12/5/2020 Cine y Psicoanálisis - Fundación Tiempo

CICLO PSICOANÁLISIS & CINE 2020: EL PADRE EN EL CINE

Para Freud como para Lacan, el lugar del padre es fundante de la constitución de la subjetividad
humana y la cultura. Sólo que el concepto “padre” encierra una complejidad que para la teoría
psicoanalítica se declina en diversas vertientes: protopadre, padre muerto, padre idealizado, padre
humillado, padre ausente, padre real, imaginario y simbólico, agente de la ley, transgresor de la ley,
identificado a la ley, Nombre-del-Padre, Dios, Pere-versión, etc. El presente ciclo ha elegido algunas
plasmaciones cinematográficas de figuras paternas, para pensar el lugar del padre en tiempos de crisis
del patriarcado.

Sábado 26/4 El retorno del Padre de la Horda. El señor de las moscas (Lord of the flies, Peter
Brook, 1963)
Un avión en que viaja un grupo de adolescentes cae en una isla desierta. Los jóvenes náufragos, solos
y sin presencia de alguna autoridad adulta, tendrán que darse ellos mismos una legalidad que los
ordene socialmente como hermanos para sobrevivir. Sólo que la fratría se construye en torno de erigir
un Uno de excepción como ideal, con la segregación consecuente. Peter Brook adapta al cine la
célebre novela de William Golding sobre la endeblez de los cimientos del orden cultural y la pérdida
de la inocencia infantil.

Sábado 30/5 Los pecados del padre. Carácter (Karacter, Mike Van Diem, 1997)
Ambientada en los Países Bajos a comienzos del siglo XX, Carácter sigue las tribulaciones del joven
Jacob, quien lucha por independizarse de su madre soltera y hacerse un lugar como abogado y como
hombre, pero que está permanentemente asediado por su padre biológico, empeñado en impedir que
alcance sus metas. Ganadora del Oscar a la mejor película extranjera, el film de Mike van Diem es una
bellísima plasmación del conflicto de un neurótico varón en torno del padre.

Sábado 28/6 Padres infantilizados. Un dios salvaje (Carnage, Roman Polanski, 2011)
Dos parejas de padres se reúnen en un departamento para hablar sobre una pelea en que se vieron
involucrados sus hijos. Lo que en principio se presenta como un encuentro razonable y civilizado irá
deviniendo progresivamente en caos. Basada en la obra de teatro de Yasmina Reza, este cuarteto de
cámara actoral que Polanski nos ofrece, constituye un apasionante retrato de la incomunicación y el
fracaso para instalar algún pacto de palabra que oficie como legalidad. El eclipse de función paterna se
transmite a los hijos y retorna en forma de violencia sin sentido, puerilidad e incomunicación.

Sábado 25/7 Pere-versión del padre. La noche del cazador (The night of the hunter, Charles
Laughton, 1955)
La única película dirigida por el actor británico Charles Laughton es hoy considerada una de las obras
maestras del cine. Combinando el estilo expresionista alemán y el gótico americano, Laughton ofrece

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un relato inquietante y visualmente deslumbrante que evoca las pesadillas infantiles y anticipa el cine
de David Lynch. Robert Mitchum realiza el papel más recordado de su carrera como el “reverendo”
Harry Powell, una encarnación siniestra del fantasma del padre gozador.

Sábado 22/8 Efectos contemporáneos de la crisis de la paternidad. El video de Benny (Benny’s

Video, Michael Haneke, 1992)
Cuando Benny, un adolescente fascinado por los medios audiovisuales al punto de ver la realidad a
través de la cámara, lleve a cabo un acto atroz, sus padres se verán confrontados con un dilema ético
que los pone a prueba. Uno de los ejes de la obra de Michael Haneke es la plasmación de formas de
violencia excesivas y sin sentido, que abren a la pregunta por el lugar de la ley. En El video de Benny,
la violencia banal y la incapacidad de separar realidad de ficción se articulan al fracaso de la función
paterna.

Sábado 26/9 Un padre superyoico Wiplash (Damien Chazelle, 2014)

Andrew, un joven baterista de jazz aspira a formarse con Fletcher, un maestro exigente que demanda la
perfección. El film de Damien Chazelle ofrece el retrato de una figura paterna despiadada en el que
Ideal del Yo y Superyó se superponen, haciendo de la exigencia de perfección la habilitación para
sojuzgar, abusar y torturar sádicamente al alumno. Lo que confronta al alumno a fantasmas
masoquistas y parricidas.

Sábado 24/10 Matar al padre. Decálogo: Honrarás a tu padre y a tu madre (Dekalog, Krzysztof
Kieslowski, 1989)
El capítulo IV de la serie para la televisión polaca Decálogo de Krzysztof Kieslowski es tal vez el más
impactante y subversivo. La relación entre un padre viudo y una hija adolescente comienza a
enrarecerse a partir del descubrimiento de una carta dejada por la madre muerta. La puesta en cuestión
de la filiación confronta a este padre con su lugar, su función y su deseo.

Sábado 28/11 El mal de la pureza. El castillo de la pureza (Arturo Ripstein, 1973)

Basado en un caso real ocurrido en la ciudad de México, el film de Arturo Ripstein en torno de un
padre que ha aislado en su casa a su familia durante 18 años para protegerlos de la maldad mundo, es
un retrato de las paradojas éticas a las que se llega cuando se absolutiza la prohibición paterna. Y cómo
dicha absolutización habilita, paradójicamente, los procesos más “impuros”.

