El color

La teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el
efecto deseado combinándolos.

El color es una sensación producida por el reflejo de la luz en la materia y transmitida por el
ojo al cerebro. La materia capta las longitudes de onda que componen la luz excepto las que
corresponden al color que observamos y que son reflejadas.

La luz blanca se puede producir combinando el rojo, el verde y el azul, mientras que
combinando pigmentos cian, magenta y amarillo se produce el color neutro.

Los colores se clasifican en primarios, secundarios y terciarios.

Los colores primarios son aquellos establecidos científicamente como los originantes de las
combinaciones cromáticas más extensas y satisfactorias. Estos son: amarillo, azul y rojo.

Los colores secundarios se obtienen mezclando los primarios entre sí en la misma proporción.
Son el violeta, naranja y verde.

Finalmente, los colores terciarios son el rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado,
amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo.

Los colores también despiertan respuestas emocionales específicas en las personas. La gama
cromática fría a la que pertenece el azul y sus derivados son relajantes, tranquilizantes,
expresan soledad y lejanía.

Por otro lado, la gama cálida a la que pertenecen el amarillo, el rojo y sus derivados son
colores excitantes, expresan dinamismos, proximidad, fuerza, alegría y evocan al fuego y al sol.

Las cualidades del color son: tono (nombre especifico), valor (grado de brillantez o
luminosidad) y saturación (grado de pureza).
Propiedades del color
Tono

Tono o matiz es el atributo que diferencia el color y por la cual designamos los colores: verde,
violeta, anaranjado. Es el estado puro del color, sin el blanco o negro agregados, y es un
atributo asociado con la longitud de onda dominante en la mezcla de las ondas luminosas. El
Matiz se define como un atributo de color que nos permite distinguir el rojo del azul, y se
refiere al recorrido que hace un tono hacia uno u otro lado del circulo cromático, por lo que el
verde amarillento y el verde azulado serán matices diferentes del verde. Los 3 colores
primarios representan los 3 matices primarios, y mezclando estos podemos obtener los demás
matices o colores. Dos colores son complementarios cuando están uno frente a otro en el
círculo de matices (círculo cromático).

Saturación o Intensidad

Saturación es la intensidad cromática o pureza de un color Valor es la claridad u oscuridad de

un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad
expresan lo mismo.

También llamada Croma, este concepto representa la pureza o intensidad de un color

particular, la viveza o palidez del mismo, y puede relacionarse con el ancho de banda de la luz
que estamos visualizando. Los colores puros del espectro están completamente saturados. Un
color intenso es muy vivo. Cuanto más se satura un color, mayor es la impresión de que el
objeto se está moviendo.

También puede ser definida por la cantidad de gris que contiene un color: mientras más gris o
más neutro es, menos brillante o menos "saturado" es. Igualmente, cualquier cambio hecho a
un color puro automáticamente baja su saturación.

Por ejemplo, decimos "un rojo muy saturado" cuando nos referimos a un rojo puro y rico. Pero
cuando nos referimos a los tonos de un color que tiene algún valor de gris, los llamamos
menos saturados. La saturación del color se dice que es más baja cuando se le añade su
opuesto (llamado complementario) en el círculo cromático.

Para desaturar un color sin que varíe su valor, hay que mezclarlo con un gris de blanco y negro
de su mismo valor. Un color intenso como el azul perderá su saturación a medida que se le
añada blanco y se convierta en celeste.
Otra forma de desaturar un color, es mezclarlo con su complementario, ya que produce su
neutralización. Basándonos en estos conceptos podemos definir un color neutro como aquel
en el cual no se percibe con claridad su saturación. La intensidad de un color está determinada
por su carácter de claro o apagado.

Luminosidad

Cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una superficie.

Es un término que se usa para describir que tan claro u oscuro parece un color, y se refiere a la
cantidad de luz percibida. El brillo se puede definir como la cantidad de "oscuridad" que tiene
un color, es decir, representa lo claro u oscuro que es un color respecto de su color patrón.

Es una propiedad importante, ya que va a crear sensaciones espaciales por medio del color.
Así, porciones de un mismo color con unas fuertes diferencias de valor (contraste de valor)
definen porciones diferentes en el espacio, mientras que un cambio gradual en el valor de un
color (gradación) da va a dar sensación de contorno, de continuidad de un objeto en el
espacio.

El valor es el mayor grado de claridad u oscuridad de un color. Un azul, por ejemplo, mezclado
con blanco, da como resultado un azul más claro, es decir, de un valor más alto. También
denominado tono, es distinto al color, ya que se obtiene del agregado de blanco o negro a un
color base.

