Arte Parcial

Parcial de Educación Artística: Lenguajes Artísticos. 1° G Magisterio. IINN.
Julio 2021
Prof. Leonardo Saraibe.
Huartamendia, Yanine
Ci: 4.300.044-7
Arte Clásico: Grecia y Bizantino

El arte en este periodo era igual a destreza, era el saber y la destreza necesarios para la
construcción de un objeto (del tipo que fuere), también se consideraba arte la destreza para
mandar un ejército, medir un campo o dominar a una audiencia.
La destreza se basa en el conocimiento de reglas y por lo tanto no existía ningún tipo de arte
sin reglas, incorporándose el concepto de regla al arte. Algo que no estaba sujeto a reglas, algo
que proviniera de la inspiración o la fantasía no se trataba de arte sino por el contrario era la
antítesis del arte, por ejemplo, los griegos no consideraban arte a la poesía ya que la misma
creían se originada por la inspiración de las musas, de la misma manera la música estaba
excluida.
El arte comprendía tanto los oficios manuales como la pintura y esta era tan arte como la
sastrería, por ejemplo. En este periodo el arte no solo era producto de una destreza, sino que
por encima estaba la destreza de la producción en si, el uso y dominio de reglas y el
conocimiento experto, por lo que por ejemplo la gramática y la lógica también se consideraban
arte. Incluía oficios manuales y parte de las ciencias.
En este periodo surge la clasificación en artes liberales (las de esfuerzo mental) y artes
vulgares o comunes (las que requerían un esfuerzo físico). La escultura y la pintura en este
periodo se consideraban artes vulgares, las bellas artes se clasificaban junto con las
artesanías. Cicerón dividió las artes en aquellas que se dedican sólo a comprender las cosas, y
aquellas que las fabrican.
En la antigüedad griega y romana se conoció al menos seis clasificaciones de las artes, casi
todas ellas con sus variantes:
1) Las clasificaciones de los sofistas se basaron en los objetivos de las artes (la arquitectura se
consideraba un arte utilitario, mientras que la pintura era un arte que se practicaba sólo por
placer).
2) Las clasificaciones de Platón y Aristóteles -en la relación que mantenían las artes con la
realidad (pensaban que la arquitectura era un arte productivo, y la pintura uno imitativo).
3) La clasificación de Galeno -en el esfuerzo físico que exigían las artes (las artes liberales
comprendían la retórica, pero no incluían la arquitectura o la pintura).
4) La clasificación de Quintiliano -en los productos de las artes (la danza y la música eran artes
prácticas, mientras que la arquitectura y la pintura eran artes poieticas).
5) Una de las clasificaciones de Cicerón -en los valores de las artes (no clasificó como artes
mayores ninguna de las artes liberales; mientras que la poesía y la retórica eran artes
medianas, y el resto de las bellas artes eran menores).
6) La clasificación de Plotino -en 5 grupos por el grado de espiritualidad (las bellas artes se
dividían del mismo modo, perteneciendo algunas al primero el de artes que producen objetos
físicos, y otras al tercero al de artes que imitan la naturaleza).
Parcial de Educación Artística: Lenguajes Artísticos. 1° G Magisterio. IINN. Julio 2021
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Por tanto, la antigüedad no pensó nunca que las bellas artes formaran un grupo diferente de
artes.
Características del arte Griego
Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un politeísmo de
dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie a una mitología muy
representada en escultura.
El Arte Griego en la antigüedad tiene como característica fundamental tener un alto idealismo
estético, lo cual implica que el arte representa no la realidad cruda y directa sino una visión
idílica y perfecta que se percibe por el uso de la proporcionalidad (utilizan las medidas
matemáticas para representar la proporción ideal en las obras de arte) y equilibrio de los
elementos, así como por su interés en reflejar en las obras artísticas las líneas de la figura
humana a la perfección; tanto en el dibujo como en la escultura.
El cuerpo humano para ellos es el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción (su
preocupación es representar una visión idílica y perfecta de la belleza del cuerpo humano), a
esta tendencia se le denomina Antropocentrismo. Existe un idealismo estético que busca
representar una visión idílica de la belleza, la representación de la proporcionalidad y el
equilibrio en las obras de arte contribuyen a destacar su concepto de la perfección estética
La característica presente en todas sus formas artísticas es la creación de un mundo idealizado
donde la sencillez, la proporción, el ritmo, la claridad y la unidad conceptual de la obra es lo
dominante. El carácter es decorativo no realista y practico
En el arte griego la representación de la naturaleza y el mundo es con realismo y detalle, pero
con una visión idealizada de estos.
ATENEA LEMNIA. (Escultura, considerada arte vulgar)