CICLO PSICOANÁLISIS & CINE 2019: LOS CUATRO DISCURSOS (MAS 1) DE LACAN y
EL CINE

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En el seminario La ética del psicoanálisis Lacan planteaba al deseo como singularidad irreductible y
desasimiento de los mandatos del Otro. Pero dejaba al deseo desprendido de su relación con el otro.
Con el seminario El reverso del psicoanálisis, Lacan introduce el concepto de discurso para pensar la
cuestión de a quién se dirige el deseo. El discurso implica al inconsciente en relación a lo real del
sujeto y del goce, e incluye la relación a aquel a quien se dirige. Formalizando cuatro lugares (agente,
otro, producción y verdad) por el que van permutando una secuencia de cuatro letras (S1, S2, a, $),
Lacan propone cuatro discursos que tematizan la dirección del decir y la relación con ese otro al que
dirige lo que dice. Posteriormente agregó el discurso capitalista como una anomalía en la secuencia del
orden discursivo. El presente ciclo de cine propone recorrer una serie de films que permitan
reflexionar en torno de estos discursos planteados por Lacan.

27 de Abril: El discurso del analista: Nineteen nineteen, de Hugh Brody (1985)

El imaginario encuentro entre el Hombre de los Lobos y la Homosexual Femenina a cincuenta años de
haber sido tratados por Sigmund Freud, es la premisa del film de Hugh Brody para arrojar una mirada
sobre el psicoanálisis y el siglo XX. Articulando la singularidad de los célebres casos freudianos con
los acontecimientos sociales y políticos que los atravesaron, el film plasma una reflexión provocadora
acerca de los alcances y los límites de la cura psicoanalítica.

1 de Junio: El discurso del amo: Ha vuelto (Er ist wieder da), de David Winendt (2015)

¿Qué pasaría si Adolf Hitler apareciera súbitamente en la Alemania actual? La comedia negra de
David Winendt es una cínica reflexión sobre el estado de situación de Europa, luego de setenta años
del fin del nazismo. Es también un recordatorio del lugar del discurso del amo en el campo político y
cómo este discurso puede operar como un persuasivo canto de sirenas frente al desencanto del malestar
en la cultura.

29 de Junio: El discurso de la histeria:

La amante del teniente francés (The French Lieutenant’s Woman), de Karel Reisz (1981)

Alternando entre la filmación de una película sobre la novela de John Fowles, y la historia misma que
la obra propone, el film de Reisz plasma la pasión amorosa entre dos actores que, de algún modo,
repiten la misma trama que representan. Meryl Streep y Jeremy Irons retratan la más sublime relación
amorosa entre una histérica y un neurótico obsesivo. Para finalmente proponer un doble final que nos
despierta del sueño romántico al que el cine es tan propenso.

27 de Julio: El discurso capitalista, la ciencia y la religión: Pi de Darren Aronovski (1998)

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El primer film del director de El cisne negro es una proeza estética en la que seguimos las obsesiones
de un matemático por encontrar la clave del universo. La Cábala, la ciencia de la predicción
probabilística y los intereses del Mercado global se cruzan en esta aventura intelectual que es, en el
fondo, un viaje a las implicancias de suponer que hay un Otro completo, formalizable y calculable. El
sueño de Galileo de una Mathesis Universalis como pesadilla.

24 de Agosto: El discurso universitario: Oleanna, de David Mamet (1994)

El autor teatral, guionista y director de cine David Mamet pone en pantalla su obra teatral sobre un
profesor desesperado por ayudar a una alumna que no puede entender sus clases. Ocasión ideal para
plasmar la lógica y los impasses del discurso universitario en versión progresista y cómo lo real como
imposible retorna en forma de incomunicación y paranoia.

28 de Setiembre: El discurso capitalista y el arte como ficción:

F de Fraude (F for Fake) de Orson Welles (1973)

La última película que pudo finalizar Orson Welles es posiblemente el mejor ensayo cinematográfico
hecho hasta la fecha, y uno de los mejores films del director. La excusa de retratar a un célebre
falsificador de obras de arte deviene una lúcida reflexión en torno del arte, la diferencia entre falsedad
y ficción, la lógica del mercado que favorece la fetichización del nombre propio del autor, para
finalmente demostrar en acto la capacidad del arte como ficción verdadera.

26 de Octubre: El discurso de la histeria y la religión:

Narciso negro (Black Narcissus) de Michael Powell y Emeric Pressburger(1947)

Cinco monjas son destinadas a un convento en el Himalaya, construido sobre un antiguo palacio hindú
que guardaba concubinas. El ambiente exótico, el contacto con los nativos y con hombres, la represión
de la sexualidad instituida por la religión y el pasado del palacio que no logra suprimirse con su nuevo
destino de convento, van creando un clima onírico y ominoso que afectará a las monjas y las
interpelará respecto de sus vocaciones y deseos. Obra maestra de Michael Powell y Emeric
Pressburger.

23 de Noviembre: El discurso de la histeria y el discurso del amo:

Augustine, de Alice Winocour (2012)

Jean-Martin Charcot es recordado por haber sido uno de los grandes neurólogos que influenció en la
formación de Sigmund Freud. Sus clases eran al mismo tiempo puestas en escena en las que las
pacientes histéricas eran exhibidas a la mirada médica, dispuestas para la gran demostración del Dr.

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Charcot. Augustine de Alice Winocour sigue la historia de una de las pacientes del afamado doctor, y
de cómo la aproximación a la histeria no es sin consecuencias en el campo del amor de transferencia.

