pop son las canciones de Lady Gaga o los temas recientes que
David Guetta ha lanzado con cantantes importantes.

Al afrontar la idea de añadir voces, hay cuestiones clave que deben

abordarse. En esta sección, cubriré todas las bases para que sepas
qué estás haciendo si te dedicas al ámbito vocal y cuándo.

En primer lugar, ¿agregarás versos completos o sólo frases y muestras

cortadas? Usar muestras es la opción más fácil porque la grabación ya está
hecha por usted. Simplemente deja espacio en tu mezcla para la voz y utiliza
la ecualización correctiva si es necesario.
Si pretendes utilizar frases o versos, debes decidir de dónde provienen las
letras. ¿Las estás escribiendo? ¿Los escribirá algún cantante? Si estás
utilizando letras preescritas (rehaciendo una canción preexistente), debes
comunicarte con quien posee los derechos de esa canción y obtener
permiso. Si estás escribiendo nuevas letras, ¿cantarás, contratarás a
alguien o reclutarás a un amigo?

Si subcontratas las voces a otra persona, asegúrate de que grabe todo

correctamente. No quieres voces de baja calidad en una canción de alta calidad.
También vale la pena enviarle al cantante un ritmo básico para que tenga algo
con qué cantar y sobre qué construir. Para estrofas y estribillos completos, trate
las voces como la línea principal del sintetizador. No debería competir con otro
papel principal.

Si estás grabando tu propia voz, NO uses el micrófono de una computadora

portátil. Consigue un micrófono de calidad profesional y haz bien el trabajo. Los
micrófonos de condensador son los más comunes al grabar voces, sin embargo,
algunos artistas prefieren usar micrófonos dinámicos. Si buscas un estatus
profesional, querrás comprar un protector antipop para eliminar los sonidos que
se escuchan cuando dices letras como 'p' y 't'. Además de los micrófonos, una
sala bien cuidada es importante para conseguir excelentes grabaciones. Hagas lo
que hagas, ¡investiga a fondo!

¡Produce canciones vocales lo suficientemente bien y tendrás a los principales artistas pop
solicitando canciones y remezclas también!
2.7 Platillos y Percusión

Con todos los elementos primarios cubiertos, lo único que queda es agregar platillos
y percusión si es necesario. Los platillos y la percusión pueden actuar como acentos
(se tratan en detalle en la Parte 3), pero más a menudo son parte de una canción
porque ayudan a transmitir el mensaje o aumentan la energía.

Los tipos más comunes de platillos que se encuentran en las pistas de EDM son los
platillos crash y ride. Los platillos crash se utilizan como acentos y se colocan al
comienzo de nuevos ciclos para enfatizar una transición o cambio en la canción. Un
ejemplo es escuchar un platillo crash cuando se produce una avería y el ritmo
desaparece. Si quieres ser elegante, puedes colocar el platillo crash con una cola
larga (natural o reverberante) en el tiempo fuera de tiempo justo antes de un nuevo
ciclo y encadenarlo con el bombo para crear un efecto de bombeo a medida que se
desvanece. Proporcioné una imagen a continuación como guía de ubicación.

La otra opción para los platillos crash es invertir la muestra para tener un crash
inverso justo antes de que comience el nuevo ciclo. Este es un buen sustituto de los
barridos de ruido blanco porque puedes afinar el platillo al tono en el que se
encuentra tu canción.
Los platillos ride, por otro lado, no se utilizan como acentos. Se colocan en
tiempos fuera de tiempo similares a los charles normales o se colocan en cada
corchea y, por lo general, están encadenados lateralmente al bombo. Esto les da
un sonido vibrante que se escucha principalmente en pistas de techno. Puedes
escuchar el efecto que tienen en la intensidad de una canción en mi sitio web en
la pista 03.

La percusión es una categoría amplia que contiene muchos instrumentos,

incluidos congas, toms, bongos, djembes, platillos de mano, triángulos,
carillones, campanas, etc. Hay dos formas de utilizar muestras y sonidos de
percusión: ritmos y acentos tribales. En el caso de los ritmos tribales, los ritmos
suelen girar alrededor del bombo, creando una especie de polirritmia. Consulte
la imagen a continuación para ver un ejemplo.

Es importante asegurarse de que no haya choques de frecuencia entre el bajo y los

instrumentos de percusión, así que elimine cualquier frecuencia problemática y
agregue un filtro de paso alto a 100 o 150 Hz, según el instrumento específico.
Normalmente coloco notas de percusión para que se alternen con el bombo de
alguna manera. Cuando uses la percusión como acento, coloca la nota en un ritmo
fuera de ritmo de la misma manera que describí usando el platillo crash, agrega una
reverberación y un retardo de muestra y luego encadena con el bombo. El resultado
final será un golpe de percusión ultra amplio que resuena hasta el olvido.
Al ecualizar platillos y percusión, consulte las tablas siguientes.

Platillos:

De gama baja 100 - 300 Hercios

Cuerpo 400 - 800 Hercios

Gama alta 800+ Hercios

Percusión:

De gama baja 50 - 200 Hercios

Cuerpo 200 - 500 Hercios

Gama alta 500+ Hercios

Parte 3: La mezcla
La parte 3 te muestra cómo hacer que tu basura suene bien.

Descubrirás la ciencia detrás del arte.

Aprenderás los secretos de los profesionales.

Producciones pulidas.
3.1 Espacio libre, recorte y puesta en escena de ganancia

Con el audio digital (la música de su computadora), es necesario un margen dinámico o,

de lo contrario, se producirá recorte. ¿Qué es esto que preguntas? El espacio libre es la
cantidad de espacio entre el nivel máximo y el punto en el que se produce el recorte. En
un medidor digital (por ejemplo, los medidores de canal de Ableton), el nivel máximo
permitido es 0 dB. El recorte, por otro lado, ocurre cuando la salida de audio excede los
límites del sistema particular, lo que resulta en la compresión de la forma de onda, lo
que esencialmente hace que todo tenga el mismo volumen, arruinando la dinámica de
una canción. Para garantizar un margen dinámico adecuado, la salida maestra, que es la
salida de todos los canales individuales, no debe exceder los 0 dB. Esto significa que
todos los niveles individuales deben mantenerse bastante bajos. Un nivel seguro es -12
dB. Para bajar el nivel, reduzca la ganancia o la perilla de volumen desde la fuente (en
este caso, el sampler) en lugar de hacerlo con el atenuador de canal. Disminuir el nivel
de esta manera lo preparará para una puesta en escena de ganancia adecuada a lo largo
de la canción.