Escultura de Fidias (considerado el paradigma del
clasicismo griego) que le encargaron los lemnios para
su Acrópolis.
La Lemnia representa a Atenea en actitud pacífica,
con la cabeza descubierta e inclinada, con la mirada
fija en el casco que sostenía en la mano derecha.
El mayor atractivo de la obra reside en la cabeza, la
forma esférica de la cabeza y la belleza severa del
rostro (posee un excelente modelado de las facciones)
adquieren toda su fuerza plástica en el perfil.
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En la escultura el movimiento de su cabeza resulta ligero y

suave, en este periodo se presta especial atención a la
expresión de los sentimientos en los rostros. Precisamente
este, fue modelo para esculturas posteriores, representa el
canon de belleza del mundo clásico, ejemplo de
idealización y armonía.
Además de la belleza serena de los rostros característica
del periodo se busca la flexibilidad de las telas, telas y
pliegues buscan el naturalismo: caen verticales o formando
curvas, muy cuidadas.
En el cabello lleva una cinta lisa que ciñe la cabeza y el
pelo queda abultado por encima y por debajo en
ondulaciones suaves perfectamente trabajadas, en
mechones pequeños, independientes y finamente
articulados buscando evitar la inmovilidad, rigidez y falta de
expresividad, busca movimiento.
Características del arte Bizantino
El bizantino es el arte desarrollado en el Imperio Bizantino, el mosaico es el vehículo

idóneo para transmitir el mensaje religioso de esta cultura y, a la vez un instrumento de
propaganda del poder imperial ya que emperador Justiniano y su esposa Teodora,
sentaron las bases del desarrollo político, religioso, cultural y comercial del Imperio
Bizantino.
Se exalta lo divino, el plano divino se representa con fondos dorados (luz adquiere valor
espiritual). Otras características son la representación de los ojos grandes, pies en uve y no
se advierten las siluetas de las personas.
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Sus figuras son firmes, hieráticas, imponentes y parecen trascender los límites de una
mortal y común humanidad. El mosaico (más duradero) sustituye a la pintura al fresco, pero
sigue utilizando como en esta los mismos temas religiosos del antiguo y nuevo testamento.
El arte bizantino aplica el modelo de la perspectiva invertida. A diferencia de la perspectiva
lineal, el punto de fuga está situado en el espectador y no en la obra. Más que ver el ícono,
el espectador es visto por éste.
Paulatinamente se aleja de los ideales clásicos como el moldeado y el naturalismo de las
formas y comienza el color plano, sin claroscuros, perspectivas ni otros efectismos, la
proporción también es antinaturalista. La rigidez y severidad de los rostros con una
disposición simétrica se aleja del naturalismo y dan paso a la impresión de solemnidad y
eternidad que se buscaba. Recurren a una gran luminosidad en un intento de reflejar lo
sobrenatural.
El rostro es el centro de interés, la construcción se realiza a partir de la nariz, siempre
alargada, la boca no requiere protagonismo; es pequeña y de labios finos, las orejas se
escondes detrás del cabello, solo se ven los lóbulos. Con respecto a los rostros el rostro de
perfil, reservado para aquellos que aún no alcanzan la santidad plena o no tienen santidad
por mérito propio (apóstoles, ángeles, etc.) y el rostro frontal, reservado para los
personajes santos o que ya están en la gloria divina (como Jesús).
En el arte bizantino la escultura pierde importancia, la escultura bizantina aparece apenas
en pequeños relieves hechos sobre ricos materiales como el marfil o relieves sobre
sarcófagos.
TEODORA Y SU SEQUITO. (Mosaico, equivalente a la pintura, considerada arte vulgar)