CICLO 2 – Presenta Irma Persichino. Proyección y debate posterior.

El Cine y el Psicoanálisis mantienen desde siempre una estrecha relación ya que nacieron en la misma
época. Varios directores de cine se han nutrido de los descubrimientos freudianos en sus creaciones
cinematográficas así como varios psicoanalistas se interesaron sobre la relación del cine con los
sueños, las fantasías y las posibles lecturas del discurso cinematográfico.

Es así como estos dos discursos se interpelan mutuamente e interpretan la subjetividad de una época.
Invitamos a la comunidad en general a debatir los signos del tiempo que nos toca vivir, sus tramas, sus
soledades, sus sentidos y sinsentidos, sus pasiones y los modos singulares de responder de los sujetos a
la industria de la felicidad que propone el cine norteamericano, a la reflexión que convoca el cine
europeo y a la “novedad” que apunta el cine latinoamericano en general y argentino en particular.

La propuesta intenta provocar un encuentro significativo y movilizante que posibilite otras lecturas y
que aproximen al placer estético.

El cine, un mundo ficcional. Imagen, palabra, sonido: el discurso cinematográfico.

El cine y sus posibles lecturas. Cine y psicoanálisis. Los estudios culturales.
Cine y arte.
El cine norteamericano, el cine europeo, el cine latinoamericano. El boom del cine argentino.
El cine y el mercado. El cine comercial y el cine arte. Bordes y resonancias.

Conceptos y nociones psicoanalíticos relacionados a las películas:

La Sublimación
Lo Real, lo Imaginario y lo Simbólico
La realidad psíquica
La división subjetiva
Lo singular, lo subjetivo y lo social
Los fantasmas
La Ética y la Estética

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CICLO 2. Presentaciones Año 2019:

SÁBADO 20 DE JULIO, 16 hs.
Obra sin autor (Werk ohne Autor) de Florian Henckel von Donnersmarck (2018).
Presenta Irma Persichino
El mismo director de La vida de los otros intenta conducirnos en este film a una reflexión sobre lo
relevante del arte y la importancia de la búsqueda de la verdad. Los traumas infantiles encuentran un
lugar en la obra de un joven artista:
Sólo en el arte, la libertad no es una ilusión.
En simultáneo, nos ofrece una radiografía psicológica del nazismo:
Porque quería mantenerla tan pura, borró su propia línea de sangre.

SÁBADO 9 DE NOVIEMBRE, 17 hs.

Afthermath (Viviendo con el enemigo) de James Kent, 2019.
Presenta Irma Persichino

Alto trío amoroso en un marco poco explotado del género bélico. ¿Cómo seguir adelante después de
los campos de concentración?
¿Cómo sentirse alemán tras la barbarie? Oportunidad vital que significa el deseo en medio de duelos
no realizados.

CICLO 1.- PROGRAMAS AÑOS ANTERIORES

PSICOANÁLISIS & CINE 2018 PASIONES DEL SER: AMOR, ODIO,

IGNORANCIA.
Ya tempranamente en su obra, Lacan situaba al amor y al odio, anudados a la ignorancia, como
pasiones del ser. Si el parlétre padece una falta en ser por efecto del lenguaje, estas pasiones suplen esa
carencia en tanto vías de realización del ser.
El amor como pasión imaginaria se dirige al deseo de ser amado, tratando de capturar al otro como
objeto (“El amor se distingue del deseo (…) pues su objetivo no es la satisfacción, sino el ser”,
Seminario 1). Y el odio apunta a la destrucción del semejante, en tanto la eliminación del otro
aseguraría al ser propio. Por último, la pasión de la ignorancia es un no querer saber de aquello que
determina al sujeto. Pero la ignorancia puede ser también el inicio del compromiso del sujeto en la
búsqueda de la verdad. Y la transferencia, un amor dirigido al saber que ponga al sujeto en la vía de
una verdad que lo implica.

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El presente ciclo de cine y psicoanálisis recorrerá algunos films en los que esta triplicidad de las
pasiones se ponen en juego y los modos diversos –trágicos o felices- donde los personajes de estos
relatos lidian con ellas.

Sábado 21/4 17 hs. El mercader de Venecia (Michael Radford, 2004)

“Se pueden tomar todos los préstamos que se quiera para tapar los agujeros del deseo, como los de la
melancolía –ahí está el judío que sabe un montón de cosas sobre el balance de las cuentas y que al
final demanda la libra de carne, creo que ustedes saben lo que estoy citando” decía Lacan en el
Seminario X a propósito de El mercader de Venecia de William Shakespeare, aludiendo al contrato de
ecos sadianos entre el judío Shylock y el mercader Antonio, por el cual este último se compromete a
saldar sus deudas de dinero con una libra de carne extraída de aquella parte del cuerpo que al acreedor
le plazca. El director Michael Radford logra sortear las dificultades que supone filmar esta “comedia”
de Shakespeare, en la que tras el tema del amor se esconde y al mismo tiempo se revela el odio
antisemita. Para lo cual cuenta además con el talento de Al Pacino en tal vez el último gran papel que
ha hecho hasta ahora en el cine.