La puesta en escena de ganancia es el proceso de asegurarse de que los niveles no

se recorten en ningún punto desde la fuente hasta la salida maestra. Si en algún
momento ve rojo en un medidor de nivel, significa que está recortando y se debe
bajar el nivel. Puede que no necesariamente se recorte en la computadora, pero sí lo
sería si se rebotara a un formato duro como un CD o un estéreo. Si, por ejemplo,
tuviéramos nuestro sampler, un ecualizador, una reverberación y un compresor en
el canal del bombo y los cuatro plug-ins tuvieran perillas de ganancia o volumen, la
preparación de ganancia adecuada sería asegurarnos de que ninguno de los
medidores de cada dispositivo estaban recortando. Es completamente posible que el
sintetizador se recorte mientras la salida del canal es muy baja. Solo como
referencia, en la siguiente imagen se muestra un ejemplo de cómo se ve un canal
cuando se recorta.
Para tener una idea de la puesta en escena de ganancia adecuada, consulte la imagen a continuación.
3.2 Sobres

La envolvente de un amplificador da forma a la salida de un sonido y tiene cuatro

parámetros principales: ataque, caída, sostenido y liberación (ADSR). El ataque
controla la rapidez con la que un sonido alcanza su volumen máximo y la caída
controla la rapidez con la que decae el volumen. El sostenido dicta cuánto tiempo se
reproduce el sonido mientras se mantiene presionada una nota o tecla. La liberación
controla cuánto tiempo tarda un sonido en disminuir por completo después de que
termina la nota. Por ejemplo, si tocaras una tecla en un sintetizador y el sonido
saliera instantáneamente y cuando soltaras la tecla el sonido se detuviera
instantáneamente, no habría ataque ni liberación. Si ese sonido se mantuviera a
todo volumen durante todo el tiempo que tocó la nota, el sostenido y la caída serían
altos, mientras que si el volumen disminuyera rápidamente pero continuara todo el
tiempo que tocó la nota, la caída sería pequeña pero el sostenido sería largo.
3.3 Espectro de frecuencia

Para comprender cómo funciona la ecualización, es necesario comprender el espectro de

frecuencias. El espectro de frecuencias que los humanos pueden oír se extiende desde
aproximadamente 20 hercios hasta 20 kilohercios o 20.000 hercios. Sin embargo, por debajo
de 60 Hz, las frecuencias se sienten más que se escuchan (esto es lo que hace que la música
dance sea tan increíble). Cuanto menor sea la frecuencia, más profundo será el sonido.

Aquí hay una descripción general rápida:

20 hz – 60 hz = Frecuencias de subgraves 60
hz – 250 hz = Frecuencias de graves 250 hz –
2 khz = Frecuencias de rango medio 2 khz – 6
khz = Frecuencias medias-altas 6 khz – 20 khz
= Frecuencias altas
Cuando dos instrumentos ocupan las mismas frecuencias, chocan y
suenan confusos. Al crear capas que combinen bien, es imperativo
asegurarse de que ocupen diferentes áreas del espectro de
frecuencia.
3.4 Ecualización

La ecualización funciona agregando y reduciendo ganancia a ciertas áreas de

frecuencia. Hay tres funciones principales en la mayoría de los ecualizadores: ancho de
banda “Q”, frecuencia y ganancia. La función "Q" controla qué tan estrecha o ancha es el
área de frecuencia afectada, mientras que la función Frecuencia controla qué parte del
espectro se ve afectada. La última función, Ganancia, controla cuánta ganancia se
agrega o elimina del área seleccionada. A continuación se muestran dos imágenes de
un ecualizador. El primero muestra un ancho de banda “Q” amplio y estrecho y el
segundo muestra una comparación de espectros de frecuencia para dos instrumentos.
Los ecualizadores gráficos son excelentes para comparar instrumentos porque puedes
determinar dónde están los puntos problemáticos o superpuestos. Al utilizar
ecualizadores, es bueno comprender los tipos de filtros. Los tipos más comunes son las
curvas de campana o de pico, los filtros de estante alto y bajo, los filtros de paso bajo y
alto en diferentes gradientes (12 dB y 24 dB) y los filtros de muesca y paso de banda. La
siguiente imagen muestra los distintos tipos de filtros.
3.5 Compresión (incluida la cadena lateral)

Las principales configuraciones de un compresor son Umbral, Ganancia de

maquillaje, Ataque, Liberación y Relación. Dependiendo del tipo puede haber
otras configuraciones, pero estas serán las que examinamos en esta sección. Para
escenarios de cadena lateral, una vez que se dirige la patada, generalmente bajo
el Umbral, mantengo el Ataque pequeño, elevo ligeramente la Liberación y
aumento la Proporción. ¿Por qué? Sigue leyendo.

El umbral establece el punto en el que se activa el compresor. Los controles de

relación aplastan la salida (por ejemplo, cuanto mayor sea la relación, más
entrada se necesita para aumentar la salida en 1 dB). Las funciones Attack y
Release funcionan igual que en las envolventes del amplificador y la ganancia
de maquillaje devuelve el volumen a la normalidad después de la reducción.

La única manera de poseer verdaderamente la compresión como efecto es

experimentar por un tiempo. Al enrutar múltiples canales a través de un compresor, los
sonidos más fuertes bajan de volumen mientras que los sonidos más bajos aumentan,
razón por la cual muchos productores dicen que la compresión "gelifica" los
instrumentos juntos. Sin embargo, si aplicas demasiada compresión, tu pista sonará
apagada y estática.

La cadena lateral es el acto de utilizar un compresor para "agachar" o reducir el

volumen de un instrumento cuando se toca otro instrumento. La función básica de un
compresor es reducir el nivel de volumen de un instrumento y el encadenamiento
lateral le permite hacer precisamente eso, pero basándose en otro instrumento.
Así es como funciona la cadena lateral: un instrumento suena sobre el bombo y
suena turbio. Al agregar compresión de cadena lateral al instrumento, se creará
un sonido de bombeo en el que el volumen se reduce significativamente cada vez
que suena el bombo. Para empezar, agregue un compresor con capacidades de
cadena lateral al canal de bajos. Dirija el bombo a la opción de cadena lateral del
compresor para que cada vez que suene el bombo, el bajo se vea afectado. Ahora
sólo necesitas girar algunas perillas.
3.6 Reverberación

La mayoría de los complementos de reverberación tienen varias funciones ajustables

que incluyen filtros seco/húmedo, retardo previo, ancho estéreo, tamaño, tiempo,
filtros de paso alto o bajo y algún tipo de control de brillo/presencia/color. La función
Dry/Wet controla la cantidad del sonido original que se transmite. 100% Dry no contiene
reverberación, mientras que 100% Wet solo contiene reverberación. La configuración
Pre-Delay controla cuánto tiempo tarda (normalmente milisegundos) hasta que
comienza la reverberación, Stereo Width controla qué tan centrada o amplia es la
reverb y la función Time controla cuánto dura la “cola” de la reverberación.