A medida que a un color se le agrega más negro, se intensifica dicha oscuridad y se obtiene un
valor más bajo. A medida que a un color se le agrega más blanco se intensifica la claridad del
mismo por lo que se obtienen valores más altos. Dos colores diferentes (como el rojo y el azul)
pueden llegar a tener el mismo tono, si consideramos el concepto como el mismo grado de
claridad u oscuridad con relación a la misma cantidad de blanco o negro que contengan, según
cada caso.

La descripción clásica de los valores corresponde a claro (cuando contiene cantidades de

blanco), medio (cuando contiene cantidades de gris) y oscuro (cuando contiene cantidades de
negro). Cuanto más brillante es el color, mayor es la impresión de que el objeto está más cerca
de lo que en realidad está.

Colores Complementarios, adyacentes y Análogos

Los colores interrelacionados dentro del círculo cromático son los COLORES ANÁLOGOS tienen
una familiaridad o parentesco de un color primario base. Por ejemplo: rojo, rojo violeta, rojo
naranja. Son los colores que están dentro del círculo cromático de uno a continuación del otro.

COLORES ADYACENTES: son los que

se encuentran dispuestos en el
círculo cromático en relación de
vecindad sin los intermedios,
ejemplo: el color primario rojo y sus
adyacentes naranja y violeta.

COLORES COMPLEMENTARIOS: son

los que se encuentran opuestos
dentro del círculo cromático,
ejemplo: rojo su complementario es
el verde, amarillo su
complementario es violeta, azul su
complementario es naranja.

Los COLORES NEUTROS contienen partes iguales de cada uno de los tres colores primarios, el
rojo, el azul y el amarillo. Un color neutro se define como un color de una saturación muy baja,
que está cercana a la del gris. El negro, el blanco, el gris y a veces el marrón se consideran bajo
esta categoría.
 ESCALA DE NEUTROS

BLANCO, NEGRO Y GRIS

El blanco, el negro y el gris son colores acromáticos, es decir, colores sin color. Sin embargo,
desde el punto de vista físico, la luz blanca no es un color, sino la suma de todos los colores.

Si hablamos de colores pigmento, el blanco sería considerado un color primario, ya que no

puede obtenerse a partir de ninguna mezcla.

El color negro, por el contrario, es la ausencia absoluta de la luz. Es considerado un color

secundario, ya que es posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros, aunque no de una
manera pura.

El gris, resulta de la mezcla de ambos colores acromáticos por lo que sigue teniendo esta
propiedad.

Escalas: Las escalas de colores pueden ser cromáticas o acromáticas.

 Escala Cromática: Es aquella en la que los valores del tono se obtienen mezclando los
colores puros con blanco o con negro, por lo que pueden perder fuerza cromática o
luminosidad. Es decir, cambia su tono, su saturación y su brillo.

 Escala Acromática: Será siempre una escala de grises, una modulación continua del
blanco al negro. La escala de grises se utiliza para establecer comparativamente tanto
el valor de la luminosidad de los colores puros como el grado de claridad de las
correspondientes gradaciones de este color puro.
Por la comparación con la escala de grises (También llamada escala test), se ponen en relieve
las diferentes posiciones que alcanzan los distintos colores puros en materia de luminosidad.

Dicho de otro modo, podemos comparar los grados de luminosidad y claridad de los colores
puros que la forman.

Definimos como gamas de colores a aquellas escalas formadas por gradaciones que realizan un
paso regular de un color a otro. Por ejemplo, de un color puro hacia el blanco o hacia el negro,
de una serie continua de colores cálidos a fríos o una sucesión de diversos colores. Pueden ser
monocromas, cromáticas o polícromas.

Escalas monocromas: Son aquellas en las que hay un solo color y se forman con todas las
variaciones de este color, bien añadiendo blanco, negro o gris como mezcla de ambos.

Dentro de las escalas monocromas diferenciamos:

La Escala de Saturación, también llamada escala de blanco. Ésta se da cuando al blanco se le

añade un cierto color hasta conseguir una saturación determinada.

Escala de Luminosidad, también llamada escala de negro. Es cuando al color saturado se la

añade solo negro.

Escala de Valor se produce cuando al tono saturado se le mezclan, al mismo tiempo, el blanco
y el negro, es decir, el gris.

Escalas cromáticas: Estas pueden ser escalas altas, medias o bajas.