Sábado 19/5 17 hs. Mahler en el diván (Percy y Felix Adlon, 2010)

El tormentoso matrimonio de Gustav Mahler y Alma Schindler fue varias veces tratado en el cine:
Luchino Visconti en Muerte en Venecia (1971), Ken Russell en Mahler (1974) y Bruce Beresford en
Bride of the wind (2001). Mahler en el diván (Mahler auf der Couch, 2010) de Percy y Felix Adlon
vuelve sobre el tema a través del breve tratamiento que el compositor emprendió con Sigmund Freud
en la ciudad de Leiden. Anoticiado de las infidelidades de su mujer, un angustiado Mahler acude con
renuencia a la consulta de Freud. El film alterna el relato alucinado del músico sobre su tormentosa
relación amorosa, con las vicisitudes de su breve relación con el padre del psicoanálisis.

Sábado 23/6 17 hs. Hiroshima mon amour (Alain Resnais, 1959)

Hiroshima mon amour conserva aún hoy la capacidad de impactar como en el momento de su estreno.
Nunca antes se había filmado una historia de amor de ese modo, ni se había logrado una articulación
tan bella entre literatura y cine, y entre tragedia colectiva e individual. El poético guión de Marguerite
Duras es transformado por Alain Resnais en una poesía de imágenes y música en vez del mero anclaje
de un texto literario a escenas que lo ilustran. Y la imposibilidad de hablar del horror de Hiroshima se
vuelve el recurso para elaborar una pérdida singular.

Sábado 28/ 7 17 hs. Medea (Lars Von Trier, 1988)

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Basada en un guión de Carl Dreyer sobre la tragedia de Eurípides, Lars Von Trier hace una Medea que
ya no ocurre en la soleada Grecia, sino en una brumosa y medieval península de Jutlandia. Casi
despojado de la palabra, el film no deja de ser la Medea de Eurípides, sólo que transpuesta en
imágenes hermosas y terribles. Si la palabra es mediadora y pacificadora en la relación especular, hay
un doble fracaso de la palabra en esta tragedia que transcurre desde la lucha de Medea por el
reconocimiento del lugar que tenía para Jasón, a su caída como objeto repudiado, que signa su decisión
por la venganza. Pasaje de la pasión amorosa al odio sin medida, del que Von Trier –a diferencia de
Eurípides- no nos ahorra el horror último que conlleva.

Sábado 25/8 17 hs. Los amantes del círculo polar (Julio Medem, 1998)

En Los amantes del Círculo Polar el director español Julio Medem propone una reflexión sobre el
amor romántico, la convicción en la omnipotencia del deseo como condición absoluta, la pasión
idealizada, la creencia en el destino y en la unión perfecta, así como aquello que ilusoriamente vela: lo
real traumático de la pérdida, lo azaroso, lo efímero, el desencuentro, el sinsentido y la muerte. Film
que invita al espectador a ser arrastrado por la ilusión de la pasión romántica, para ser finalmente
curado de la misma a partir de lo real de una mirada que nos interpela.

Sábado 22/9 17 hs. La edad de la inocencia (Martin Scorsese, 1993)

La edad de la inocencia es el film de Scorsese más cercano al espíritu de las obras de Henry James, en
las que un silencio, un gesto o un sobreentendido tienen consecuencias catastróficas sobre las vidas de
los personajes, mientras que nada ha sucedido aparentemente en la escena cotidiana. De esa estofa está
hecha esta historia de traición al deseo en favor de la culpa, la moral social y las falsas suposiciones de
las intenciones del otro. Daniel Day Lewis encarna aquí a un caballero idealista cuyo pecado será la
inocencia, por no querer asumir la responsabilidad por el deseo.

Sábado 27/10 17 hs. Sé adonde voy (Michael Powell, 1945)

Si el sujeto cree saber adonde va, son los sueños, equívocos y actos fallidos los que lo pueden poner
sobre la pista del deseo. Bellísimo film de Michael Powell, I know where I´m going aborda el miedo al
amor en tanto supone poner en juego la propia falta, a partir de la historia del encuentro azaroso de una
mujer prometida a un millonario y un hombre que teme caer en las redes del amor. El mito y el azar
van a poner a prueba las certezas de cada uno respecto del deseo que los habita. Y los sublimes
paisajes de Escocia van a oficiar de acompañamiento de los fantasmas de los personajes.

Sábado 8/12 17 hs. Le septième ciel (Benoît Jacquot, 1997)

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Séptimo cielo es el retrato de Mathilde y Nico, un feliz matrimonio de jóvenes profesionales y padres
de un hermoso hijo de 6 años, que gozan de una situación económica acomodada. Sólo que están muy
lejos de tocar el cielo: ella es frígida, cleptómana y tiene desmayos sin saber por qué. El encuentro con
un misterioso doctor que practica la hipnosis llevará a Mathilde a revisar su propia historia familiar, y
a encontrar una cura a sus síntomas. Sólo que esto a su vez repercutirá en la relación con su marido. El
director francés Benoît Jacquot, quien realizara el documental televisivo Jacques Lacan: la
psychanalyse, filma como un relato a la vez naturalista y enigmático, esta historia de desencuentro
matrimonial y las vías posibles de suturar la no relación sexual.