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Mosaico donde se ven perfectamente las características

formales del arte bizantino como la composición que es muy
sencilla, sin movimiento y de gran geometrismo, con tendencia a
la frontalidad en los rostros importantes, los secundarios
aparecen perfilados, las narices alargadas, bocas pequeñas,
pies en uve, las siluetas tapadas, predominan gruesas líneas
que limitan los contornos, y destacan los colores chillones,
encontrando en algunas túnicas gran detallismo, los pliegues
son geométricos y la simetría en torno a un eje central donde se
sitúa la figura principal: la emperatriz.
El manto púrpura de Teodora (color reservado para la familia
imperial) y el nimbo (círculo luminoso que se representa detrás
de las cabezas de las imágenes divinas o de santos como símbolo del aura que
emanaban) que la dotan de un significado sagrado y la señalan como persona de la
realeza y el eje principal de la escena, además su canon es mayor que el de los otros
personajes. Aparece vestida de forma lujosa (seda) dotada de joyas y con la corona, lo que
le otorga poder divino dado por el nimbo y poder político dado por la corona.
Medieval: Románico y Gótico
En este periodo las artes vulgares o comunes se pasan a denominar artes mecánicas, esto se
debe a que surgió un interés en ellas y dejaron al menos en parte de menospreciarlas.
Las artes liberales
eran las artes por
excelencia, las
verdaderas artes y
eran la gramática, la
retórica, lógica,
aritmética,
geometría,
astronomía y música,
eran la de mayor
valor y de hecho
eran estas artes
liberales las que se
enseñaban en las
universidades.
En la edad media se
distinguen las 7 artes liberales mencionadas y 7 mecánicas, pero de lo que hoy entendemos
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como arte, en las 14 solo se incluye la música. Esta fue la mayor contribución que la Edad
Media aportó a la clasificación de las artes, dos de las siete artes mecánicas se parecían a las
modernas bellas artes, esto es la armnturn, que comprendía la arquitectura y la theatrica o arte
del entretenimiento (concepto especialmente medieval).
La poesía se seguía considerando filosofía o profecía, no arte, mientras que la escultura y la
pintura se consideraban artes mecánicas, pero no están incluidas en la lista de estas ya que se
consideraban por debajo y menos importantes que las 7 incluidas, eran menos útiles por lo que
no valía la pena mencionarla en las clasificaciones.
Características del arte Románico
El arte románico es una expresión artística que se produje en Europa en el siglo XI, XII, y es
didáctico, ilustra la doctrina de la iglesia católica.
El estilo está sometido a esquemas iconográficos preestablecidos (por ejemplo, se mantienen
el antinaturalismo, los pies en uve y no se advierten las siluetas de las personas), composición
simple de volúmenes, pureza de formas, líneas verticales y horizontales. El arte es
esquemático, bidimensional (carece de luz y profundidad).
Sobresale el antinaturalismo donde no se advierte la anatomía por la ropa, los ojos y las
palmas de las manos tienen dimensiones desproporcionadas, colores intensos, el color negro
perfila las figuras como en el Bizantino, acá lo que importa no es el naturalismo sino la
representación del mensaje, la eficacia del mismo (arte religioso, que buscaba conseguir
aumentar el número de fieles).
La pintura es sobre tabla, mural o miniatura, el fresco se realiza sobre muros o techos, con
mezcla de cal y arena en donde no se admite el error.
En cuanto a la arquitectura las obras arquitectónicas más importantes en el arte románico,
fueron las iglesias, las catedrales, los monasterios y las murallas. El uso de la planta basilical,
el empleo del Cimborrio, uso de las bóvedas de cañón y bóvedas de arista, pilares en formas
de cruz y arcos fajones son característicos en la arquitectura románica.
BAPTISTERIO DE PISA (Arquitectura considerada arte mecánica “armnturn”)
El Baptisterio de Pisa, dedicado a San Juan el Bautista, está frente a la catedral en el extremo
occidental de la Piazza dei Miracoli.
Comenzó a construirse en el año 1152, y fue concluido en el 1363. Es el ejemplo de baptisterio
independiente más reconocido del mundo.
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El portal, que queda frente a la fachada de la catedral, está flanqueado por dos columnas
clásicas, de planta circular y su decoración se basa en el de la de la catedral. Está rodeado por
una especie de deambulatorio de dos niveles, con bóvedas sostenidas por pilares y columnas
alternativamente.
BALDAQUÍN DE RIBES
(Pintura, considerada
arte mecánica pero no
dentro de la lista de las
7 más importantes)
El baldaquín de Ribes,
siglo XII, talleres de la
Seu d'Urgell es
considerado una obra
maestra de la pintura
románica catalana sobre
madera.
Reproduce la gloria de
Jesús acompañado por su
ejército celestial de ángeles y
arcángeles. En ella se ven
claramente las características
mas notorias del arte
románico, palmas a la vista y
desproporcionadas al igual que
los ojos, la saturación de color,
así como las líneas negras que
delimitan las figuras, la
anotomía no se percibe por la
ropa y la intención de impactar
a los fieles y atraer a la
devoción.
Características del arte