Altas: cuando se utilizan las modulaciones del valor y de saturación que contienen mucho
blanco dando lugar a composiciones luminosas.

Escalas cromáticas

Medias: cuando se utilizan modulaciones que no se alejan mucho del tono puro saturado del
color dando lugar a composiciones algo apagadas.

Bajas: cuando se usan las modulaciones de valor y luminosidad que contienen mucho negro
por lo que las composiciones resultarán oscuras.

Escalas Polícromas: Son aquellas gamas de variaciones de dos o más colores. El mejor ejemplo
de este tipo de escala es el arco iris.

Síntesis Aditiva
El proceso de reproducción aditiva normalmente utiliza luz roja, verde y azul para producir el
resto de los colores. Combinando uno de estos colores primarios con otro en proporciones
iguales produce los colores aditivos secundarios, más claros que los anteriores: cian, magenta
y amarillo. Variando la intensidad de cada luz de color finalmente deja ver el espectro
completo de estas tres luces. La ausencia de los tres da el negro, y la suma de los tres da el
blanco. Estos tres colores se corresponden con los tres picos de sensibilidad de los tres
sensores de color en nuestros ojos.

Los colores primarios no son una propiedad fundamental de la luz, sino

un concepto biológico, basado en la respuesta fisiológica del ojo
humano a la luz. Un ojo humano normal sólo contiene tres tipos de
receptores, llamados conos. Estos responden a zonas del espectro que
corresponden con longitudes de onda específicas de luz roja, verde y
azul. Las personas y los miembros de otras especies que tienen estos
tres tipos de receptores se llaman tricrómatas. Aunque la sensibilidad
máxima de los conos no se produce exactamente en las frecuencias
roja, verde y azul, son los colores que se eligen para definirlos como
primarios, porque con ellos es posible estimular los tres receptores de
color de manera casi independiente, proporcionando una amplia gama de color. Para generar
rangos de color óptimos para otras especies aparte de los seres humanos se tendrían que usar
otros colores primarios aditivos. Por ejemplo, para las especies conocidas como tetracrómatas,
con cuatro receptores de color distintos, se utilizarían cuatro colores primarios (como los
humanos sólo pueden ver hasta 400 nanómetros (violeta), pero los tetracrómatas pueden ver
parte del ultravioleta, hasta los 300 nanómetros aproximadamente, este cuarto color primario
estaría situado en este rango y probablemente sería un violeta espectral puro, en lugar del
violeta que vemos).

EL CAMPO VISUAL

El campo visual es lo que abarca la mirada cuando se dirige hacia algún punto fijo, que es
cualquier punto que se mire directamente, y dentro del cual se sitúan los objetos que nuestra
vista alcanza.

El campo visual es el área dentro de la cual se perciben imágenes alrededor de un objeto

determinado sobre el cual se mantiene la vista fija. El campo visual varía de persona a persona
dentro de un cierto intervalo.

El ojo humano dispone de un campo visual. Cada ojo ve aproximadamente 150º sobre el plano
horizontal y con la superposición de ambos se abarcan los 180º. Sobre el plano vertical sólo
son unos 130º, 60º por encima de la horizontal y 70º por debajo.

Las direcciones en las que se extiende nuestro campo visual son: alto, ancho y profundo.

Alto: es el espacio que la vista abarca de arriba abajo.

Ancho: es el espacio que la vista domina de derecha a izquierda.

Profundo: es la distancia máxima que alcanza la vista proyectada al frente y

perpendicularmente al que mira.

En las artes visuales, una composición es el resultado de ordenar los elementos visuales
básicos de la obra de arte para expresar ideas y sentimientos. La selección y la colocación de
los elementos en un trabajo visual contribuye a una respuesta del espectador. El hombre ha
perseguido la armonía en la composición desde la antigüedad. La creencia en unas normas
objetivas que regulan la belleza se remonta a los orígenes de la cultura occidental. El término
composición significa “poner juntos” y se puede aplicar a cualquier área del arte. En las artes
visuales, el término se usa indistintamente como diseño, forma, orden visual o estructura
formal, dependiendo del contexto. Una imagen se define por tres hechos que conforman su
naturaleza: Una selección de la realidad sensorial Un conjunto de elementos y estructuras
de representación específicamente icónicas y Una sintaxis visual.

