El color y la composición

Una escala de color

La variación graduada de la luminosidad, el tono o la saturación de un color lleva por nombre

escala, que puede ser cromática o acromática. Sí, por raro que parezca, podemos afirmar que existen
ciertos colores que no tienen ningún color.

El blanco, el negro y el gris pertenecen a la categoría de colores acromáticos o, en otras palabras,

colores sin color. Desde el punto de vista psicológico, los tres son colores, ya que originan en el
observador determinadas sensaciones y reacciones.

Sin embargo, desde el punto de vista físico, la luz blanca no es un color en sí mismo, sino la suma
de todos los colores. Si hablamos de colores pigmento, el blanco sería un color primario, ya que no
puede obtenerse a partir de ninguna mezcla.

El color negro, por el contrario, es la ausencia absoluta de la luz. Es considerado un color

secundario, ya que es posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros, aunque no obtendríamos un
negro puro

“El gris se produce por la mezcla de ambos colores acromáticos, por lo que sigue teniendo esta
propiedad”

Escalas cromáticas y acromáticas

Las escalas de colores pueden ser cromáticas o acromáticas:

• Escala cromática: Se obtienen los valores del tono a partir de la mezcla de los colores
puros con blanco o con negro, por lo que pueden perder fuerza cromática o luminosidad. En
otras palabras, cambia su tono, su saturación y su brillo.

• Escala acromática: [En este caso, como veíamos anteriormente], siempre será una escala
de grises, una modulación continua del blanco al negro. La escala de grises se utiliza para
establecer comparativamente tanto el valor de la luminosidad de los colores puros como el
grado de claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro. Por la
comparación con la escala de grises (también llamada escala test), se ponen en relieve las
diferentes posiciones que alcanzan los distintos colores puros en materia de luminosidad.
Esto significa que “podemos comparar los grados de luminosidad y claridad de los colores puros
que la forman”

Gamas de colores

Las gamas de colores son las escalas formadas por gradaciones que realizan un paso regular de un
color a otro. Por ejemplo, de un color puro hacia el blanco o hacia el negro, de una serie continua de
colores cálidos a fríos o una sucesión de diversos colores. Pueden ser monocromas, cromáticas o
polícromas.

• Escalas monocromas: Se basan en un único color y se forman con todas sus variaciones,
añadiendo blanco, negro o gris como mezcla de ambos.
Las escalas monocromas pueden formarse por saturación, luminosidad o valor

• Escala de saturación, también llamada escala de blanco. Esta se da cuando al

blanco se le añade un cierto color hasta conseguir una saturación determinada.

• Escala de luminosidad, también llamada escala de negro. Es cuando al color

saturado se la añade solo negro.

• Escala de valor, se produce cuando al tono saturado se le mezclan, al mismo

tiempo, el blanco y el negro, es decir, el gris.

• Escalas cromáticas: Estas pueden ser escalas altas, medias o bajas:

◦ Escalas altas: Cuando se utilizan las modulaciones del valor y de saturación

que contienen mucho blanco dando lugar a composiciones luminosas.
 • Escalas medias: Cuando seutilizan modulaciones que no se alejan mucho del
tono puro saturado del color dando lugar a composiciones algo apagadas.

• Escalas bajas: Cuando se usan las modulaciones de valor y luminosidad que

contienen mucho negro, por lo que las composiciones resultarán oscuras.

● Escalas polícromas: Son aquellas gamas de variaciones de dos o más colores. El mejor ejemplo
de este tipo de escala es el arcoíris
 Una paleta emocional

La psicología del color es un campo de estudio que está dirigido a analizar cómo percibimos y
cómo respondemos ante los estímulos que nos generan los diferentes colores, así como las
emociones que despiertan en nosotros dichos tonos.

Hay ciertos aspectos subjetivos en la psicología del color, por lo que siempre debemos tener
presente que pueden existir ciertas diferencias en la interpretación y el significado entre [distintas]
culturas. (Gavilán)

En el mundo del diseño, por ejemplo, al momento de diseñar un logo para una empresa, se elige el
color con la conciencia de emitir un determinado mensaje al consumidor. Por otro lado, “cuando se
decora una tienda, también se valora [cuidadosamente] qué colores se emplean, pues es casi una
necesidad que la gente sienta el deseo de comprar cuando está en el local”

Y así podríamos seguir mencionando ejemplos en otras ramas del diseño, ya que la psicología del
color es transversal a cualquier diseño, sea industrial, gráfico, de indumentaria o de interiores

Pero no solo se utiliza la psicología del color para sacar un beneficio económico. En la
“arteterapia”, el color se asocia a las emociones de la persona y es una manera de influenciar el
estado físico y mental del paciente.