Gótico
El arte gótico es un estilo

artístico que predominó en la
arquitectura religiosa,
escultura y pintura de Europa
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entre el siglo XII y el siglo XV, hasta el surgimiento del movimiento cultural del
Renacimiento. Lo precedió el arte románico (siglo XI y XII). Marca la transición del
hieratismo románico hacia el naturalismo renacentista.
Se interesa por los sentimientos humanos, se realiza la renovación del lenguaje pictórico.
Aparece la proporción y sombras, pasa a ser tridimensional, pero se conserva el fondo
dorado (representando al mundo sobrenatural, el principio de la estética de la luz como
fundamento de todo arte representa la idea teocentrista de la luz de Dios) como en
periodos anteriores, y el valor sigue siendo didáctico y religioso. Los cambios conducen a
nueva espiritualidad y humanización de la divinidad. El mundo sensible, su belleza, ha sido
creado por Dios y merece ser representado (naturalismo). Además, para atraer a los fieles
la imagen de la divinidad se humaniza: Dios sonriente y amable o mostrando su
humanidad sufriendo; María muestra ternura maternal.
Su aplicación en la arquitectura religiosa, como monasterios y catedrales. El uso del arco

ojival que terminaba en forma apuntada y generaba sensación de gran altura. Se aplicaba
para las cúpulas, puertas y ventanales. Aparece la aplicación de innovadoras técnicas de
arquitectura que permitieron alcanzar el estilo único de techos altos, arcos arbotantes y
extensas paredes de vitrales.
Las formas son extravagantes aplicadas tanto en la escultura como en la decoración

arquitectónica. La decoración con materiales brillosos y el uso de colores vivos, para
exacerbar el concepto de luminosidad.
La aplicación de extensos ventanales de colores que reflejaban diferentes tipos de luz

hacia el interior de las catedrales y monasterios (se utiliza mucho la técnica en vidrio, es
decir el vitro).
Surge el retablo Gótico, obra artística religiosa, habitual en las iglesias católicas, por lo
regular de grandes
dimensiones, fabricada
en madera, piedra,
mármol o alabastro,
donde se combinan
generalmente
arquitectura, escultura y
pintura.
La arquitectura fue la
máxima expresión del
arte gótico, estuvo
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basada en el concepto de la luz como fundamento y símbolo de la divinidad. El arte gótico

nació de la idea teocentrista en la que Dios era el centro de la realidad y consideraba que
todo lo que conformaba al universo era reflejo de la luz de Dios. vaciamiento del muro en
beneficio del vano y la vidriera.
En Italia predomino la horizontalidad y naves casi de igual altura, junto con arcos ojivales y
bóvedas de crucería, aparece el arco de medio punto (herencia clásica) y cubiertas de
madera. Se conserva el muro que se decora con pintura mural. Fachadas con
revestimiento de mármol de colores.
LAMENTACIÓN SOBRE CRISTO

MUERTO
(Pintura, considerada arte mecánica

pero no dentro de la lista de las 7
más importantes)
Pintura de Giotto, en donde se

