Actividad 2-Comprendiendo Una Obra de Arte

UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL CARMEN
ESCUELA PREPARATORIA DIURNA

CAMPUS II
I S T O R I A D E L A R T E
H OBRA
R E N D I E N D O U N A
"COMP T E "
D E A R
6to C
Integrantes del equipo:

Arellano Santiago Viviana de los Angeles

Cornelio Najera Roger
Cupil Castillo Samantha Inés
Sosa Medina Maria José
Zavala Roldán Jothan Danyael
"LA PIETÁ"
Esta escultura representa la devoción y lamentación de la Virgen María ante el

cuerpo de su hijo, Jesucristo, tras su muerte en la cruz. La escena no está
mencionada ni en los evangelios canónicos ni en los apócrifos.
Es una obra de tipo escultórica, se llama “La Piedad” o “La Pietá” en italiano; La
Piedad fue trasladada entre el año 1749 y 1750 a su ubicación actual en la
Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha. Esta obra escultórica del
Renacimiento italiano creada por el artista florentino Miguel Ángel Buonarroti
en 1499, cuando tenía apenas 24 años de edad, significa que la armonía, el
equilibrio y la belleza se vuelven metáforas de la espiritualidad cristiana
consagrada. Esta espiritualidad es interpretada por el escultor desde una
lectura filosófica muy propia del Renacimiento, que ve el dominio propio como
elemento de razón y como prueba de fe.
Es una escultura de bulto redondo. Las principales características de esta
escultura resultan de las soluciones que el artista encontró para el tratamiento
de la composición, el material, las dimensiones y las figuras. El material de La
Piedad es una pieza monolítica, es decir, está hecha a partir de un solo bloque
de mármol blanco extraído de las montañas de Carrara, en la región de
Toscana.De entre todas las canteras disponibles de la época, había una veta que
daba el mármol más pálido, de donde el escultor hizo sacar el bloque para la
Piedad. Tiene unas dimensiones de 195 centímetros de ancho y 174 centímetros
de alto. Se trata de una obra en tamaño natural, lo que refuerza su carácter
realista ante el espectador. Se dice que es un conjunto escultórico porque
alberga más de una figura, mientras que bulto entero significa que permite un
desplazamiento visual alrededor de la pieza.La composición de la Piedad está
basada en un triángulo equilátero sobre una base elíptica. Esto permite
desenvolver la intención de dotar a la pieza de equilibrio y estabilidad.El
mármol en la Piedad ha sido modelado de diferentes formas. Los pliegues de
las telas en la parte inferior tienen mayor volumen, lo que da estabilidad.El
tratamiento del ropaje y sus pliegues en la parte superior es comparativamente
mucho más suave y pulido.
"LOS COMEDORES DE
PATATAS"
Esta pintura representa a cinco miembros de una misma familia, tres

generaciones, se reúnen en torno a una mesa para la cena, el reloj de pared marca
las siete. La pareja de jóvenes a la izquierda, los abuelos a la derecha y la niña, la
nieta, en el centro de espaldas. De hecho es la niña la que marca el centro del
cuadro, efecto reforzado por la lámpara, partiéndolo en dos mitades: en una mitad
los abuelos se dedican a la bebida, en la otra los padres con la fuente de patatas
delante, parecen dos realidades diferentes dentro de un mismo cuadro.
Es una obra de tipo Pictórica, fue creada por Vincent van Gogh y la nombró como
”Los comedores de patatas (1885)”, se localiza en el Museo Van Gogh (Ámsterdam),
es de tema social y pertenece al estilo Neo-impresionismo.
La escena tiene lugar en el interior de la casa familiar, una estancia austera,
pobre, pequeña, simplemente decorada con un reloj de pared y una lámpara
que alumbra la escena dejando ver la miseria.La sensación es de aislamiento,
de individualidad, cada uno está a lo suyo, no se miran directamente aunque
sí se puede intuir el cariño entre ellos y el agradecimiento en sus miradas.
Por la ausencia total de movimiento los personajes parecen estar posando
para el artista, aunque en realidad Vincent pintó este cuadro en su estudio y
de memoria.
Los rasgos de sus rostros son duros, feos, carecen de idealización, son muestra del
duro trabajo diario cuyo resultado son tanto la comida como las marcas en sus
rostros. Nos muestra unas figuras casi caricaturescas realizadas con un trazo
rápido, sin detenerse en los detalles y dotando de modernidad a una composición
realista en la estela de los artistas de la Escuela de la Haya. La luz, desde arriba
remarca esos rasgos de sus rostros, los ilumina a todos por igual siendo el único
elemento que aporta cierta unidad a la escena y finalmente el color, muy alejado de
la gama de azules, verdes y amarillos vivos que conocemos de sus cuadros más
famosos en su última época en Arlés, en este cuadro destacan los negros y ocres,
tonos que contribuyen al dramatismo de la escena.
Vincent lo hace de una manera dramática, quiere mostrar el realismo, la pobreza y
la miseria en la que viven los campesinos del pueblo minero en que vive en esta
etapa de su vida como Pastor, con este cuadro coloca al campesino como
representante de la tradición y como la base de un mundo mejor. Su fealdad es el
testimonio de la realidad en la que vive.
Su técnica es Óleo, con un soporte de lienzo y una dimensión de 114 x 82 cm.
"BASÍLICA DE LA SANTA
CRUZ EN LECCE"
Cada parte de esta arquitectura tiene una representación, la parte más