Al momento de clasificar colores por las emociones que nos generan, rápidamente aparecen
categorías como la de los colores cálidos, como el rojo, el amarillo o el naranja, que pueden
suscitar distintas reacciones, desde positivas (calidez) o negativas (hostilidad y enfado). O, por
contra, también solemos hablar de colores fríos, como el verde o el azul, que suelen provocar una
sensación de calma, pero también tristeza.

En la siguiente planilla, podemos encontrar las asociaciones más comunes que hacemos con los
colores:

Esto nos da un indicio sobre el uso que los diferentes directores de arte y directores de fotografía le
dan al color en el cine.
En los orígenes de la cinematografía, cada fotograma se coloreaba a mano, “con lo que esto supone
para una película de tan solo una hora de duración (más de 90 000 fotogramas)” (Gavilán)

Dado el trabajo interminable que hubiese supuesto colorear así todas las películas, pronto se
terminó coloreando secciones de fotogramas para crear distintos ambientes. Grises oscuros o azules
para secciones en oscuridad o nocturnas, rojas para incendios, verdes para el campo, amarillo o
naranja para días soleados, etc

El color proporciona mayor adecuación a la realidad, ya que el mundo es en colores, y una amplia
libertad para el juego de carácter creativo.

Los cineastas del cine en blanco y negro, no obstante, llegaron a adquirir una perfección fotográfica,
de contrastes entre luz y sombras, y una sorprendente profesionalidad en el uso de la iluminación.
Algunos, como Eisenstein o Fritz Lang, llegaron a dominar el mundo de luces y sombras, dando a la
sombra carácter protagonista, utilizando con maestría el contraluz, el humo de hogueras y cigarros.
La niebla y otros efectos se realizaban con fines estéticos, para enfatizar la luz y las sombras y no
solamente con el fin de crear atmósferas y ambientes.

“Actualmente, en muchos casos, el cambio de color, o su saturación e intensidad, se realiza por

métodos digitales. Los operadores y técnicos de fotografía saben dar a cada escena el tono,
intensidad o saturación adecuada a la secuencia”

Los cinco usos más conocidos del color en cine son:

• El color pictórico. Intenta evocar el colorido de los cuadros e incluso su composición.

• El color histórico. Intenta recrear la atmósfera cromática de una época.

• El color simbólico. Se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar
efectos determinados.

• El color psicológico. Cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores fríos
(verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan. Los colores
cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos, de lejanía. También influye el valor de la
intensidad tonal de cada color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía,
vacío… Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación.

Los fondos iluminados y claros intensifican los colores, dan un ambiente de alegría y los objetos
tienen más importancia en su conjunto. Los fondos oscuros debilitan los colores, entristecen los
objetos, que se difuminan y pierden importancia en el conjunto.

El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar
con más fuerza ciertos momentos

El color no es solamente un adorno. Se logra mediante el buen uso del color aumentar o reducir la
expresividad de la película; puede crear la atmósfera adecuada para la recepción de nuestro
mensaje.

En La lista de Schindler (Schindler’s list 1993), de Spielberg, el vestido de color rojo de una niña,
una de las pocas manchas de color de la película, se debe en realidad a la necesidad de rendir
homenaje a un personaje de la novela-documento que da lugar a la película, «La lista de Schindler»,
de Thomas Keneally, en la que una niña, a la que siempre gustaba vestir de rojo y a [la] que sus
familiares llamaban Caperucita Roja, tiene un papel relevante, desde el comienzo del libro hasta su
muerte, en el campo de concentración.
En la película Ben Hur (Ben-Hur: a tale of the Christ, 1925), dirigida por Fred Niblo, aunque casi
toda estaba en blanco y negro, muchas de las escenas sobre Jesús y alguna sobre Judá Ben-Hur se
filmaron en el tecnicolor de la época. Se entremezclan, por [lo] tanto, secuencias en blanco y negro,
otras coloreadas a mano, en amarillo el radiante sol cuando el gobernador romano entra en
Jerusalén, en azul casi violeta en las mazmorras de la torre Antonia y, lo que es más curioso e
importante, el primer tecnicolor, muy precario, pues las emulsiones solamente proporcionaban los
colores verde y rojo.

En las siguientes imágenes, podrás observar algunos ejemplos concretos del uso del color en una
serie de películas. Seguramente, en más de un caso recuerdes la película, pero no recuerdes la
dominante de color. Eso significa que el color no siempre está en nuestra conciencia, pero siempre
está en nuestras sensaciones
 El color y la textura
“La textura es fundamental en la creación de realismo, evoca la edad, el uso y paso del tiempo, y
refleja los resultados de las condiciones ambientales sobre una superficie” (Sergio, s. f.). En otras
palabras, las texturas no solo tienen un valor simbólico o emocional en sí mismo, sino también un
gran potencial narrativo.