Cuando utilice la reverberación, tenga en cuenta que también ocupa espacio en el

espectro de frecuencias. Siempre trato de diseñar reverberaciones para que logren el
efecto deseado sin utilizar todo el espacio disponible en la mezcla. Esta es otra razón por
la que el encadenamiento lateral es tan efectivo y sorprendente. Puedes enviar tu
reverberación a través de compresión de cadena lateral usando prácticamente cualquier
otro instrumento para crear colas de reverberación salvajes y mantener espacio abierto
para tus instrumentos más destacados.
3.7 Otras funciones

Panorámica: La panorámica es una función que mucho se pasa por alto cuando se
habla de mezcla y producción. Es bastante simple, pero efectivo. Los instrumentos
pueden estar en el centro y sonar como si vinieran de frente, o pueden estar a la
izquierda o a la derecha y sonar como si vinieran de los lados. Si tiene dos
elementos que se superponen ligeramente y comparten el mismo espacio de
frecuencia, colóquelos en diferentes direcciones. Alternativamente, puedes
agrupar instrumentos, por ejemplo, panorámicamente los sintetizadores a la
izquierda y la percusión a la derecha. La panorámica también es una manera fácil
de evitar los complementos de ancho estéreo y retardo de muestra.

LFO: Hertz es la unidad utilizada para la frecuencia o el número de ciclos de

ondas sonoras por segundo. Los osciladores normales producen sonidos de 20
hercios o más, o 20 ciclos por segundo o más rápido. El LFO, u oscilador de baja
frecuencia, produce ondas inferiores a 20 hercios y, como no se puede escuchar,
se utiliza para modular los parámetros del sintetizador. A menudo se asigna a
funciones como el corte o el tono del filtro. Dado que utiliza ondas para la
modulación, puedes elegir diferentes tipos de ondas para diferentes tipos de
modulación. La onda sinusoidal ofrece una modulación suave de ida y vuelta,
mientras que la onda cuadrada se asemeja a una modulación abrupta de "uno u
otro". Los LFO son responsables en parte de hacer que el dubstep “se tambalee”.
3.8 Acentos

Los acentos son los golpes de batería de un solo golpe que escuchas en una canción
para enfatizar un cambio o transición. Como la 'bomba' del bombo o el ruido de la
explosión al comienzo de una crisis de trance. Los acentos no sólo mantienen la
canción interesante y brindan pistas para las nuevas partes que vienen, sino que
también hacen que tu canción sea más profesional porque muestra que te tomaste
el tiempo para agregarlas. Todo es parte de agregar dinámica. En realidad, la
dinámica en forma de acentos y automatización marca la diferencia entre
aficionados y profesionales. Hoy en día, cada pista tiene un millón de canales y un
millón de cosas sucediendo en diferentes momentos, todo agrupado en 6 o 7
minutos de baile. Este es el nivel en el que deberías estar.

Los acentos se componen de muchos instrumentos y sonidos. Como expliqué

anteriormente, puedes usar instrumentos de percusión o cajas y palmas con
reverberación o retardo agregado, puedes usar una sola nota de sintetizador en
forma de onda real o ruido blanco con reverberación o retardo agregado o puedes
usar los barridos de ruido blanco más comunes. Independientemente de lo que
uses, es crucial usar acentos porque mantienen interesante una canción que de otro
modo sería repetitiva y aburrida. Cuando hago una pista, las agrego a medida que
construyo el diseño compositivo, aunque puedes colocarlas después de que se forma
la estructura básica.
Voy a explicar cómo crear un barrido de ruido blanco básico. Primero, en un nuevo
canal, cargue su complemento de sintetizador favorito que tenga un generador de ruido
blanco y comience desde un preajuste vacío. Aumente la liberación en la envolvente del
amplificador a aproximadamente 40 – 50% y agregue también un retraso de negra si lo
prefiere. Una vez hecho esto, cree una nota midi de cuatro compases (16 tiempos) de
largo en un clip y colóquela en los últimos cuatro compases de un ciclo. Ahora agregue
un filtro de paso bajo y use la automatización para aumentar lentamente la frecuencia
de corte de 0 Hz a 100 Hz al principio a 18 kHz al final. ¡Voilá! Tienes un barrido de ruido
simple. Hay muchas maneras de alterar este sonido básico, pero por ahora debería ser
un comienzo suficiente. La siguiente imagen muestra el corte del filtro (línea rosa)
aumentando a medida que suena la nota.
3.9 Automatización

El corte del filtro en la imagen de la página anterior recuerda el siguiente tema

de interés: la automatización. En las pistas de música electrónica actuales, la
automatización es obligatoria. Sin él, las canciones no tienen vida propia. Ya sea
que estés girando físicamente una perilla de tu sintetizador clásico o estés
extrayendo puntos de valor en un DAW, siempre tendrás pistas con mejor sonido
al agregar cambios dinámicos. Para la mayoría de DAW, las pistas en la ventana
de arreglos tienen menús desplegables que muestran varios parámetros.
Simplemente elija qué parámetro desea automatizar y comience a dibujar
puntos. La otra forma de automatizar valores es grabar los ajustes en tiempo real
a medida que se reproduce la canción.

Probablemente la única capa estática en cualquiera de mis pistas es el bombo,

pero incluso eso cambia de vez en cuando con el uso de rellenos de batería. He
utilizado la automatización para hacer prácticamente cualquier cosa que se te
ocurra. Esto también ayuda a mantener la originalidad al diferenciar tus pistas de
las demás.

Estas son algunas de las formas en que la automatización puede mantener viva tu canción:

Cambiar el tempo de una canción más abstracta. (¡No querrás hacer esto
en una pista de EDM que usarán los DJ!)
Cambiar el tono de un platillo ride o de una pista de charles. Aumentar la duración de la
reverberación o liberación a medida que avanza un barrido de ruido blanco.

Cambiar el corte del filtro de sintetizadores y bajos para reducir la

intensidad de una canción.
Aumente la velocidad del LFO para calentar las cosas hacia el final de
una avería.
Como puedes adivinar a partir de esa lista increíblemente pequeña, hay literalmente
cientos de formas de editar las partes de una canción y mantener todo fresco. Vea un
ejemplo real de la automatización de una canción de EDM a continuación.
Parte 4: Arreglo
La parte 4 trata sobre cómo hacer un bucle en una canción.

Aprenderás la anatomía de la música electrónica.

Construirás obras maestras.

Una barra a la vez.

4.1 Conceptos básicos de la estructura

Finalmente estamos en un punto en el que podemos comenzar a transformar

nuestra colección de instrumentos en una canción legítima. Hemos conquistado
la fase de creación y ahora sólo nos falta dominar la parte del arreglo. Los
grandes loops son la inspiración para grandes canciones, pero el vínculo integral
entre uno y otro es la estructura. Si una canción tiene un gran tema fundamental
pero el seguimiento apesta, no será un éxito. Piense en la Parte 1, donde hablé
de los distintos tipos de estructuras de canciones. Con eso en mente, voy a
analizar cada parte de una pista de EDM para que puedas descubrir cómo
convertir tu loop en una mezcla extendida completa.