Los sistemas de composición pueden organizarse dentro de unos esquemas clásicos que
definirían la obra por medio de la búsqueda el equilibrio, mediante la distribución de líneas y
pesos que levarían a distintos esquemas definidos mediante la agrupación predominante de
las formas. - Predominio en dirección de líneas. - Esquema compositivo simétrico/asimétrico. -
Composición central/triangular/en Lateral - Composición diagonal. - Composición libre.

La percepción visual nos permite no sólo observar sino también distinguir y relacionar,
analizar, interpretar y emitir juicios sobre lo que vemos. Los estímulos sensoriales nos acercan
cada vez más al mundo que nos circunda, y a la vez nos permiten imaginar otros mundos,
como los de la fantasía.

Elementos Básicos de las Artes Plásticas

Los elementos básicos son: punto, línea, plano o superficie, textura, luz y color. Cada elemento
plástico determina un matiz de expresión diferente y en un orden determinado enriquece el
resultado final de la composición.

 Punto

El punto es el trazo más pequeño que se puede realizar al apoyar una punta sobre una
superficie. Su tamaño dependerá de la herramienta o material con que se realice.

 Línea

La línea es el medio más sencillo de representación. De manera fácil puede definirse como la
marca (con mayor longitud que anchura) que une dos puntos, tomando cualquier forma en el
camino o también el camino identificable creado por un punto que se mueve en el espacio. Las
líneas pueden ser rectas o curvas, finas o gruesas, horizontales, verticales o diagonales.

Por oposición al color, la línea puede definir el contorno de las formas. En pintura, cuando la
línea, el dibujo, predomina sobre lo pictórico, se habla de "arte lineal", como es el caso por
ejemplo, de Durero.

 Color

El color es la parte más expresiva de la obra y es visto mediante la luz reflejada en el color;
vemos estos colores gracias a que los objetos los reflejan

Cuando los colores primarios se mezclan se forman los colores secundarios: verde, violeta y
naranja. Los colores terciarios se obtienen mediante la mezcla de un primario y un secundario:
amarillo-naranja, rojo-naranja, violeta-rojo, azul-violeta, azul-verde y amarillo-verde.

 Forma

La forma es una zona que define objetos en el espacio. Puede ser geométrica (como cuadrados
o círculos) u orgánica (como formas naturales o libres).
Las formas pueden ser bidimensionales (largo y ancho) (en inglés, shape), usualmente
delimitadas por líneas o tridimensionales (largo, ancho y altura). Al visualizar una obra de arte,
lo primero que observamos son representaciones con una forma determinada, ya sean
figurativas o abstractas.

Una forma crea automáticamente otra forma alrededor de ella. Las formas en la decoración y
diseño de los interiores de una casa pueden usarse para agregar practicidad y estilo, como por
ejemplo, en el diseño de una puerta. La forma en el diseño de interiores depende de la función
del objeto como una puerta de armario de la cocina. Las formas naturales que forman
patrones en madera o piedra, pueden ayudar a aumentar el atractivo visual en el diseño de
interiores. Por otra parte esto ayuda a medio ambiente.

 Textura

La textura es la cualidad de una superficie que puede ser vista o sentida. Hay dos tipos de
textura: la óptica (visual) y la textura que se puede tocar (táctil). Las texturas pueden ser
ásperas o suaves, blandas o duras. Las texturas no siempre se sienten como se ven, por
ejemplo, si representamos un cardo lleno de espinas en un cuadro, en realidad si pasáramos la
mano por las espinas de la pintura, la textura sería suave.

 Valor

El valor, luminosidad o símplemente luz, describe cual claro es un color. Los artistas utilizan el
valor del color para crear diferentes estados de ánimo. Los colores oscuros en una
composición sugieren una falta de luz, como en el caso de la noche o una escena interior. Los
colores oscuros a menudo pueden transmitir una sensación de misterio o presagio. Los colores
claros suelen describir una fuente de luz, implícita, como en las velas de un cuadro de Georges
de La Tour o explícita como en un cuadro de Caravaggio, o una luz reflejada. El valor está
directamente relacionado con el contraste.

La fotografía en blanco y negro depende por completo del valor para definir a los sujetos de la
composición.

