Contenido

CONCEPTO DE DIBUJO.........................................................................................................2
MODELADO...............................................................................................................................6
TIPOLOGIAS.............................................................................................................................9
En barro..................................................................................................................................9
En plastilina............................................................................................................................9
En cera....................................................................................................................................9
En espumas.........................................................................................................................10
EL DIBUJO EN LA ESCUELA. EXPRESIÓN Y APRENDIZAJE.......................................11
Conclusión................................................................................................................................18
EL MODELADO EN LA EDUCACIÓN..................................................................................19
Conclusión................................................................................................................................21

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CONCEPTO DE DIBUJO
Giuseppe Cesari Il Cavalier D’arpino (Italian, 1568-1640) – “Moses”

Hablar sobre qué es el dibujo puede ser algo muy, pero muy largo si nos
metemos a fondo entre los resquicios de las especificidades, técnicas,
materiales, y demás aspectos que lo componen. Afortunadamente, hay manera
de sintetizar y de acabar todos felices con una necesaria cantidad de
información sobre este medio, considerado como la base de todas las artes
gráficas por muchos.

El deseo de compartir esto viene de contribuir a que la gente tenga una idea
diferente de lo que se trata el dibujar y facilitar el concebirlo como algo que va
más allá de esta idea moderna de hacer contornos en un papel sin más.

No quiero imaginar qué pensarían los grandes pintores y dibujantes del pasado
si uno les saliera con una definición tan simplona sobre qué es el dibujo,
cuando desde sus inicios el dibujo ha estado imbuido no sólo de la propiedad
de plasmar todo tipo de cosas en una superficie, sino también cargado de
filosofía, significado y un mundo entero de simbolismo propio de un lenguaje
que se abstiene de las letras.

Sobre esto y más se trata este espacio de aprendizaje para el dibujante

aficionado, principiante, profesional y por supuesto ¡Para todo aquel con un
poco de curiosidad!

Ediciones Universidad de Salamanca (España), 2008

[ES] en este artículo se expone un estudio sobre la evolución del concepto de

dibujo y de sus prácticas escolares a través de los libros de texto de los niveles
de educación primaria publicados en España en el período comprendido entre
1915 y 1990. Para ello se ha dividido este lapso de tiempo en tres amplios
períodos, en clara correspondencia a grandes rasgos con cortes cronológicos y
significativas reformas educativas. Dentro de cada uno de los períodos

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establecidos, se ha comparado la forma en que ha sido tratado el concepto en
diversos ejemplares de libros de texto, hecho que ha proporcionado los datos
necesarios para revisar su trayectoria y la de sus prácticas educativas,
ayudando a determinar cuál ha sido su evolución en el período estudiado. Este
trabajo forma parte de una investigación más amplia que se llevó a cabo en el
período 1998-2004, y que se centró en el análisis de contenidos de una amplia
muestra de manuales escolares de «dibujo» y «expresión plástica» de los
niveles de educación obligatoria que fueron hallados en bibliotecas públicas de
la ciudad de Barcelona a lo largo del trabajo de campo que fue desarrollado.

¿Qué es el dibujo?

Giuseppe Cesari Il Cavalier D’arpino (Italian, 1568-1640) – “Moses”

Hablar sobre qué es el dibujo puede ser algo muy, pero muy largo si nos
metemos a fondo entre los resquicios de las especificidades, técnicas,
materiales, y demás aspectos que lo componen. Afortunadamente, hay manera
de sintetizar y de acabar todos felices con una necesaria cantidad de
información sobre este medio, considerado como la base de todas las artes
gráficas por muchos.

El deseo de compartir esto viene de contribuir a que la gente tenga una idea
diferente de lo que se trata el dibujar y facilitar el concebirlo como algo que va
más allá de esta idea moderna de hacer contornos en un papel sin más.

No quiero imaginar qué pensarían los grandes pintores y dibujantes del pasado
si uno les saliera con una definición tan simplona sobre qué es el dibujo,
cuando desde sus inicios el dibujo ha estado imbuido no sólo de la propiedad
de plasmar todo tipo de cosas en una superficie, sino también cargado de
filosofía, significado y un mundo entero de simbolismo propio de un lenguaje
que se abstiene de las letras.

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Sobre esto y más se trata este espacio de aprendizaje para el dibujante
aficionado, principiante, profesional y por supuesto ¡Para todo aquel con un
poco de curiosidad!