CICLO PSICOANÁLISIS & CINE 2017: LOCURAS DE AMOR

Lacan planteaba en el seminario La transferencia acerca del cine: “Platón estaría encantado con esta
invención. No hay mejor ilustración para las artes de lo que Platón sitúa en el origen de su visión del
mundo. Lo que se expresa en el mito de la caverna lo vemos ilustrado a diario mediante esos rayos
danzantes que manifiestan en la pantalla todos nuestros sentimientos que permanecen en el estado de
sombras. Y esta dimensión le corresponde hoy día en el arte, de la forma más eminente, la defensa y la
ilustración del amor”. Esta ilustración del amor y sus impasses, desvíos, intensidades, son uno de los
ejes narrativos casi omnipresentes en el cine. El presente ciclo se propone recorrer algunas películas
destacables por su capacidad de interpelarnos, sorprendernos y conmovernos como espectadores.
Todas ellas son historias de amor. Y como tales, durante un rato, nos harán amar. Todas ellas nos
transportarán a la zona gris entre deseo y goce, amor y muerte, angustia y pasión. A opciones
alienantes, pérdidas imposibles de perder, malentendidos trágicos o cómicos y fantasías románticas de
encuentros que colmen el sentido de la existencia al precio de la locura.

Sábado 18/3: STRELLA (Panos Koutras, 2009)

Las relaciones pasionales entre un ex presidiario y una prostituta trans son la excusa del director griego
Panos Koutras para proponer un auténtico manifiesto Queer que cuestiona el orden sexual y de género
vigentes. Presentada como una comedia dramática de toques almodovarianos que se desarrolla en los
bajos fondos de una Atenas demasiado parecida a Constitución, el film se erige como una crítica al
psicoanálisis, la antropología estructural, la tragedia griega y a todo el orden sexual
establecido. Strella lanza un desafío al psicoanálisis que éste debe recoger.

Sábado 22/4 AMBICIONES QUE MATAN (George Stevens, 1951)

Considerada una de las grandes películas de la historia del cine, A place in the sun de George Stevens
se basa en la novela An american tragedy de Theodore Dreiser, que se inspiró en un crimen ocurrido
en el estado de Nueva York en 1906. La adaptación de Stevens se aparta de la novela, en tanto para el
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director la historia es menos una tragedia social que una tragedia del deseo. El drama de George
Eastman ejemplifica lo que Lacan señalaba en su seminario La ética del Psicoanálisis a propósito de la
culpa: “… aquello de lo cual el sujeto se siente efectivamente culpable cuando tiene culpa… es
siempre, en su raíz, de haber cedido en su deseo”. El film muestra el recorrido de un sujeto que se
traiciona respecto del deseo en favor del bien. Sólo que el bien por el que se cede conduce al mal.

Sábado 27/5 CARTA DE UNA DESCONOCIDA (Max Ophüls, 1948)

Letter from an unknown woman propone una pregunta en torno de los límites entre amor y
enamoramiento, entre fantasía de deseo, la locura amorosa y la realidad. El romanticismo exacerbado
que trasunta el film de Ophüls renueva los interrogantes en torno del misterio del amor, de sus
condiciones de producción, del lugar que ocupa el fantasma y del oscuro vínculo entre pasión amorosa
y muerte. Y tras el tema de la locura de amor, el film desliza otro: el de la responsabilidad ética por el
deseo.

Sábado 24/6 M. BUTTERFLY (David Cronenberg, 1993)

Pocos directores de cine se han tomado tan en serio el problema de la identidad y la diferencia como el
canadiense David Cronenberg. Toda su obra constituye una inquietante inmersión en los problemas y
paradojas de la identidad corporal, sexual, mental y social. ¿Qué es la identidad sexual? ¿Qué es ser
“yo”? ¿Qué es el cuerpo? ¿Qué es la relación sexual? ¿Qué implica para el propio yo el amar a otro?
En su film M. Butterfly asistimos a la progresiva transformación de un sujeto en su propia identidad a
partir de enamorarse de lo que cree es una geisha que le evoca a Madame Butterfly. Sólo que es el
soporte de un fantasma y de un delirio amoroso, al mismo tiempo que su locura de amor abre a la
pregunta de qué es una mujer.

Sábado 29/7 HER (Spike Jonze, 2013)

Perturbadora historia de amor en el que un hombre se enamora de un programa de computadora que

simula una voz femenina, el film de Spike Jonze muestra en Her la dimensión fantasmática del
enamoramiento, así como su carácter fetichístico y narcisista. El mundo futurista que nos ofrece Jonze
es alienante, melancólico y egocéntrico, al punto de abrir al problema de si el amor tiene futuro en
nuestra cultura. Her parece encarnar la versión irónica del amor en el sentido lacaniano: dar lo que no
se tiene a alguien que no lo es.

Sábado 26/8 LA HABITACIÓN VERDE (François Truffaut, 1978)

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La habitación verde es una de las mejores y menos conocidas películas del director francés François
Truffaut. Basada libremente en los relatos de Henry James El altar de los muertos y La bestia en la
jungla, conforma con Las dos inglesas y el amor y La historia de Adela H. su “Trilogía de las llamas”.
Película oscura y lúgubre como su tema –un periodista viudo decide conservar viva la memoria de su
fallecida esposa y se obsesiona con los muertos- constituye una lúcida reflexión en torno del problema
y los impasses del duelo.

Sábado 23/9 LA HEREDERA (William Wyler, 1949)

Basada en la novela de Henry James Washington square, el film de Wyler constituye una magnífica
adaptación cinematográfica de la historia de Catherine Sloper, la hija sencilla, tímida y poco agraciada
de un acaudalado medico que la pretende proteger de seductores ventajeros que la quieran conquistar
por su dinero. El encuentro de Catherine con Morris, un joven atractivo que dice amarla, la pondrá en
conflicto con su padre, que no cree que sea posible que Morris se enamore de ella. Magnífico ensayo
psicológico ambientado en el siglo XIX, Catherine encarna a la mujer enamorada que se encuentra en
la encrucijada entre el mal-decir de un padre que la condena a la soltería, y la falta de garantías del
amor del otro.