Antes de profundizar en los ingredientes de una gran canción de EDM, debemos

comprender las seis piezas esenciales de la estructura de una canción. La pista ideal
tiene secciones de entrada tanto en la parte delantera como en la trasera para
permitir a los DJ las transiciones más suaves posibles. Entre estas secciones de
introducción y fin se encuentran las secciones del cuerpo donde la energía sube y
baja continuamente. A continuación se muestra un cuadro que explica las seis partes
y sus longitudes normales. Tenga en cuenta que, aparte de las piezas de introducción
y cierre, no están necesariamente en un orden específico:

Introducción 2 - 6 ciclos

Hacer entrar a 1 - 16 ciclos

Romper . 5 - 8 ciclos

Descomponer . 5 - 8 ciclos
Conducir fuera 1 - 16 ciclos

Outro 2- 8 ciclos

Además de las partes anteriores, existe lo que se denomina "Gota". Una caída es
cuando el ritmo o la melodía principal u otros elementos cruciales "vuelven a
aparecer" en la canción. También como nota al margen, lo más probable es que
si las secciones de entrada y salida son largas, las secciones de desglose no lo
serán. Independientemente de la estructura de la canción, el objetivo final de
este capítulo es definir cada sección para darte mejores ideas sobre tus
composiciones. Lo mejor que puedes hacer es escuchar atentamente otras
canciones. En lugar de explicar cómo crear cada sección, enumeraré varios
eventos que ocurren a menudo con cada parte. También te daré consejos para
ayudarte a construir cada sección.
4.2 Introducción

La introducción es la primera pieza de tu canción. La introducción, a menudo recortada para

versiones de canciones llamadas 'Radio Edits', es para que los DJ puedan realizar una
transición perfecta entre canciones. La introducción suele durar alrededor de un minuto y
sólo contiene los elementos básicos de una canción.

Lo que sucede:

Se introduce el tema principal.

Comienza con una combinación de bombo, caja y sombreros. A veces el bajo
también está presente.
Dura entre 2 y 8 ciclos, aunque 4 es lo más común. Piense en ello como
un bucle de esqueleto básico al que se le agregan más y más hasta que
aparece la línea principal del sintetizador.
El bombo y el bajo a veces tienen un paso alto durante los primeros 2
ciclos.
Las capas de charles se introducen lentamente en la
introducción. A veces, la trampa se agrega después de 2 ciclos.
Se agregan acentos cada 2, 4 u 8 compases, así como avances para la línea
principal.

Consejos de introducción:

La introducción es la parte más aburrida de la canción (junto con la salida),

así que haz todo lo posible para hacerla más interesante. Dado que los DJ
necesitan escuchar la introducción para realizar mezclas, puedes aumentar
las frecuencias altas al principio y reducirlas lentamente a medida que
avanza el resto de la canción.
Aumentar lentamente el volumen de la línea de bajo u otros elementos puede
aumentar la intensidad a medida que avanza la introducción.
Agregar efectos como ruido blanco y sonidos de percusión especiales ayuda a
mantener la atención de los oyentes.
El final de la introducción a menudo aumenta la energía antes de una gran
caída cuando “empieza” el tema principal.
4.3 Introducción

El Lead In es la primera pieza de la parte principal de una canción. En este punto, se

han introducido la mayoría, si no todos, los elementos, y la tarea principal es generar
energía mientras se mantiene a la audiencia enganchada. La duración típica de la
introducción es de 1 a 2 minutos.

Lo que sucede:

La introducción comienza con el tema principal o alguna variación similar.

El oyente entiende el punto, pero todavía hay algunas variaciones para
mantener el interés y generar energía. A menudo hay averías y descansos
en miniatura, para darle un descanso al bucle principal y aumentar la
intensidad. Estos mini-pausas suelen tener 1 o 2 compases (4 u 8 tiempos)
de duración y, en la mayoría de los casos, el bombo es de paso alto o se
elimina por completo. Esto crea una "gota" en miniatura, que aumenta la
energía.
Dependiendo de la duración del Lead In, se utiliza una de varias opciones para
aportar variedad a la canción y generar energía. El primer método, y el más
sencillo, es simplemente agregar un nuevo elemento en cada ciclo hasta que
se produzca una avería. La desventaja es que esto puede volverse repetitivo y
predecible. La segunda opción es agregar y eliminar elementos a medida que
avanza la introducción. Esto se puede hacer de muchas maneras, pero
generalmente implica primero agregar un elemento y luego eliminar
elementos en ciclos posteriores.

Consejos de entrada:

Intente comenzar con todos los elementos de su bucle principal y elimínelos primero en
lugar de simplemente agregar elementos. Esta sección de una canción se beneficia
enormemente de la automatización. Se pueden aplicar automatizaciones sutiles a las
pistas de batería, mientras que se pueden utilizar automatizaciones más generosas en las
líneas principales del sintetizador.
Intente pasar alto todos sus instrumentos durante un mini descanso
para aumentar la energía en la caída.
Sea creativo con los acentos; mantienen la pista interesante y proporcionan
pistas sobre cuándo comienzan y terminan los ciclos.
Aumente lentamente la frecuencia de corte en un filtro de paso alto cuando se
acerque a la primera avería para crear suspenso. Experimente con
preparaciones falsas durante la introducción para mantener a la audiencia
activa.
4.4 Descanso

Una sección de pausa es donde la canción cambia su ritmo reciente para descansar unos
cuantos compases. Piense en la canción como si literalmente se tomara un "descanso".
Con la música dance suele ser un poco más largo y dura entre 2 y 16 compases.
Lo que sucede:

Durante una sección de descanso, la mayoría de los elementos principales se

eliminan para permitir que la canción respire un poco. Esto significa que el
sintetizador principal y los charles abiertos o la caja podrían eliminarse
durante el descanso. A menudo, hay una acumulación hacia el final del
descanso para que la energía vuelva a caer.
A veces, pueden aparecer nuevos ritmos que no estaban anteriormente en
la canción o, más comúnmente, nuevas variaciones de ritmos anteriores.

A medida que avanza la pausa, generalmente viaja en una de dos

direcciones: o la canción disminuye en energía y vuelve a golpear la
caída o aumenta lentamente en energía y regresa en pleno apogeo.

Consejos para descansar:

Durante un descanso, intenta agregar acentos completamente nuevos para mantener la

atención de la multitud.
Para generar realmente anticipación, intente crear una pausa con la
patada alta todo el tiempo.
Si no estás seguro de qué elementos eliminar durante un descanso,
elimina uno más de los que crees que deberías para ver qué sucede.

En lugar de eliminar ciertos elementos, intente agregar un filtro de paso bajo

o de paso alto en toda la canción.
Para canciones muy intensas, me gusta eliminar todo menos el
bombo y el bajo y tal vez un solo charles cerrado.
4.5 Desglose

Esta es probablemente la parte más querida de una canción. Aquí es donde la

energía se rompe por completo y la multitud espera ansiosamente que el ritmo baje
nuevamente. Extendiéndose desde cuatro compases hasta 8 o más ciclos, la forma
en que se desarrolla el desglose realmente depende de la vibra de la canción y del
género o estilo.