Entremos en materia. El dibujo como una creación artística formal suele ser
definido como la rendición lineal primaria de objetos en el mundo visible, así
como de conceptos, pensamientos, aptitudes, emociones, fantasías con forma
visual, símbolos e incluso formas abstractas.

Esta definición, sin embargo, puede ser aplicada a todas las artes gráficas y
técnicas que se caracterizan por un énfasis en la forma o figura más que en la
masa y el color, como en la pintura.

Traducido al lenguaje de algunos diccionarios y su intento de explicar todo de

manera super minimalista, al apoyarnos en ellos para investigar más a fondo
qué es el dibujo el plano se vuelve aún más general y, francamente,
empobrecido. Así, nos podemos encontrar con que a muy grandes rasgos al
dibujo se le conoce como el acto de crear pinturas/imágenes con un lápiz o una
pluma (u otro medio).

Efectivamente, resulta una definición demasiado austera en comparación, pero

no podemos negar que es la más próxima a la mayoría de las personas.

También, las fuentes que proveen de información al respecto del dibujo suelen
concordar en que este difiere del proceso de la impresión de gráficos, sobre
todo en que existe una relación directa entre la producción y el resultado. Al
dibujo, entonces, como parte de su definición se le considera el producto final
de un esfuerzo sucesivo aplicado directamente al portador (conocido también
como la superficie donde se trabaja).

Dicho esfuerzo puede ser aplicado de diferentes maneras, con una gran
variedad de materiales y con muy diferentes fines, incluso la reproducción de
obras. Aunque eso sí, cabe aclarar que pese a que el dibujo bien puede ser la
base para dicha reproducción o copiado, el proceso es único por propia
naturaleza. O lo que es lo mismo, no porque un dibujo se trate de una
reproducción o copia deja de ser un trabajo original.

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Bibiana Crespo Martín

Observar. Revista electrónica de didáctica de las artes, 58-74, 2015

Bajo la aparente claridad y acotación del significado del término dibujo

descubrimos, al intentar analizarlo más profundamente, la pluralidad,
ambigüedad y amplias referencias que puede adoptar su interpretación y su
propio sentido. Este artículo muestra una panorámica histórica que argumenta
y dota de contenido los fundamentos y naturaleza que conlleva el dibujo como
principio de todas las artes, como actividad intelectual y como lenguaje
universal, propiedades todas ellas que posee el dibujo y que hacen de él un
concepto inmarcesible y atemporal. Desde un prisma revisionista histórico
analizamos las diferentes aproximaciones y definiciones de dicho concepto de
la mano de teóricos, artistas y tratadistas relevantes para constatar con todo
ello la vigencia y actualidad que atesora la praxis del dibujo en el presente.

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MODELADO
Es la acción de darle forma, manualmente, a un objeto tridimensional. En las
artes plásticas se entiende por modelado a la creación o representación de
algo que queremos hacer; por ejemplo, cuando se elabora un objeto o una
escultura primero se esboza su forma y después se delinea su estructura, ya
que el modelado puede ser la base para elaborar una escultura.

Los materiales para modelar son diversos, bien puede ser con: Arcilla, pasta de
sal, plastilina, entre otros.

Es el arte, la expresión gráfica de sentimientos a través de una amplia gama de

materiales adecuados como: arcilla, barro, plastilina, masas, pintura y otros

etc .

(Buegos, 2007)

Un modelo es por tanto una representación parcial o simplificada de la realidad

que recoge aquellos aspectos de relevancia para las intenciones del

modelador, y

de la que se pretende extraer conclusiones de tipo predictivo. Se modela para

comprender mejor o explicar mejor un proceso o unas observaciones. Un

mismo

objeto puede ser modelado con distintas técnicas y con distintas intenciones,
de

forma que cada modelo resalta sólo ciertos aspectos del objeto.

Modelado es, dentro de las plásticas, el arte de crear figuras con un material a
partir de un modelo, entendiendo por este la figura de un objeto de la realidad o
de la imaginación. Es por esta razón que se le puede emparentar con la
escultura, salvo por las dimensiones de los productos finales (mucho más
pequeños en el modelado) y los materiales empleados, que no suelen ser
cobre o mármol. Algunos de los principales materiales utilizados para esta

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técnica son la arcilla, el barro, la cera, la madera, la plastilina, el vidrio, algunos
metales, el jabón, la goma, la sal, etc.