 Figura

Cuando un conjunto de cuerpos organizados, relacionados entre sí, representan uno solo. La
Figura puede emplearse en múltiples contextos y con significados diferentes. Una figura es,
entre otras cosas, la apariencia o el aspecto externo de un cuerpo u objeto, a través de la cual
se puede distinguir frente a otros. En un sentido similar, se conoce como figura a toda estatua,
escultura u obra de arte que reproduce las formas características de animales u hombres, y al
dibujo que refleja a cuerpos humanos.
Modificación de la Imagen

Apropiación

El apropiacionismo es un movimiento artístico que

es basa en la apropiación de elementos tomados
para la creación de una nueva obra (pintura,
escultura, poesía). Estos elementos pueden ser
imágenes, formas o estilos de la historia del arte o
de la cultura popular, o bien materiales o técnicas
obtenidas de un contexto no artístico. Desde la
década de 1980, el término también se refiere más
específicamente al hecho de citar la obra de otro
artista para crear una nueva obra. La obra puede
alterar o no la obra original.

Como todo movimiento artístico, el apropiacionismo tiene sus causas en el momento histórico.
La intención del arte apropiacionista, influenciado por las teorías posmodernas, se sumaba a
las líneas de resistencia a las formas de poder. Así pues, a través del desplazamiento y la
sustitución, desmitifica y evidenciaba los contenidos de los sistemas de conocimiento (museos
e instituciones) y de la tradición histórica. El objetivo del que nace, entonces, es el de terminar
con la relación tradicional y distanciada bajo la que se apoya todo un sistema ideológico
basado en el pasado, no sólo a nivel estético, sino también a nivel ético y político.

Así, la apropiación cuestiona varios puntos: la genialidad, la autoría, la creación, la perennidad

y la originalidad. No obstante, la sociedad de consumo sigue cultivando fuertemente el peso
político y económico que implica la noción de “obra de arte”, tratando de no perder la
influencia de la figura del autor y del “aura tradicional” o “lo auténtico”, basándose en la
tradición humanista histórica donde el sujeto/artista es el genio creador.

Parodia

La parodia es una obra satírica que caracteriza o interpreta humorísticamente otra obra de
arte, un autor o un tema, mediante la emulación o alusión irónica. Modernamente, la parodia
no implica necesariamente la burla del texto parodiado. En el sentido de en contra del canto,
la parodia se refiere a imitaciones burlonas de la forma de cantar o recitar, mientras en el real
sentido de al lado del canto implica
repetición con diferencia, sin
necesariamente burla.

Se trata de una imitación burlesca

que caricaturiza a una persona, una
obra de arte o una cierta temática.
Como obra satírica, la parodia
aparece en diversos géneros
artísticos y medios. La industria
cinematográfica, la televisión, la
música y la literatura suelen realizar
parodias de hechos políticos o de otras obras. Por lo general se apela a la ironía y a la
exageración para transmitir un mensaje burlesco y para divertir a los espectadores, lectores u
oyentes.

La resignificación de obras de arte

Las resignificaciones de obras de arte constituyen producciones artísticas realizadas a partir de

otras obras. Las resignificaciones de obras de arte no son plagios: mientras que en las
resignificaciones la intertextualidad1 (la relación de una obra-texto con la otra) se produce
abiertamente (el artista quiere que nos demos cuenta de que está usando otra obra como
punto de partida), en el plagio se da de manera oculta (el plagiador no quiere que
encontremos la conexión entre la obra original y su producción, pues quiere llevarse el
crédito). Las resignificaciones de obras de arte tampoco son copias: el objetivo no es copiar la
obra original imitándola, sino utilizarla como punto de partida para crear una nueva. Siempre
presentan alguna variante con respecto al original. Las meninas (1656) de Velázquez y la
versión de la misma obra realizada por Picasso (1957).
LAS TÉCNICAS PICTÓRICAS EN PINTURA

En la Prehistoria se utilizaba el carbón vegetal, pigmentos a base de hierro -rojo- y manganeso

-negro-, y también, esporádicamente, sangre y caseína, todos ellos mezclados con grasa animal
que cumplía la función de aglutinante.

El temple, el fresco y la encáustica son tres técnicas que se iniciaron en el mundo antiguo
grecorromano y egipcio.