Los europeos lo llaman pátina, pero también se conoce como textura. La superficie de un objeto
debe reflejar que ha sido vivido en o ha existido en el tiempo. El polvo es un agente común del
envejecimiento, de fácil acceso para el cineasta. La naturaleza del polvo varía de acuerdo [con] la
zona donde queremos patinar: en las ciudades por lo general es negro y hollín. Las propiedades del
suelo, los autos, la contaminación industrial y el hollín de chimenea en una metrópolis llena de
gente contribuyen a que la arquitectura tenga un color y una textura a suciedad por dicho polvo.
(Sergio)

El propósito de la textura o pátinas de los materiales de construcción, tejidos, y muebles es

proporcionar contraste y complemento y para añadir realismo y un sentido del tacto para el diseño.
Los materiales elegidos para el diseño de producción sirven para muchos propósitos. Las texturas
de los materiales de construcción comunican las propiedades de la estructura: madera, metal, vidrio,
ladrillo y azulejo. Si las texturas son creíbles, y parecen reales, contribuirán a la veracidad de la
historia. Una de las misiones del diseñador de la producción es… crear la apariencia de los
materiales reales a través de la dirección de arte. Un decorado construido de madera puede ser
transformado por pátinas y texturas en otros materiales para crear la ilusión de que está hecho, por
ejemplo, de piedra, una madera de alta calidad o una textura de metal.

Materiales y texturas son dispositivos de narración del guion. Informan al público acerca de la
situación económica, lugar y tiempo, las condiciones sociales y políticas de la historia de ambiente.
Los materiales pueden convertirse en metáforas…

En Terminator 2: El juicio final (1991), [los personajes de] Terminator y T1000 están hechos de
metal. El diseñador de producción Joseph Nemec III se basó en superficies metálicas de todo tipo
[de] variedades, incluso en metal fundido. (Sergio, s. f)
Todas las estructuras de metal en la película están relacionadas con el poder de los cyborgs. Parte de
la técnica de diseño de producción es el uso de materiales que están disponibles, [son] fáciles de
trabajar y razonables para una producción cinematográfica. Todos los materiales de metal en el
diseño de Terminator 2: El juicio final no son exactamente lo que parecen. Las superficies son
tratadas, pintadas y con textura.

La clave es la observación

Observe y estudie la textura de las superficies a su alrededor. Identifique [sus] patrones y matices.
[Un buen ejercicio es] crear un archivo de texturas en fotos, recortes y muestras de materiales.
[También se recomienda visitar] almacenes de maderas, albañilerías, ferreterías y otros recursos que
se usan en la construcción.

Aprender a reconocer las propiedades físicas de los principales materiales, madera, piedra, ladrillo,
vidrio, azulejos y metal ayuda a tener una mejor representación de estos. Otro ejercicio común para
alumnos de dirección de arte es pintar algunas superficies de color blanco y practicar “envejecer”
diferentes objetos y materiales

El aporte de la arquitectura

El diseño de producción en [el cine] nació de la colaboración entre tres formas diferentes de arte:
las artes decorativas, el teatro y la arquitectura. Las artes decorativas tienen una larga tradición
[que] se remonta a los inicios de muchas culturas. [El] teatro se remonta a los antiguos griegos y
romanos, continuando a través de las diferentes épocas. Ambas disciplinas artísticas influyeron en
dirección de arte en el cine, pero la influencia más significativa en diseño de producción fue la
arquitectura. A principios del siglo XX, el cine estaba naciendo, una revolución artística se estaba
forjando en la arquitectura moderna. La mayoría de los primeros cineastas mantuvo un estilo teatral
de simples telones de fondo pintados con poca relación cinemática entre los personajes y su
configuración. En 1897, Georges Méliès, un mago convertido en cineasta, abrió Star Studios Films
y llevó el arte de la ilusión teatral al cine. También el español Segundo de Chomon fue otro gran
creador, que filmó las primeras maquetas y también fue el inventor del travelling, usado en la
película Cabiria. (Sergio)

Un ejemplo más cercano es el de Hitchcock: Antes de ser un reconocido director, trabajó en otros
ámbitos del cine, entre ellos, la decoración. Por ello, no es raro que en todas sus películas haya un
tratamiento cuidadoso del entorno, como ocurre en esta película donde el espectador observa el
paisaje desde una perspectiva interior, una ventana desde la cual se desarrolla toda la historia.