Sábado 28/10 LA MUJER DE LA PRÓXIMA PUERTA (François Truffaut, 1981)

Penúltima película de François Truffaut, rodada en 1981 con Fanny Ardant y Gerard Depardieu, La
mujer de la próxima puerta es una historia de amor fou de despojada belleza que concentra las
constantes temáticas y estilísticas del director francés, llevándolas a su extremo y conclusión: las
paradojas de la insatisfacción amorosa, la pasión llevada hasta su límite autodestructivo, la mujer
como foco de fascinación y de perturbación para el hombre, la locura…

Sábado 25/11 UNA RELACIÓN PARTICULAR (Frédéric Fonteyn, 1999)

El malentendido del amor y del goce nunca fue tan sutilmente tratado como en el film de Fonteyn: dos
desconocidos acuerdan encontrarse a través de un aviso para gozar sexualmente y sostener su
anonimato. Solo que cada uno no puede evitar –y se resiste a reconocer- que en estos encuentros
despunta la dimension de un más allá del goce de los cuerpos. Algo que hace que el otro adquiera una
dignidad que excede el lugar de mero objeto. Despunte del amor con el que tienen que vérselas cada
uno en la relación con el otro. Sutil e inteligente tratamiento del (des)encuentro amoroso, Una relación
pornográfica (ese es su título original) presenta una relación que no cesa de no escribirse.

CICLO PSICOANÁLISIS & CINE 2016: PSICOANÁLISIS Y EL MAL

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En Kant con Sade, Lacan plantea que “Si Freud pudo enunciar su principio de placer sin tener siquiera
que señalar lo que lo distingue de su función en la ética tradicional (…), no podemos por menos de
rendir por ello homenaje a la subida insinuante a través del siglo XIX del tema de la ‘felicidad en el
mal”. La felicidad en el mal reconoce un antecedente en los ideales de la Ilustración durante el siglo
XVIII. Jean-Jacques Rousseau defiende la concepción de un hombre “natural” bueno al que la
civilización corrompe, alentando así una liberación naturalista del deseo. Renace entonces una ética
hedonista bajo la figura del libertino: alguien que por ejercicio de la libertad pone a sus inclinaciones
placenteras por encima de la moral y el deber de la vida social. Esta lucha por la liberación del deseo
en nombre de la naturaleza lleva a una defensa de las perversiones sexuales y la amoralidad social,
cuyo paradigma encarna Sade. Éste sostendrá que se está bien en el mal, ya que la práctica del crimen
implica actuar conforme a la naturaleza, cuyo principio es la destrucción.

Lacan señala que esta liberación “natural” del deseo termina en fracaso: si se actúa conforme a la ley
de la naturaleza ¿dónde estaría la libertad? ¿Y dónde la transgresión que es fuente de goce? Para ello,
los libertinos se ven llevados a reintroducir a Dios y a la moral, como condición para poder sostener
una acción transgresiva. Durante el siglo XIX, con el Romanticismo, el arte desplegará
progresivamente una estética de la maldad, donde el horror es fuente de placer y lo bello queda
asociado a lo sublime: lo doloroso, lo tormentoso, lo excesivo, lo mortífero. La figura de Satán, que en
Milton era celebrada como símbolo de una energía original perdida, pasa en el siglo XIX -de la mano
de autores como Byron, Baudelaire, Lautreamont, o Dostoievski- a ser la encarnación de una fuerza
vital creadora y maldita que se rebela contra Dios y la sociedad. El mal como movimiento creador y
positivo se erige contra la hipocresía moral, la opresión política y los cánones estéticos gastados, a
favor de las fuerzas instintivas reprimidas por la sociedad. La “subida insinuante del mal” anticipa el
descubrimiento freudiano de un más allá del principio del placer, así como la paradoja de la conciencia
moral superyoica, que lejos de poner un límite a la exigencia pulsional, ordena gozar.

Con el siglo XX, la figura del mal ha dejado de tener el sentido religioso del mundo antiguo y
medieval, de rebeldía glamorosa que el romanticismo le había otorgado, o de encarnación de algún
espíritu fáustico, para devenir horror banal y anónimo. Tema omnipresente en el cine, hemos
seleccionado algunos films que nos permitan abordar el problema del mal desde el psicoanálisis, vale
decir, la posición ética del sujeto respecto del Otro y de lo real como imposible.

30 se abril – Experimenter (Michael Almereyda, 2015)

Centrada en la vida de Stanley Milgram y su célebre y controvertido experimento de psicología

social, Experimenter superpone el debate ético en torno de los límites de la experimentación con el
tema de fondo que interesó a Milgram y que, en la misma época, Hannah Arendt desde la filosofía

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política nombró como “la banalidad del mal”. PELICULA NO ESTRENADA

28 de mayo – Recuerdos secretos (Remember, Atom Egoyan, 2015)

El último film del aclamado director Atom Egoyan constituye una aguda reflexión acerca de la
memoria y la responsabilidad. A partir de un pacto de venganza entre dos ancianos sobrevivientes de
la Shoah que han planeado no dejar impune el crimen cometido sobre sus familias por un oficial nazi
que logró fugarse al final de la guerra, Egoyan construye una original y atrapante narración sobre el
mal y la posición del sujeto frente al mismo. El periplo de Zev en busca de venganza se torna un viaje
al pasado a través de los restos de un presente que conserva aún las marcas del horror: en una clínica
de internación, en la casa de un anciano, en el medio de una cabaña, o en los acordes al piano de una
pieza de Mendelssohn o de Wagner.