o La técnica del temple tiene múltiples formulaciones y fue utilizada como

procedimiento de pintura mural. En Egipto se aglutinaban los pigmentos con agua y
goma, colas y huevo, aplicándolos en zonas concretas, sin mezclar los colores.
Generalmente es la yema de huevo, mezclada con látex de retoño de higuera y agua,
la manera empleada por los grandes pintores italianos del Trecento y del
Quattrocento, tales como Cimabaue, Giotto, Fra Angélico, Mantegna…, añadiéndose a
veces al fresco, para crear una técnica mixta que permitía las veladuras. Este parece
ser el caso de Giotto en las pinturas murales de la Capilla Bardi en la iglesia florentina
de la Santa Croce.
o El fresco es la modalidad técnica más frecuente en la pintura mural. Se realiza sobre
revoque de cal húmeda que sirve de soporte para los diversos pigmentos disueltos en
agua. Los colores utilizados son preferentemente de origen mineral: blanco de San
Juan (carbonato cálcico) y cal muerta (hidróxido de calcio) para el blanco; ocres
naturales y tostados para el amarillo y el rojo; tierras para el rojo y el verde; lapislázuli
para el azul; sombra de hueso natural y tostada para los marrones; y negro de marfil,
de hueso o de carbón de vid para el negro. La realización del fresco precisa una gran
preparación técnica y no permite rectificaciones, ya que éstas se hacen muy evidentes.
Se emplea la sinopia, es decir, un dibujo preparatorio sobre el revoque que permite
fijar los contornos y marcar las jornadas en las que se realizará la obra. Su origen, con
variaciones en la técnica, hay que buscarlo en las culturas pinturas antiguas del
Próximo Oriente -Mesopotamia, Asiria- y del Mediterráneo -Creta, Grecia y Roma-,
encontrándose también ejemplos en China y en la India. Sin embargo, es a partir de
Bizancio cuando adquiere una importancia capital que se acrecentará en los períodos
románico, gótico y renacentista. Recordemos a título de ejemplo las pinturas
románicas del Pirineo catalán y las obras de Giotto -siglo XIV-, Masaccio -siglo XV- y
Miguel Angel -siglo XVI- en Italia. La gran decoración barroca tiene ejemplos
esplendorosos que van de Annibale Carracci en la galería Farnese, de Roma, a Tiépolo
en el Palacio Real de Madrid. En el siglo XIX Goya destaca por su técnica libre, que
podemos admirar en la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid. La escuela
mejicana actual -Rivera, Orozco- ha aplicado de manera ortodoxa esta técnica a sus
monumentales murales.
o La encáustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de
pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos, la
mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa, la pintura se aplica con un
pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido que se hace con trapos de
lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no
actúa como aglutinante sino como protección). Esta operación se llama encaustización
y está perfectamente descrita por Vitruvio, arquitecto e ingeniero romano (c. 70–25 a.
C.) que dice así:
"Hay que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que
pulir con unos trapos de lino bien secos." Comentado [ac1]:
La encaústica es una preparación a base de colores diluidos en cera fundida, que
cumple la función de aglutinante y cuya aplicación se realiza en caliente. Su invención
se atribuye a Polignoto y en las fachadas de los templos dóricos ya hay testimonios de
esta clase de pintura, que comúnmente se aplicaba en pequeñas tablas de madera
debidamente preparadas.
o El óleo es la técnica pictórica más conocida y empleada sobre tela o tabla. Consiste en
una mezcla de pigmentos coloreados con aceite, generalmente de linaza o de nuez.
Carece de base el atribuir a Van Eyck su invención, ya que era conocida desde la
Antigüedad y Cennini en el siglo XIV ya hacía mención de esta técnica. Fueron, sin
embargo, los flamencos del siglo XV los primeros que de manera sistemática lo
utilizaron. Sus ventajas son múltiples, destacando el color brillante y la posibilidad de
rectificaciones por superposición de pinceladas, lo que da una mayor libertad de
ejecución al pintor. Sin embargo, con el tiempo, estos errores se hacen visibles
(arrepentimientos). A partir del siglo XVI su práctica se generalizó aunque el carácter
artesanal con el que se fabricaban los colores nos llevaría a una enumeración casi
infinita de fórmulas preparatorias. Sin embargo, cabe citar, por contraste, las formas
casi planas de Van Eyck y las pastosas de un Rubens. El primero eliminaba materias
grasas del aceite por la evaporación de las glicerinas, mientras el segundo utilizaba un
aceite espesado, en el que añadía trementina y un barniz blando de resina, y en
ocasiones cera de abeja, en la proporción de un tercio. En la actualidad, las fórmulas
de pintor han desaparecido debido a que la mayoría de artistas utilizan pintura al óleo
preparada en pequeños tubos. Esto ha impedido la degradación técnica que se inició
en el siglo XVIII, pero ha cortado de raíz cualquier tipo de investigación.
La composición sobre el papel tiene distintas denominaciones según la técnica empleada. Las
más comunes son el dibujo al lápiz, carbón, sanguina -ya comentadas anteriormente- y el
pastel, cera, acuarela, gouache y miniatura.