El moldeado es utilizado por varios artistas callejeros y es enseñado dentro de

las academias de arte o las instituciones educativas que tienen dentro de sus
programas materias de artística o formación artística. Esta técnica es enseñada
usualmente como un primer acercamiento a la escultura, aunque ello no impide
que se puedan crear obras trascendentes a partir de su ejecución.
Actualmente, el moldeado ha evolucionado a partir de las nuevas tecnologías,
especialmente de los modelados en 3D (como los realizados en Blender) y las
impresoras en 3D, que realizan todo el trabajo si se tienen los planos de la
figura deseada.

Modelar es dar forma a una pasta o a un material blando sacando o añadiendo

parte del material con el que se trabaja, generalmente combinando el uso
directo de las manos con el uso de herramientas especializadas. La técnica de
modelado se usa de forma diversa: puede ser un proceso de realización de
piezas finales con valor en sí mismas, puede usarse para realizar bocetos, o
bien puede ser parte de un proceso para realizar moldes para diferentes
materializaciones.

En el terreno del arte, y más concretamente en la escultura, tradicionalmente

se entiende por modelado la representación tridimensional de un objeto real, el
modelo. Por modelo entendemos la imagen, la representación parcial,
simplificada o interpretada de la realidad, que recoge los aspectos relevantes
para el que modela y que pretende recabar información sobre aquel,
comprenderlo y explicarlo. De esta manera, al utilizar técnicas distintas
podemos resaltar aspectos diferentes dependiendo de nuestra intención.

Si bien es cierto que muchas veces se parte de bocetos previos (estudios,

dibujos o fotografías preparatorios), la libertad de acción que facilita el
modelado resulta muy interesante para plasmar de forma directa el
pensamiento y la concepción del artista, puesto que permite una espontaneidad
que no ofrecen otros materiales o técnicas.

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Para los autores Posada, A. Gómez, J; Ramírez, H. (2005), el modelado
artístico es formar de cera, barro u otra materia blanda una figura
tridimensional. El niño al reconocer la maleabilidad del material, empieza a
golpearla, a hacerla girar entre sus manos; la presiona con sus dedos
ablandándola posteriormente. El modelado es una actividad que permite la
descarga emocional del niño, además desarrolla el sentido del tacto;
proporciona cualidades de forma y tamaño a los objetos, así como el sentido de
la tridimensionalidad.

Según Molina, (1983), esta actividad presenta características propias muy

diferentes al dibujo y la pintura, no solo por su particular condición de permitir
trabajos en volumen, sino además por la condición plástica del material. Aquí el
escultor debe ir concibiendo los volúmenes positivos y creando.

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TIPOLOGIAS

En barro

Desde la prehistoria, el barro ha sido el material más importante para la

producción de objetos. El barro se compone de una base arcillosa mezclada
con otros compuestos minerales y con agua. En el apartado de materiales se
puede leer una descripción detallada de los tipos y compuestos de la arcilla.

Hay muchas maneras de tratar y relacionarse con el material. Aquí vamos a

hacer un pequeño recorrido por las técnicas tradicionales para establecer una
base, ejemplo o punto de partida desde el cual se pueda realizar virtualmente
cualquier tipo de pieza.

Aquí se puede ver un vídeo sobre el modelado de un torso. El modelado es una

muy buena técnica para comprender la anatomía humana. A partir del minuto 6
puede verse un ejemplo de modelado en relieve.

En plastilina

La plastilina es una materia plástica inventada a finales del siglo XIX para
solucionar el problema del secado de la arcilla en el modelado. Hay diversas
clases de dureza, adherencia y color. Se utiliza para trabajar la psicomotricidad
en niños, pero también en escultura y en la animación stop-motion.

La plastilina puede ser una materia muy útil para hacer pequeños modelos y
ejercicios. Aquí se presenta un ejercicio para poder introducir en el volumen y
la comprensión anatómica de un busto: el modelado sintético.
Este vídeo muestra la realización de un busto en plastilina con armazón de

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espuma de poliuretano que resalta mediante planos geométricos, únicamente
los elementos más característicos de simetría y proporción.

En cera

Hay diversos tipos de cera que varían según su origen sea mineral, vegetal o
animal (se puede encontrar más información en la ficha correspondiente del
apartado de Materiales). Cada tipo de cera puede tener unos usos u otros:
algunas serán más aptas para el modelado y otras para la realización de
vaciados. La manera de trabajarlas también varía. Para el modelado, según el
tipo de cera, se deberá precalentar para un mejor moldeado directo con las
manos.