Lo que sucede:

Al comienzo de la ruptura, el ritmo del tambor generalmente se

desvanece o desaparece por completo.
Los elementos pieza por pieza se vuelven a agregar a la mezcla para aumentar el
flujo.
Justo cuando parece que el ritmo debería bajar, el colapso
continúa por más tiempo.
El ritmo finalmente llega, generalmente con explosiones, choques de
platillos o sonidos de ruido blanco.
Todos aplauden.

Consejos de avería:

Las averías no siempre tienen por qué empezar desde cero. Intente simplemente
eliminar las capas de bombo y bajo durante cuatro u ocho compases antes de
eliminar otros elementos.
Dependiendo del género, algunas averías nunca pierden ningún elemento.
Los únicos cambios son un filtro de paso alto sobre el bombo y el bajo y una
reverberación que se agrega a toda la canción. Experimente con barridos de
ruido blanco y platillos invertidos para aumentar la intensidad.

Intente reducir ligeramente el volumen durante la interrupción

para que cuando llegue la caída, sea mucho más fuerte.
Haz de la automatización tu amiga. Úselo para agregar carácter a capas
individuales cuando no esté sucediendo mucho más y para modificar filtros y
resonancia para aumentar la energía.
4.6 Salida

El Lead Out es muy similar al Lead In excepto que el objetivo es disminuir la

energía lenta y sutilmente. En este punto, el tema principal se ha revelado en
su totalidad, y ahora la canción necesita mantener el sentimiento mientras
elimina elementos.
Lo que sucede:

El Lead Out suele comenzar con una caída por avería o rotura. En este
punto, el oyente "entiende el punto" y, con suerte, está bailando con
toda su fuerza al ritmo que acaba de caer.
Dependiendo de la estructura de la canción anterior, es posible iniciar
Lead Out sin todos los elementos del bucle principal para disminuir
ligeramente la energía.
Después de uno o dos ciclos, algunos elementos primarios generalmente se
eliminan, como una palmada o un charles abierto. Estas eliminaciones suelen ir
acompañadas de acumulaciones en miniatura para suavizar la transición y
mantener altos los niveles de intensidad.
Hacia el final de Lead Out, la canción generalmente consta únicamente de
las capas de bombo, bajo y sintetizador, con la posibilidad de incluir una
caja o sombrero.
A menudo hay algún tipo de sección de minipausa o preparación que hace
la transición de la canción a la parte final.

Consejos de salida:

Juega a eliminar la línea principal del sintetizador y, en su lugar, agrega

avances.
Se pueden utilizar varias técnicas para disminuir la intensidad durante el
Lead Out. Experimente aumentando los límites del filtro y reduciendo el
volumen de ciertos instrumentos.
Vea si realmente puede agregar uno o dos elementos durante la parte de
salida y al mismo tiempo reducir la energía.
Utilice minipausas después de cada ciclo o dos para mantener el flujo
de la canción y que el público no se aburra.
Mantén el bajo en tu canción, de lo contrario la intensidad caerá demasiado rápido y
demasiado pronto.
4.7 Final

El Outro es el segmento final de una canción de baile. Proporciona lo esencial

para que los DJ puedan mezclar suavemente la siguiente canción. En este
punto, la canción sonará similar a la introducción, aunque es bueno mantenerla
algo diferente. Esta sección dura de 2 a 8 ciclos, pero la mayoría de las veces
dura solo 4 ciclos.

Lo que sucede:

El Outro debe comenzar con las partes primitivas del tema

principal: bombo, línea de bajo, caja y sombreros.
En este punto, el sintetizador principal se ha eliminado junto con otros
elementos.
A veces, la línea de bajo se elimina con el inicio del Outro. Al igual que la
introducción, esta pieza final es muy aburrida, así que haz buen uso de
los acentos para mantener el interés.
Hacia el final, a menudo habrá una última preparación para sacar la
canción. Esto ayuda a la transición a la caída de la siguiente pista
suponiendo que los ciclos estén alineados (que deberían estar).

Consejos finales:

Al crear el Outro, intente utilizar la automatización para eliminar

gradualmente los graves. Esto se puede hacer con un filtro de paso alto o con
volumen.
El bombo también puede ser de paso alto, pero no lo elimines por
completo o será difícil mezclar y combinar el ritmo de la siguiente canción.

Intente agregar un barrido de ruido blanco para finalizar la pista.

Si descubre que no puede mantener las cosas entretenidas, intente agregar un
elemento nuevamente durante el inicio del Outro.

Imagina que estás escribiendo un ensayo. El Outro sería la conclusión: no

hay ideas nuevas, solo una continuación de las ideas abordadas
anteriormente que lo llevarán suavemente hasta el final.
Parte 5: Toques finales
La parte 5 analiza qué hacer al terminar una canción.

Otros temas diversos también se encuentran en esta sección.

Descubrirás una solución de masterización DIY.

Estamos al final.
5.1 Masterización improvisada

Una vez que se ha establecido la estructura, se ha completado la mezcla y tienes un

producto terminado con el que estás satisfecho, es hora de pensar en dominarlo. Lo
ideal es que el objetivo sea publicarlo en un sello que masterice tu tema por ti. ¿Qué
pasa si publicas tus propias canciones y no puedes permitirte el lujo de
masterizarlas adecuadamente? ¿Cómo consigues que tus canciones suenen algo
masterizadas cuando las envías a un sello sin recurrir a un ingeniero de
masterización real? Hazlo tú mismo. Tenga en cuenta que el propósito de esta
sección es ofrecer una solución temporal en lugar de una alternativa permanente a
la masterización de sus canciones.

Esperemos que haya seguido los métodos de este libro y haya mantenido baja la salida de su
canal. Si es así, su salida maestra no debería estar en rojo y probablemente no exceda los 0
dB con demasiada frecuencia. Si no siguió las instrucciones, baje el atenuador maestro por
ahora hasta que los niveles estén justo por debajo de 0 dB. Necesitamos asegurarnos de que
haya un margen adecuado en nuestra mezcla. Una vez hecho esto, necesitamos encontrar
una solución simple para hacer que nuestra pista suba un poco más el volumen para poder
cargarla en línea o enviarla a un sello.