notan claramente las principales
características del periodo gótico,
imagen religiosa, realismo en las
figuras, se expresan sentimientos
en las caras de dolor y angustia, la
escena tiene un gran dramatismo,
evidenciando la intención del
autor de generar confusión y
angustia en el espectador.
Aparece también la profundidad.
Renacimiento y Barroco
El Renacimiento conservó el concepto clásico de arte. Ficino definió el arte como una regla de
producción.
En 1607 de Rudolph Goclenius dividía las artes en principales (donde incluye la arquitectura) y
subordinadas (como la pintura), inventivas (como la escultura), e instrumentales (que sirven
como utensilios a las inventivas). También llamo puras a las artes liberales (las que intentaban
obtener la verdad y el conocimiento) y oficio manual a las mecánicas (las que producían
artículos útiles).
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Los siglos del Renacimiento y del Barroco son sumamente importantes en la historia de la
clasificación del arte, en ellos se tomó conciencia de que entre las artes sensu las artes como
la pintura, escultura, poesía ocupan un lugar especial y deben aislarse en la clasificación. Sin
embargo, estos siglos no supieron expresar este sentimiento: se hicieron numerosos intentos
por aislar especialmente algunas artes, las artes sensu srrictiori, pero sin éxito.
La belleza, en el Renacimiento, comenzó a valorarse más, sus productores, los escultores,
arquitectos y pintores se valoraron más, se pensaban superiores a los artesanos y quería que
se les dejara de identificar con las artesanías.
En esta época la economía también jugo su papel, las formas de arte pasaron a ser formas de
inversión nada peores o incluso mejor que las otras, lo que mejoro el estado financiero y la
situación social de los artistas, aumentando sus ambiciones, querían distinguirse y que se les
considerara como los representantes de las artes liberales. Y lo consiguieron de forma gradual.
Los pintores antes que los escultores.
Marsiglio Ficino conservo el termino antiguo de artes liberales, pero incluye en ellas la
arquitectura y la pintura que anteriormente estaban incluidas en las artes mecánicas y la poesía
que ni siquiera aparecía entre las artes, y tuvo éxito al separarlas de las artesanías.
Giovanni Pietro define las artes nobles como el nombre que correspondía solo a aquellas artes
que son objeto de nuestros sentidos mas nobles, de nuestras facultades mas amplias, cuya
característica común es la permanencia; siendo estas la poesía, la pintura y la escultura, según
su pensamiento las artes integran un grupo separado porque son más perfectas, más nobles y
más duraderas que otras.
Las artes elegantes y agradables. La recapitulación histórica que se ha mencionado
anteriormente indica que desde el siglo XV en adelante se sintió vivamente que la pintura,
escultura, arquitectura, música, poesía, teatro y danza forman un grupo separado de artes,
distintas de las artesanías y de las ciencias, con las que habían compartido durante muchos
años el nombre común de artes.
Características del arte Renacentista
Se inicia con Giotto en Florencia, quien estaba en transición. Es la renovación del arte, surge el
humanismo, es el fin del teocentrismo y el comienzo del antropocentrismo, el artista reivindica
su trabajo y comienza a ser un arte liberal.
En la pintura se incluyen como forma de expresar conocimientos conceptos de geometría,
matemática, anatomía, botánica y filosofía (por ejemplo, matemática, para la profundidad, el
concepto de arte con reglas), el color es mas intenso y se emplea la escala para el cuerpo
humano, se respeta la perspectiva natural, se introduce la naturaleza. Emplean la técnica de la
pintura al óleo en la pintura sobre lienzo.
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El arte renacentista se basó en el uso de la razón para representar la realidad, se incluye el

movimiento, el ideal de belleza, la intensidad de los sentimientos, simetría, equilibrio y
proporción y el naturalismo idealizado.
El Cinquecento (siglo XVI), se logró la madurez de la época renacentista. Surgieron los grandes
artistas que marcaron época, tales como Miguel Ángel, Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael,
entre otros.
Incorporar el mecenazgo, durante este período las figuras importantes y poderosas de la época
(reyes, príncipes y nobles) realizaban encargos para la decoración de iglesias u otras
construcciones de importancia.
La escultura y la arquitectura renacentistas se inspiraron en las antiguas culturas griega y
romana, en especial, por el nivel de detalle y realismo. Buscaban romper con el estilo gótico y
se basaron en la perfección de las representaciones, a través de cálculos matemáticos y
geométricos para obtener proporciones reales.
LA
PRIMAVERA
DE
BOTTICELLI
(Pintura,
considerada
ahora arte
liberal, o
según Pietro
arte noble)
Hay
profundidad,
volumen,
movimiento,
exaltación del
cuerpo, los
personajes
son jóvenes y
bellos (ideal de belleza, se cree que una de las tres gracias sería Simonetta Vespucci,
considerada la mujer más bella de la época, quién falleció a los 22) así como el paisaje también
se corresponde con la visión de la naturaleza ideal.
Con respecto al paisaje encontramos otra característica del arte renacentista, el conocimiento
de la botánica empleado, la mayor variedad de flora presente se encuentra en el césped que
sirve de apoyo a los personajes. Se ha logrado identificar una gran variedad de plantas, árboles
y flores toscanas, típicas de la estación como las margaritas y violetas y a su vez estas con sus
significados particulares, la margarita símbolo de amor, utilizada en el juego “me quiere, no me
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quiere” flor silvestre de esa zona de Italia, las violetas flor sagrada para Venus, con las que fue
coronada en su nacimiento. También aparece el mirto en la pintura, este arbusto aparece
rodeando a Venus, con quien se le asocia, además representa la fecundidad y la fidelidad.
Características del arte Barroco
El barroco contrastó con el Renacimiento por expresar una sensibilidad pesimista,