o El pastel es una técnica que se ejecuta en seco. El pigmento utilizado es molido con un
aglutinante a base de color y conformado luego en barritas cilíndricas. Su máxima
virtud es que consigue unas cualidades aterciopeladas, aunque su mayor peligro es su
fragilidad a las vibraciones, los roces, la acción del sol y la humedad. Se difundió en el
siglo XVIII, sobre todo en Francia, aunque más recientemente hay que citar a Degas y
Picasso.
El pastel es una técnica pictórica del grupo de las llamadas técnicas secas, que no
utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo, a
diferencia de la pintura al óleo o la acuarela. Se puede aplicar con tiza seca o, y como
soporte papel de buena calidad y gramaje, color neutro no blanco y de ligera
rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil como para que se pueda
usar sobre otras superficies (cartón, madera, tela, etc). Es una técnica rápida, fácil de
corregir y muy apropiada para bocetos, apuntes o pruebas de color.
o La acuarela utiliza únicamente colores transparentes y ligeros, aglutinados con goma
arábiga o del Senegal, consiguiendo los efectos de la luz por el blanco o tono de fondo
y sin intervención alguna del pigmento blanco. Utiliza mucha agua como diluyente y
muy poca cantidad de aglutinante, que suele ser algún tipo de goma, aunque se han
utilizado diversos a lo largo de la historia, desde miel o glicerina, hasta baba de caracol.
Su soporte suele ser el papel. Cobra interés como procedimiento pictórico
especialmente a partir del S. XVIII.
La acuarela (palabra que proviene del italiano acquarella) es una pintura sobre papel o
cartulina con colores diluidos en agua. También es el nombre de la técnica empleada
en este tipo de pintura, y de los colores con los que se realiza.
Los colores utilizados solo se pueden usar si son transparentes (según la cantidad de
agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como
otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel.
En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr
mayor brillo y soltura en la composición que se está realizando. En Japón, la acuarela
ejecutada con tinta es denominada Sumi-e. En la pintura china, coreana y japonesa ha
sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades
monocromáticas negras o sepia.
o La diferencia del gouache con la acuarela consiste en la utilización de colores opacos y
de algo pastosos y blanco llenando toda la superficie del soporte. El origen de la
acuarela encontrar en las páginas iluminadas del mundo medieval, desarrollándose a
partir de Durero y alcanzando en los siglos XVIII y XIX francés e inglés su máximo
apogeo.
El gouache, aguada o aguazo (del galicismo gouache que puede derivar del italianismo
guazzo) es una técnica pictórica que consiste en diluir el color en agua sola o con
diversos ingredientes, como goma, miel, etc. También es la pintura realizada con esta
técnica. Las aguadas son acuarelas opacas, distintas de las acuarelas realizadas sobre
papeles brillantes. La transparencia del papel se consigue a partir de la mayor o menor
intensidad de los baños de colores que se apliquen a los objetos que se pretende
representar. A partir de los tres colores primarios, sin mezclar con blanco ni negro, se
pueden conseguir innumerables colores.
o El primer rotulador práctico lo inventó el japonés Yukio Horie en 1962 de la Tokyo
Stationery Company. Resultaba muy adecuado para los trazos de la escritura japonesa,
que normalmente se realiza con un pincel puntiagudo. La punta está hecha de fieltro o
fibras finas de nylon u otro material sintético sujeta al cilindro de la pluma y su tinta
fluye hacia la punta mediante un mecanismo capilar. La punta puede tener muy
diferentes formas y tamaños; pueden alcanzar hasta los dos centímetros y medio de
ancho. En la técnica del rotulador se aplica directamente sobre el papel el color
deseado, realizandose la mezcla tonalidad sobre tonalidad, con un acabado donde
prima la transparencia, de forma similar a la acuarela. Se puede realizar un dibujo de
base (gráfito HB) sobre el que pintar, teniendo en cuenta que donde el rotulador pinte
la base de grafito no podrá ser borrada. También puede se puede dibujar o pintar
(trabajo con línea o relleno con textura o plano de color) directamente.
o Un lápiz de color es un material de arte formado por una mina pigmentada, encerrada
dentro de una funda cilíndrica de madera. Al contrario de los lápices de grafito y
carbón vegetal, la mina de los lápices de color está hecha a base de cera o aceite, que
contiene proporciones variables de pigmentos, aditivos y aglutinantes.1 También se