25 de junio – El lector (The reader, Stephen Daldry, 2008)

Reflexión en torno de la responsabilidad alemana por la Shoah, El lector se inicia con una historia de
despertar sexual de un adolescente con una mujer atractiva y enigmática que guarda el secreto
vergonzoso de su analfabetismo. Encarnación de dos generaciones de alemanes, la que participó del
genocidio y la que nació heredando el peso de ese pasado, el film nos confronta con el problema de la
culpa y la responsabilidad a través de ese personaje paradójico que encarna Kate Winslet: una inocente
culpable, alguien que es incapaz de leer – también – su posición en relación al Otro y al acto.

30 de julio – Crimen a las 7 (The couch, Owen Crump, 1962)

Film injustamente olvidado de Owen Crump, El diván sorprende por ser un atrapante thriller
psicológico en el que el psicoanálisis es la excusa para construir una trama de suspense. Con guión de
Blake Edwards – el recordado director de Desayuno en Tiffany´s – el film resulta indirectamente una
muestra de cierto modo de entender la clínica que Lacan objetaba. Las razones cinematográficas de
hacer un film de suspenso terminan llevando la trama a un terreno en que involuntariamente se
desarrolla una crítica a esa manera de entender la dirección de la cura que campeaba en el
postfreudismo. Aquel en el que las buenas intenciones basadas en los ideales terminan siendo una vía
hacia lo peor.

27 de agosto – Una historia inmortal (Histoire immortelle, Orson Welles, 1968)

Una historia inmortal es uno de los films más bellos y menos vistos de Orson Welles. Basado en un
cuento de Isak Dinesen, Welles encarna a Mr. Clay, uno de esos malvados “más grandes que la vida”
que tanto le atraían. La trama gira en torno de un rico comerciante de Macao, que para cumplir sus

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sueños de omnipotencia, decide materializar una leyenda que él había creído verídica. Se trata, para
este Amo, de volver real un mito, ser el Demiurgo que realice por su voluntad, el paso de la ficción
simbólica a lo real. El resultado es la puesta en escena de la verdad del discurso Amo, y que un no
incauto de lo inconsciente siempre yerra.

24 de septiembre – Juicio a Dios (God on trial, Andy De Emmony, 2008)

Totalmente ambientada en la barraca de un campo de concentración durante la Segunda Guerra

Mundial, los deportados que esperan el amanecer para ser ejecutados por el mero hecho de ser judíos
se interrogan, ante la inminencia de la muerte, por la responsabilidad de Dios en el trágico destino que
les espera. Un improvisado juicio se desarrolla entonces, con jueces, defensores, fiscales y testigos,
para decidir si Dios es culpable o inocente de la Shoah. God on trial se erige así como una formidable
reflexión en torno del lugar del Otro y de la posición ética del sujeto ante el horror.

29 de octubre – Código de honor (The pledge, Sean Penn, 2001)

Durrenmatt escribe “La promesa” como un ejercicio de deconstrucción irónica de la novela policial,
en la que la lógica deductiva del detective, así como los principales tópicos de la novela de
investigación, llevan hacia un final doblemente paradójico y desencantado respecto de la razón. La
excelente adaptación cinematográfica de Sean Penn hace de la novela el recurso para plantear los
impasses entre el deseo y el deber, y para mostrar la paradoja que ya Lacan señalara: de que no hay
ética del bien sino en el mal y por el mal.

26 de noviembre – La mirada del silencio (The look of silence, Joshua Oppenheimer, 2014)

Si The act of killing dirigía la mirada hacia los perpetradores de un genocidio, The look of silence lo
hace hacia las víctimas. Adi es un optometrista cuyo hermano mayor fue asesinado en las masacres de
Indonesia de 1965. Él nunca lo llegó a conocer, pero el recuerdo traumático de su muerte sigue
afectando a su familia. Habiendo colaborado con Oppenheimer en la realización de The act of killing,
le pide que lo acompañe a filmar los encuentros que tiene con todas las personas que participaron en la
muerte de su hermano, a la espera de obtener algún tipo de reconocimiento por lo acontecido y, tal vez,
alguna forma de reconciliación. Al llevar a cabo esta tarea, Adi no busca retaliación, sino comprender,
pero también hacer entender al otro, que lo que hizo constituye un crimen brutal. Oppenheimer
propone con este documental una “mirada sobre el silencio” de un genocidio negado hasta hoy por el
Estado Indonesio. PELICULA NO ESTRENADA

CICLO 2015. La propuesta fue alternar dos perspectivas:

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1. “El psicoanálisis desde el cine” abordó algunos films emblemáticos en los que el cine ha
plasmado al psicoanálisis como tema, para analizar el modo particular en el que el cine ha
transmitido –para bien o para mal- una imagen o idea de lo que es el psicoanálisis.
2. “El cine desde el psicoanálisis” abordó algunos films que han sido de interés para su análisis
por parte de Freud o Lacan.