desengañada, crítica y compleja. Esto se debe a que literatura y el arte barroco representan
una época inquietante desde el punto de vista psicológico, cultural y social, además de político
y económico.
Aquí se trata de copiar fielmente la naturaleza y por ejemplo a través de los jardines
geométricos también podemos ver que se quería demostrar la dominación del hombre sobre la
naturaleza
En el Barroco surge la sustitución de las formas clásicas y reposadas (humanizadas) del
renacimiento por otras mucho más realistas y en agitado movimiento, así como el abandono de
la belleza serena e idealizada, por la necesidad de representar una religión basada en el
esfuerzo del hombre por lograr la salvación. En definitiva, una idea agónica de lucha que se
plasma artísticamente en la obsesión por el movimiento, la ruptura de las formas o la búsqueda
de los contrastes.
Tiende al exceso, se quería mostrar lujo recargando de cosas, existía el “horror al vacío”, se
busca exaltar los sentimientos, provocar emociones, se representa también en las obras de
arte la vejez, ya no es la belleza idealizada, usan el naturalismo, se representan las cosas tal
cual son, tratan de copiar fielmente la naturaleza, se desea la verdad en lo que se representa.
En la escultura la luz adquiere una importancia vital, incide en las figuras creando claroscuros
entre los pliegues y las torsiones anatómicas y aporta al conjunto una mayor sensación de
volumen.
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LOS DISCÍPULOS DE EMAÚS

(Pintura, considerada arte liberal, o según Pietro arte noble)
Pintura de Caravaggio fiel representante del Tenebrismo (contraste entre luz y sombras
utilizando una luz intensa que descendía verticalmente sobre las partes principales de los
cuerpos, dejando el resto en la sombra, para dar fuerza a través de un fuerte contraste de luz y
oscuridad) que utiliza personajes “pobres, comunes y corrientes” para representar personajes
religiosos. También se representa la vejez dejando de lado la belleza idealizada como es
característica del barroco.
Hay expresividad y teatralidad con diferentes actitudes que van de la tranquilidad de Cristo a la
sombra y agitación de sus discípulos, se busca provocar emociones.
La ilustración, Impresionismo
División de las artes bellas y mecánicas, esta división únicamente se llevó a cabo en la
Ilustración.
Fue también
entonces
cuando se
estableció el
término de
“bellas artes”.
A mediados
del siglo XVIII
Charles
Batteux hizo
una
clasificación
completa de
estas artes y
las aisló
explícitamente
del resto de
las artes, el
grupo que
aisló se
componía de
cinco artes:
música, poesía, pintura, escultura y danza.
Así dividió el gran ámbito de las artes (según se las entiende tradicionalmente) en bellas artes,
cuya razón de ser era deleitar, y en artes mecánicas, cuya razón de ser era su utilidad. A estos
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grupos sumó un tercero, intermedio por decirlo así, cuyas artes se caracterizaban por el placer
que producían y por su utilidad; en este grupo incluyó sólo dos artes: la arquitectura y la
retórica.
La opinión contemporánea aceptó la idea de Batteux, pero con un cambio: no aceptó el tercer
grupo, pero en su lugar incluyó la arquitectura y la retórica con las bellas artes, y así quedaron
definidas las 7 bellas artes. En los escritos del siglo XVIII se repetían constantemente tres artes
visuales: arquitectura, escultura y pintura.
La división de Batteux se estableció, y provocó que el concepto de arte cambiase radicalmente
y fue el acontecimiento más importante realizado en la historia europea de las clasificaciones
de las artes.
Las bellas artes ocupaban ahora un lugar privilegiado entre las artes, que antes habían
disfrutado las artes liberales. Las bellas artes se opondrían ahora a las artes mecánicas, como
antes lo habían hecho las artes liberales.
Poco después de aislar las bellas artes tuvo lugar el hecho siguiente: las artes que habían sido
aisladas como “bellas” se las reconoció como las únicas artes verdaderas, y el nombre de artes
comenzó a aplicarse sólo a ellas. Del mismo modo cambio la clasificación a partir de ese
momento solo se hablaba de la clasificación de las bellas artes, al igual que el producto de
estas ahora eran obras de arte.
Libelt, en 1849 divide nuevamente las artes en tres categorías y coloca en la primera llamadas
artes visuales o formales a la pintura, escultura y arquitectura. Y sucesivamente se siguió
haciendo divisiones y clasificaciones de las bellas artes, Dessoir, quien en esa época era una
autoridad importante en temas estéticos, concluyó su crítica de las clasificaciones de un modo
pesimista: “Parece que no existe ningún sistema de las artes que satisfaga todos los
requisitos”.
Batteux limitó el número de las bellas artes a siete. Pero en el siglo XVIII ya dos de ellas, la
poesía y la oratoria se consideraban por separado como belles lettres o literatura elegante.
Esto redujo las bellas artes a cinco. En el siglo XIX se separaron dos artes más, la música y la
danza, quedando sólo así tres artes visuales: la pintura, la escultura y la arquitectura. Las
llamadas Academies des Beaux Arts enseñaban sólo estas tres, ninguna más. Incluso hoy día
se las refiere sencillamente como las artes, o simplemente arte, como sucede por ejemplo con
la expresión “historia del arte”. De este modo, todo el campo del arte en el sentido que le ha
dado nuestra definición se ha dividido en dos partes y únicamente a una parte, las artes
visuales, se la considera arte.
Características del arte Impresionista
El movimiento impresionista representa un punto de inflexión en la historia de la pintura