fabrican lápices con minas solubles en agua (acuarela) y lápices pastel, así como minas
de color para portaminas. Los lápices de color pueden emplearse en combinación con
varios materiales de dibujo. Cuando son empleados individualmente, existen dos
principales técnicas de registro que son empleadas por los artistas del lápiz de color.
Dibujo con lápiz de color que muestra la técnica de sombreado en la taza y la técnica
de superposición en la cuchara. El sombreado es generalmente empleado en las
etapas iniciales de un dibujo con lápices de color, pero también puede usarse en toda
la obra. Al sombrear, los tonos se forman gradualmente aplicando varias capas de
colores primarios. Los dibujos sombreados generalmente exponen el diente del papel
y se caracterizan por un acabado granular e irregular. La superposición es una técnica
aditiva en la cual un mezclador sin color o un lápiz de color claro es aplicado con
firmeza sobre un dibujo ya sombreado. Esto produce una superficie brillante de
colores combinados que se introduce profundamente en el grano del papel.
o La aerografía data de hace unos 35.000 años por lo menos, ya que en unas cuevas
situadas en Lascaux, se hallaron pinturas de manos y descubrieron que las lograban a
base de rociar pintura por un tubo. Los casos a lo largo de la historia del uso de algún
tipo de aerógrafo rudimentario son puntuales, y no es hasta finales del siglo XIX que
empieza a verse su utilización regular. El uso principal y más antiguo del aerógrafo
es la ilustración. Los más grandes artistas lo utilizan para conseguir unos efectos
imposibles para los pinceles, consiguiendo así unos acabados mucho más realistas.
La aerografía se usa para artes plásticas en superficies regulares y en especial
irregulares, pintado de objetos de geometría variada, en especial el maquetismo,
tatuajes sobre piel conocido como body paint , aplicaciones automotrices, enchulados,
o graffitis. Incluso también hay un tipo de pintura comestible y se utiliza para decorar
tartas principalmente.
La aplicación a escala industrial de la aerografía se realiza en fábricas automotríces,
talleres de restauración, lacados artesanales, tratamientos de superficies, etc.
o Otra técnica afín a la pintura sobre tela o tabla es la acrílica. Consiste en una
combinación de moléculas de acrilato en emulsión con agua. Esto la hace muy flexible
y de secado rápido -al contrario del óleo-, al igual que resistente a los agentes
atmosféricos.
Técnicas que se pueden utilizar con la pintura acrílica:
Técnica opaca con acrílicos: la pintura acrílica es apropiada para técnicas con colores
opacos. En estas técnicas interviene la opacidad del pigmento, así como el espesor de
la pintura, originando colores que al superponerlos anulan el color de abajo. Su secado
rápido, permite pintar encima sin ningún riesgo. Este aspecto resulta útil cuando se
emplea en técnicas de pincel seco. Por el contrario, su secado rápido hace que
tengamos muy poco tiempo para la fusión de los colores. Por otra parte, los colores
acrílicos oscurecen un poco al secarse y por ello puede resultar difícil combinar tonos y
colores en una superficie seca.
Técnica de enmascarado: mediante la fabricación de plantillas se pueden elaborar con
papel, cartulina, cinta de enmascarada, igualmente cualquier objeto que llegue a
nuestras manos, puede funcionar como plantilla. Las plantillas ofrecen dos métodos
posibles de utilización: positivo y negativo. Se pueden emplear ambos métodos de
trabajo para conseguir efectos y resultados diferentes.
Técnica del chorrear: la pintura acrílica posee unas cualidades que permiten utilizarla
de unas formas que no son posibles con otras pinturas tradicionales. Podemos
chorrear la pintura con la mano o pincel de forma directa. Se puede manipular
después de chorearla mientras que este húmeda, pulverizando o soplar con agua
sobre un fondo texturado o húmedo.
Técnica de salpicado: consiste en impregnar un cepillo de dientes o una brocha en
pintura acrílica. Deslizar el dedo por el cepillo, de forma que la pintura que hay en él,
quede esparcida por el soporte. Mediante la utilización de plantillas, objetos, o arena
podemos crear efectos y texturas diferentes.
Técnica para extender el color: la viscosidad característica de la pintura acrílica la hace
adecuada para extenderla de diferentes maneras. Podemos utilizar una tarjeta fina, un
platico o cualquier otro utensilio tipo espátula que tenga un borde plano y fino. La
pintura acrílica se puede manipular hasta conseguir una capa delgada y uniforme. A
través del extendido se obtiene diferentes efectos de fondo. Podemos aplicar una capa
espesa de fondo con la técnica del enduido.