Gracias al dominio de las herramientas informáticas de modelización 3D, Joseph Kosinski,

graduado en arquitectura en la universidad de Columbia, dio el salto a la animación y de ahí al cine
creando su propia compañía de cortometrajes de animación. Esa familiaridad con los universos
virtuales y futuristas se refleja en películas como Tron Legacy y Oblivion
 El realismo poético

El realismo poético fue producto, en parte, de la quiebra de las

grandes sociedades de producción a mediados de los años
treinta. Esta situación permite el florecimiento de realizadores
y productores independientes. Aunque la producción no fue
muy copiosa, fue suficiente para desarrollar esta famosa
escuela francesa. El realismo poético fue lo que unió de 1930
[a] 1945 a una serie de directores históricos como René Clair,
Jean Vigo, Jean Renoir, Marcel Carné, Jacques Becker, Jean
Grémillon, Jacques Feyder y Julien Duvivier.

Esta “escuela”, por llamarla de alguna manera, fue como una

especie de neorromanticismo que se recreaba en los contrastes violentos: el hombre y su aspiración
a la felicidad, por un lado, y la sociedad y sus discutibles reglas, por otro. Sus personajes no eran
gente de la alta sociedad, no eran héroes típicos de las películas americanas; eran obreros,
malhechores, desertores, prostitutas, criados, personajes de las clases más bajas de la sociedad.
Eran películas pesimistas, que casi siempre acababan mal, pero eran verdaderamente hermosas.
Concebían películas donde se enfrentaban el bien y el mal, a través de personajes malvados y otros
íntegros, víctimas de un destino muy a menudo trágico.

Tres puntos [que] destacar sobre este periodo llamado “el realismo poético” surgido entreguerras: la
denuncia del orden social en sí mismo (Jacques Prevert tuvo acá un papel esencial); la crónica de
las costumbres, satírica y desengañada; la percepción lírica empleada como forma de rechazar la
condición humana, tanto la de los intelectuales como la de los proletarios de todas las clases. El
realismo poético enfrenta los sentimientos humanos y a menudo la buena voluntad de los hombres a
las crueldades de un inexorable destino.

Jean Renoir

Uno de los grandes maestros del «realismo poético» fue Jean Renoir. Hijo del famoso pintor
impresionista Auguste Renoir,es el autor completo de sus films, los cuales expresan su singular
personalidad. Así, escribió en 1938: «Con ingenuidad y trabajo me esforzaba por imitar a los
maestros norteamericanos, y es que no había entendido que un francés que vive en Francia, bebe
vino tinto y come queso de Brie, con las grisáceas perspectivas parisinas de fondo, no puede hacer
obra de calidad si no es fundándose en las tradiciones de la gente que vive como él».

Son películas claves de esos primeros años La chienne (1931), Boudu sauvé des eaux (1932), Toni
(1934), considerada gran precursora del neorrealismo, Une partie de campagne (1936), emocionado
homenaje al impresionismo, y Los bas fonds (también del año 1936).

La película La Bete Humaine (1937) llega a sintetizar un lirismo trágico y un naturalismo negro. El
crimen, los celos, las pulsiones sexuales, son los materiales de base de Zola y Renoir cuida el
espíritu del escritor en su manera de dirigir. Más tarde (algunos años luego), el gran pesimista que
fue Fritz Lang filmará remakes de estas películas dentro del cine negro.

Julien Duvivier
Julien adaptó algunas novelas de Simenon y, como Renoir, había comprendido que Simenon
trabajaba sobre las ambigüedades de la naturaleza humana y la necesidad irreversible de destruir su
propio equilibrio, ya sea mediante el alcohol, el sexo, el crimen o la avaricia.
Marcel Carné

No es exagerado considerar a Jean Gabin como un ícono del cine negro, más que un mito
emblemático del realismo poético francés. Lo que llama la atención de Gabin es [la] interioridad
casi patológica. Un sufrimiento mudo frente a la podredumbre, la corrupción y el vicio. Su
actuación pasa de la sobriedad total a un estallido de energía colérica de asombroso verismo.

Las películas Quai de Brumes (1938) y Le jour se leve (1939) [son] películas de Marcel Carné y
Jacques Prevert que superaban, a pesar de sus directores, el realismo poético para entrar en el cine
negro.

Los sueños de felicidad siempre se convierten en pesadillas. La poesía no es más que un réquiem.
Niebla, lluvia, personajes sórdidos, lo llenan todo de un carácter opresivo y turbio. A pesar del
humor sarcástico de Jacques Prevert, una estética onírica y angustiosa habita en sus imágenes. Lo
plagiarán con frecuencia en su estilo y en su temática negra.

Una película como Le jour se anticipa al tono general que tendrán las películas del cine negro.
Claustrofobia del personaje encerrado en una habitación durante la noche esperando la llegada de la
policía que lo busca. Durante el transcurso de la noche, una serie de flashbacks nos va 6 contando la
historia de cómo ha llegado a esa situación. Por otro lado, muestra cómo la muerte es la única salida
a esa situación, algo también muy presente en el cine negro.