occidental. El impresionismo hace un quiebre con la academia ya que rompen con el arte
clásico y son rechazados por esta. Si bien no se le puede llamar un arte de vanguardia, sí se
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puede decir que el impresionismo abrió el camino para los artistas que, finalmente, hizo posible
la germinación del espíritu vanguardista.
Los impresionistas, en cambio, reconocieron la ciudad moderna como paisaje, porque
entendieron que los cambios históricos afectaban también la función del arte, la obra
precursora fue el “Sol naciente” de Monet en 1872 (es pintada al aire libre, fuera del estudio,
gracias a la industrialización, los artistas podían tener pinturas al óleo en tubos, lo que les
permitía salir a pintar al aire libre sin temor a que la pintura se secara).
Al trabajar al aire libre, ambicionaron representar fenómenos lumínicos hermosos, pero
instantáneos, que requerían velocidad para atraparlos en el lienzo: una puesta de sol, el reflejo
de la luz sobre las aguas, el modo en que la iluminación cambia el color de las cosas, etc. Su
punto fundamental era el estudio de la luz a través de la técnica pictórica.
El dibujo perfectamente delineado se vuelve poco práctico para los impresionistas. Muchos de
ellos eliminarán la línea y proyectarán los volúmenes de las formas coloreando directamente, lo
que revela gran maestría. Los que continúan usando la línea ya no lo hacen como una línea
limpia y definida.
Los impresionistas mezclan los colores directamente sobre el lienzo, esto lo logran mediante el
uso de dos técnicas: o bien mezclan un color sobre el otro, o bien disponen colores primarios
uno al lado del otro para que, observados a cierta distancia, la vibración entre ambos genere la
percepción del color secundario. Preferirán pinceladas directas, muchas veces con trazos
gruesos o con brochazos. También usarán la superposición de puntos para crear masas con
volumen.
La pintura contiene escenas de la vida cotidiana, paisajes al aire libre, intenta reflejar la
naturaleza cambiante, suelen representar series de un mismo paisaje a diferentes horas.
Prescinden de la perspectiva basada en reglas de la geometría, empleando en su lugar una
realizada desde el primer plano hasta la línea del horizonte.
SOL NACIENTE
(Pintura,
considerada
finalmente arte o
bella arte)
Pintura de Monet,
precursor del
movimiento, aquí el
paisaje parece una
foto instantánea y
claramente la
protagonista de la
obra es la luz.
La composición es
asimétrica y
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predomina el color por sobre la línea. Monet crea una atmósfera llena de la húmeda neblina del
amanecer que influye atenuando la luz anaranjada del sol y transformando toda la escena. Esta
atmósfera hace que apenas se vislumbren los muelles del puerto, las barcas.
Vanguardias
Se llama vanguardias artísticas a los movimientos rupturistas de las artes plásticas que
surgieron a partir del siglo XX, y que tuvieron como objetivo expresar los nuevos tiempos por
medio de la innovación del lenguaje pictórico y/o escultórico.
En el siglo XX se convirtieron en un fenómeno que progresivamente se reprimió menos, fueron
admiradas cada vez más, y aparecieron grandes grupos vanguardistas como el surrealismo, el
futurismo, el cubismo, el abstraccionismo y el expresionismo. Las coacciones sobre los artistas
llegaron a su fin, la libertad en el arte era algo permisible. Luego de las guerras mundiales,
especialmente de la segunda la vanguardia alcanzo su victoria y sus artistas al trasgredir las
convenciones se hicieron solicitados, fueron agasajados y bien remunerados.
Sus características son la ruptura con la tradición, el rechazo del naturalismo en el arte, el
lenguaje plástico original, un espíritu libertario y de provocación, introducen el humor y el
sarcasmo, proclaman la autonomía del lenguaje plástico, y el carácter conceptual.
Todas las obras que seleccione como ejemplo de cada vanguardia son consideradas arte.
LA PERSISTENCIA DE LA
MEMORIA,
SURREALISMO
Obra de Salvador Dalí.
Es uno de los "ismos" que
surgieron del movimiento
de las vanguardias del XX
y se basaba en el estudio
de los sueños que llevó a
cabo Freud en el año
1901.
Dalí aportó al surrealismo
el llamado método
paranoico-crítico, que
consiste en la mezcla de
imágenes creadas al azar
con otras que le son
obsesivas.
Ci: 4.300.044-7
El surrealismo busca gran libertad creativa y se aleja del formalismo y busca en el inconsciente,
en aquello que huye de la realidad, su materia prima. El resultado es un arte simbólico, lleno de
elementos que salen de la racionalidad y lo evidente. Esto se logra al desnudar los objetos
cotidianos de la lógica que los envuelve.
RASCACIELOS Y
TUNELES, FUTURISMO.
Obra de Fortunato
Depero.
El Futurismo es un
movimiento literario y
artístico que surge en
Italia en el primer decenio
del S. XX y proclama el
rechazo frontal al pasado
y a la tradición,
defendiendo un arte
anticlasicista orientado al
futuro, que respondiese
en sus formas expresivas
al espíritu dinámico de la
técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. La estética futurista
difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra,
de la violencia y del peligro. La característica principal del futurismo es la plástica del
dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones
de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido.
GUERNICA,
CUBISMO.
Obra de
Picasso.
Es una de las
principales
obras del
cubismo.
El cubismo
es un
movimiento
artístico
Ci: 4.300.044-7
pictórico que surge en Francia caracterizándose por ser uno de los estilos de arte visual más
influyentes a principios del siglo XX.
Hace uso de colores grises, verdes y marrones haciendo a un lado los colores típicos del
impresionismo, en los primeros años de esta tendencia, la paleta monocromática era la única
herramienta válida para el pintor.
El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las cosas y
su profundidad. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación
entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino
que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.
AMARILLO, ROJO Y AZUL, ABSTRACCIONISMO