En espumas

El modelado en espumas rígidas (poliuretano y poliestireno o porespán) es muy

útil para realizar prototipos rápidos y para la realización de modelos en el
diseño de objetos, así como para objetos con formas orgánicas, pues se lija y
se cierra con facilidad. Existen en el mercado diversidad de densidades y
durezas.

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EL DIBUJO EN LA ESCUELA. EXPRESIÓN Y
APRENDIZAJE
Introducción Que la imagen se nos impone es un hecho evidente en nuestros
días y que una imagen vale más que mil palabras no es sólo un dicho popular,
sino la constatación de una la realidad. Todo ello no sucede por casualidad, ni
siquiera por la actuación externa a la propia naturaleza del ser humano, sino
precisamente por le es connatural al propio ser humano, forma parte de su
necesidad de expresión, de comunicación; el niño/a posee formas de ver y de
pensar que le son propias y las expresa de una manera muy personal y
efectiva mediante el dibujo, el adulto también lo hace aunque socialmente no
esté suficientemente valorado. Efectivamente surge la pregunta ¿el dibujo es
un medio de conocimiento? ¿porqué relacionamos muchas de nuestras
emociones y sentimientos en los dibujos que realizamos? ¿acaso el dibujo no
es una forma de lenguaje y narración?, para todo alumno/a el dibujo tiene una
significación que responde a la vivencia suya y que expresa como medio de
comunicación con los demás. Etapas del dibujo La actividad gráfica en el
niño/a, está condicionada por su evolución psicomotriz y también por el tipo de
instrumento que el niño/a utilice y ello se puede ver claramente:

 Hasta los dos años, el niño/a hace garabatos

 Entre dos y tres años, el niño/a realiza dibujos con un realismo fortuito

 Desde los 4 años hasta los diez o doce, el niño/a realiza dibujos con un
realismo intelectual.

 Desde los 12 años (a veces antes) el niño/a realiza dibujos con realismo
visual. El esquema corporal.

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El Monigote En el dibujo del esquema corporal se ve muy claramente la
evolución de la percepción que tiene el niño/a a lo largo de su vida y cómo lo
manifiesta en las distintas etapas en el colegio. La representación humana en
el dibujo de los niños/as es espontánea y la frecuencia muy alta y a través de la
misma se puede apreciar el desarrollo psicomotor del alumno/a y así vemos
como en Infantil predomina la representación del todo sobre los detalles y como
evoluciona apareciendo los detalles según su percepción y centro de interés
expresivo. Recordemos que, en el dibujo del esquema corporal se realiza la
proyección del propio alumno/a, manifiesta su estructuración espacial y
expresa su personalidad. Los estudios realizados demuestran que la
acumulación de los detalles dibujados, aumenta con la edad, evidenciando cual
es el desarrollo mental del alumno/a en cada momento y su diferente desarrollo
a las mismas edades entre ellos. Estos estudios han permitido profundizar en el
conocimiento de la problemática que puede presentar el alumno/a según el
grado de maduración del mismo, tanto en lo que se refiere a la percepción,
como en la representación y la propia actividad de su pensamiento. Para Piaget
en un principio el esquema corporal se establece a partir de relaciones
topológicas en el período que va de los 3 a los 6 años (toda la educación
infantil); es decir, privada de formas y de dimensiones que se traduce en el
monigote renacuajo del niño/a a los 3 años, ya que a esta edad le es muy difícil
copiar una postura simple no por incapacidad motriz sino por el análisis
perceptivo de la propia postura. A partir de los 6 años, normalmente, es cuando
el alumno/a introduce las nociones de proyección y de distancia y la imagen va
obteniendo unas dimensiones más correctas notándose el espesor de las
distintas partes del cuerpo. Luego la primera aparición de la figura humana
como traducción de la imagen de sí mismo por el niño/a es el monigote
renacuajo, que se produce sobre los 3 años de edad con una forma
redondeada de la cual salen 3 o 4 trazos. Esto viene a significar que, a partir de
3 años el niño/a sabe designar con su mano su cuerpo, sus miembros, su
cabeza, sus ojos, sus orejas, su boca e incluso su pelo. Progresivamente,
desde los tres años y medio hasta los cinco, aparece el tronco visto de frente,
los brazos son trazos horizontales terminados por unos dedos, los miembros
superiores parte a veces del tronco, a veces de la cabeza, incluso a veces de
los miembros inferiores. A través del dibujo llegamos a la persona ¿qué sucede

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en la cabeza del pintor? Para ello hay que seguir los trazos de su mano, pues
este símil nos sirve igualmente para conocer algunas características de la
personalidad de nuestros alumnos/as. Por ejemplo:

 Trazos cortos, quebrados, que se aplanan ensanchándose, que se aprietan

excesivamente hasta romper el papel en algunos casos. Características del
niño/a impulsivo, del colérico.