Antes de explicarte, ten en cuenta tres puntos importantes. Primero, cuando

envíe su pista a un ingeniero de masterización (ME), elimine todos los
complementos que haya cargado en la salida maestra. El trabajo del ME es
masterizar tu pista y él no podrá hacer nada si ya intentaste masterizarla y
usaste todo el margen disponible. En segundo lugar, si la canción no suena
bien ya, no sonará mejor. Cada vez suena más fuerte. En tercer lugar, si te
gusta la “Guerra del volumen” de la que todo el mundo habla, ten en cuenta
que solo puedes llegar hasta cierto punto antes de recortar la forma de onda
y alterar los sonidos. Sin embargo, algunas personas quieren eso y si eso es lo
que buscas, hazlo.
Entonces, ¿cuál es mi solución sencilla? Añade un compresor y un
limitador. Es fácil. El objetivo aquí es ahorrarte la molestia de aprender a
masterizar una canción y al mismo tiempo poder subir el volumen sin
superar los 0 dB. Para ello existen dos opciones.

El primero son los ajustes preestablecidos en un compresor y limitador. A menos

que sepas lo que estás haciendo como resultado de la práctica y la experiencia,
simplemente utiliza ajustes preestablecidos. La masterización es un proceso
complicado y no querrás estropear tu canción y todo el tiempo y esfuerzo que le
dedicas. Aquí está mi recomendación. Tenga en cuenta que no estoy afiliado a la
empresa ni a los complementos, solo intento ofrecer una sugerencia. Utilice el
Soniformer y el Elefante de Voxengo. El Soniformer es un compresor con un preset
de masterización y el Elephant es un limitador con un preset de masterización.
Ambos suenan increíbles y hacen el trabajo.

La segunda opción: si no te sientes cómodo usando ajustes preestablecidos o

realmente quieres esforzarte para que tu pista suene medio decente, aquí tienes
una guía rápida para usar la compresión y la limitación. Primero, como regla
general, asegúrese de que su salida nunca exceda -.5 en su medidor de nivel de
salida maestro. Sin compresión, es posible que aún obtenga "picos" superiores a
-0,5 dB. Por eso utilizamos compresores y, para fines de masterización, es
importante no aplastar demasiado el sonido. Dado que es posible arruinar los
niveles y la dinámica de tu canción, asegúrate de que el umbral del compresor
esté configurado justo por encima de la salida de tu canción. Esto atrapará los
picos y los comprimirá nuevamente. Cuanto mayor sea la proporción, más se
comprimirán. Otra gran herramienta para la masterización es el compresor
multibanda. Básicamente se trata de varios compresores envueltos en uno. La
entrada se divide en rangos de frecuencia y luego la compresión se controla de
forma independiente para cada rango. Esto ayuda a reducir el efecto de bombeo
no deseado que viene con un compresor de banda única.
Una vez controlados los picos, agregue un limitador a su salida maestra. Un
limitador de masterización (a veces denominado Maximizador) aumentará el
volumen de su pista, pero la compensación es menos dinámica. Estos también se
denominan limitadores de “pared de ladrillos”. ¿Como funciona? Cuanto más alto
establezca su nivel de entrada, más alto será el volumen de salida sin cambiar el
nivel de salida. Cuanto más aumente el nivel de entrada, mayor será la reducción
de ganancia, manteniendo así el nivel igual. El truco consiste en aumentar el
volumen sin disminuir demasiado la dinámica. Primero, establezca el parámetro
Techo de salida en -0,5 dB para garantizar que nuestra mezcla no se desborde. A
partir de ahí, aumente el nivel de entrada hasta llegar a -2 dB a -4 dB de
reducción de ganancia. Esto debería aumentar el volumen sin despojar a la
mezcla de su dinámica.

Si te enfrentas a los mandos Release o Attack, cuanto más lentos sean los valores,
mejor. En el nivel de masterización, no querrás que tus complementos sean
audibles. Cuanto más lento sea el ataque y la liberación, menos evidentes serán los
efectos para el oído.

Una vez que hayas cargado ambos complementos en tu salida maestra, es hora
de hacer rebotar tu pista y escucharla. Escúchalo en iTunes con y sin auriculares.
Escúchalo en tu coche y en el de todos tus amigos. Úsalo como pista de prueba
durante la prueba de sonido en tu próximo concierto. Es importante que
sometas tus pistas a tantos sistemas como sea posible antes de enviarlas a los
sellos, de lo contrario tu opinión sesgada podría pensar que es increíble cuando
en realidad suena de mala calidad.

Siempre que tengas algo que funcione y pase las pruebas del sistema
de sonido, la siguiente opción es venderlo tú mismo (si tienes
suficientes seguidores), enviarlo a un sello y/o masterizarlo
profesionalmente.
Si vende su música usted mismo, la mejor opción disponible es
Bandcamp.com. Puedes ver tu música todo el tiempo que quieras y quedarte
con el 90% de los ingresos. El sitio sólo se queda con las ganancias de uno de
cada diez álbumes que vende. Si puedes gestionar alrededor de $500 en
ventas al mes, puedes iniciar un sello en Beatport como una opción
alternativa, y para aquellos de ustedes con un gran número de seguidores,
probablemente quieran obtener su material en iTunes.

Si optas por la ruta del sello discográfico, envía tus canciones únicamente a sellos que
publiquen material similar. Asegúrese de conocer su forma preferida de recibir
demostraciones (si es que las aceptan) consultando su sitio web. Cuando lo compartas
con ellos en Soundcloud o lo vincules en un correo electrónico, no digas simplemente
"Oye, aquí tienes mi demo". Agrega un poco de información sobre por qué te gusta ese
sello en particular y si puedes ver que tu canción encaja en su catálogo de lanzamientos.
Si puede, consulte su calendario de lanzamientos para no enviarles demostraciones
durante los momentos de mayor actividad.

Finalmente, cuando realices tu masterización profesionalmente, investiga.

Una gran recomendación no afiliada es Robert Babicz. Como artista e
ingeniero de masterización, siempre pensé que sus producciones suenan
muy bien. Elijas quien elijas, tu ingeniero de masterización probablemente
tendrá información específica sobre cómo quiere tu canción, así que
asegúrate de seguir sus instrucciones.
5.2 Temas y trucos varios

Esta sección explora tanto los temas que no encajaban en ningún otro lugar como
trucos creativos para mejorar tus sonidos. Creo que parte de la información más útil
se encuentra en esta sección y, naturalmente, prefiero dejar lo mejor para el final.

El uso de canales: no dude en crear canales individuales para cada capa

de un solo instrumento. Con la potencia informática actual, es posible
utilizar tantas pistas como desee y, en realidad, es casi más fácil crear un
nuevo canal en lugar de automatizar y alterar múltiples bucles y
regiones midi en un canal. Por ejemplo, en lugar de automatizar un filtro
de paso alto en el bombo para una avería, simplemente duplique el
canal del bombo y agregue un filtro de paso alto. Cuando quieras pasar
alto tu bombo, simplemente mueve las regiones midi del canal original
al canal de paso alto.