baja de la fachada es una representación del mundo pagano, el cual solo
será salvado por el sacrificio de Jesucristo en la Cruz, que está en la
cúspide de la fachada. Mientras que más arriba, aparecen los ángeles que
coronan al Papado y la monarquía, representando al mismo tiempo el
poder terrenal y el espiritual, sin cuya presencia es impensable el orden; y
por último, en lo más alto se ve el rosetón, fuente de luz divina, y un
conjunto de santos y alegorías. Todo ello rodeando a la cruz que ocupa un
espacio central.
Es una obra de tipo arquitectónica, se llama “Basílica de la Santa Cruz de
Lecce”, este templo fue una larga obra de más de un siglo, ya que se
comenzó en 1548 y los trabajos se prolongaron hasta 1689, este arte
barroco fué dirigido consecutivamente por varios arquitectos y escultores:
Gabriele Riccardi, Francesco Antonio Zimbalo, Giuseppe Zimbalo y Cesare
Penna. Entre todos ellos configuraron un conjunto exuberante y también
de cierta apariencia caótica. E incluso hay notas un tanto extravagantes
como peculiares monstruos o figuras desnudas integradas entre las
escenas religiosas.
Es un interior muy luminoso, gracias al rosetón y también a la linterna de
la gran cúpula. La idea de este contraste entre el exterior, el caso, y el
interior, recinto puro y de fe, ya la tuvo el primer arquitecto del conjunto,
Riccardi. Y luego los continuadores del trabajo respetaron ese espíritu.
Hicieron sus propias obras como los altares de la cabecera del templo. En
especial, el de la izquierda que está dedicado a San Francisco de Paula,
obra de F. Antonio Zimbalo. Mientras que a la derecha está el de la Santa
Cruz de Cesare Penna. No obstante, todo el templo está plagado de
altares, ya que en sus naves laterales hay 14 más, siete en cada lado y en
cada una de las profundas capillas. Y todo ellos con una decoración
abundante e integrada en esa idea del llamado barroco de Lecce.
"AUGUSTO DE PRIMA
PORTA"
Se ve el momento en que Augusto de Prima Porta , primer emperador

romano le hablaba a los soldados.
Es una obra de tipo escultórica; se llama “Augusto de Prima Porta", Museos
Vaticanos, su autor es desconocido, Fue descubierta el 20 de abril de 1863 en
la villa de Livia, en Prima Porta, un suburbio de Roma. Su tema es el
momento en que el primer emperador romano hablaba a los soldados.
La estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de
Policleto del siglo V a. C. Acoge la forma de contrapposto de esa escultura,
creando diagonales entre los miembros tensos y los relajados, es un rasgo
típico de la escultura clásica. El Augusto de Prima Porta aparece en pie y con
coraza; el paludamentum va enrollado en la cintura y sostenido por el brazo
izquierdo, mientras el derecho avanza en gesto típico para arengar a las
tropas. La escultura mide aproximadamente dos metros de altura, el hecho
de que aparezca Augusto con los pies descalzos, cosa que en la obra original
en bronce no sucedía, nos informa sobre la consideración que recibe
Augusto como "dios" y nos informa sobre la fecha de la obra, posterior a la
muerte de Augusto pues éste no fue divinizado hasta después de su
muerte.Los materiales más utilizados por los escultores romanos eran el
bronce y el mármol, prevaleciendo especialmente este último. Las
superficies parecen lisas y pulidas aunque en su armadura se aprecian
relieves de mucho trabajo. Se aprecia algo de frontalidad y su actitud es
reposada y serena, con una posición de contraposición al estilo de la Grecia
Clásica.La luz incide de forma homogénea y suave y no se aprecian restos de
policromía.
Es del estilo romano y Pertenece a Roma, de las escuelas del Helenismo y
Neoclasicismo, en el periodo desde el siglo III a. C. hasta el siglo V.
Podemos decir, por tanto, que en el Augusto de Prima Porta se produce,
como en todas las manifestaciones artísticas de la época augústea, la síntesis
entre el clasicismo griego, cuyo lenguaje formal se adopta, y la concepción
romana de la obra de arte sujeta a lo utilitario y real.

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