 Trazos apenas esbozados idénticos.

Características del niño/a vacilante o tímido.

 El predominio de la verticalidad en los trazos del niño/a individualista, seguro

de sí mismo.

 Líneas curvas, sinuosas, niños/as medrosos/as, sensibles.

 Ángulos rectos y rigidez de los disconformes, de los realistas y oportunistas.

Es interesante observar cómo va evolucionando la dirección o el vigor del trazo
entre una y otra sesión de dibujo en la clase, según la edad, el sexo y la
tensión emotiva del momento, así como el alumno/a escoge un medio u otro
para dibujar, lápiz, rotulador, cera o pintura.

El dibujo es una forma de lenguaje que se expresa en términos claros, sea

dibujo libre o tema propuesto en el aula, su traducción, su forma de expresión
es propia de cada alumno/a, de manera que, aunque escoja espontáneamente
su dibujo, el alumno/a se sentirá influido por el mundo que le rodea influyendo
las circunstancias en la elección. A través del dibujo, el alumno/a nos ofrece su
visión del mundo, lo manera en que lo percibe y así lo expresa con toda
claridad. El dibujo como elemento de conocimiento del alumno/a Tanto el dibujo
como la pintura nos permiten conocer al alumno/a, como la conducta o las
palabras y escritos. Observemos la gran cantidad de tests que se les pasa a los
alumnos/as cuyo medio fundamental es el dibujo y así tenemos:

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 El test de aptitud o de maduración intelectual.

 El test de personalidad.

Se trata de medir la capacidad de atención, de observación, de memoria, de

espacio o de tiempo o de valorar la adaptación del alumno/a al medio que le
rodea, de manear que nos permita detectar rápidamente una deficiencia que
dificulte la escolaridad o el aprendizaje. Hay un campo especializado donde el
dibujo y la pintura ocupa un lugar fundamental, así como otras actividades,
tales como el juego, el modelado, la representación teatral, el baile, etc., me
estoy refiriendo naturalmente a la psicoterapia, ya que el dibujo es un
importante medio de expresión y de comunicación que puede y debe ser
utilizado como recurso terapéutico en la relación maestro/a – alumno/a. Vamos
a tratar de analizar, aunque sea brevemente los aspectos de la expresión
gráfica en general y del dibujo en particular, en el curso de algunos estados
patológicos (dificultades de estructuración espacio-temporal, el aspecto
simbólico del color, utilización de la forma y del fondo, etc.) Los estudios
publicados se refieren con mayor frecuencia a estudios transversales de
diversos grupos de niños/as comparados entre si y en otros casos los autores
se han interesado en el desarrollo psicomotor comparado de niños/as con
algún tipo de dificultad específica. Tabary (1966) que estudia la imagen del
cuerpo y la geometría espontánea infantil, menciona las diferentes etapas de
su aparición. Observa tres grupos de niños:

 Débiles.

 Deficientes motores cerebrales.

 Disléxicos y disortográficos.

Y comprueba que el retraso en la adquisición del esquema corporal está en el

deficiente motor cerebral, retraso que sin embargo no se explica solamente por
la deficiencia motriz. Las diversas perturbaciones del lenguaje han sido
estudiadas a través del dibujo y en el caso de los niños/as sordomudos los test