23/5: El psicoanálisis desde el cine

El psicoanálisis es infilmable: Secretos de un alma (Georg Wilhelm Pabst) (1926)

Secretos de un alma es el primer film que trata sobre una terapia psicoanalítica. Realizado en
colaboración con Karl Abraham y en contra de los deseos de Freud, constituye un triunfo
cinematográfico un poco datado, en el que la ilusión de Abraham acerca de la difusión popular de la
teoría freudiana se gana al precio de una inevitable banalización. El célebre director Georg W. Pabst
demuestra sin embargo un especial talento para hacer algo más que meramente filmar el caso que
proponen Abraham y Sachs.

27/6: El cine desde el psicoanálisis

El doble y lo ominoso: El estudiante de Praga (Paul Wegener) (1913)

En 1913 se estrenó El estudiante de Praga, el primer film importante de la cinematografía alemana y

un antecedente de lo que será el cine expresionista alemán. Interpretada y dirigida por Paul Wegener
junto a Stellan Rye, el film plasma el tema del Doppelganger, término alemán que designa al doble
fantasmagórico de una persona viva. Estimulado por la visión del film, Otto Rank se interesa por el
tema y en 1914 publica El doble en la revista Imago, el mismo año en que Freud escribe Introducción
del narcisismo. Si el film puede despertar aún hoy interés entre los psicoanalistas es por ser la única
referencia cinematográfica hecha por Freud a lo largo de su obra. En Lo siniestro Freud señala la
presencia del doble como una situación capaz de despertar el sentimiento de lo ominoso. Propone la
hipótesis de que si el doble es una presencia inquietante es porque encarna las aspiraciones del yo
sofocadas y no realizadas. Y toma como ilustración el film de Wegener. A cien años de su
realización, El estudiante de Praga resulta una ocasión para volver sobre el doble y su relación con el
narcisismo.

25/7: El psicoanálisis desde el cine

El psicoanálisis como thriller: Spellbound (Alfred Hitchcock) (1945)

“Yo quería únicamente rodar el primer film de psicoanálisis”, le dirá Alfred Hitchcock a Francois
Truffaut en agosto de 1962 a propósito de Spellbound. A pesar de ese deseo, llega segundo –Pabst ya
lo había ya hecho en 1926-. Pero Spellbound es más recordado, no sólo por la bien ganada fama del

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director inglés y la colaboración de Salvador Dalí, sino también por el modo como hace del
psicoanálisis un “MacGuffin” en cuyo centro gira el verdadero objeto de obsesión del director inglés:
no el psicoanálisis, sino la mujer. Que para esa época tenía por nombre Ingrid Bergman.

29/8: El cine desde el psicoanálisis

Discurso universitario y perversión: El joven Torless (Volker Schlondorff) (1966)

Basada en la célebre novela de Robert Musil Las tribulaciones del estudiante Torless, el film de
Schlondorff nos invita a introducirnos en un internado militar para jóvenes del imperio austro-húngaro
de fines del siglo XIX, para seguir el proceso de iniciación de un adolescente en los misterios de la
sexualidad, la crueldad y el sometimiento. También –por vía de las matemáticas- en la castración del
Otro. El film es una de las pocas referencias cinematográficas de Lacan a lo largo de su obra: “Ustedes
se darán cuenta de que cuando el estudiante es un poco fino puede tener las más grandes relaciones
entre el día en que su maestro de escuela se enreda lamentablemente para darle cuenta de lo que
respecta a los números imaginarios y el hecho de que se precipita como por casualidad en ese
momento en una configuración propiamente perversa de sus relaciones con sus compañeros” (clase
del 8 de junio de 1966).

26/9: El psicoanálisis desde el cine

Condescender al amor de transferencia: Un método peligroso (David Cronenberg) (2011)

A pesar de lo que podría sugerir el título del film de David Cronenberg, el tema de Un método
peligroso no es la terapia psicoanalítica. Lo “peligroso” en el film es la transferencia, vale decir, ese
particular vínculo que se instala en la relación analítica y que constituye el recurso a través del cual la
terapia logra alcanzar sus metas. Transferencia tratada en el film no como obstáculo, resistencia, o
recurso en la clínica. Tampoco como amor al saber, amor resistencial, o concepto fundamental del
psicoanálisis, sino como el peligro de entrar en una relación de imparidad subjetiva y quedar sometido
a la voluntad de otro. El poder de controlar la voluntad y los deseos de otros, el peligro a la pérdida de
la libertad y la identidad, el advenimiento de nuevas formas de subjetividad producto de una inmixión
mental o física entre sujetos, la sexualidad como desborde de goce que rompe los límites del yo y
transforma a los sujetos, son temas recurrentes en la obra cinematográfica del director. El problema del
manejo de la transferencia instala centralmente el punto de cruce entre clínica y ética, y abre la
pregunta por el deseo del analista y las metas de la cura. En Un método peligroso, la relación de
dependencia transferencial y los riesgos que conlleva su mal manejo se vuelven un objeto
cronenbergiano.

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24/10: El cine desde el psicoanálisis

Leer psicoanalíticamente el cine: The pervert´s guide to cinema (Sophie Fiennes & Slavoj Zizek)
(2006)

La abundante obra de Slavoj Zizek es generosa en referencias cinematográficas leídas desde las
categorías lacanianas. Desde Todo lo que usted siempre quiso saber sobre Lacan y nunca se atrevió a
preguntarle a Hitchcock, las intervenciones del filósofo esloveno han renovado el interés por el
psicoanálisis aplicado al cine y han multiplicado la producción escrita sobre el tema. El film de Sophie
Fiennes toma a Zizek como pensador y personaje para pasearnos por su particular manera de
interpretar films, en un recorrido tan apasionante como polémico.

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