No te olvides tampoco de los canales auxiliares. Los canales auxiliares desempeñan al

menos dos funciones importantes:

Agrupan instrumentos, lo que le permite realizar tareas como

controlar el volumen de varios instrumentos con un
atenuador. Un ejemplo sería agrupar los canales de batería
una vez que haya terminado la mezcla para poder ajustar el
volumen de todo el grupo con un atenuador.
Funcionan como canales de efectos, lo que le permite enrutar varios
instrumentos a un complemento o ejecutar un complemento a través de
modificadores diferentes a los del canal original. Por ejemplo, puedes
pasar un retardo en el canal de efectos mientras pasas el instrumento
original.
A continuación se muestra cómo se ven los canales de Ableton Live.

Como puede ver, hay un menú desplegable que dice "Maestro". Esta
es la salida del canal y, al cambiarla a 'Sólo envíos', puede enrutar la
salida a sus canales auxiliares y luego enrutarlos a la salida maestra.

La importancia de los volúmenes variables: No todos los volúmenes de los canales

están hechos para ser iguales. La línea principal del sintetizador no debe tener el
mismo volumen que la pandereta rítmica de fondo. Una mezcla dinámica tiene
diferentes niveles de volumen. El elemento principal debería ser más ruidoso que
todo lo demás. Ajuste los niveles de volumen para cada capa hasta que se sientan
cómodos con todas las demás capas.
Por encima de todo, aprenda a confiar en sus oídos: si suena bien, ¡probablemente lo sea!

Consejos:

Mantenga sus instrumentos principales más fuertes.

Los niveles de volumen se pueden ajustar a lo largo de la canción para mantener la

dinámica.
Ajuste el volumen de sus instrumentos al nivel de la fuente (sintetizador, sampler,
etc.) para que se sientan bien.

Tipos de ecualizador: hasta ahora sólo he hablado de ecualizadores gráficos. Existen

otros tipos de ecualizadores y se pueden encontrar en todo, desde sintetizadores hasta
ciertos complementos de compresor. Sin embargo, estos no son el foco de esta pieza.
Lo que realmente quiero presentarles es la ecualización de fase lineal versus fase
mínima. Muchas marcas anuncian que el 'dominio de los ecualizadores' de fase lineal es
el mejor y me gustaría hacer el papel del abogado del diablo por un segundo.

Para mantener este tema relativamente superficial, sólo diré que la ecualización
introduce un eco. Este eco puede ser antes o después de la salida. Con muchos
ecualizadores de fase lineal, el eco viene antes de la salida, mientras que con la mayoría
de los ecualizadores de fase mínima el eco está después de la salida. Esto significa que
en muchos casos los ecualizadores de fase mínima son los mejores para el trabajo
porque el eco está después de la salida y, por lo tanto, queda oculto por la propia salida
de sonido.

El uso de muestras: Hoy en día, todos los productores utilizan muestras. De

hecho, los únicos que no utilizan samples suelen ser las bandas en vivo. Si
utiliza muestras, hay muchas cosas que puede hacer además de simplemente
cortar una voz o un ritmo y reproducirlo. Sin embargo, antes de agregar
efectos, necesita obtener las muestras.
Hay un par de formas de obtener muestras. Primero, hay bancos de muestra
disponibles. Un directorio popular es sonidostosample.com y alberga
muchas empresas de muestras individuales. Otra forma de adquirir
muestras es a la antigua usanza. Encuentra algunos discos y graba partes de
sus canciones. Finalmente, existe una forma totalmente sencilla de
muestrear canciones cortándolas y editándolas en su DAW. Toma una
canción favorita y corta la parte que quieras en Ableton o Logic.

Una vez que tengas algunas muestras, puedes hacer varias cosas, como superponer un
ritmo de batería sobre el tuyo o usar un riff de guitarra o sintetizador famoso como línea
principal. La segunda opción es en realidad sólo una forma elaborada de decir que puedes
remezclar canciones antiguas. Si estás atascado, aquí tienes algunas ideas para muestrear
sonidos:

Pasa alto un ritmo disco y colócalo sobre un ritmo propio. Pruebe su propia
línea de sintetizador con un Phaser o Flanger para que el efecto sea
esencialmente estático y congelado.
Pruebe un compás de su propio ritmo de batería y luego agréguele un efecto
o inviértalo para que cree un nuevo relleno de batería.
5.3 Ejemplos de diseño de sonido

Esta sección es donde puede encontrar ejemplos detallados sobre cómo crear sonidos y
efectos exactamente. Cada ejemplo se relaciona con una parte diferente de este libro
electrónico y, con suerte, lo impulsará hacia adelante en sus habilidades. Si no tienes los
complementos específicos que estoy usando, está bien. Los métodos se aplican a todo
tipo de equipos. Sólo asegúrese de conocer los términos comparativos de su propio
DAW o complemento.

Diseñar un bombo:

1. Comenzando con la batería del muestreador, cargue una muestra de bombo

TR-909.
2. Duplique el canal para tener dos canales de batería idénticos, cada uno
cargado con la muestra de bombo.
3. Tome el primer canal y agregue un filtro de paso alto de 12 dB a 35 o 40 Hz
para eliminar el ruido no deseado. Si escucha alguna caída en los graves,
baje el corte. No querrás perder esa plenitud de graves.
4. En el mismo canal, agregue un filtro de paso bajo de 12 dB entre 150 Hz y 200
Hz. Esta será nuestra capa de “patada baja”.
5. Si es necesario, baje el volumen de la fuente hasta que la
salida del canal esté en -12 dB o menos.
6. Edite la envolvente del volumen o cargue un complemento modelador de transitorios y
edítelo para que los valores de ataque, retención, sostenido y caída se parezcan a los
mismos valores que en la imagen siguiente. Al configurar los valores de ADSR, guíese
por lo que le dicen sus oídos en lugar de por los números.
No querrás alterar tanto la muestra que el cuerpo de la patada
quede silenciado y la cola sea inexistente.
 7. Aplique los mismos valores ADSR al canal duplicado.
8. Agregue un filtro de paso alto de 12 dB al canal duplicado alrededor de 300
Hz.
9. A continuación, agregue un complemento de overdrive a su canal duplicado y
establezca el tono alrededor de 400 o 500 hercios, si es posible. Esto debería darle
un agradable sonido de "golpe" siempre que el overdrive sea sutil.
10. Tómate un tiempo para experimentar con frecuencias exactas para tus
filtros para que las capas se mezclen bien. Demasiada diferencia entre
los cortes y tu patada sonará inconexa, mientras que muy poco espacio
dará como resultado una patada con demasiado golpe.
11. Una vez que tengas dos capas que te gusten, envíalas a un canal auxiliar y
carga un EQ y un compresor. Asegúrese de que las salidas de ambos
canales vayan solo al canal auxiliar, en lugar de al auxiliar y al maestro. Si
la patada no suena del todo bien en el extremo medio o superior, dale un
ligero impulso al área problemática. Si no quieres que las frecuencias
problemáticas se mezclen con tu línea de bajo, corta zonas específicas. Si
desea agregar un peso adicional en los graves, intente no aumentar nada
por debajo de 50 o 60 Hz, ya que eso arruinará la claridad de sus
subgraves.
12. Para el compresor, la función Attack hará o deshará tu sonido. No
establezcas el valor de Ataque por debajo de 20 o 30 ms, ya que eso puede
dificultar el golpe de tu patada. Establezca el umbral a unos pocos decibeles
por debajo del nivel de salida para agregar solo un poco de compresión.
Esto asegura que las capas de tus patadas se gelifiquen pero no se
compriman demasiado.
13. Para los toques finales, puedes agregar un toque de reverberación si lo
deseas, pero si buscas un sonido de bombo tradicional, asegúrate de que
el tiempo no supere los 400 – 500 ms, el control Wet está alrededor de 25-
35% y que el sonido en sí esté centrado, no ancho.
Diseño de un bajo con cadena lateral:

1. Abra un softsynth. Este ejemplo utilizará Sylenth1. Comenzando con un preset

en blanco y un nuevo canal, configure el primer oscilador en una onda
triangular y suéltelo una octava más abajo.
2. Configure un segundo oscilador en una onda de diente de sierra.

3. Aumente el número de voces en cada oscilador a 2. Si no tiene esta

opción, simplemente asegúrese de que el número total de voces sea
superior a 1. Esto le permite utilizar distribución estéreo.
4. Agregue extensión estéreo. Si hay una perilla de desafinación (la mayoría de los sintetizadores
la tienen), súbela un tercio del recorrido.
5. Agregue un filtro de paso bajo (en el sintetizador, no en un complemento
externo) y aumente la resonancia entre un cuarto y un tercio del recorrido. Si
es posible, agregue también una pequeña cantidad de impulso al filtro.
6. Baje el límite del filtro hasta que encuentre un punto óptimo.
7. Cree una línea de bajo de una nota que dure un compás completo.
8. Agregue un filtro de paso bajo de 12 dB y establezca el corte entre 25 y 40 Hz,
dependiendo de la frecuencia fundamental de su nota de bajo.
9. Agregue un complemento de amplificador de válvulas o de saturación y suba el
variador unos 4 dB mientras reduce la salida unos 4 dB.
10. Con un ritmo de bombo 'cuatro en el suelo', agregue un compresor
con capacidades de cadena lateral a su canal de bajo.
11. Seleccione el bombo como entrada de cadena lateral.
12. Baje el umbral a aproximadamente -35 dB. Configure el ataque por debajo de 5 ms
y la liberación entre 20 y 60 ms para obtener una respuesta rápida. Establezca la
proporción en aproximadamente 3,5:1 o 4:1.
13. Tocando el bombo y el bajo al mismo tiempo, mira lo maravilloso que suena
el side-chain. Si es necesario, aplique una etapa de ganancia adecuada para
evitar el recorte.
Elaborar un acento de caja:

1. Cargue su sampler en un canal y luego cargue una caja pesada.

2. Ajuste la envolvente del volumen para que el ADSR se parezca a la imagen

siguiente.

3. Agregue un complemento de reverberación y establezca el tiempo entre 6 y 9

segundos. Establezca el nivel de humedad en 45% y configure el retardo previo en
aproximadamente 50 ms.
4. Agregue un filtro de paso bajo de 12 dB a 300 Hz o más, asegurándose de que el
sonido principal no se vea comprometido. Es importante agregar el filtro después de
la reverberación para afectar tanto a la reverberación como a la muestra de caja.

5. Agregue un compresor con capacidades de cadena lateral. Dirige el

bombo a la entrada de cadena lateral y establece el ataque entre 1 y 5
ms. Establezca la Liberación entre 20 y 60 ms y baje el Umbral a
alrededor de -35 dB. Establezca la proporción en 3,5:1 o 4:1.
6. Coloque la nota de caja en el último tiempo de un compás. Agregué una imagen
para mostrar lo que quiero decir.
Diseño de un charles/capa superior:

1. Cargue una muestra en un canal midi y un ritmo de batería disco o dance

muestreado en un canal de audio. Es importante tener una muestra que sólo
tenga un ritmo de batería; sin sintetizadores ni líneas de bajo. Asegúrese de
que la muestra tenga solo 1 o 2 compases de largo y tenga algún tipo de pista
de charles. Sonará mejor si se trata de una copia de vinilo antiguo, porque
obtendrás ruido adicional de fondo.
2. Tome el clip de audio muestreado y agregue un filtro de paso alto de 12 dB con una
frecuencia de corte de 1000 hz.
3. Cargue un sonido de charles en su sampler y agregue una cantidad sutil de
bitcrusher/decimator al charles para darle un toque crujiente.
4. Si lo desea, agregue un efecto de fáser o Flanger al ritmo de batería
muestreado.
5. Agregue otro filtro de paso alto de 12 dB, esta vez al canal del charles con el corte
establecido nuevamente en alrededor de 1000 hz.
6. Envíe tanto la pista de charles como la pista de muestra de ritmo a un
canal auxiliar. Si lo deseas, envía también tu capa de caja al canal
auxiliar.
7. Agregue un ecualizador a su canal auxiliar y corte las áreas que suenen
demasiado duras. Esto dependerá totalmente de las muestras utilizadas.
Pase alto el canal auxiliar a 300 hz.
8. Agregue un complemento de coro o conjunto para ampliar los sonidos. Mantenga el nivel de
humedad alrededor del 75%.
9. Agregue un compresor al canal auxiliar y configure el ataque a
menos de 15 ms. Mantenga la liberación entre 20 y 30 ms.
10. Ahora deberías tener una capa colorida de charles para una canción.
Diseño de una línea de sintetizador principal:

1. Comenzando con un canal y un complemento de sintetizador virtual, configure un

oscilador como una onda en diente de sierra y el otro como una onda cuadrada.
2. Establezca el número de voces en 8 y aumente el control de desafinación a
aproximadamente el 40%.
3. Separe los osciladores a una octava.
4. Agregue un filtro de paso alto de 24 dB a 225 Hz y un filtro de paso bajo de 24 dB a
10 kHz.
5. Felicitaciones. Tienes un sonido de sintetizador básico y sin procesar que puedes
editar un poco más. Usando el sintetizador Korg Virtual Analog MS-20, se vería
como en la siguiente imagen:
5.4 El fin

Bueno, eso es todo. Gracias por leer esto. ¡Espero que hayas aprendido al menos una
cosa de este libro electrónico! Siéntete libre de compartir este conocimiento con todos
tus amigos.

Si eres nuevo en la producción, te sugiero que tengas este y otros libros

orientados a la música junto a tu espacio de trabajo. Visite mi sitio web en
MakingEDM.com y lea la información allí. También sugeriría leer mis otros
libros sobre producción de música electrónica.

Aprenda los conceptos básicos, aplique lo que ha aprendido y nunca se rinda.

Salud,

Chris Crompton

http://www.makingedm.com