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que se les pasa, utiliza el dibujo como medio de prueba perceptiva y con un
sentido terapéutico, donde el gesto, la palabra y el grafismo mantienen una
estrecha relación, de manera que en la medida en que mejora la adquisición de
la palabra mediante las técnicas de reeducación (que utiliza preferentemente el
dibujo y la imagen) la mímica y el dibujo se empobrecen. El aprendizaje del
dibujo en el colegio como arte Con sus diversas manifestaciones y formas de
expresión, vamos a tratar de hacer un breve recorrido del dibujo en el colegio
como expresión artística. En la educación infantil, los alumnos/as suelen
manejar libremente los colores y los útiles de dibujo y pintura, dentro de los que
realmente pueden ellos usar, rotuladores, lápices de colores, ceras, pintura de
dedo, etc., cuando pasamos a la educación primaria, la cosa cambia
considerablemente, ya que el alumno/a se tienen que enfrentar con la
enseñanza de unas técnicas que le permitan progresar en la calidad de la
expresión que supone el dibujo o pintura que está realizando, de manera que
lentamente es iniciado/a en esa técnica que no desea ni necesita, ya que su
auténtica necesidad es expresarse mediante el dibujo en una edad y mediante
la escritura o la palabra en otra. Todo ello parece como si se fuese en la
dirección contraria a la adecuada, pero en absoluto es así. La pregunta que
enseguida nos hacemos es ¿el dibujo y la pintura tienen interés como método
pedagógico?, los especialistas que han estudiado en profundidad esta cuestión
(Kerchensteiner y Burk) han expresado la importancia que tiene su enseñanza
en todos los niveles y en todas las edades. Efectivamente el dibujo como
método de educación activa desarrolla el espíritu de iniciativa, espontaneidad,
invención, destreza manual y dotes artísticas, facilita la adaptación social y
tiene el poder de aumentar la capacidad de observación. Toda facultad
debidamente estimulada en el niño/a le permite llegar al dominio del
conocimiento que se manifiesta en multitud de actuaciones. A partir del
desarrollo de la observación mediante el dibujo, se desarrolla la capacidad
narrativa, la redacción y en definitiva la capacidad literaria, en consecuencia, el
profesor/a debe estimular la expresión gráfica (dibujo y pintura) igualmente que
lo hace con la expresión oral y escrita. Existe tal similitud entre el dibujo y la
expresión escrita como valor educacional y expresivo que deben trabajarse por
los profesores en colaboración. Efectivamente la redacción literaria es más rica
y expresiva, cuando le ha precedido la ilustración gráfica del niño/a que le ha

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exigido un esfuerzo y una capacidad de adaptación más personal. Una
cuestión muy importante es saber cómo estimular y desarrollar la expresividad.
Naturalmente hay diversas opiniones al respecto, tales como: 1. (Luquet).
Procurar modificar el estilo del niño/a para llevarlo al estadio del realismo
visual. 2. (Arno Stern). Fomentar el gusto y la facultad personal de expresividad
gráfica. En la opinión de Luquet presenta entre otros el problema del desinterés
espontáneo del alumno/a por el dibujo al final de la educación primaria (hacia
los doce o trece años), lo cual supone el final de la enseñanza del dibujo y
pintura académica que apartaría a los alumnos/as de esa importante vía de
expresión. Stern por el contrario reconoce que la inquietud narrativa ocupa un
lugar muy importante en el niño/a, pero que en realidad se trata de una
complacencia en la materia, un profundo placer por haber dejado su marca. A
partir de ello, estableció las reglas de su pedagogía. El don que debe
preservarse en el alumno/a es el gusto y la facultad personal de expresarse
mediante el dibujo y la pintura, el lenguaje plástico que es el lenguaje del arte.
Preservado éste, se podrá continuar en la adolescencia como fuente de placer,
de alegría, sacrificando por supuesto la técnica descriptiva, la forma y el
lenguaje artístico. Sobre esta premisa se construye la posibilidad de creación
estética del alumno/a ya que todo el interés de él, consiste en pintar y dibujar
en el momento en que quiere hacerlo; es el acto de crear lo que le complace
sin que busque el realizarlo para posteriormente obtener una satisfacción
contemplando su pintura o dibujo. Esto nos hace ver que, para el niño/a el
lenguaje de las imágenes pintadas o dibujadas por él, cubre una zona interior
de su realidad, distinta a las ideas y situaciones que se expresan mediante las
palabras o mediante la escritura, simplemente es algo muy distinto. Pues bien,
ese lenguaje interior que está presente en el alumno/a desde la infancia, es el
que hay que proteger, descubrir y cultivar desde el principio, en la escuela
desde la educación infantil. El dibujo y la pintura es un arte de los seres
humanos desde la más remota antigüedad y ha respondido siempre a esa
necesidad y forma de expresión de su interior, que no pretendía dejar un rastro
de su estancia, sino de expresar y contar y de esta manera quedó de forma
permanente en su lugar donde moraba como una consecuencia y no como una
causa; es decir, el significado se impone sobre el significante, de manera que
las obras tienden al signo y símbolo y no a la estética del lugar, ya que los