Obra de Kandinsky.
Utiliza la expresividad y simbolismo de los colores, revela el estado emocional del pintor,
trasladándolo al espectador. Así aplicará tonos arrebatados en momentos de exaltación, o
planos desvaídos con contornos difusos cuando lo agobia la incertidumbre.
El abstraccionismo se apoya claramente en los colores y formas, lleva más allá el espíritu
sintético de los movimientos previos, y minimiza la importancia del tema subyacente en la obra.
El arte abstracto renuncia por completo al figurativismo al prescindir de representar objetos
reconocibles. De esta manera, atesta un golpe contra la tradición occidental que, hasta el siglo
XIX, se basaba en la imitación de la naturaleza.
Ci: 4.300.044-7
EL GRITO, EXPRESIONISMO.
Obra de Edvard Munch.
El Expresionismo es una corriente artística de vanguardia que surge en Alemania a principios
del siglo XX, en donde más que la representación de la realidad objetiva buscaba la expresión
de los sentimientos y las emociones del autor.
El expresionismo es una deformación de la realidad expresándola de forma más subjetiva
Los expresionistas
creyeron que debían
captar los sentimientos
más íntimos del ser
humano. El arte
expresionista presenta
una escena dramática,
una tragedia interior.
La angustia existencial
es el principal motor de
su estética, pretende
potenciar las emociones
del espectador
distorsionando
deliberadamente y
exagerando los temas,
los expresionistas
manifiestan sus
emociones sin
preocuparse de la
realidad.
Se basa en la intuición,
depura, intensifica e
interpreta la realidad,
pero nunca se aparta
totalmente de ella.
Utilizan colores fuertes y
puros, formas retorcidas
y una composición
agresiva en donde no
importa ni la luz ni la
perspectiva, alterada de manera intencional.
Ci: 4.300.044-7
La opinión del artista es más importante que la concordancia y la armonía del trabajo realizado,
abarca temas sociales, culturales, ecológicos, habla del poder, el mundo real, la maldad y la
guerra y tiene una visión enfocada hacia lo universal.
Ci: 4.300.044-7

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