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posibles espectadores actuales o futuros no contaban. La belleza en el dibujo o
pintura del alumno/a no es una casualidad, ni obedece al encanto ingenuo del
relato, si no que forma parte de su visión de aquello que expresa, de cómo lo
ve y de cómo lo siente; es decir, surge por sí mismo y él lo expresa así. La
clase de dibujo y pintura en los centros escolares, tanto en infantil como en
primaria y secundaria, no debe ser una forma de cubrir horario escolar,
mantener una asignatura técnica con escasísima repercusión en la enseñanza
– aprendizaje y sino que debe servir para educar y hacerlo es actuar en el
desarrollo pleno de las capacidades humanas y no hay unas más importantes
que otras, todas ellas son necesarias y todas ellas contribuyen al desarrollo
armónico y pleno del alumno/a. El dibujo y la pintura es, entre todas las
actividades de plástica, la más rica y completa en las virtudes educativas, pero
es necesario crear un ambiente propicio para el alumno/a exprese libremente
su visión de la realidad, objeto de la pintura y el dibujo. El alumno/a debe entrar
en contacto por primera vez con el material disponible para efectuar esa
comunicación, sin perjuicios técnicos, sin reglas prefijadas, sin normas de
actuación expresiva, que se deja su expresión a su fantasía de niño/a y que
aquello que se imagina lo pueda transportar a la obra que esta realizando, le
lleva al conocimiento y dominio técnico sin limitar ni condicionar la imaginación
en general ni lo imaginado en cada caso en particular. La presencia del
profesor/a, siempre necesaria, de la clase de dibujo y pintura es la de quien no
pretende interpretar ni dirigir el trabajo de los alumnos/as, pero su interés
induce a crear la atmósfera precisa para el desarrollo adecuado de la clase, de
manera que no corrige técnicamente el resultado del dibujo o de la pintura
realizada, pero si está preparado para evitar que algún alumno/a, bien por su
inestabilidad, inhibición o cualquier otra causa abandone el proyecto inicial,
desde luego nunca compara las pinturas o dibujos de sus alumnos/as y no de
lugar ni apoya ni comparte la competencia entre ellos. Los materiales, deben
ser compartidos entre los alumnos/as y el profesor/a está allí para enseñar el
arte de dosificar los colores, evitar las manchas, para estimularlos y evitar todo
comentario y alteración cuando los alumnos/as realizan su trabajo, su
expresión artística.

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Como podemos ver, todo esto está un poco alejado de la enseñanza clásica
del dibujo y de la pintura en los centros escolares orientada más bien hacia el
simple perfeccionamiento de los resultados de la obra mediante el
conocimiento de los medios técnicos. La libre evolución de las facultades
creadoras mejora los resultados y obtiene el conocimiento de los recursos
técnicos por el simple gusto y placer de expresar con mayor fidelidad aquello
que se desea y se tiene la necesidad de comunicar, tanto en infantil, como en
primaria y secundaria. El niño toma sus imágenes de la naturaleza, pero no
para reproducirlas tal cual, sino para expresarlas como las ve y las siente, por
ello no se le proporciona ningún modelo, sino que se le estimula para expresar
de la mejor manera posible, mediante el dibujo y la pintura lo que desea. El
objetivo del artista es la belleza, pero el del niño/a es la creación.

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Conclusión
¿Qué es el dibujo y la pintura para el niño/a?, una actividad agradable que
requiere un esfuerzo por su parte, es como un juego que divierte y distrae pero
que le exige realizar un trabajo. No es el comienzo de una actividad del adulto,
sino un arte particular que tiene sus propios valores, por eso siempre
sorprenderá al adulto con lo preciso del tono, la ingenuidad de su expresión y el
uso de los colores. El dibujo y la pintura en el niño/a está más cercano al de
nuestros antepasados más remotos, que a los de los grandes pintores del siglo
de oro.

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EL MODELADO EN LA EDUCACIÓN
Durante los últimos 100 años ha ido desarrollándose un considerable interés
por el lenguaje artístico y un creciente aprecio, tanto por los psicólogos como
los artistas, por las formas simples que caracterizan los primeros esfuerzos
figurativos. En el campo del arte infantil, los investigadores se han centrado en
casi exclusivamente en los dibujos de los niños (Arneheim, 1974); (Burt,
1926;Eng, 1931); (Freeman, 1980); (Gardner, 1980); (Goodenough,1926);
(Harris, 1963); (Kerschensreiner, 1905); (Luquet, 1913); (Piaget e Inhelder
1927); (Rouma, 1912); (Wilson y Wilson, 1982); una de las razones más
probable por este singular interés por los dibujos puede consistir, al menos en
parte, en la facilidad con la que se pueden solicitarse, recogerse y guardarse
para sus posterior análisis. Sin embargo, la investigación dedicada al arte
infantil ha sido de especial preocupación por la representación de la figura
humana. Quizá el deseo de disponer de dibujos susceptibles de análisis
cuantitativos haya producido ese énfasis en el dibujo de la figura humana.
Dado que, a medida que crece el niño, sus dibujos muestran en detalle, riqueza
y aproximación cada vez mayores a las normas de los adultos. Según
(Hargreaves, D. 2002). Todos los estudiosos del lenguaje artístico se centran
en la forma característica que adopta el desarrollo del dibujo en las primeras
etapas evolutivas. Tratan de explicar lo que parece ser indicadores evolutivos
del estilo del arte infantil, por ejemplo: los primeros modelos gráficos de un ser
humano de tipo renacuajo y con brazos abiertos, el debate sobre el significado
de los dibujos de los niños pequeños se ha centrado en sus limitaciones
gráficas, el manejo “deficiente” de la tercera dimensión. Cuestión que no
debería ser preocupación en estas edades, ya que el niño centra su interés en
lo que siente, más que en lo que observa. Por tanto, no existe “deficiencias” en
los dibujos de los niños. En este campo, Chile y especialmente la educación
parvularia y la educación básica, no ha estado ajena a este énfasis del trabajo
artístico. Existe avance en esta materia, pero, todavía se cometen muchos
errores en el trabajo academicista en las actividades artísticas. Muchos de los
20
discursos de las autoridades del Ministerio de Educación, van dirigidos a la
importancia que tiene la educación en los primeros años de vida. Y en especial
el uso del modelado, como acción didáctica en edades tempranas. Debiera ser
un tema de preocupación constante, incorporando distintas pastas de moldear
para desarrollar la creatividad en los dibujos de los estudiantes. En efecto, las
actividades del modelado presentan características propias, muy diferentes al
dibujo y la pintura, no solo por su particular condición permite trabajos en
volumen, sino además por la propiedad plástica del material. El modelado,
consiste en ir añadiendo o quitando materia sobre una armadura mínima, tal es
el caso del modelado en arcilla o de masas. Cuando el ser humano dibuja por
ejemplo una figura humana, y desea cambiar de posición un brazo o una
pierna, en ocasiones se ve forzado a borrar lo que ya tiene hecho, para dibujar
de nuevo y cumplir así con el movimiento que desea imprimir a la figura. Con la
arcilla y plastilina, todo lo que tiene que hacer es simplemente mover el brazo o
la pierna. Esta particularidad del material le permite con mucha más facilidad
expresar su concepto de movimiento y de cambio, según vayan modificándose
sus propios estados de ánimo durante el proceso de creación, lo que refuerza
su concepto temporal y de movimiento. Por las razones ya expuestas, no
deben ser descuidadas las actividades del modelado en la escuela,
especialmente en los cursos de pre-básica, teniendo en cuenta la continua
fluidez de la expresión emocional y afectiva del niño, si bien éstas se dan
principalmente en el dibujo y la pintura, es igualmente motivada por la
naturaleza misma del modelado. Por otra parte, su condición tridimensional
ayuda al niño de manera muy importante en el desarrollo del concepto
espacial, tan decisivo para el éxito de muchos otros aprendizajes. La
importancia del presente trabajo radica en la técnica del modelado y el uso
adecuado como una alternativa para el desarrollo de la creatividad en el dibujo,
especialmente en la exploración temprana pre-esquemática (4 a 6 años de
edad), la acción didáctica debe permitir que los niños realicen actividades más
vigorosas y con mayor esfuerzo a medida que se va desarrollando. De esta
manera, en el transcurso de pocos meses, el niño pasará de pre- figurativo a
un proceso de transición donde el modelaje tendrá un manejo activo más
figurativo centrando el interés en la decoración del objeto y por ende en el
desarrollo creativo en los dibujos.

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Conclusión
Con el modelado los niños/as desarrollan también la percepción, en especial la
percepción táctil y la visual. Con la primera, los niños trabajan con diversos materiales,
los cuales producen sensaciones a través de las cuales aprenden conceptos como
suave, liso, áspero, duro, blando, frío, caliente, húmedo, seco, etc.  Sin embargo, con
la percepción visual los niños/as desarrollan la capacidad de observar y retener la
información de los cuerpos u objetos que desean representar (tamaño, color, forma,
proporción, función y demás características).  Además, los niños/as construyen otro
tipo de conocimientos, por ejemplo, armando y desarmando las figuras, trabajando así
el concepto de composición y descomposición

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